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Orientador: Nelson Alfredo Aguilar Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas Resumo: A presente pesquisa de Doutorado tem como objetivo principal analisar o cenário crítico-artístico latino-americano nos anos de 1970 e tentar elucidar as questões que nortearam o debate sobre a arte produzida no continente no mesmo período, especialmente no que concerne à produção da crítica de arte. Debate este que colocou em dúvida os cânones da historiografia da arte vigente e propôs uma revisão dos fundamentos teóricos que procuravam responder a demandas sociais, políticas e culturais, observados desde meados da década de 1960. Dentre os temas mais abordados na discussão do período, encontra-se a persistente divisão do sistema de arte entre núcleos produtores artísticos considerados centrais em contraposição aos periféricos. O embate entre uma produção hegemônica e outra que se pretendia autônoma, tornar-se-á objeto de análise dos principais teóricos do continente no referido decênio. A pesquisa se concentra em estudar os caminhos pelos quais o cenário latino-americano transitou para gerar o debate e a busca por reformulação teórica, os principais apontamentos levantados pela crítica de arte do período e as conclusões e ações propostas ao fim do processo. Para tanto, a composição da tese dar-se-á pela análise tanto do contexto político-social, no qual críticos e artistas latino-americanos atuavam, quanto dos discursos levantados em um dos mais significativos eventos realizados no período, o Simpósio de Literatura e Artes Plásticas de Austin, em 1975, nos Estados Unidos Abstract: The main objective of this Doctoral research is to analyze the Latin American art-critical scenario in the 1970s and to elucidate the questions that guided the debate on the art produced in the continent in that same period, especially with regard to the production of art criticism. This debate has cast doubt on the canons of current art historiography and proposed a review of the theoretical foundations that sought to respond to social, political, and cultural demands observed since the mid-1960s. Among the most discussed topics in the period is the persistent division of the art system between artistic producing nuclei considered central as opposed to peripheral ones. The clash between a hegemonic production and another that was intended to be autonomous would become the object of analysis by the main theorists of the continent in that decade. The research focuses on studying the paths taken by the Latin American scenario to generate debate and the search for theoretical reformulation, the main points raised by the art critic of the period, and the conclusions and actions proposed at the end of the process. For this purpose, the composition of the thesis will be given by the analysis of both the political-social context, in which Latin American critics and artists worked, as well as the speeches raised in one of the most significant events held in the period, the Symposium of Literature and Plastic Arts in Austin, in 1975, in the United States Doutorado História da Arte Doutora em História CNPQ 140146/2017-2

Orientador: Nelson Alfredo Aguilar Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas Resumo: Esta tese propõe-se a investigar questões da produção artística de Amilcar de Castro a partir de um período específico de sua trajetória. Depois de contemplado pela Bolsa Guggenheim, em 1967, muda-se para os Estados Unidos e lá se depara com o surgimento e consolidação da "Minimal Art", o que o leva a fazer comparações com o Neoconcretismo brasileiro. Tais aproximações são possíveis? A pesquisa trata, além de Amilcar de Castro, do Neoconcretismo; do Minimalismo; da repercussão da 8ª Bienal de Arte de São Paulo, que apresentou obras de artistas ligados ao Minimalismo ao público brasileiro; da estadia de Amilcar e demais artistas brasileiros em solo norte-americano e do debate e dificuldades de comparações entre Neoconcretismo e Minimalismo Abstract: This thesis proposes to investigate questions in the artistic production of Amilcar de Castro from a specific period of his career. After being awarded the Guggenheim Fellowship in 1967, he moved to the United States and there he encountered the emergence and consolidation of Minimal Art, which led him to make comparisons with Brazilian Neoconcretism. Are these approximations possible? The research deals, in addition to Amilcar de Castro, with Neoconcretism; Minimalism; tehe repercussion of the 8th Bienal de Arte de São Paulo, wich presented works by artists linked to Minimalism to the Brazilian public; the stay of Amilcar and other Brazialian artists in the USA and the debate and difficulties of comparisons between Neoconcretism and Minimalism Doutorado História da Arte Doutor em História CNPQ 165656/2017-4

Orientador: Maria de Fatima Morethy Couto Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: O trabalho analisa as ¿paisagens imaginantes¿ de Alberto da Veiga Guignard, verificando a sua importância a partir dos anos 90 e, principalmente, no contexto de sua produção. A proposta é compreender esse conjunto de obras tanto em sua qualidade plástica quanto contextual, dialogando com as observações da época e a crítica mais recente. Assim, a presente tese inicia com um panorama do contexto intelectual do Rio de Janeiro no período em que Guignard viveu nesta cidade (1929-1943), com o círculo de literatos em torno do pintor Ismael Nery e sua influência sobre parte da produção de Guignard até 1934, bem como as conceituações teóricas, estéticas e ideológicas do Movimento Modernista Brasileiro, na discussão em torno das idéias de Mário de Andrade, Oswald de Andrade e Graça Aranha e em suas indicações de possíveis soluções plásticas e temáticas para as artes visuais. Depois, a partir dos ¿retratos populares¿ de Guignard, verifica como a sua produção se posiciona em relação à proposta de construção da identidade brasílica, investigando o desenvolvimento das idéias nacionalistas em Mário de Andrade e suas opções artísticas como crítico de arte e, principalmente, observando a sua recepção à obra de Guignard. Encontra-se também o posicionamento da crítica brasileira dos anos 80 e 90, que impôs novos parâmetros com a revisão do modernismo e buscou recolocar a obra de Guignard a partir de outros critérios valorativos, os quais, em grande parte, são emprestados de modelos utilizados para demarcar os limites estéticos das vanguardas européias e norte-americana que, confrontados à pintura de Guignard, revelam-se inadequados, ao menos quando entendidos como unívocos. As ¿paisagens¿ são, dessa forma, indicadas como a parte da produção do artista onde se dá o encontro das chaves interpretativas mencionadas, suas soluções plásticas em conluio com o pensamento estético e as tensões ideológicas. A ¿paisagem¿ constitui-se como um tema onde tem lugar a continuidade de uma caracterização nacional, numa elaboração de espacialidade específica, inerente à sua pintura. Visando investigar essas afirmações, há um capítulo especialmente dedicado à análise do conteúdo plástico no desenvolvimento das paisagens de Guignard, a partir de suas ¿vistas¿ e o processo de elaboração de suas características espaciais: enquadramento, posicionamento do espectador à distância e deslocamento da profundidade em planos paralelos. Por fim, a pesquisa apresenta o processo de imaginação da paisagem, base de constituição da poética de Guignard: no cruzamento de uma espacialidade que tende cada vez mais à verticalização dentro do plano pictórico e um universo temático derivado da busca pela identidade brasílica. Processo esse que se desdobra invertendo a direção do olhar, interiorizando os conteúdos e produzindo cenários da intimidade Abstract: The work analyzes the ¿imaginary landscapes¿ of Alberto da Veiga Guignard, examining their importance from the nineties on, and mainly in the context of his production. The proposal is to understand his works as a whole in their plastic and contextual qualities, dialoguing with the observations of the time and the most recent critic. Thus, the present thesis begins with a panorama of the intellectual context of Rio de Janeiro in the period when Guignard lived in this city (1929-1943), with a circle of writers orbiting around painter Ismael Nery and his influence on part of Guignard¿s production up to 1934, as well as, the theoretical, aesthetic and ideological concepts of the Brazilian Modernist Movement, in the debate of ideas exposed by Mário de Andrade, Oswald de Andrade and Graça Aranha and in the indications of possible plastic and thematic solutions for the visual arts. Then, from the ¿popular portraits¿ of Guignard, this thesis verifies how his production is positioned in relation to the proposal of construction of the ¿brasílica¿ identity, investigating the development of the nationalist ideas of Mário de Andrade and his artistic options as art critic and, mainly, observing his acceptance of the work of Guignard. It is also mentioned, the positioning of the Brazilian critic in the 80s and 90s, which imposed new parameters with the revision of the modernism and tried to contemplate the work of Guignard on basis of new criteria, that were borrowed from models used to demarcate the aesthetic limits of the European and North American vanguards, that when confronted with the painting of Guignard, proved to be inadequate, at least when understood as univocal. The ¿landscapes¿ are, in this way, described as the part of the artist's production where there is the encounter of the mentioned interpretative keys, their plastic solutions along with the aesthetic thought and the ideological tensions. The ¿landscape¿ is the constitution of a theme where there is room for continuity of a national characterization, in an elaboration of specific space approach, inherent to his painting. With the idea of investigating these statements, there is a chapter especially dedicated to the analysis of the plastic content in the development of the landscapes of Guignard, starting from his ¿views¿ and the process of elaboration of his space characteristics: framing, positioning of the spectator from the distance and displacement of the depth in parallel plans. Finally, the research presents the process of imagination of the landscape, base of Guignard¿s poetics: in the crossing of a space approach that tends more and more to the verticalism inside of the pictorial plan and a derived thematic universe of the search for the ¿brasílica¿ identity. A process that unfolds itself inverting the direction of the glance, internalizing the contents and producing sceneries of intimacy Doutorado Doutor em Artes

Orientador: Maria de Fatima Morethy Couto Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Os Salões de Arte Contemporânea de Campinas aconteceram no Museu de Arte Contemporânea de Campinas de 1965 a 1977, sendo posteriormente retomados, em duas edições, nos anos 1980. Inicialmente realizados nos mesmos moldes de um salão tradicional foram, ao longo de suas edições, modificando seu caráter e sua estrutura. O certame pretendia, além de mostrar a produção de arte emergente naquela época, discutir como deveria ser organizado um Salão de Arte. Tais eventos, que no início obtiveram pequeno destaque, aos poucos se transformaram em acontecimentos de grande relevância, procurados por artistas do Brasil todo. Podemos dividir as exposições em dois momentos: no primeiro, de 1965 a 1969, as obras eram inscritas nas categorias estéticas tradicionais. No segundo, houve uma grande preocupação dos organizadores da mostra em atualizá-la, assim como acontecia em exposições de mesmo caráter em outros locais do Brasil, como em São Paulo e Rio de Janeiro. O estudo faz um levantamento da trajetória destas exposições, realizadas nos anos 1960 e 70, procurando dar ênfase às diretrizes que as nortearam e ao tipo de arte que abrigaram Abstract: The Campinas Contemporary Art Salons took place in the Campinas Contemporary Art Museum from 1965 to 1977, being afterwards resumed in two editions in the 1980s. Initially realized in the same moulds of a traditional salon, they gradually modified their character and structure in the course of its editions. Besides showing the emergent art production of that time, the initiative aimed at discussing how an Art Salon should be organized. Such events, which initially obtained little prominence, gradually became highly relevant happenings, attracting artists from all parts of Brazil. We can divide the exhibitions into two moments: in the first, from 1965 to 1969, the artworks were inscribed in the traditional aesthetic categories. In the second, there was a great concern from the show¿s organizers in updating it, as it was happening in exhibitions of the same kind in other venues in Brazil, such as São Paulo e Rio de Janeiro. The study surveys these exhibitions¿ trajectories, realized in the 1960s and 70s, highlighting the rules which guided them and the kind of art they sheltered. Mestrado Mestre em Artes

Orientador: Paulo Mugayar Kuhl Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A proposta desta dissertação é um estudo sobre a obra de José Ferraz de Almeida Júnior, abordando questões discutidas pela crítica que se referem a pontos polêmicos de sua produção. Este estudo trata a produção regionalista do pintor, reconhecida pelos críticos e apontada como marco divisório para a arte nacional. Nessa perspectiva, este trabalho procura analisar alguns aspectos relevantes dessas obras, a fim de compreender o contexto em que surgiram, as diferentes avaliações críticas que receberam e o papel que tiveram no processo de renovação do panorama artístico brasileiro Abstract: The proposal of this dissertation is a study on the work of José Ferraz de Almeida Júnior, approaching issues discussed by the critics which refer to controversial aspects of his production. This study portrays the painter¿s ¿regionalista¿ production, recognized by the critics and pointed out as a dividing mark for the national art. In that perspective this writing analyzes some relevant aspects of these works in order to understand the context in which they appeared, the different critical evaluations that they received and the role they had in the renewal process of the Brazilian artistic panorama Mestrado Mestre em Artes

Orientador: Marco Antonio Alves do Valle Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: O presente estudo apresenta dois tipos de intervenção artística no espaço urbano que se manifestam fora dos circuitos consagrados de produção e circulação da arte: a pichação e o graffiti. Pretende-se aqui expor um outro aspecto, além do marginal e transgressor, da pichação e do graffiti, que é sua riqueza como forma de expressão artística e cultural. Para tanto se faz necessário fazer a reconstrução sócio-histórica desses dois movimentos, destacando a forte influência americana. Assim, propõe-se analisar como esses movimentos se efetivam enquanto crítica social e cultural no espaço urbano e discutir as iniciativas do poder público municipal, que integram pichadores e grafiteiros, para a preservação do patrimônio histórico e cultural da cidade de Campinas-SP. Para o desenvolvimento desta pesquisa é importante além dos aspectos já elencados, definir o momento em que a pichação e o graffiti surgem no Brasil, particularmente na cidade de Campinas no contexto de sua evolução como metrópole Abstract: This work is about two kinds of urban manifestation that happen out of the oficial places of production and circulation of art: the pichação and graffiti. Here we intend to expose another character of the pichação and graffiti ¿ more than the marginal and the criminal character ¿ the artistic and cultural expression. Then, rebuilt the social history of these movements is necessary, emphasizing the strong american influence. So, we propose to analyse how these moviments take part of the urban space, as social and cultural criticism, and discuss the preservation politics of the historical and cultural patrimony of Campinas-SP that cover pichadores and graffiters. For this research is also important to emphasize the moment that the pichação and graffiti arise in Brazil, specially in Campinas in the context of its developing as metropolis Mestrado Mestre em Artes

Orientador: Maria de Fatima Morethy Couto Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, nstituto de Artes Mestrado Mestre em Artes

Orientador: Maria Jose de Azevedo Marcondes Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta dissertação de mestrado tem como objetivo analisar a interação entre as obras barrocas e a cenografia e assim, compreender o caráter da espetacularização da arte barroca conferido na Mostra do Redescobrimento ¿ Brasil 500 anos. Através desse projeto procurou-se pesquisar e analisar se esses dois pontos eram ¿compatíveis¿ e poderiam ser complementares. O início desta pesquisa se deu com a investigação sobre a origem e os princípios da arte barroca para conhecer as características estéticas e ¿funcionais¿ dessa arte. Em seguida, considerando que a mostra era constituída especificamente por obras brasileiras, buscou-se entender como esta ¿arte barroca¿ chegou ao Brasil e como esta produção artística se desenvolveu nas diversas regiões hegemônicas de nosso país. Além disso, como essa Mostra foi montada em um Museu, pesquisouse também, a origem dos museus e quais as inovações em relação à arquitetura e à organização do espaço museólogico que contribuíram para a criação e o planejamento da exposição Mostra do Redescobrimento ¿ Brasil + 500 anos. Por fim, foram reunidos todos os catálogos, artigos e críticas sobre a Mostra e o módulo propriamente ditos Abstract: This essay has the purpose of analysing the interaction between the baroque workmanships and scenography. It aims to understand the character of the baroque art spectacle presented on the ¿Brazil Rediscovery Exhibition¿. Through this project it was researched and analysed the compatibility and complementation (harmony) between the two areas. This research started with the investigation of the origin and principles of the baroque art, in order to better understand the characteristics, aesthetics and functionality of the art. Subsequently, since the sample contained only of Brazilian workmanships, it was researched the reason of how the baroque art arrived in Brazil and how this art production developed in different hegemonic regions in the country. Furthermore it was also studied how this sample was mounted in the museum, the origin of the museums and which innovations related to architecture and distribution of the space in the museum contributed to the creation and planning of the exposition ¿Brazil Rediscovery Exhibition¿. At last, it was gathered the catalogues, articles and critiques about the sample and the module itself Mestrado Mestre em Artes

Orientador: Roberto Berton de Angelo Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta dissertação propõe uma leitura da obra do artista Miguel Rio Branco por meio de um recorte da poética dos trabalhos em que utiliza o suporte fotográfico como meio expressivo. O fio condutor para a reflexão são as imagens poema que se constituem pelos aspectos sintáticos do fotográfico, pela temática e principalmente, pelas relações entre as fotografias apresentadas nos livros, nas exposições e nas instalações audiovisuais. Composta por cinco capítulos principais, a dissertação apresenta primeiramente o contexto no qual a obra do autor surge e se expande nas artes visuais no Brasil. O segundo capítulo mostra o recorte dos trabalhos selecionados para compor a análise da poética, dividida entre os três próximos capítulos. Assim sendo, o terceiro capítulo trata dos aspectos sintáticos referentes à constituição do fotográfico como a cor, a luz e a representação do espaço. O capítulo quatro aborda a temática relacionada ao tempo e suas marcas estampadas no corpo. Por fim, o quinto capítulo aponta o trabalho da edição e as relações entre as fotografias que se constituem principalmente na forma de imagens-poema. O interesse deste trabalho reside especificamente em como esta produção compõe a poética através das relações simbólicas entre as fotografias, ou seja, por meio das imagens-poema. Portanto, esta dissertação trata das operações formais e conceituais que as constituem Resumo: Esta dissertação propõe uma leitura da obra do artista Miguel Rio Branco por meio de um recorte da poética dos trabalhos em que utiliza o suporte fotográfico como meio expressivo. O fio condutor para a reflexão são as imagens poema que se constituem pelos aspectos sintáticos do fotográfico, pela temática e principalmente, pelas relações entre as fotografias apresentadas nos livros, nas exposições e nas instalações audiovisuais. Composta por cinco capítulos principais, a dissertação apresenta primeiramente o contexto no qual a obra do autor surge e se expande nas artes visuais no Brasil. O segundo capítulo mostra o recorte dos trabalhos selecionados para compor a análise da poética, dividida entre os três próximos capítulos. Assim sendo, o terceiro capítulo trata dos aspectos sintáticos referentes à constituição do fotográfico como a cor, a luz e a representação do espaço. O capítulo quatro aborda a temática relacionada ao tempo e suas marcas estampadas no corpo. Por fim, o quinto capítulo aponta o trabalho da edição e as relações entre as fotografias que se constituem principalmente na forma de imagens-poema. O interesse deste trabalho reside especificamente em como esta produção compõe a poética através das relações simbólicas entre as fotografias, ou seja, por meio das imagens-poema. Portanto, esta dissertação trata das operações formais e conceituais que as constituem Abstract: Not informed. Mestrado Mestre em Multimeios

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: O presente trabalho analisa a produção litográfica de Darel Valença Lins (1924 -) e Lotus Lobo (1948 - ) das décadas de 1970 e 1980. Estes artistas desempenharam papeis de destaque na produção e no fomento da litografia artística no Brasil a partir de contextos e referenciais distintos, no Rio de Janeiro e em Minas Gerais, respectivamente. Suas produções autorais apresentam novas direções ao passo que incorporam imagens apropriadas em suas gravuras e, ao mesmo tempo trabalham com novas soluções processuais para as impressões, de forma que suas obras enquadrem-se dentro do grupo de artistas que investigam a gravura como meio expressivo ambivalente, caracterizado pela reprodução e pela multiplicação da imagem. Suas litografias se apresentam de tal forma, que reajustam e recompõem as imagens apropriadas recodificando-as, gerando uma nova construção na qual o registro original não mais as representa, mas também não se apaga por completo, semelhantemente ao que fazem os processos cognitivos de memória Abstract: This work analyses the artwork of Darel Valença Lins (1924 -) and Lotus Lobo (1948- ) through the 1970's and 1980's. These artists played top roles in the artistic application and teaching of the lithographic printing process in Brazil, specifically in Rio de Janeiro and Minas Gerais respectively. Their personal work show new artistic investigation, placing them among the group of artists that investigate their medium technically and conceptually Doutorado Artes Visuais Doutor em Artes Visuais

Orientador: Francisco Foot Hardman Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem Resumo: Esta tese defende a relação complementar entre as práticas da literatura de viagem e da tradução, vistas como importantes divulgadores da imagem de uma literatura e de uma cultura além de suas fronteiras linguísticas e nacionais. Defendemos ainda a importância de ambas as atividades na formação da literatura nacional brasileira, por meio da atuação de importantes mediadores entre nossa nação e os centros culturais com os quais o Brasil dialogou ao longo de sua história. Para tal, abordamos a trajetória de quatro viajantes tradutores de diferentes origens nacionais e momentos históricos, proporcionando um breve panorama de nossas relações culturais com o estrangeiro. Foram selecionados para objeto de nosso estudo: o francês Ferdinand Denis, que esteve no Brasil em 1816; o inglês Sir Richard Burton, que viveu no país entre 1865-69 como cônsul britânico; o franco-suíço Blaise Cendrars, que visitou o país por três vezes, na década de 1920; e a norte-americana Elizabeth Bishop, poeta que viveu no Brasil entre 1951 e 1971. Cada um deles desenvolveu sua trajetória própria, divulgando suas imagens do Brasil no exterior, e atuando em diferentes níveis como influência junto a nossos escritores. Denis foi figura chave na origem do movimento romântico no Brasil, autor da primeira história literária a separar a literatura brasileira da portuguesa. Burton foi o pioneiro na tradução de nossa literatura para a língua inglesa. Cendrars atuou junto aos nossos escritores modernistas da primeira geração no desenvolvimento de uma arte moderna nacional brasileira. E Bishop foi uma das introdutoras da literatura moderna brasileira na língua inglesa. Reunidas, as trajetórias desses quatro viajantes-tradutores refazem um longo e importante período de nossa história cultural, mostrando de que forma a presença estrangeira tem participado no desenvolvimento de nossa literatura e cultura nacionais Abstract: This thesis advocates a complementary relationship between the practices of travel literature and translation, seen as important disseminators of the image of a literature and culture beyond their national and linguistic boundaries. We also support the importance of both activities in the formation of Brazilian national literature, through the action of important mediators between our nation and the community centers with which Brazil conversed throughout its history. For this, we examined the course of four travelers translators from different national origins and historical moments, providing a brief overview of our cultural relations with foreign countries. We have selected as the subject of our study: the Frenchman Ferdinand Denis, who was in Brazil in 1816, the Englishman Sir Richard Burton, who lived in the country between 1865-69 as British consul, the French-Swiss Blaise Cendrars, who visited the country for three times in the 1920s, and American Elizabeth Bishop, poet who lived in Brazil between 1951 and 1971. Each developed its own trajectory, spreading their own images of Brazil around the world, and acting at different levels to influence our writers. Denis was a key figure in the rise of the Romantic movement in Brazil, the first author of a literary history to separate Brazilian literature from the Portuguese. Burton was a pioneer in translating our literature into English. Cendrars worked with our first generation of modernist writers in developing a national Brazilian modern art. And Bishop was the introducer of modern Brazilian literature in English. Together, the trajectories of these four travelers-translators remake a long and important period of our cultural history, showing how the foreign presence have participated in the development of our national literature and culture Doutorado História e Historiografia Literária Doutor em Teoria e História Literária

Orientador: Anna Paula Silva Gouveia Acompanhado de 2 CD-ROM: Material de Apoio (Mídia Digital) ; Anexos (Mídia Digital) Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Ao tomar a joia como assunto, inscrevendo-a no território da arte, essa tese apresenta o campo da arte-joalheria como possibilidade de produzir e pensar esse objeto de modo poético, desobrigando-o de seu vínculo com materiais preciosos e de sua função decorativa. Nesse sentido aborda o fazer artístico em joalheria a partir de alguns pressupostos extraídos da teoria das multiplicidades de Deleuze e Guattari, desenvolvendo-os nesse território. Para isso empresta desses filósofos referências conceituais e procedimentos de pesquisa que permitem realizar um percurso que articula os conteúdos teóricos e práticos apresentados, construindo transversalidades. Sob a ótica da arte-joalheria, a pesquisa aborda questões relativas ao desejo, corpo e materialidade, entendidas como elementos intrínsecos a joia e, tomando o modelo rizomático do pensamento proposto por Deleuze e Guattari, discute-as a partir das dimensões presentes: pensar, fazer, sentir e propor, considerando-as como em constante estado de fluxo. Como recurso para essa investigação utiliza-se uma cartografia também ancorada no pensamento desses autores, que consideram a realidade contemporânea uma paisagem dinâmica, na qual se articulam contextos individuais e sociais. O caráter do procedimento de pesquisa proposto distingue-se daquele no qual os mapas são registros de uma paisagem fixa. Trata-se de uma cartografia configurada como performance, a qual pressupõe seguir as transformações à partir da experiência do real, acompanhar os acontecimentos sendo parte deles. Portanto workshops realizados com artistas e produção de peças dentro desse território são tomados como fundamentais recursos de investigação e articulados a conteúdos extraídos de entrevistas e palestras, além do material bibliográfico. A partir das experiências vivenciadas foram identificadas conexões que possibilitaram a construção e organização dos capítulos. Neles agenciam-se conceitos oriundos do pensamento de Deleuze e Guattari e o território da arte-joalheria, tanto em sua dimensão teórica quanto pratica. Desse modo as ideias apresentadas são articulações derivadas de uma leitura da experiência como possibilidade de refletir conceitos Abstract: By taking the jewel as a theme and considering it within the realm of art, this thesis presents the field of art jewelry as a possibility of producing and contemplating an object in a poetic manner, devoid of its link to precious materials and to any decorative function. In this sense, the artistic jewelry production is approached from some assumptions selected from Deleuze and Guattari's theory of multiplicities and is developed accordingly. Conceptual frameworks and research procedures, borrowed from these philosophers, link theory and practical content through cartography, in order to build transverses. Through the art-jewelry perspective, the research addresses issues relating to desire, body and materiality, defined as intrinsic elements of the jewel. The research takes the Rhizome concept proposed by Deleuze and Guattari, and discusses these issues according to the apparent dimensions: think, do, perceive and propose, considering them in a constant state of flux. As a research procedure the study uses a cartography also anchored in these authors thinking, who consider the contemporary reality as a dynamic landscape in which individual and social contexts occur. The cartography procedure adopted here differs from that whose maps are records of a fixed landscape. Instead, this one is a "performance cartography", which requires following the transformations by empirical experience, assumed that one would accompany events, taking part in them. Therefore, workshops with artists and jewelry production within this environment are considered as fundamental resources for investigation, and were related to the information which was taken from interviews, lectures and library materials. From these experiences, connections were identified which enabled the construction and organization of presented contents. This content was a result of the connections between the art jewelry territory and concepts arising from the thought of Deleuze which exist in both practical and theoretical dimensions. Thus, the ideas presented are derived from a reading of experience as a chance to reflect concepts Doutorado Artes Visuais Doutor em Artes

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: O pintor asturiano Evaristo Valle (1873-1951) participa da primeira fase do modernismo espanhol, período em que convive com os intelectuais e artistas da chamada Geração do 98 que tematizam uma Espanha derrubada: após o esfacelamento do seu império colonial, o abismo entre as classes sociais se exacerba e prepara a eclosão da Guerra Civil (1936-1939). A violência e o medo são uma constante durante toda a primeira metade do século XX na Espanha. Neste contexto, Evaristo Valle compõe uma obra lírica, baseada em contrastes cromáticos, a qual retrata personagens típicos do contexto asturiano, representados em seu cotidiano. Aprofundando o olhar, outras dimensões da obra revelam uma realidade que não pertence àquele recorte, mas traduzem uma alegoria do que a Espanha vive naquele momento. Para trazer à tona esta leitura alegórica da pintura de Valle, recorreu-se à obra e visão de autores que procuram compreender o transcendente, a essência não visível presente naquilo que se mostra, entre eles, José Ortega y Gasset que trata de desvelar a alma de um pintor; e Martin Heidegger que delimita a temática do medo e da angústia como categorias existenciais. Por fim, o conceito de máscara de Gaston Bachelard permitiu compreender o sentido do mascarar-se, que vai além do objeto máscara e do disfarce, e explora a possibilidade do homem de inventar-se de outro modo, revelar outras dimensões de si mesmo. Nesta tese, procurou-se ressaltar uma temática constante ao longo da obra de Evaristo Valle: a máscara e o medo. Para a análise desses aspectos, foram selecionadas duas obras particularmente reveladoras: O porão (1935) e Tipos do mar (1950). A primeira é uma "mascarada" teatral que aborda o tema do medo, e que pode ser lida como as anotações de um pintor na criação de suas personagens, escancarando a penumbra que povoa o seu interior. A segunda é uma de suas últimas pinturas, na qual culmina a força mais lírica do trabalho cromático de Valle, e onde estão retratadas com particular intensidade duas almas, dois tipos, ou seja, a síntese do Homem espanhol Abstract: Asturian painter Evaristo Valle (1873-1951) was part of the first phase of Spanish modernism. During this period, he circulated among intellectuals and artists of the so-called Generation of 98, whose subject matter was Spain defeated. After losing its colonial empire, the immense gap between social classes aggravated and prepared the outburst of the Spanish Civil War (1936-1939). Violence and fear were constant in Spain during the entire first half of the twentieth century. In this context, Evaristo Valle created a lyrical oeuvre, based on chromatic contrasts, in which he depicted typical Asturian characters in their everyday activities. From a deeper point of view, these works of art present other dimensions and reveal a reality that does not belong to that context, but rather translates an allegory of what Spain was going through at that moment. In order to shed light on this allegoric interpretation of Valle?s painting, this dissertation relied on the works of authors who try to comprehend the transcendent, the non-visible essence of what is shown, such as José Ortega y Gasset who seeks to unveil the painter?s soul, and Martin Heidegger, who identifies the subjects of fear and anxiety as existential categories. Finally, the concept of mask by Gaston Bachelard allowed us to grasp the meaning of masking oneself, which goes beyond the mask as an object of disguise, and explores the possibility of man re-inventing himself differently and revealing other dimensions of himself. In this dissertation, a constant topic of Evaristo Valle?s oeuvre has been highlighted: the mask and fear. In order to analyze these concepts, two particularly revealing works of art have been selected: The basement (1935) and Types of the sea (1950). The former is a theatrical masquerade about fear, which can be interpreted as the notes a painter takes when creating his characters, thereby revealing the dusk that inhabits his inner self. The latter is one of his last paintings, where one can find the strongest lyrical force of Valle?s chromatic work, and in which he portrayed in a particularly intense manner two souls or two types: that is, the synthesis of the Spanish Man Doutorado Doutor em Artes

Orientador: Nelson Alfredo Aguilar Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas Resumo: Esta dissertação investiga um evento artístico acontecido em Belo Horizonte em abril de 1970, conhecido como Do Corpo à Terra. Tratou-se de uma ação organizada pelo crítico e curador Frederico Morais em que vários artistas brasileiros foram convidados a criar trabalhos e apresenta-los em espaços públicos da cidade ¿ o Parque Municipal e a Serra do Curral- extrapolando as fronteiras do museu e explorando novas linguagens, como a performance, o happening e a intervenção urbana. Através de um levantamento documental e da análise das imagens e registros do evento, esta pesquisa pretende investigar seus aspectos poéticos e políticos, e contextualizá-los em todo um quadro de arte política que se desenvolveu no Brasil neste período. Além disso, a dissertação aborda o conceito de arte-guerrilha, trazido por diversos autores e fundamental para a compreensão das propostas de Frederico Morais. Investiga também a recepção do evento na imprensa mineira e os desdobramentos da exposição. O trabalho contém em anexo um depoimento inédito do próprio Frederico Morais com detalhes sobre a mostra Abstract: This thesis investigates an artistic event which happened in Belo Horizonte in April 1970, known as Do corpo à Terra. It was about an action organized by the critic and curator Frederico Morais in which various brazilian artists were invited to create artworks and exhibit them on the city¿s public spaces ¿ Parque Municipal and Serra do Curral - extrapolating the boundaries of the museum and exploring new languages, such as the performance, thehappening and urban intervention. Through a documental survey and analysis of the imagery and records of the event, this research intends to investigate its poetic and political aspects, contextualize them in a whole picture of political art that was developed in Brazil during this period. Furthermore, the thesis addresses the concept of arte-guerrilha (guerrilla art) brought by several authors and basal for the comprehension of the propositions of Frederico Morais. It also investigates the acceptance of the event by the Press of Minas Gerais and the unfolding of the Exhibit. In the paper is attached the unedited testimony of Frederico Morais himself with details about the Exhibit Mestrado História da Arte Mestra em História CAPES 1263587

Orientador: Maria de Fatima Morethy Couto Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: O presente trabalho apresenta um panorama das ações do setor educativo da Pinacoteca do Estado e do Museu de Arte Moderna de São Paulo. Os documentos históricos das instituições pesquisadas e as concepções teóricas de propostas do ensino da arte em instituições museológicas, nos diferentes períodos históricos, constituíram a base da pesquisa. Foram analisadas as parcerias, projetos e propostas efetivadas pelos setores educativos das instituições pesquisadas. A pesquisadora, valendo-se de sua experiência profissional acompanhou projetos de parceria entre as instituições pesquisadas e escolas públicas estaduais, o que possibilitou observar, verificar e considerar os pontos didáticos favoráveis e desfavoráveis ao público, a partir das ações oferecidas pelos setores educativos dos museus estudados. Abstract: This paper presents an overview of the actions of the education sector Pinacoteca of the State and the Modern Art Museum of São Paulo. The historical documents of the institutions surveyed and the proposed theoretical concepts of teaching art in museological institutions in different historical periods, formed the basis of the research. We analyzed the partnerships, projects and proposals for effective educational sectors of the institutions surveyed. The researcher, drawing on his professional experience is monitored projects in partnership between the institutions surveyed and state public schools, which allowed observe, verify and consider the teaching points favorable and unfavorable to the public from the shares offered by the educational sectors of museums studied. Mestrado Artes Visuais Mestre em Artes

Orientador: Anna Paula da Silva Gouveia Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa teve por objetivo investigar a utilização da perspectiva na arte contemporânea por meio do trabalho da artista plástica brasileira Regina Silveira. Uma das preocupações foi analisar as questões que estão por trás da presença da perspectiva dentro da produção artística atual, como por exemplo, a crítica à natureza da imagem e seus meios de representação, a manipulação do ponto de vista, a simulação e a ilusão do espaço e ainda como deformação no caso das anamorfoses. Todas essas questões foram permeadas pela teoria da percepção visual e da psicologia da percepção em análises das obras da artista brasileira, seus trabalhos gráficos (desenhos e gravuras), objetos e instalações a partir do final dos anos 70 até os mais atuais, como também os chamados desenhos preparatórios e as maquetes, que são projetos nos quais a artista desenvolve as idéias de seus trabalhos e são neles que mais se percebe a manipulação da perspectiva. Também foram analisados trabalhos de outros artistas que discutiram ou discutem as mesmas questões que a artista brasileira, como por exemplo, Marcel Duchamp e Jan Dibbets. Essa análise mostrou que cada período histórico possui sua visão de mundo e uma maneira de dirigir o olhar para um determinado ponto de vista, portanto uma maneira de utilizar a perspectiva. Nos dias atuais, a subversão do olhar do espectador e, ainda, a destruição da estabilidade de sua percepção causada por essa subversão, fazem da manipulação do ponto de vista a partir do uso da perspectiva, uma atitude contemporânea no trabalho desses artistas Abstract: This research was intended to investigate the use of perspective in contemporary art through the work of the Brazilian artist Regina Silveira. One of the concerns was the issues behind the presence of perspective within the current artistic production, for example, the critical of the image¿s nature, the resources of representation, the manipulation of viewpoint, the simulation, the space illusion and the deformation as in the case of anamorphosis. All these questions were related to the theory of visual perception and the psychology of perception in analyses of the Regina Silveira¿s work, in graphics (drawings and prints), objects and installations from the end of 70 to the current, but also the called preparatory drawings and models, that are projects in which the artist develops the ideas of their work and more if realizes the manipulation of perspective. Were also analyzed works of other artists who discussed or discuss the same issues as the Silveira, for example, Marcel Duchamp and Jan Dibbets. The analysis showed that each historical period has its vision of the world and to deal the look for a particular viewpoint, so a way to use the perspective. Nowadays, the subversion of the look of the spectator and, yet, the destruction of stability of their perception caused by such subversion, make the manipulation of viewpoint a contemporary attitude in the work of such artists Mestrado Mestre em Artes

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Egas Francisco pinta telas há mais de cinqüenta anos, sustentou-se durante todos esses anos com o dinheiro que recebe pela venda de suas obras e pelo ensino de artes, que por vezes o ajudou a sobreviver. Não é objetivo desse trabalho encaixar todas as peças do enorme quebra-cabeças que é a vida de um artista. Quem já brincou com um jogo assim, dos grandes, sabe que ele tem partes mais coloridas e luminosas, fáceis de montar e outras monocromáticas e escuras, que podem deixar quem está montando quase maluco. A tarefa aqui é apenas de começar a montagem das peças que estão espalhadas sobre a mesa. Começamos pela parte fácil, que salta aos olhos, os retratos e auto-retratos. Faremos reflexões sobre esse gênero de pintura que tanto agrada a Egas Francisco realizar. Não temos a intenção nem a pretensão de esgotar o assunto, apenas trazer alguma luz e gerar novas interrogações e questionamentos Abstract: Egas Francisco is painter for over fifty years. He has held up over the years with the money he receives from the sale of his works and art classes, which sometimes helped him to survive. It is not the purpose of this study fit all the pieces of the huge puzzle that is the life of an artist. Anyone who has played this game knows he has shares more colorful and bright, easy to assemble and other monochromatic and dark parts, which may leave almost crazy those who are mounting. The task here is only to start assembling the parts that are scattered on the table. We began with the easy part: portraits and self portraits. We will make reflections on this genre of painting which pleases both Egas Francisco accomplish. We have neither the intention nor the pretension to exhaust the subject. For now we just want bring some light and generate new questions and challenges about this subject Mestrado Artes Visuais Mestre em Artes

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa objetiva investigar a vida e a obra da escultora Felícia Leirner, estabelecendo relações entre sua produção e a de outros artistas nacionais e internacionais do século XX bem como as relações presentes entre sua produção e os principais eventos culturais desenvolvidos na São Paulo do século XX. Também investigamos a história dos parques de escultura pelo mundo, em especial no cenário norte americano e pesquisamos sobre a cidade de Campos do Jordão - SP, onde se localiza o Museu Felícia Leirner, para, posteriormente, uma investigação mais a fundo sobre o surgimento e os aspectos museográficos deste parque de esculturas Abstract: This research aims to investigate the life and work of sculptress Felicia Leirner and connect her production with the ones from other national and international artists of the twentieth century as well as the relationships present between her production and major cultural events held at the São Paulo of the twentieth century. We also investigated the history of sculpture parks around the world, especially in North American scene and research about the city of Campos do Jordão - SP, where is located the Felicia Leirner Museum, to then investigate more about the emergence and museographic aspects of this sculpture park Mestrado Artes Visuais Mestre em Artes Visuais

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A dissertação tem por objetivo analisar quatro cartazes concebidos pelo artista suíço Jean- Pierre Chabloz (1910-1984) como desenhista publicitário do Serviço Especial de Mobilização de Trabalhadores para a Amazônia (SEMTA), órgão estatal vinculado ao "programa da borracha", empreendido pelo governo Getúlio Vargas durante a Segunda Guerra Mundial. Instalando-se em Fortaleza, Ceará, cidade onde se localizava a sede do SEMTA, Chabloz trabalhou para esse organismo de janeiro a julho de 1943, desenvolvendo vasto material de propaganda: cartazes, brochuras, ilustrações para conferências, etc. Todo esse material pertence ao amplo acervo de Chabloz no Museu de Arte da Universidade Federal do Ceará (MAUC), instituição onde realizei a maior parcela da minha pesquisa de campo. Como metodologia de pesquisa, recorri, sobretudo, à análise documental, relacionando documentos visuais e textuais, bem como documentos visuais entre si. A dissertação é dividida em três capítulos. No primeiro, abordo, inicialmente, a formação européia de Chabloz: estudos na Escola de Belas-Artes de Genebra (1929-33), cursos com a educadora suíça Artus-Perrelet (1931-32), estudos na Academia de Belas-Artes de Florença (1933-36) e na Academia Real de Belas-Artes de Milão (1936-38). Em seguida, discuto a fecunda atuação de Chabloz no cenário artístico-cultural do Ceará, onde realizou atividades como artista plástico, músico, professor, conferencista, crítico de arte e fomentador cultural, desde o ano de sua chegada, 1943, até o de seu falecimento, 1984, em períodos intermitentes. No segundo capítulo, abordo a experiência de Chabloz como desenhista publicitário da "Campanha da Borracha", assim como o contexto histórico que alicerçou tal experiência: a exploração de borracha na região amazônica, os Acordos de Washington (firmados entre Brasil e Estados Unidos em março de 1942) e a dita "Batalha da Borracha". Por fim, no terceiro capítulo, dedico-me à análise dos cartazes que escolhi como objetos desta pesquisa, relacionando-os a estudos preliminares, bem como a layouts para cartazes (também pertencentes ao acervo do MAUC) elaborados pelo artista em períodos anteriores à sua experiência no SEMTA. De modo geral, pude observar um deslocamento na linguagem do Chabloz cartazista quando de sua produção europeia, de um lado, e quando de sua produção para a "Campanha da Borracha", de outro. Na primeira, em sintonia com tendências então em voga na Europa, o jovem artista dava vazão, sobretudo, ao gosto pela experimentação formal dos motivos e das letras. Já na segunda, Chabloz adotou uma abordagem mais didática, preocupada com o pronto reconhecimento dos motivos e a rápida assimilação da cena representada Abstract: This text intends to analyze four posters conceived by the Swiss artist Jean-Pierre Chabloz (1910-1984) during his work as advertising draughtsman for the Special Service for Mobilization of Workers to Amazonia (SEMTA), a governmental agency associated with the "rubber program", lead by Getúlio Vargas' government during the Second World War. Chabloz worked for this agency from January to July 1943, while living in Fortaleza, Ceará, where the SEMTA's headquarter was installed. There he developed a broad range of advertising material: posters, brochures, conference illustrations, etc. All this material belongs to the vast Chabloz collection from the Art Museum of the Federal University of Ceará (MAUC), where I conducted great part of my field research. The methodology applied was mostly based on documental analysis, in which I attempted to relate visual and written documents, as well as visual documents among themselves. The text is divided into 3 chapters. On the first one, I initially discuss Chabloz's studies in Europe: his classes at the Geneva School of Fine Arts (1929-33), the lessons he took from the Swiss educator Artus- Perrelet (1931-32) and the studies he conducted at the Florence Academy of Fine Arts (1933-36) and at the Milan Royal Academy of Fine Arts (1936-38). After that, I debate the rich contribution Chabloz gave to Ceará's cultural and artistic scene, where he led initiatives as plastic artist, musician, teacher, conference speaker, art critic and cultural promoter, from the year of his arrival, 1943, to that of his death, 1984, within intermittent periods. On the second chapter, I analyze Chabloz's experience as advertising draughtsman for the "Rubber Campaign", as well as the historical context that motivated such experience: the rubber exploitation in the Amazon region, the Washington Agreements (signed by Brazil and the U.S.A. in March, 1942) and the so called "Rubber Battle". Finally, on the third chapter, I dedicate myself to the analysis of the posters I chose as objects of this research, relating them to preliminary studies and to poster layouts (also found in Chabloz's collection at MAUC) designed by the artist before he joined SEMTA. In general, I could observe a shift in the language applied by Chabloz as poster maker from his European phase to his production for the "Rubber Campaign". At first, the young artist, following European trends, focused on his taste for formal experimentation of motifs and fonts. Later, Chabloz adopted a more didactic approach, focusing on the immediate recognition of subject matters and fast assimilation of the portrayed scene Mestrado Artes Visuais Mestra em Artes Visuais

Orientador: Verônica Fabrini Machado de Almeida Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Este trabalho aponta diálogos possíveis entre desenhos e esculturas, obras e artistas, dentro de seus processos de criação. Ele foi construído a partir do olhar de artista, o olhar sensível de quem trabalha com ambas as linguagens e conta com a experiência da arte-educação em museus. Amilcar de Castro, Ester Grinspum e Paulo Monteiro são artistas significativos no meu processo de aprendizagem e de relevância no cenário artístico nacional. Trata-se de uma escolha afetiva, mas referendada por exposições onde figuraram juntos. Castro trabalhava a escultura a partir do desenho projetivo, criava a forma bidimensional, recortava-a e estudava maneiras de tridimensionalizá-la a partir do corte e da dobra. Uma geometria sensível domava a rigidez de formas geométricas elementares. Esta mesma geometria era refletida em seus desenhos, ora feitos à régua, ora incorporando o vigor do gesto onde a forma aquiescia o ritmo do corpo. Grinspum possui uma poética traçada na materialização de conceitos. Desenho e escultura dão origem um ao outro através de formas fechadas que engendram o lugar privilegiado das significações. Em ambas linguagens, transita entre o orgânico e o geométrico numa escolha por formas depuradas enlaçadas a uma linha de respiração, de amolecimento. Em Monteiro, escultura e desenho são criados no embate do gesto com a matéria. A organicidade que permeia toda obra traduz a força vital que lhe é aplicada no momento da criação. Através do risco ele reordena massas de um espaço interno, sejam as do plano do papel ou as amorfas da argila. Entre as linguagens percebemos a migração de características de forma, matéria, tempo e espacialidades. Sem a preocupação de uma teoria geral ou mesmo de tentar esgotar as possibilidades, o que temos são estudos de casos dentro da obra destes artistas a partir da década de 90 Abstract: This work shows dialogs that may exist between drawings and sculptures, works and artists inside their process of creation. It has been built by the look of the artist, the sensible look of someone who works with both languages and reckons upon the experience of art-education in museums. Amilcar de Castro, Ester Grinspum, and Paulo Monteiro are significant artists in my process of apprenticeship, and prominent in the national art scenario. An affective choice is at stake, but it has been countersigned by expositions in which they figure together. Castro used to mould the sculpture from the projective drawing, create the two-dimensional form, cut it, and then reflected upon ways of three-dimensioning it by cutting and folding. A sensible geometry overcame the rigidity of the elementary geometrical forms. The same geometry was reflected in his drawings, which were sometimes made by ruler, sometimes incorporating the strength of the gesture in which the form acquiesced the rhythm of the body. Grinspum, a poetics delineated in the materialization of concepts. Drawing and sculpture give rise to one another through closed forms which engender the privileged place of significations. In both languages, she transits among the organic and the geometric in order to choose the elementary forms, enlaced to a breath line, a softening line. In Monteiro, sculpture and drawing are created by the clash between the gesture and the matter. The organity which permeates the whole work expresses the vital force that is applied to it in the moment of creation. Through the stroke he rearranges masses of an internal place, even the ones of the paper?s ground or the clay?s amorphous. Among the languages we may perceive the passage of characteristics of form, matter, time, and spaciality. Without the preoccupation of a general theory, or even of trying to deplete the possibilities, what we have are the studies of cases inside the work of these artists from the nineties on Mestrado Artes Mestre em Artes

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Grande pesquisador em diversas áreas, José Oiticica Filho foi um fotógrafo destacado em sua época, sempre explorando novas maneiras de produzir suas fotografias. Iniciou na fotografia como maneira de ilustrar seus trabalhos científicos e procurou sempre estudar a técnica, para aperfeiçoar seu trabalho. Esta dissertação apresenta a trajetória de sua obra, e o foco desta pesquisa está nas experimentações que José Oiticica Filho realiza no campo da fotografia, em especial a série Recriações. Para melhor compreensão desta fase, esta pesquisa foi realizada a partir de três vertentes: a compreensão da evolução de sua pesquisa, a contextualização de sua obra com o debate fotográfico e artístico de sua época e a análise formal de suas obras Abstract: Great researcher in several areas, José Oiticica Filho was a prominent photographer in his time, always exploring new ways to produce his photographs. He started in photography as a way to illustrate his scientific work and has always sought to study the technical to improve his work. This dissertation presents the trajectory of his work, and the focus of this research is in the trials that José Oiticica Filho realized in the field of photography, especially the series Recriações (Recreations). To better understand this phase, this research was conducted from three aspects: understanding the evolution of his research, contextualization of his work with the photographic and artistic debate of his time and the formal analysis of his works Mestrado Artes Visuais Mestre em Artes

Orientador: Maria de Fatima Morethy Couto Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: O presente trabalho apresenta os trânsitos e agências de mulheres artistas pela rede de arte postal e institucional nas décadas de 1970 e 1980 entre Cone Sul e Leste da Europa. Analisa as estratégias de circulação dessas artistas por chamadas e exposições dessa rede, em relação aos discursos de gênero e por fim, analisa, nas poéticas dessas artistas, a presença da linha e fragmento como abordagens críticas em relação a temas como corpo, espaço público/privado e política Abstract: This work presents the transits and agencies of women artists through the mail art and institutional network in the 1970s and 1980s between the Southern Cone and Eastern Europe. Analyzes the circulation strategies of these artists through calls and exhibitions of this network in relation to gender discourses and, finally, analyzes in these poetics the presence of the line and fragment as critical approaches in relation to themes such as body, space - public/private -, and politics. Keywords: mail art, gender, cultural politics Doutorado Artes Visuais Doutora em Artes Visuais FAPESP 17/07448-8

Orientador: Maria de Fatima Morethy Couto Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa tem como objeto analisar a representação do espaço doméstico, a partir dos anos 1960 até a atualidade, nas produções de algumas artistas mulheres da América do Sul, bem como suas transformações quando o entendimento desse espaço passa a ser questionado pelas artistas, influenciadas ou não pelas críticas decorrentes dos movimentos feministas. Para isso, selecionamos obras das artistas brasileiras Wanda Pimentel, Cristina Salgado, Rosana Palazyan, Ana Elisa Egreja, das colombianas Karen Lamassone, Beatriz Gonzalez, Doris Salcedo, Liliana Ângulo Cortés, da argentina Estela Pereda e da peruana María María Acha-Kutscher Abstract: This research aims to analyze the representation of the domestic space, from the 1960s to the present, in the productions of some female artists from South America, as well as their transformations when the understanding of this space is questioned by the artists, influenced or not because of the criticisms arising from feminist movements. For this, we selected works by Brazilian artists Wanda Pimentel, Cristina Salgado, Rosana Palazyan and Ana Elisa Egreja, by Colombian Karen Lamassone, Beatriz Gonzalez, Doris Salcedo and Liliana Ângulo Cortés, by Argentine Estela Pereda and Peruvian María María Acha-Kutscher Doutorado Artes Visuais Doutora em Artes Visuais FAPESP 2016/25706-1

Orientador: Maria de Fatima Morethy Couto Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: O Monumento às Bandeiras é uma obra notável na cidade de São Paulo e também o foi na vida do escultor Victor Brecheret. Tendo idealizado o projeto em 1920, junto com modernistas como Menotti del Picchia e Oswald de Andrade, o monumento só foi concretizado em 1953, percorrendo assim 33 anos da vida do artista e quase que a totalidade da sua vida profissional como escultor. Marta Rossetti Batista em Bandeiras de Brecheret - História de um Monumento levanta a hipótese de que o Monumento às Bandeiras é uma obra testamento de Brecheret e que nela estão presentes aspectos de todo o trabalho escultórico do artista. Esta pesquisa tem como objetivo evidenciar tal hipótese por meio da investigação das "citações" do Monumento às Bandeiras em outras obras do escultor e do estudo sobre a sua formação como artista Abstract: Monumento às bandeiras is a notable work located at São Paulo city and it was also remarkable for the life of its sculptor, Victor Brecheret. He idealised this project in 1920, together with modernists such as Menotti del Picchia and Oswald de Andrade, but the monument was only built in 1953, going thus throughout 33 years of the artist’s life and almost all his professional life as a sculptor. Marta Rossetti Batista, at Bandeiras de Brecheret - História de um Monumento raises the hypothesis that Monumento às Bandeiras is a testament to Brecheret's work and features aspects of the artist's entire sculptural work. The objective of this research is to evidence this hypothesis by the means of investigation of Monumento às Bandeiras citations at sculptor other works and the study of his formation as an artist Mestrado Artes Visuais Mestra em Artes Visuais

Orientador: Fernando Cury de Tacca Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: O fazer artístico está completamente vinculado com a forma de viver e de estar no mundo. A presente tese admite que há múltiplas faces do ofício de artista. Contudo, as que nos interessam são sociais e críticas e participam de um lugar solidário e compartilhável. O conhecimento situado parcial e localizável, fruto de um trabalho em arte, é um gesto corporal de responsabilidade ativa. Para tanto, parte-se de um lugar anticapitalista e de luta das mulheres. O fio condutor metodológico é a narradora (A Mulher do Canto Esquerdo do Quadro) que se encontra com escritos, documentos e produções dela e de outras mulheres que viveram nos anos 1900. Não há na narradora ou no ato narrado nada de excepcional, ela não lida com a exceção e/ou genialidade, e sim com um universo genuinamente das mulheres que sempre contaram histórias, sempre guardaram suas fotografias e sempre receberam pessoas em suas casas. O desafio no campo metodológico, aqui, foi unir uma perspectiva feminista com uma prática artística e de pesquisa (em arte e com arte) que advêm de uma responsabilidade ativa. A presente tese desmonta, remonta, edita e publica palavras e imagens por meio de uma narrativa encarnada anarcofeminista e situada Abstract: The artistic practice if completed linked with the way of living and being in the world. This thesis admits that there are multiple faces in the artist¿s craft. However, those that interest us are social and critical and take part in a supportive and shareable place. Partial and localizable situated knowledge, fruit of a work in art, is a body gesture of active responsibility. To do so, the starting point in an anti-capitalist and women¿s fight place. The methodological thread is the female narrator (The Woman in the Left Corner of the Frame) that is found with writings, documents and productions by her own and other women who lived in the 1900¿s. Nothing is exceptional in the narrator or in the narrated action, she does not deal with exception and/geniality, but rather with a genuine universe of women who have always told stories, have always kept their photos and have always received people in their homes. The challenge in the methodological field here was to join a feminist perspective with an artistic and research practice (in art and with art) that stem from an activity responsibility. This thesis disassembles, reassembles, edits and publishes words and images through an anarcho-feminist embodied situated narrative Doutorado Artes Visuais Doutora em Artes Visuais CAPES 88882.435494/2019-01

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa pretende evidenciar uma relação de desdobramento na produção abstrata do século XX a partir do enfoque de três artistas em campos distintos: Piet Mondrian (1872-1944) na pintura, Alexander Calder (1898-1976) na escultura e Hélio Oiticica (1937-1980) com uma proposta híbrida de caráter participativo do espectador. Apesar da notável importância à cor que cada um destes artistas confere à sua produção, o ritmo é o elemento fundamental deste estudo, sendo aquilo que se transforma e altera a abordagem do espectador com a obra de arte. Em Mondrian, o ritmo se apresenta através de sugestão, num jogo de cores e formas na tela que traz dinamismo aos olhos de quem a aprecia; em Calder, o caráter cinético de sua obra faz com que as estruturas se reorganizem a cada momento, num ritmo que se concretiza no tempo; em Oiticica, a obra não existe enquanto a participação do público não se efetiva, num ritmo ditado pela experiência participativa. O que busca este estudo, portanto, é evidenciar que nos três casos existe uma linha similar no que diz respeito à exploração significativa de cores e formas que conquista e configura novas possibilidades de apresentação. De forma a complementar estes pontos, a pesquisa analisa, também, dados sobre o papel que a teorização do fazer artístico ocupa para cada um dos artistas selecionados, apoiando-se no conceito de "obra aberta" de Umberto Eco para evidenciar de que modo seu incomum gênio ao mesmo tempo apolíneo e dionisíaco, bem como a valorização de aspectos racionais e intuitivos, potencializa sua obra Abstract: The present study intends to showcase an unfolding relation in the abstract art of the twentieth century, focusing on three artists in different fields: Piet Mondrian (1872-1944) in painting, Alexander Calder (1898-1976) in sculpture and Hélio Oiticica (1937-1980) in an interactive hybrid proposition. Despite the remarkable emphasis on color that each of these artists puts in their artwork, rhythm and its new explorations are the transformative elements in this dissertation. In Mondrian’s artistic production, rhythm presents itself through a suggestive interaction of colors and shapes on canvas; in Calder’s, there is actual rhythm in the kinetic structure that is constantly reorganizing the figures; in Oiticica’s, the rhythm is dictated by an effective interaction between artwork and beholder. What this study seeks, therefore, is to demonstrate that in all three cases there is a similar line regarding the exploration of colors and shapes, with each artist arranging new possibilities to present their artwork and to expand the viewer’s perception of the piece. In order to complement these points, this dissertation also analyzes the importance of artistic theory for each of these artists, while it relies on Umberto Eco’s "open work" concept to showcase how their unusual genius, both Apollonian and Dionysian, as well as the appreciation of rational and intuitive aspects, potentiates their artwork Mestrado Artes Visuais Mestra em Artes Visuais

Orientador: Lucia Helena Reily Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A produção do livro ilustrado no Brasil, como objeto de arte, criação literária e produto cultural inserido no mercado editorial, dialoga com diferentes intenções poéticas e educacionais. Participam da produção da cadeia do livro diversos agentes. Entre eles, elegemos como foco desta pesquisa os ilustradores de livros para infância em sua participação em feiras de livros infantis. Compreendemos o ilustrador como autor que, enquanto criador de ideias e narrativas, encontra seu meio de expressão artística e o partilha com o mundo, no livro ilustrado. Debruçamos nosso olhar especificamente sobre a Feira do Livro Infantil de Bolonha, buscando entender o impacto desse espaço singular de encontro, trocas, competição e negociações sobre as carreiras de ilustradores brasileiros, a partir da década de 1990. Nosso principal interesse foi discutir as repercussões da participação de ilustradores brasileiros na Feira, em seu processo de criação artística, individual ou coletivamente. Coletamos depoimentos de Marilda Castanha, Graça Lima e Roger Mello, ilustradores brasileiros premiados que circulam em eventos dedicados ao livro para a infância; participamos in loco da Feira de Bolonha em 2017; analisamos ilustrações selecionadas para os catálogos da Mostra de Ilustradores da Feira de Bolonha desde 1993 e realizamos pesquisa de campo na Internationale Jugendbibliothek em Munique (Alemanha). Sob supervisão de Martin Salisbury, realizamos um estágio acadêmico no Cambridge School of Art (Reino Unido) que mantém um estande na Feira de Bolonha, desde 2013, com a produção de seus alunos. A pesquisa revelou uma imensa variedade de frentes promovidas pela Feira: ali ocorrem exposição de trabalhos, possibilidades para firmar contratos, intercâmbio de ideias, oficinas, conferências e outorga de prêmios, entre outros. Trata-se de um evento que propicia uma ampla compreensão da indústria do livro ilustrado, permeada de tensões quanto à liberdade poética do ilustrador perante o mercado. No caso dos ilustradores entrevistados, que hoje gozam de um status de consolidação e legitimação no meio editorial, a participação na Feira nos anos 1990 alimentou o questionamento sobre identidade cultural na ilustração brasileira e fomentou a busca por temáticas e poéticas em suas criações de imagens para o livro ilustrado. Os resultados do estudo também evidenciaram o papel formativo de eventos desse tipo, relevantes não somente para a formação de jovens ilustradores, como também para os veteranos. Este estudo espera contribuir na direção da manutenção e ampliação de conquistas alcançadas no campo da produção do livro ilustrado para a infância no Brasil e pretende também salientar a relevância da formação multidisciplinar do ilustrador, em seu contato com pares de outras culturas Abstract: In Brazil, the production of picturebooks as art objects, literary creations and cultural products inserted in the editorial market, dialogues with different poetic and educational intentions. Various agents take part in the book chain dynamics. Among them, we chose to focus on children's book illustrators in their participation in children's book fairs. We understand illustrators as authors who, as creators of ideas and narratives, find their medium of artistic expression in picturebooks, through which they share their thoughts with the world. We looked specifically at the Bologna Children's Book Fair, seeking to understand the impact of this unique space for meeting, exchanging, competing and negotiating on the careers of Brazilian illustrators in the 1990s. Our main interest was to discuss the repercussions of the participation in the Fair, in Brazilian illustrators’ creative processes, individually or collectively. We collected testimonials from Marilda Castanha, Graça Lima and Roger Mello, important Brazilian illustrators who broadly circulate in events dedicated to children’s books; we participated in the Bologna Fair venue in 2017; analyzed the illustrations selected for the Illustrators Exhibition catalogs since 1993, and we carried out a field research at the Internationale Jugendbibliothek in Munich (Germany). Under the supervision of Martin Salisbury, we conducted an academic internship at the Cambridge School of Art (UK) which, since 2013, has been running a stand at the Bologna Children’s Book Fair with its students’ production. Our study revealed a variety of endeavors promoted by the Fair: exhibitions of illustration artwork, possibilities for signing contracts, exchanging ideas, participating in workshops, conferences, and award announcements, among others. It is an event that offers a broad understanding of the picturebook industry, which can also be challenging for illustrators’ poetic freedom, when confronted with the market. In the case of the illustrators we interviewed, who today enjoy a status of consolidation and legitimation in the editorial environment, the participation in the Fair in the 1990s, fed an inquiry about cultural identity in Brazilian illustration and fostered a search for themes and poetics in their picturebook creations. The results of this study also evidenced the formative role of such events, relevant not only for young illustrators, but also for the veterans. This research hopes to contribute towards the maintenance and expansion of achievements in the field of picturebook making in Brazil and it also aims to highlight the relevance of illustrators’ multidisciplinary training in their contact with peers from other cultures Doutorado Artes Visuais Doutora em Artes Visuais

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Essa pesquisa teve como tema de investigação a musealização da arte contemporânea buscando compreender como se constituíram os Museus de Arte Contemporânea (MACs) no Brasil e qual a situação atual dessas instituições, quais os processos museológicos e museográficos que têm sido empregados para a preservação, pesquisa e comunicação das obras de arte de natureza efêmera, transitória e precária (performances e instalações) e como os MACs brasileiros têm enfrentado e se ajustado para musealizar essas linguagens. O objetivo do estudo foi discutir as questões conceituais e procedimentais envolvidas, observando a realidade dos MACs brasileiros e sua atuação. A metodologia empregada foi a análise bibliográfica do referencial teórico e o levantamento de dados quantitativos e qualitativos em visitas técnicas aos MACs, com observação das rotinas e espaços e o preenchimento de questionários, também foi feito um exame mais detalhado da musealização das performances e instalações que ingressaram na coleção do MAC PR, em 2004, fruto da residência artística Faxinal das Artes, que ocorreu, em 2002, por meio do levantamento de informações com os artistas e gestores, o exame das obras e dos documentos e publicações disponíveis no museu. A estrutura da tese ficou dividida em três capítulos. O primeiro deles apresenta brevemente o percurso histórico dos MACs brasileiros e um panorama atual dessas instituições, o segundo capítulo é uma discussão teórica sobre a musealização da arte contemporânea, destacando a questão da documentação como instrumento para a salvaguarda e extroversão das performances e instalações e o terceiro e último capítulo se dedica a apresentar a experiência do MAC PR na musealização das performances e instalações produzidas na residência artística Faxinal das Artes Abstract: This research had as its research theme the Musealization of contemporary art seeking to understand how the museums of contemporary art (MACs) were constituted in Brazil and what the current situation of these institutions, which the museological processes and museographic that have been employed for the preservation, research and communication of works of Art of ephemeral, transient and precarious (performances and installation art) and how the Brazilian MACs have faced and adjusted to musealize these languages. The aim of this study was to discuss the conceptual and procedural issues involved, observing the reality of Brazilian MACs and their atuation. The methodology used was the bibliographic analysis of the theoretical framework and the survey of quantitative and qualitative data on technical visits to MACs, with observation of routines and spaces and the completion of questionnaires, it was also made a more detailed examination of the musealization of performances and installation art that entered the collection of the MAC PR (Contemporary Museum of Art in Paraná state), in 2004, fruit of the artistic residence Faxinal of the Arts, which occurred in 2002, through interviews with artists and managers, the examination of works and documents and publications available at the museum. The structure of the thesis was divided into three chapters. The first of these presents briefly the historical trajectory of Brazilian MACs and a current panorama of these institutions, the second chapter is a theoretical discussion about the musealization of contemporary art, highlighting the issue of documentation as an instrument for the safeguarding and extroversion of intangible, ephemeral, transient and precarious proposals and the third and final chapter is dedicated to presenting the experience of the MAC PR in the musealization of performances and installation art produced in the artistic residence Faxinal of the Arts Doutorado Artes Visuais Doutora em Artes Visuais

Orientador: Hermes Renato Hildebrand Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa teórico-prática tem como finalidade a criação de um dispositivo para projeção audiovisual utilizando janelas como telas. Partindo da pergunta "onde estão as imagens?", formulada pela filósofa francesa Marie-José Mondzain, este projeto busca trazer para o campo do visível elementos da ordem do sensível. A metodologia envolveu a análise de obras de quatro artistas que trabalham com projeções públicas em espaços urbanos: Krzysztof Wodiczko, Roberta Carvalho, Elisa Laraia e John Hulsey. Inspirado nessas obras e em diálogo com outras formas de cinema, este trabalho ainda propõe uma experimentação focada no tema da violência de gênero através da projeção de gestos de resistência como possibilidade de combate à violência doméstica. A experimentação associa ao conceito de khôra - traduzido por Mondzain como zona - a ideia de janelas como telas e projeta nesse espaço vídeos-gestos produzidos durante a pesquisa: "O grito", "Mãos Dadas" e "Não é minha revolução, se eu não puder dançar" Abstract: This theoretical-practical research aims the creation of a device for audiovisual projection using windows as screens. Starting from the question "where are the images?", formulated by the French philosopher Marie-Jose? Mondzain, this project seeks to make visible elements of the order of the sensitive. The methodology involved the analysis of works by four artists who work with public projections in urban spaces: Krzysztof Wodiczko, Roberta Carvalho, Elisa Laraia and John Hulsey. Inspired by these works and in dialogue with other forms of cinema, this research proposes an experimentation focused on the theme of gender violence through the projection of resistance gestures as a possibility to fight domestic violence. The experimentation associates the concept of kho?ra - translated by Mondzain as zone ¿ and the idea of windows as screens and projects in these space videos-gestures produced during the research: "The Scream", "Hands Given" and "It is not my revolution, if I cannot dance" Doutorado Artes Visuais Doutora em Artes Visuais CAPES

Orientador: Maria de Fatima Morethy Couto Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Encontra-se, nessa pesquisa, o estudo sobre a participação de artistas campineiros nos Salões Paulista de Arte Moderna e nas Bienais Nacionais e Internacionais de São Paulo que aconteceram entre os anos de 1950 a 70, com o objetivo de identificar a importância da produção artística desses artistas dentro do cenário cultural da época já que registros (catálogos, folders, convites e artigos de jornal) apontam que artistas do interior de São Paulo buscavam expor suas criações modernas na capital, onde por vezes foram selecionados e premiados pelo júri. Para tanto, tornou-se necessário o entendimento das transformações do cenário artístico de Campinas, promovidas pelo conjunto de 10 artistas "modernos" reunidos no Grupo Vanguarda de Campinas, entre 1958 a 1966, dentre os quais estavam: Bernardo Caro, Enéas Dedecca, Francisco Biojone, Geraldo de Souza, Geraldo Jurgensen, Raul Porto, Thomaz Perina, Maria Helena Motta Paes, Mário Bueno, Franco Sacchi. Esse cenário e esses artistas são estudados na primeira parte da tese. Em seguida, buscou-se compreender a relevância dessa produção artística dentro do cenário paulistano, através da análise de algumas das obras premiadas nos Salões Paulistas de Arte Moderna e Bienais Nacionais e Internacionais. Além disso, buscou-se averiguar qual a base de critérios que os inseriu, verificando de que modo OU ATÉ QUE PONTO suas obras se alinharam aos modelos modernos. A representação campineira não estaria refletindo apenas o cenário da arte contemporânea do eixo Rio-São Paulo? Em que medida as premiações concedidas a esses artistas de Campinas nortearam suas futuras produções artísticas? Ou ainda, em que medida as premiações fizeram com que suas obras fossem assimiladas pela crítica de arte, pela mídia e pelo mercado de arte? Movida por essas indagações procurou-se, ainda, verificar semelhanças e diferenças entre situações vivenciadas pelos artistas de Campinas e de Belo Horizonte quando suas obras estiveram sob o crivo do júri paulistano, quando o corpo de jurados de São Paulo passou a integrar os Salões de Arte dessas cidades Abstract: In this research, the study on the participation of citizens of Campinas in Modern Art exhibitions in the State of São Paulo and in the National and International Biennials of the city of São Paulo, which took place between the years of 1950 and 70, was carried out in order to identify the importance of artistic production (catalogs, folders, invitations and newspaper articles) showing that artists from the interior of the State of São Paulo sought to expose their modern creations in the city of São Paulo, capital of the State, where they were sometimes selected and awarded by the jury. For that, it was necessary to understand the transformations of the artistic scene of Campinas, promoted by the group of 10 "modern" artists gathered in the Vanguard Group of Campinas, between 1958 and 1966, among which were: Bernardo Caro, Enéas Dedecca, Francisco Biojone, Geraldo de Souza, Geraldo Jurgensen, Raul Porto, Thomaz Perina, Maria Helena Motta Paes, Mario Bueno, Franco Sacchi. This scenario and these artists are studied in the first part of the thesis. Next, we sought to understand the relevance of this artistic production within the scenario of the city of São Paulo by analyzing some of the works awarded at the Modern Art exhibitions in the State of São Paulo, and in the National and International Biennials. In addition to that, we sought to find out the criteria that inserted them, verifying in what way OR TO WHAT EXTENT their works were aligned with modern models. Would the representation of Campinas¿ art production be reflecting only the contemporary art scene of the Rio-São Paulo axis? To what extent the prizes awarded to these artists from Campinas guided their future artistic productions? Or, to what extent have the awards made it possible for their works to be assimilated by art criticism, the media, and the art market? Moved by these inquiries, it was also sought to verify similarities and differences between situations experienced by the artists of Campinas and Belo Horizonte when their works were under the sieve of the city of São Paulo jury, when the jurors of the city of São Paulo became part of the Art exhibitions of these cities Mestrado Artes Visuais Mestra em Artes Visuais

Orientador: Mauricius Martins Farina Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Este estudo disserta sobre pinturas e esculturas de Eduardo Berliner (Rio de Janeiro, 1978). De aclimatação onírica, alegórica e fabular, argumentamos que a poética do artista será melhor discutida sob uma perspectiva transdisciplinar, já que se baseia em descontinuidades narrativas, deslocamentos visuais e referências difusas. Logo, serão variados os pensadores a que recorreremos. Nessa direção, os textos de Jean Baudrillard e Walter Benjamin destacam-se como instrumentos centrais de nossa pesquisa. Porque as interpretações que propõem amiúde superam estritas reflexões sobre a função poética ou sobre o processo criativo de um dado autor, em prol da captação de um espectro mais amplo e plural da cultura visual e do momento histórico. Por conseguinte, o filósofo francês e o pensador alemão ensinam-nos como tocar a medula ideológica contemporânea, e efetivamente escovar a História a contrapelo. Noutras palavras, interessa-nos também a interface entre alguns produtos e mídias massificadas, no século XXI, e os signos fantasmagóricos e as temáticas fragmentares da diegese de Eduardo Berliner. Apesar desse pendor à multiplicidade de vieses, defendemos aqui uma hipótese centrípeta, a saber: acreditamos que o humanoide e, por extensão, o ser humano artificial (a boneca, o robô, o autômato, o manequim, o fantoche, o espantalho etc) são os referentes centrais do sistema semântico, formal e narrativo da iconografia berlineriana. Reflexões a respeito da violência física e da escópica pornográfica e obscena nos serão necessárias, uma vez que tais bonecos recorrentemente se descrevem a partir da genitalização e da mutilação. Sem mais, nosso instrumento metodológico é o conceito bakhtiniano de cronotopo, bastante aplicável às artes visuais, conforme tentamos demonstrar. Além disso, a análise pictórica a partir de um eixo de condução temporal será recurso precioso para determinarmos sentidos e subgêneros de uma poética figurativa bastante evocadora da morte, da rotina, do tempo onírico e da ausência de devir Abstract: This work discusses the paintings and sculptures of Eduardo Berliner (Rio de Janeiro, 1978). Due to the oneiric, allegoric and fable-like aspect of his artworks, we will argue that they will be better understood through a transdisciplinary perspective, since they are based on discontinuous narratives, surrealistic visual displacements and plural references. We will make reference to several thinkers: Walter Benjamin¿s and Jean Baudrillard¿s writings will be found at the critical core of this dissertation because they often overcome mere reflections about the poetical process of an artist, in favor of a wide-ranging examination of visual culture and historical time. In this process, both philosophers teach us how to touch the contemporary ideological marrow, and effectively brush history against the grain. In other words, we are interested in the interface between mass media products in this century, and the phantasmatic signs (and the fragmentary subjects) of Berliner¿s diegesis. In spite of this multiple-bias analysis, we suggest here a centripetal hypothesis: we believe that the humanoid, and, by extension, the artificial human being ¿ the doll, the robot, the automaton, the dummy, the puppet, the scarecrow etc ¿ function as the leitmotiv of Berliner¿s semantic, narrative and formal iconographic system. Reflections about physical violence and pornographic scope will be also necessary, as these humanoids are frequently described in association with icons of genitals and mutilated bodies. In conclusion, our theoretical tool is the Bakhtin¿s concept of chronotrope, largely applicable to visual arts. A pictorial approach whose foundations are established in the axis of time figures as a precious instrument to determine genres and subgenres of an artistic production that constantly evokes death, oppressive routine, nightmarish perception of time and absence of change and transformation Mestrado Artes Visuais Mestre em Artes Visuais CAPES

Orientador: Mauricius Martins Farina Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A imagem do Conselheiro que se veiculou nos meios de comunicação, vista de forma chistosa, foi àquela produzida pelo Brasil do litoral, elitista e republicano. Essa visão foi, sobretudo, reiterada através da escrita de Os Sertões de Euclides da Cunha que perdurou como única e exclusiva até o ano de 1950 quando uma leva de pesquisadores do calibre de Nertan Macedo, Odorico Tavares, José Calasans, dentre outros, resolveram recontar a memória das gentes conselheiristas a partir das vozes silenciadas de seus protagonistas. Contada a partir dessa ótica, vê-se que o repertório concebido por Antônio Vicente Mendes Maciel tornou-se num amplo legado patrimonial articulado no grande Sertão do Conselheiro ¿ faixa geográfica situada no nordeste da Bahia, a qual se estende desde as margens do rio São Francisco até o litoral norte desse Estado. Configurando-se a partir das mais variadas expressões culturais ¿ da arquitetura à escultura, das festas à literatura, o seu bojo artístico constitui-se num verdadeiro tesouro capaz de trazer à baila a memória das gentes camponesas do sertão do Brasil, especialmente aquelas que acompanharam o beato Conselheiro na fase pregressa a fundação do Belo Monte. Lançar luzes sobre essa questão atinente às artes e à cultura do Sertão de Canudos reforça a ideia de que o beato de Quixeramobim não era um "gnóstico bronco" como especificou a obra euclidiana. Pelo que se pode averiguar em sua obra religiosa de cunho material e imaterial, bem como nos livros breviários encontrados nos escombros do arraial conselheirista, constata-se uma certa inclinação de gosto que transitava desde o popular passando pelo híbrido e pelo erudito. Antônio Conselheiro foi um indivíduo afeito ao cristianismo das origens e seguidor extremado das normas propagadas pela Contrarreforma: mortificação do corpo, veneração de relíquias, criação de santuários sagrados, utilização e influência do estilo barroco, dentre outras. Devoto declarado do Bom Jesus, apresentava em suas pregações uma oratória inflamada e de teor místico, cujas bases encontravam ressonância em obras como: o Lunário Perpétuo, as Horas Marianas e a Missão Abreviada. Apontado por diversos estudiosos como o "Anchieta" ou o "Vieira dos sertões", deixou um conjunto de edifícios religiosos cuja gramática ornamental dialogava sobremaneira com os estilos Barroco e Neoclássico. Em seu séquito existiam os mais variados trabalhadores, destacando-se de forma exemplar, os entalhadores, fundidores, mestre de obras, etc., os quais deixaram produções escultóricas de muito boa lavra. As imagens do Bom Jesus, ai presentes, ricas em simbologias, apresentam tipologias próprias, com repertório sincrético, sendo evocadas, na maioria das vezes, na face do Cristo, as feições do beato Conselheiro. Baseado em documentos de cronistas e em pesquisas realizadas em campo, buscou por intermédio de fontes orais e consultas em documentos tais como: cartas, jornais, fotografias, bem como nas páginas jornalísticas, poéticas, etc., divulgar as obras escultóricas, arquitetônicas e culturais do Bom Jesus Conselheiro, de modo a revelar e traduzir esse patrimônio artístico-religioso que se encontra cada vez mais ameaçado, bem como esquecido de estudos mais aprofundados, pois esse é um tema muito importante para escrita de novas páginas da memória do povo brasileiro Abstract: The image of the Conselheiro that was transmitted in the media, portrayed in a humorous way, was one reproduced by a coastal, elitist and republican Brazil. This view was mainly reiterated through the writing of Os Sertões by Euclides da Cunha, which continued to be exclusive until t 1950, when a group of researchers, namely Nertan Macedo, Odorico Tavares and José Calasans, among others, decided to retell the memory of the "Conselheiro people" in the silenced voices of its protagonists. From this point of view, one can see that the repertoire conceived by Antônio Vicente Mendes Maciel constitutes an ample artistic and cultural legacy articulated in the great Sertão of the Conselheiro - a geographic range located in the northeast of Bahia, which extends from the banks of the São Francisco river to the north coast of the State. Configuring the most varied cultural expressions - from architecture to sculpture, from festivals to literature - its artistic core constitutes a true treasure capable of bringing out the memory of the peasant people of the sertão of Brazil, especially those who accompanied the Blessed Conselheiro in the early phase the foundation of Belo Monte. Shedding light on this question concerning the arts and culture of the Sertão de Canudos reinforces the idea that the bequest of Quixeramobim was not a "gnostic bronco" as specified in the Euclidean work. From what can be ascertained in his religious work of a material and immaterial nature, as well as in the breviary books found in the rubble of the councilor's camp, there is a certain inclination of taste that transited from the popular through to the hybrid and the erudite. Antônio Conselheiro was an individual with a strong attachment to Christianity and an extreme follower of the norms propagated by the Counter-Reformation: mortification of the body, veneration of relics, creation of sacred shrines, use and influence of the Baroque style, among others. An avowed devotee of Bom Jesus, he presented in his preaching an inflammatory oratory of mystical content, whose foundations resounded in works such as Lunário Perpétuo, Horas Marianas and Missão Abreviada. Labelled by various scholars as the "Anchieta" or "Vieira dos sertões", he left a group of religious buildings whose ornamental grammar dialogued with the Baroque and Neoclassical styles. In his entourage there were the most varied workers, standing out in an exemplary way, the carvers, founders, master builders, etc., who left sculptural productions of very good fabrication. The images of Bom Jesus, present in them, rich in symbologies, present their own typologies, with a syncretic repertoire, the features of the Blessed Conselheiro being evoked most of the time in the face of Christ. Based on documents of chroniclers and field research, we sought through oral sources and consultations in documents such as letters, newspapers, photographs, as well as in journalistic work, poetry, etc., to disseminate sculptural, architectural and cultural works of Bom Jesus Conselheiro, in order to reveal this artistic and religious patrimony that is increasingly threatened, as well as forgotten more in-depth studies, because this is a very important topic for writing the new pages of the memory of the brazilian people Doutorado Artes Visuais Doutor em Artes Visuais

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta dissertação se propõe a investigar as ações/instalações realizadas por Tunga entre os anos de 1997 e 2014, que possuem como foco a questão do corpo em transformação. Na obra de Tunga entende-se por "corpo" o conjunto de objetos, ações, instalações, publicações literárias e instaurações que se encontram conectados por uma trama de relações vinculadas à temática "corpo", próprias ao processo criativo do artista. Em constante "mutação", "metamorfose" e "transmutação", esses trabalhos estão no limiar entre as artes cênicas e as artes visuais, dialogando, portanto, com a noção de "campo expandido" na arte contemporânea. O primeiro capítulo analisa os mecanismos criados por Tunga para o desenvolvimento de sua poética, por meio da interpretação de algumas de suas obras, de revisão bibliográfica e de pesquisa conceitual. Em seguida, a partir do mesmo viés investigativo, a dissertação apresenta/discute o Pavilhão Psicoativo ¿ Tunga, em Inhotim. Por fim, a pesquisa se dedica à série de exposições intituladas "From La Voie Humide" e à performance "Sem Título", realizada na mostra Made By: Feito por brasileiros, na cidade de São Paulo, em 2014 Abstract: This dissertation investigates the actions/instaurations made by Tunga between 1997 and 2014, which are thematically focused on the body in transformation. On Tunga's work "body" is defined as a set compounded by objects, actions, installations, literary publications and instaurations constituting a thread of ties that are related to the theme of body within Tunga's creative process. In constant "mutation", "metamorphosis" and "transmutation", these works are situated in the threshold concerning scenic and visual arts, and refer to the idea of "expanded field" in the contemporary art. Through the interpretation of some of his artworks, reviewing main bibliographical references and doing conceptual research, the first chapter analyses the mechanisms through which Tunga develops his poetic. Then, carrying on the same frame of investigation, this dissertation presents/discusses Pavilhão Psicoativo - Tunga, located in Inhotim. The ultimate chapter is dedicated to analyze "From La Voie Humide" and the performance "Untitled", displayed in Made by: Feito por brasileiros, in São Paulo, 2014 Mestrado Artes Visuais Mestra em Artes Visuais

Orientador: Mauricius Martins Farina Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Há muito Cássio Vasconcellos circula pelo espaço de exposição da fotografia contemporânea, sendo reconhecido como um dos principais fotógrafos de sua geração no Brasil. Entretanto, o aprofundamento de sua poética na literatura em nível condizente com este livre reconhecimento ainda é uma lacuna, de modo que a presente dissertação pretende ampliar o estudo de suas obras na direção de uma atenuação daquele hiato. Neste esforço, inicia-se de um panorama histórico e cultural contemporâneo, em que cabem as obras de Vasconcellos, apoiando-se principalmente em estudos recentes de André Rouillé (sobre a fotografia como uma expressão) e de Helouise Costa e Renato Rodrigues da Silva (sobre o pioneirismo da expressão fotográfica no Brasil como herança aos fotógrafos contemporâneos brasileiros). Dado o caráter múltiplo e duradouro do trabalho de Vasconcellos, suas séries fotográficas são analisadas em dois grandes blocos temporais, o primeiro abrangendo os anos 1980 e 1990, do início à consolidação de sua formação poética, e o segundo abordando as últimas décadas, em que o fotógrafo recorre também a recursos digitais e a imagens aéreas. A análise crítica das imagens orienta-se por sugestões de Rudolf Arnheim e de Martine Joly quanto à identificação de dados visuais e à formulação de leituras. No decorrer da análise de cerca de centenas de imagens de Vasconcellos, núcleos poéticos possíveis são levantados, com base em recorrências no modo como o fotógrafo narra os espaços fotografados e suas interações com a cultura. Como elo conceitual entre estes aspectos, lança mão a pesquisa da concepção da direção poética de Vasconcellos como uma vertigem, tal como sugerida em ensaio de Eder Chiodetto sobre o fotógrafo, articulando-a com o conceito de estranhamento na arte, de Viktor Chklòvski. Deste reencontro entre fotógrafo e recorte teórico, pode enfim a dissertação propor quatro vias constitutivas da vertigem em Vasconcellos abertas a conexões com outros fotógrafos, sugerindo interações poéticas entre obras. Procura-se assim, ao mesmo tempo, a consonância do estudo com os esforços de compreensão do instante atual das artes visuais e a indicação de leituras-chave das obras de Cássio Vasconcellos a futuras pesquisas, abordem estas diretamente o trabalho deste fotógrafo, obras que tratem do espaço e sua ocupação, ou ainda o campo mais geral da fotografia e das poéticas da imagem Abstract: Cássio Vasconcellos has long circulated through the exposition space of contemporary photography, being recognized as one of the essential photographers of his generation in Brazil. However, the deepening of his poetics in literature at a level consistent with this free recognition is still a gap, so the present dissertation intends to broaden the study of his works in the direction of an attenuation of that hiatus. In this effort, it begins from a contemporary historical and cultural panorama, in which the works of Vasconcellos fit, being based mainly on recent studies of André Rouillé (about the photography as an expression) and of Helouise Costa and Renato Rodrigues da Silva (about the pioneering of photographic expression in Brazil as an inheritance for contemporary brazilian photographers). Given the multiple and lasting character of the Vasconcellos work, his photographic series are analyzed in two great temporal blocks, the first one concentrating in the 1980s and 1990s, from the beginning to the consolidation of his poetic formation, and the second one approaching the last decades, in which the photographer also uses digital resources and aerial images. The critical analysis of the images is guided by suggestions of Rudolf Arnheim and Martine Joly regarding the identification of visual data and the formulation of readings. During the analysis of about hundreds of Vasconcellos images, possible poetic nuclei are raised, based on recurrences in the way the photographer narrates the photographed spaces and their interactions with culture. As a conceptual link between these aspects, the research uses the conception of the poetic direction of Vasconcellos as a vertigo, as suggested in Eder Chiodetto's essay about the photographer, articulating it with the concept of estrangement in art, by Viktor Chklòvski. From this reencounter between Vasconcellos and theoretical clipping, the dissertation can finally propose four constitutive ways of vertigo in Vasconcellos open to connections with other photographers, suggesting poetic interactions between works. Thus, at the same time, we seek the consonance of the study with the efforts of understanding the present moment of the visual arts plus the indication of key readings of the works of Cássio Vasconcellos to future researches, whether these directly approach the work of this photographer, deal with space and its occupation, or with the more general field of photography and the poetics of the image Mestrado Artes Visuais Mestre em Artes Visuais

Orientador: Mauricius Martins Farina Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta dissertação visa analisar, de maneira crítica e reflexiva, o Salão Arte Pará, nos recortes 2002-2012, no que concerne ao seu processo de construção e legitimação na agenda cultural paraense, na medida em que a Fundação Rômulo Maiorana (instituição sem fins lucrativos), juntamente com um aparato midiático e uma curadoria estrategicamente escolhida, visa estabelecer o evento no cenário artístico da região e nacionalmente. Para tal, desenvolveu-se um levantamento a partir dos catálogos e jornais, confrontando com autores pertinentes às questões da pesquisa: propaganda e marketing, curadoria, expografia e história da arte Abstract: This dissertation aims to analyze critically and reflectively, the Salão Arte Pará, in the years 2002-2012, with respect to the process of construction and legitimation in paraense cultural agenda, as the Romulo Maiorana Foundation (non-profit institution ), along with a media apparatus and a curated strategically chosen, aims to establish the event in the art scene of the region and nationally. To this end, we developed a survey from the catalogs and newspapers, comparing with relevant authors to research questions: advertising and marketing, trusteeship, expography and art history Mestrado Artes Visuais Mestre em Artes Visuais

Orientador: Mauricius Martins Farina Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Na sociedade contemporânea, a arte deixa ser vista apenas como um processo que depende da mão do artista e estende seus horizontes. Essa ampliação possibilitou a aceitação da fotografia. Após o incorporamento no final do século XX, outro fator também impactou o universo da fotografia e consequentemente, o da arte: o advento das tecnologias digitais e sua popularização. Com a secularização passamos a viver num mundo saturado por imagens. De acordo com Fontcuberta (2011) não se trata mais agora de produzir novas obras, mas sim de produzir novas formas de conteúdo, por isso, o autor sugere que devemos pensar numa ecologia do visual, que penaliza a saturação e alenta a reciclagem, onde se deslegitimam os discursos de originalidade e passam a valer as práticas de apropriação. Com isso, o artista deve reaproveitar, muitas vezes, o que já está disponível, dando uma nova significação. Dentro deste contexto, esta pesquisa elegeu como objeto de estudo duas séries do fotógrafo alemão Thomas Ruff, por entender que elas promovem essa reciclagem de conteúdo e repensam o modelo de produção de imagens e a essência da fotografia na contemporaneidade Abstract: In the contemporary society, art is no longer seen only as a process that depends on the artist's hand and extends his horizons. The art concept was expanded in late twentieth century allowing the acceptance of photography as art. After this insertion, another factor has also impacted the photography universe and consequently art: the advent of digital technology and its popularization. With this secularization we now live in a world saturated by images. According to Fontcuberta (2011) art nowadays is no longer the production of a new masterpiece, but the production of new form of content. The author suggests that we should think on the visual ecology, which penalizes saturation and encourages recycling. He also suggests the delegitimation of the discourse of originality and begin to value ownership practices. In this sense, the artist must reuse the material already available, giving to it a new meaning. Within this context, this research elected as an object of study two series of the German photographer Thomas Ruff, understanding that these series promote such recycling of content and rethink the model of imaging production and the essence of photography Doutorado Artes Visuais Doutora em Artes Visuais

Orientadores: Anna Paula Silva Gouveia, Maria de Fátima Morethy Couto Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A presente pesquisa tem como objetivo analisar as obras de Marina Caram (1925- 2008) e Odilla Mestriner (1928-2009) produzidas nos anos 60 e 70 e que pertencem aos acervos da Pinacoteca do Estado de São Paulo e do Museu de Arte Moderna de São Paulo. Pretende ainda examinar os processos de musealização dessas obras e estabelecer interlocuções entre o trabalho dessas artistas e o de seus contemporâneos. Além disso, interessa-nos investigar as condições de produção de Mestriner e Caram na década de 60 e 70, considerando suas especificidades plásticas, técnicas e poéticas. Para isso, adotaremos uma postura que não concorda com a existência de uma suposta "identidade feminina", pelo contrário, a noção de feminilidade será tomada como uma fala produzida histórica e socialmente Abstract: This research aims to analyze the works of Marina Caram (1925- 2008) and Odilla Mestriner (1928-2009) that were produced in the 60's and 70's and belong to the collections of the Pinacoteca do Estado de São Paulo and the Museu de Arte Moderna de São Paulo. It also aims to examine the musealization processes of these works and establish dialogues between the work of these artists and their contemporaries. In addition, we are interested in investigating the Mestriner and Caram production conditions in the 60's and 70's considering their plastic, technical and poetic specificities. For this, we will adopt a posture that does not agree with the existence of a supposed "female identity", on the contrary, the notion of femininity will be taken as a speech produced historically and socially Mestrado Artes Visuais Mestra em Artes Visuais FAPESP

Orientador: Maria José de Azevedo Marcondes Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Pretende-se na tese "Renata Lucas e os espaços públicos: intrincamento e fissura" discutir o conjunto dos trabalhos da artista que se configuram como instalações e intervenções no espaço, com ênfase nas intervenções nos espaços públicos. Parte-se das premissas de que tais trabalhos se instituem como um intrincamento específico com o lugar onde se inserem, e de suas configurações enquanto potencial político. Assim, o objeto da pesquisa decorre das relações que o trabalho artístico estabelece com o espaço, seja em sua fisicalidade ou em sua discursividade. A análise do conjunto dos trabalhos de Renata Lucas, produzidos entre 2001 e 2013, baseia-se em teorias de áreas diversas (filosofia, antropologia, história e, fundamentalmente, nas teorias do campo da arte). Por meio de leituras distintas, tenciona-se ressaltar na poética da artista: a percepção corporal do espectador/participante no espaço; a possibilidade de irromperem-se socialidades; a tentativa de criar uma fricção com o espaço por meio da alteração dos códigos representacionais pré-ordenados. Investigam-se as problematizações decorrentes da intervenção no espaço pré-ordenado, que possibilitem novas leituras e percepções. Procura-se defender, inclusive, o potencial político do trabalho de Renata Lucas como contido em estado de latência, no sentido de um potencial a ser desencadeado para o político, tanto pela produção de novos espaços, quanto pela subversão da ordem espacial preestabelecida, assim como pela constituição de uma esfera pública. Conclui-se que os trabalhos artísticos de Renata Lucas contêm muito do estranhamento, da incerteza, da fragmentação, da irrupção. Portanto, desvelar as camadas dos trabalhos da artista possibilita também desvelar camadas subjetivas, não aparentes, aflorar a emergência da "situação na qual estamos imersos". Inferiu-se, com isso, que o trabalho de Renata Lucas concretiza-se na oscilação entre o intrincamento e a fissura, o imiscuir-se e o friccionar Abstract: The purpose of the thesis "Renata Lucas and the public spaces: intricacy and fissure" is to discuss the collection of the artist¿s works that configure as installations and interventions of space, with emphasis on interventions of the public space. It is assumed that such works consist of specific intricacy of the space with which they deal, and of their configurations as to their political potential. Thus, the objective of the study results from the relationship that the artistic work establishes with the space, whether in its physicalness or its discursiveness. The analysis of the collective works of Renata Lucas, produced between 2001 and 2013, is based on theories in diverse areas (philosophy, anthropology, history, and, fundamentally, on theories in the field of art). By means of distinct interpretations, the aime was to highlight the poetical aspects of the artist: the corporal perception of the spectator/participant in the space; the possibility of interrupting socialities; the attempt to create a friction with the space through the alteration of pre-organized representational codes. An investigation was conducted of the problematics resulting from the intervention in the pre-organized space that permit new interpretations and perceptions. An attempt was also made to defend the political potential of Renata Lucas¿ works as contained in the latent state, in the sense of a potential to be released in its political aspect, as much through the production of new spaces as to the subversion of pre-established spacial order, as well as for the constitution of a public sphere. It is concluded that the artistic works of Renata Lucas contain much of the surprise, the uncertainty, the fragmentation, the irruption. Therefore, uncover the layers of the artist¿s works enables us also to reveal subjective layers, not apparent, to treat the emergence of the "situation in which we are immersed". It is inferred, as such, that the work of Renata Lucas is concentrated on the oscillation between intricacy and fissure, intromission and friction Doutorado Artes Visuais Doutora em Artes Visuais

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta dissertação reflete sobre a necessidade de pensar, investigar e estudar o corpo na arte contemporânea. O local que se elegeu para abordar o objeto de estudo foi o Instituto Inhotim - Centro de Arte Contemporânea, que se encontra em Brumadinho - MG. O texto está dividido em quatro capítulos. O primeiro capítulo busca compreender de quais corpos se está tratando, das suas especificidades, dos seus entrelugares e de que forma esses corpos se manifestam na arte contemporânea. O segundo capítulo aborda a discussão do corpo, seus reflexos e sua duplicidade segundo as instalações das artistas Valeska Soares e Yayoi Kusama. No terceiro capítulo, trava-se uma discussão entre os artistas e as respectivas obras de Matthew Barney e Tunga, onde o corpo se coloca em constantes questionamentos e diálogos entre o híbrido e o metamorfoseado. E no quarto e último capítulo, referendam-se questões acerca do corpo e da tecnologia onde novas geografias sonoras e audiovisuais são pensadas e executadas como forma de incorporar os dispositivos e os meios eletrônicos quase inseparáveis e indispensáveis para os indivíduos, hoje, no espaço da arte e como prolongamento do corpo; para tanto foram selecionados o casal Cardiff & Miller e o artista Doug Aitken Abstract: This essay shows the need that one has to think, investigate and study the body in contemporary art. Inhotim Institute - Center of Contemporary Art, located at Brumadinho - MG was the chosen place for this thesis. The text has been divided into four chapters. The first chapter searches to understand which bodies are being discussed; their specificities, their "in-between-places" and most of all how these bodies are manifested in contemporary art. The second chapter addresses the discussion of the body, its reactions and its duplicity; all in accordance with the installations of the artists Valeska Soares and Yayoi Kusama. The third chapter welcomes you into a debate between the artists Matthew Barney and Tunga, and their works. Where the body is put into questioning, and an open dialogue surges between the hybrid and the modified. The fourth and final chapter indorses questions about body and technology; where the new sound and audiovisual characteristics are thought and executed as a way to integrate gadgets and electronic media. Showing that it could become almost an inseparable and indispensable tool for anybody in today's art; where art is an extension of the body; for this, I've selected the couple Cardiff & Miller and the artist Doug Aitken Mestrado Artes Visuais Mestra em Artes Visuais

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa tem por objeto a análise de três instalações realizadas pela artista brasileira Rosângela Rennó ¿ a saber: Imemorial (1994-1995), In Oblivionem (1994-1995) e Hipocampo (1995) ¿ com o propósito de compreender as investigações da artista em torno da imagem fotográfica e das implicações de seu uso no que concerne aos conceitos de memória, deslocamento e estética da desaparição na arte contemporânea. Além das citadas obras deve-se considerar, para efeito analítico, o work in progress da artista, seu Arquivo Universal (desde 1992), por se tratar de coleção pessoal de notícias de jornal que, frequentemente, é revisitada para a elaboração das obras. Fundamental para a pesquisa é a análise do posicionamento de Rennó enquanto colecionadora de ruínas (fotografias descartadas e outros resíduos culturais), de modo a problematizar a tensão existente entre duas formas de coleção que implicam maneiras diferentes de lidar com o tempo e a história: têm-se a dimensão singular e afetiva das coleções da artista como uma prática da memória ¿ fragmentária por excelência ¿ e a organização de suas instalações nos espaços destinados às exposições de arte (galerias e museus), em que prevalece o discurso pautado na linearidade histórica. O papel da artista, que é discutido na pesquisa, coincide, a meu ver, com o contratipo positivo do colecionador, definido por Walter Benjamin como aquele que descarta a função utilitária dos objetos ligando o ato de colecionar a uma percepção dialética do tempo, não linear. A este posicionamento da artista está associado o conceito de desaparição do teórico da cultura e urbanista Paul Virilio, importante para a análise das manipulações que Rosângela Rennó exerce nas imagens das quais se apropria Abstract: In this research were analyzed three installations made by the Brazilian artist Rosângela Rennó ¿ Imemorial (1994-1995), In Oblivionem (1994-1995) and Hipocampo (1995) ¿ aiming to understand the artist's investigations about the photographic image and the implication of its uses when related to memory, displacement and aesthetics of disappearance concepts in contemporary art. Besides the mentioned works, the artist's work in progress Arquivo Universal (since 1992) is also considered in the analysis, once it consists in her personal collection of news articles which are usually consulted during the conception of her works. It¿s fundamental for this research the analysis of Rennó's position as a collector of ruins (wasted photos and other cultural remains) to problematize the tension between the two types of collection, which mean different ways to deal with time and history: there is the unique and affectionate dimension of the artist's collection as a memory practice ¿ fragmentary par excellence ¿ and the organization of her installations in spaces for art expositions (galleries and museums), where the historical linear discourse is predominant. The role of the artist, which is discussed during this research, coincides with the positive countertype of the collector, defined by Walter Benjamin as the one who discards the utility functions of the objects, connecting the action of collecting to a nonlinear dialectical perception of time. The artist's position is related to the disappearance concept thought by the cultural theorist and urbanist Paul Virilio, important for the analysis of the alterations Rosângela Rennó does in the images she appropriates Mestrado Artes Visuais Mestra em Artes Visuais

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A presente pesquisa de doutorado pretende analisar a função das Bienais Nacionais de São Paulo, que aconteceram entre os anos 1970 e 76, e entender a sua relevância no cenário artístico da época. Para isso, foi desenvolvida uma pesquisa pautada primordialmente em dados resgatados da documentação histórica gerada por esses eventos (incluindo-se aqui também os artigos de jornais publicados pela imprensa do período) e conservada no Arquivo Histórico Wanda Svevo da Fundação Bienal Abstract: The purpose of this PhD research is to analyze the role of the "Bienais Nacionais de São Paulo", that happened between the years of 1970 and 1976, and to understand their importance in the art scene of the time. Therefore, we undertook a research guided primarily by the data recovered from the historical documentation engendered by these events (including the newspaper articles published by the press of the period) and preserved in the Wanda Svevo Historical Archives of the Art Biennial Foundation Doutorado Artes Visuais Doutora em Artes Visuais

Orientador: Mauricius Martins Farina Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Este trabalho teve por objetivo perscrutar o discurso poético de Manoel da Costa Ataíde presente na sua pintura em perspectiva realizada no forro da nave da Igreja de São Francisco de Assis em Ouro Preto, no provável período compreendido pelos anos de 1801 e 1812. Considerando os questionamentos de ordem epistemológica acerca da investigação crítica de uma obra de arte apresentados pelos Estudos Visuais, a referida obra foi focada como portadora de um discurso de natureza poética realizado por um artista através de uma pintura. Na abordagem da obra e do discurso por ela portado, foi considerada a essencial relação entre arquitetura e pintura inerente ao que de modo geral é chamado de pintura em perspectiva. Também foram considerados dados relativos ao autor da mesma, cuja naturalidade é de Mariana, Minas Gerais, e dados relativos ao contexto no qual ela se deu. Quanto ao contexto, ele foi interpretado a partir daquilo que possuía de imediato e de particular em relação aos contextos com os quais teve importantes relações, sendo que, foi chamado de mineiro tanto se diferenciando quanto se aproximando dos demais contextos do Brasil colonial, contemporâneos ou anteriores a ele, assim como se diferenciando e se aproximando de determinados contextos europeus devidamente destacados e justificados, dentre eles principalmente o português, o italiano e o francês. Dentre os contextos coloniais brasileiros foi importante distinguir o contexto que também se deu em Minas Gerais, e se deu principalmente do começo do século XVIII até a Inconfidência Mineira, do contexto no qual a própria obra se deu, o qual data do início do século XIX. Foram aproximadas a essa obra de Ataíde inúmeras outras obras de diversos artistas, mas, preferencialmente, além das demais obras do próprio artista marianense em questão, obras de artistas realizadas em contextos que possuíram alguma relação com o contexto mineiro e, sempre que possível, obras que puderam ser conhecidas pessoalmente pelo autor deste trabalho. Portanto, foram realizadas algumas viagens para possibilitar o contato pessoal com obras, por vezes, bastante específicas e que são encontradas em diferentes locais do sul do continente europeu. Como resultado deste trabalho foram elaboradas proposições acerca do discurso poético perscrutado, as quais, invariavelmente, revelaram uma grande sinceridade presente em tal discurso e que, ao mesmo tempo, confirmaram a potência genuína das diversas manifestações artísticas que, como um todo, ocorreram em Minas Gerais entre meados do século XVIII e início do século XIX, potência esta em cuja qual a contribuição de Manoel da Costa Ataíde é inestimável Abstract: This study aimed to peer into the poetic discourse of Manoel da Costa Ataide present on his perspective painting held in the lining of the nave of the Church of St. Francis of Assisi in Ouro Preto, in the probable period comprehended by the years of 1801 and 1812. Considering the questions of epistemological order about the critique investigation of a work of art presented by Visual Studies, the referred work was focused as having a speech of poetic nature performed by an artist through a painting. In the approach of the work and of the discourse ported by it, was considered the essential relationship between architecture and painting inherent in what is generally called perspective painting. Were also considered data relating to the author of the same, whose naturalness is from Mariana, Minas Gerais, and data relating to the context in which it occurred. Regarding the context, it was interpreted from what it had of immediate and of particular in relation to the contexts with which had important relationships, whereas, was called of mineiro both differentiating and approaching of other contexts of colonial Brazil, contemporary or previous of it, as well as differentiating and approaching to certain European contexts properly highlighted and justified, including mainly the Portuguese, the Italian and the French. Among the Brazilian colonial contexts was important to distinguish the context that also took place in Minas Gerais, and took place mainly from the early eighteenth century until the Minas Conspiracy, of the context in which the work itself was given, which dates from the early nineteenth century. Were approached to this work of Ataíde numerous other works of many artists, but, preferably, in addition to other works by himself the artist of Mariana in question, works of artists performed in contexts that possessed some relationship with the mineiro context and, whenever possible, works that could be known by the author of this work. Therefore, there were realized a few trips to allow personal contact with works, sometimes, quite specifics and that are found in different locations of the south of the European continent. As the result of this work were prepared propositions about the poetic speech peered, which ones, invariably, showed a large sincerity present in such speech and which, at the same time, confirmed the genuine potency of the many artistic expressions that, as a whole, occurred in Minas Gerais between the mid-eighteenth century and the early nineteenth century, potency that in which the contribution of Manoel da Costa Ataide is invaluable Mestrado Artes Visuais Mestre em Artes Visuais

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Este trabalho propõe um estudo sobre atividade artística de Anita Malfatti dos anos de 1920, com o objetivo de analisar a inserção dessa produção no debate sobre arte moderna do período e o posterior reflexo desse debate nos principais estudos sobre o Modernismo no Brasil. Essa análise pressupõe uma reflexão sobre a recepção crítica em torno da obra da artista, desde a primeira apresentação ao público brasileiro, até a exposição individual realizada em 1929, que apresentou um panorama geral de sua produção artística. Considerando que a relevância de Anita Malfatti na história da arte brasileira está pontuada entre 1917 e a Semana de Arte Moderna, procuramos abordar as obras realizadas durante o estágio em Paris, entre 1923 e 1928, analisando o diálogo dessa produção com algumas discussões em pauta nesses anos: a relação com a Europa, o nacionalismo, o debate entre tendências mais radicais ou mais moderadas no contexto da arte moderna Abstract: This study focuses on the artistic activity of Anita Malfatti in the 1920s. The main objective of this thesis is to analyze the relevance of her works in the modern art debate of the period, and the subsequent impact of this debate in the Modernism studies in Brazil. This analysis implies an understanding of the art criticism around her work, from the first presentation to the Brazilian public, until the exhibition held in 1929, which presented an overview of her artistic production. Whereas the relevance of Anita Malfatti in Brazilian art history is mostly discussed from 1917 to the exhibition of the Modern Art Week, this study deals with the paintings produced in Paris, between 1923 and 1928, by reflecting about their relations with modern art in Europe, nationalism in Brazil, and the debate between tradition and advanced art tendencies in the context of modern art Doutorado Artes Visuais Doutora em Artes

Orientador: Luise Weiss A biblioteca do IA acompanha 2 DVD-R Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Estrada, Paisagem e Capim - Fotografias e Relatos no Jalapão é uma pesquisa em Poética Visual constituída por viagens - como deslocamento e experiência estética - ao cerrado jalapoeiro, no interior do Estado do Tocantins. A fotografia digital e as anotações se constituem como expressão e desenvolvimento do percurso processual do trabalho realizado. As referências teóricas e visuais contaram com a Antropologia como essência, metodologia e inserção no campo de pesquisa e a Arte como espaço de reflexão e criação para o caminho poético. Diferentes questionamentos surgiram ao longo do desenvolvimento do fazer artístico e acabaram por delimitar o trabalho. Nesta pesquisa, arte, natureza e cultura tornam-se pares no processo de registro e percepção da intuição criativa fotográfica, enfatizando assim, o caráter de "work in progress". Um Livro de Fotografias e um DVD sonorizado com 170 imagens são apresentados como processo e resultado do trabalho poético Abstract: Road, Landscape and Grass - Photographs and Reports in the Jalapão is a research in Poetic Visual consisting of travels - such as displacement and aesthetic experience - to the brazilian savannah, in the State of Tocantins/BR. The digital photography and the written summary notes are as expression and development of the proceedings of the visual work done. The theoretical and visual references counted with the Anthropology as well as essence, methodology and insertion in the field of research, and the Art to be a space for reflection and creation for the poetic way. Different questions have arisen in the course of the development of artistic making and ultimately define the work. In this research, art, nature and culture have become parts in the process of registration and perception of the creative intuition photographic, emphasizing the character of "work in progress". A book of photographs and a DVD with sound and 170 images are presented as a process and outcome of the research poetic Doutorado Artes Visuais Doutor em Artes

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa teve por finalidade analisar os trabalhos do artista cearense Zenon Barreto na cidade de Fortaleza, no Ceará. Considerando a metade do século 20 como recorte histórico e artístico, foram analisadas as limitações e especificidades das obras do artista de acordo com os valores estéticos do modernismo brasileiro. Inicialmente, foi delineado um panorama do meio artístico cearense da época com o objetivo de contextualizar o artista e as obras em questão. Em seguida, foram apresentadas algumas considerações a respeito do conceito de arte pública e suas ressignificações no decorrer do tempo, que contribuíram para uma melhor compreensão dos trabalhos em espaços públicos da capital cearense. Por fim, as obras do artista em questão foram apresentadas e analisadas, estabelecendo sempre que necessário um diálogo com a produção artística cearense e brasileira Abstract: This research had for purpose analyze the works of the artist Zenon Barreto in the city of Fortaleza, in Ceará. Considering the half of the century 20 as artistic and historical cutting, were analyzed the limitations and specificities of the works of the artist according to the esthetic values of the Brazilian modernism. Initially, it was delineated a panorama of the local artistic environment of the epoch with the objective of put into context the artist and the works in question. Right away, were presented some considerations about the concept of public art and its meanings in elapse of the time, that contributed for a better comprehension of the works in public spaces of the capital of Ceará. Finally, the works of the artist in question were presented and analyzed, establishing whenever necessary a dialogue with the local and Brazilian artistic works Mestrado Artes Mestre em Artes