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Tesis sometida a la consideración de la Comisión del Programa de Estudios de Posgrado en Sociedad y Cultura para optar al grado de Doctorado Académico en Estudios de la Sociedad y la Cultura. La defensa pública se realizó el 10 de agosto del 2022. La tesis fue aprobada con mención de honor. Análisis de un corpus compuesto por diesiete largometrajes de ficción que comunican versiones sobre eventos o contextos referidos a los mundos precolombinos y a los procesos iniciales de su conquista. El análisis se realiza desde el marco teórico-conceptual del llamado Programa Modernidad-Colonialidad y el modelo teórico-metodológico anticolonial, antirracista y multicultural propuesto por Robert Stam y Ella Shohat para el estudio del cine, el cual incorpora la comprensión del lenguaje formulada por Mijail Bajtín para pensar los textos audiovisuales desde sus relaciones histórico-culturales con otros textos. El objetivo general fue analizar los principios socioideológicos que organizan las voces y los discursos en los imaginarios históricos cinematográficos sobre este periodo, como parte de la dinámica entre colonialidad y decolonialidad, en la continua batalla cultural por dar sentido al pasado. Sobre cada largometraje se identifican versiones hegemónicas que reproducen una narrativa moderna eurocéntrica, pero también discursos oposicionales enunciados desde la experiencia de la colonialidad. Como parte del análisis se describen los principales tropos, metáforas y motivos alegóricos presentes, con el propósito de comprender las transformaciones y continuidades socioideológicas y hacer explícitas las conexiones entre pasado, presente y futuro que comunican una heterogeneidad temporal. This research deals with the analysis of seventeen fiction feature films that communicate versions of events or contexts referring to the pre-Columbian worlds and the initial processes of their conquest by europeans. The analysis is carried out from the theoretical-conceptual framework of the Modernity-Coloniality Program and the anti-colonial, anti-racist and multicultural theoretical-methodological model proposed by Robert Stam and Ella Shohat for the study of cinema, which incorporates the understanding of language formulated by Mijail Bakhtin to think about audiovisual texts from their historical-cultural relationships with other texts. The general objective was to analyze the socio-ideological principles that organize the voices and discourses in the historical cinematographic imaginaries about this period, as part of the dynamic between coloniality and decoloniality, in the continuous cultural battle to make sense of the past. For each feature film, hegemonic versions that reproduce a modern Eurocentric narrative but also oppositional discourses enunciated from the experience of coloniality are identified. As part of the analysis, the main tropes, metaphors and allegorical motifs present are described, with the purpose of understanding the transformations and socio-ideological continuities and making explicit the connections between past, present and future that communicate a temporal heterogeneity. UCR::Vicerrectoría de Investigación::Sistema de Estudios de Posgrado::Interdisciplinarias::Doctorado Académico en Estudios de la Sociedad y la Cultura

Este Trabajo Fin de Máster examina cómo los estudiantes extranjeros son capaces de aprender español a través del estudio de la Historia. A su vez, se intenta demostrar que la disciplina histórica tiene una importancia vital en el mundo de ELE, aunque hasta el momento no se ha explotado tanto como se debería, y cómo puede facilitar la inmersión lingüística. Para ello, se analiza el uso del cine como medio didáctico con la intención de trabajar contenidos lingüísticos y culturales, motivar al alumnado y, al mismo tiempo, mejorar su proceso de enseñanza-aprendizaje., This Master’s Thesis analyses how foreign students can learn Spanish through the study of History. In turn, this research will demonstrate that History has a particular relevance in the teaching of Spanish as a Second Language, even though it has not been fully exploited as often as it should be, and how it makes easier the language immersion. To that end, it is analysed the use of historic films as a didactic resource with the aim of working with linguistic and cultural contents, motivate the students and, at the same time, improve the teaching-learning process., Máster Universitario en Formación de profesores de Español como Lengua Extranjera (M200)

El legado histórico de Abraham Lincoln lo ha convertido probablemente en el presidente más importante de los Estados Unidos. Su defensa de la Unión, la abolición de la esclavitud y la Guerra Civil, lo han transformado en el líder esencial para comprender la América contemporánea. Por ello, Lincoln ha sido un referente en la historia del cine norteamericano. Desde las filmaciones tempranas hasta la actualidad, el decimosexto presidente ha constituido un arquetipo representacional asociado a los periodos históricos en los que su figura ha sido reconstruida, vinculada mayoritariamente a tiempos de crisis en los que se refrendaba su carácter mediador y su inteligencia política como modelos de afirmación norteamericana. Lincoln, que había sido capaz de unir y reconciliar a la nación en el periodo más crítico de su joven cronología, se convirtió en el modelo de construcción del mito norteamericano, cuya mención iluminó los periodos oscuros de la Depresión y la Segunda Guerra Mundial. Cuando el país se convirtió en la potencia hegemónica, su figura evolucionó como memoria visual y referente ante los abusos de poder y a las políticas manipuladoras., The historical legacy of Abraham Lincoln has made him probably the most important U.S. president. His support of the Union, the abolition of slavery and the Civil War have made him the central figure of contemporary American understanding. That is why Lincoln has been a landmark in American film history. From early filming to the present day, the 16th President has been a representational archetype of the historical periods in which his figure has been reconstructed. A figure mainly linked to periods of crisis in which his mediating character and political intelligence were endorsed as models of American affirmation. Lincoln, who had been able to unite and reconcile the nation in the most critical period of its young chronology, became the model for the construction of the American myth. His mention shed light on the dark periods of depression and the Second World War. When his country became the world’s hegemonic power, his figure was transmuted into visual memory as a reference in the face of abuses of power and manipulative policies.

En septiembre de 1986 se estrena la película La Misión, dirigida por Roland Joffé, con un notable éxito de crítica y público. El film narra algunas de las consecuencias político-sociales que los indígenas guaraníes sufren al aplicarse el Tratado de Madrid, firmado por las monarquías española y portuguesa en 1750. La trama otorga un papel clave a los religiosos jesuitas que, desde siglos antes, habían ejercido su tutela evangelizadora sobre la etnia autóctona. A pesar de los anacronismos que se advierten en el guion y de las licencias noveladas de las tramas, el ejercicio visual recrea diferentes aspectos de la actividad misional que la Compañía desarrolla durante los siglos del Barroco, caracterizada por un idiosincrático activismo pastoral y un particular método didáctico., In September 1986, the film The Mission, directed by Roland Joffé, was released with notable success among critics and audiences. The film narrates some political-social consequences the Guarani Indians suffered when applying the Treaty of Madrid, signed by the Spanish and Portuguese monarchies in 1750. The plot gives a crucial role to the Jesuit religion, which, in previous centuries, had exercised its evangelising guardianship over this native ethnicity. Despite the anachronisms seen in the script and the fictional licenses of some plots, the visual exercise recreates different aspects of the missionary activity that the Company developed during the Baroque centuries, characterised by idiosyncratic pastoral activism and a particular method of didactic., Área de Historia del Arte

Las películas El joven Winston (Young Winston, R. Attenborough, 1972) y El instante más oscuro (Darkest Hour, J. Wright, 2017) se estrenan en dos momentos críticos en Europa y el Reino Unido, vinculados a la revolución del 68 en el primer caso, y al declive político y socioeconómico del mundo occidental, en el segundo. Ambos filmes imprimen una representación positiva de Winston Churchill como líder político. En este artículo se pone en relación al personaje y las cualidades concretas que se subrayan de él con la crisis que acontece en el momento del estreno de cada película. Asimismo se vinculan estos biopics con el momento que atraviesa en cada caso el “sueño europeo”: su apogeo y su declive. El análisis concluye que la imagen de Churchill se recorta en cada filme de acuerdo con el patrón de liderazgo más deseado en cada momento histórico.

La reconstruction du passé récent dans une abondante production de fictions historiques s’effectue surtout à travers le décor et les accessoires d’un récit dont le lien avec l’histoire est parfois ténu. Une certaine tendance esthétisante que l’on peut observer dans nombre de ces films, qui versent souvent dans une nostalgie ambiguë (El Crimen del cine Oriente, Tiempos de azúcar, Secretos del corazón), implique une relecture de l’histoire car le monde imaginaire et fictif ainsi actualisé peut s’imposer lentement comme référence iconique et se substituer peu à peu aux documents authentiques et aux témoignages, qui se retrouvent en décalage avec l’image dominante, dans un processus de ravalement du franquisme qui n’est pas porté par les seuls cinéastes. La reconstrucción del pasado reciente dentro de una abundante producción de ficciones históricas se realiza sobre todo mediante el decorado y el atrezzo de un relato cuyo vínculo con la historia es a veces distendido. Cierta tendencia estetizante observada en muchas de esas películas que a menudo evocan un ambiente de nostalgia ambigua (El Crimen del cine Oriente, Tiempos de azúcar, Secretos del corazón) induce una nueva lectura de la historia porque el mundo imaginario y ficticio así actualizado puede llegar a imponerse paulatinamente como referencia icónica e ir sustituyéndose a los documentos auténticos y a los testimonios que aparecen desfasados con respecto a la imagen dominante, en un proceso que revoque ción del franquismo que no es propio del cine.

El propósito del artículo es analizar el film El desierto negro (Gaspar Scheuer, 2007) en el contexto del cine histórico argentino contemporáneo. El film constituye un aporte destacado al resurgimiento de la temática gauchesca de los años 2000. En su diseño narrativo se retoman elementos del Spaghetti Western, reelaborándose los núcleos denominados Marca, Venganza y Mirada. De igual manera, se trata de un film reflexivo que indaga en las relaciones intertextuales e intermediales, vinculándose con las artes plásticas, la historieta, la fotografía y el cine.

Fil: Dillon, Alfredo. Pontificia Universidad Católica Argentina. Facultad de Ciencias Sociales. Instituto de Investigaciones; Argentina Resumen: El artículo realiza un análisis formal y narrativo de dos películas biográficas recientes sobre el peronismo: Juan y Eva (Paula de Luque, 2011) y Puerta de hierro. El exilio de Perón (Víctor Laplace y Dieguillo Fernández, 2012). Ambos films son leídos en relación con el clima de época que comparten: el del tercer gobierno kirchnerista en la Argentina. Construidas a partir de dos estéticas narrativas contrapuestas —una posépica minimalista por un lado, una recuperación discursiva de la épica peronista por el otro—, las dos películas comparten, sin embargo, una mirada idealizadora sobre las figuras de Juan Domingo y Eva Perón. Abstract: The article offers a formal and narrative analysis of two recent biographical films about Peronism: Juan y Eva (Paula de Luque, 2011) and Iron Gate. The Exile of Perón (Víctor Laplace and Dieguillo Fernández, 2012). Both films are read in relation to the political climate they share: that of the third Kirchner government in Argentina. Produced in two opposing narrative aesthetics —a minimalist postepic on the one hand, a discursive recovery of the Peronist epic on the other— the two films, however, share an idealizing view of the figures of Juan Domingo and Eva Perón.

La historia de México está repleta de episodios nucleares que han sido objeto de una abundantísima literatura científica: la Guerra de Independencia, la Reforma, la Revolución, la transición a la democracia Entre ellos, muchos además han dado lugar a enconados debates sociales y mediáticos, que en ocasiones han llegado hasta la actualidad. Sin embargo, pocos ocupan un lugar tan destacado en el imaginario colectivo mexicano como el movimiento estudiantil de 1968 y la década de los setenta. Este trabajo tiene como objetivo contribuir a la discusión académica en torno a estos años mediante una nueva aproximación a la política cinematográfica desarrollada por las autoridades durante la presidencia de Luis Echeverría (1971-1976), poniendo en esta ocasión el acento sobre el cine histórico. Actualmente existen pocas dudas de que el programa reformista implementado por Echeverría (la conocida como "Apertura democrática") tenía como finalidad principal restaurar el consenso político y social que se había roto con el movimiento estudiantil, ni que la gran pantalla jugó un papel fundamental en este sentido.

The film Miguel y William (Inés París, 2007) depicts a fictitious encounter between Miguel de Cervantes and William Shakespeare in 1590 and fantasizes about the possibility of both writers competing for the love of the same woman while collaborating in creating a play. Criticism on this film has focused on the historical inaccuracies and the lack of realistic verisimilitude of this romantic comedy, which was clearly conceived as an exercise of fantasy and imagination rather than as a documentary biopic of the two literary giants. However, beyond the distorted specific details about the life of the two great writers as individuals, the film manages to create a compelling representation of two conflicting worlds (Renaissance England and Spain) which collide in the imagined encounter of the two geniuses. This paper will provide a reading of Miguel y William making use of the critical notion of “orientation”, as developed by Sara Ahmed in her influential work Queer Phenomenology, Orientation, Objects and Others (2006), in order to analyse the way the film constructs the opposing images of both nations at the time. If we look beyond its anachronisms and its conventional romantic comedy plot, Miguel y William can be read as a serious engagement with the authors’ time which reveals differing life attitudes that ultimately come to underline and reaffirm, in some cases through the traditional clichés and stereotypes about both countries taken from the “Black Legend”, the differences in their national identities. Universidad de Málaga. Campus de Excelencia Internacional Andalucía Tech

Este trabajo pretende sumarse a los diversos estudios ya realizados con frecuencia en el ámbito literario sobre la actualidad y pervivencia de la Antigüedad en el mundo contemporáneo, pero en esta ocasión desde una perspectiva cinematográfica, un campo en el que aún son escasas las aportaciones en este sentido. Las dos películas de recreación de la Antigüedad realizadas en la Italia del Primo Novecento que se han seleccionado como documentos principales, Cabiria (1914) y Scipione l’Africano (1937), se convierten en un testimonio de determinadas formas de retratar el pasado, pero también en vehículos mediante los cuales se puede realizar una aproximación a la realidad de una sociedad europea de las primeras décadas del siglo XX como la italiana. El principal logro de este trabajo y el más novedoso respecto a otros estudios precedentes sobre la relación entre el Cine y la Historia Antigua es partir de una doble consideración de las películas históricas analizadas, al entenderlas como hechos de doble historicidad, es decir, no sólo como reconstrucciones más o menos fiables del Mundo Antiguo, sino también como portadoras de mensajes absolutamente vivos del presente de su realización., Tesis Univ. Granada. Programa Oficial de Doctorado en Historia

Actas del V Congreso Internacional de Historia y Cine celebrado en la Universidad Carlos III de Madrid del 5 al 7 de Septiembre de 2016. Durante la Guerra Civil española y la segunda guerra mundial, diferentes focos falangistas nacieron en el seno de las comunidades de inmigrantes españoles a lo largo de toda América. Entre los núcleos falangistas más importantes de América, los del Río de la Plata fueron los que tuvieron una incidencia política y social más señalada. El papel fundamental de estas agrupaciones, desde su nacimiento y después de su reorganización en el marco de la Delegación Nacional del Servicio Exterior, fue la propaganda fascista y la difusión del imaginario falangista entre las comunidades inmigrantes españolas en el continente. Esta difusión también se realizó a través del rodaje y difusión de algunas piezas de cinematografía documental, elaborada tanto para servir como elemento movilizador de la colectividad española en apoyo a la sublevación y al fascismo español, como para mostrar el alcance de la revolución nacionalsindical en las salas de proyección de la Península Ibérica. During the Spanish Civil War and the Second World War, different Falangist centers were born within the communities of Spanish immigrants throughout America. Among the most important Falangist centers in America, those of the Río de la Plata were the ones that had a more marked political and social influence. The fundamental role of these groups, from its birth and after its reorganization within the framework of the National Delegation of the Foreign Service, was the fascist propaganda and the diffusion of the Falangist imaginary among the Spanish immigrant communities in the continent. This diffusion was also made through the filming and diffusion of sorne pieces of documentary cinematography, elaborated both to serve as a mobilizing element of the Spanish collectivity in support of the Spanish uprising and fascism, as well as to show the scope of tbe national-union revolution In the projection rooms of the Iberian Península.

Actas del V Congreso Internacional de Historia y Cine celebrado en la Universidad Carlos III de Madrid del 5 al 7 de Septiembre de 2016. Canción del sur (1946) es una película del estudio Disney nunca editada en DVD o Blu-Ray y que en Estados Unidos nunca se comercializó en VHS. La propia compañía la tiene retirada de la circulación por considerarla racista, si bien durante años han rebatido las críticas que la acusan de distorsionar la historia americana amparándose en que nunca pretendieron hacer una película histórica y, por tanto, hablar de alteración de la realidad no tiene sentido. Song of the South ( 1946) is a film by Disney studios that has never been released on DVD or Blu-Ray and was never available for sale on VHS in the United States. The company itself has put it away from distribution due to its alleged racism. Nevertheless, all this time they have kept disproving the critics that accuse the film of distorting American history, arguing tbat they never pretended to make a historie film. Tberefore, speaking of reality alteration does not make any sense to the major.

Actas del V Congreso Internacional de Historia y Cine celebrado en la Universidad Carlos III de Madrid del 5 al 7 de Septiembre de 2016. París, capital del siglo XIX, entró en el nuevo siglo radicalmente trasformada. Las diversas fases del plan Haussmann, las actuaciones higienistas de Eugene Poubelle y las tres revoluciones del siglo (1830, 1848, 1871) modificaron drásticamente la ciudad. El carácter propio de estas revoluciones era reflejo de una economía, una sociología y una fisonomía específica de París: talleres y fábricas funcionando intramuros, barricadas dominando las calles estrechas y una clase obrera diversa e integrada en barrios laberínticos. La Comuna de 1871, como primera revolución propiamente obrera, cierra el ciclo abierto por la Revolución Francesa y culmina la transformación en y de las revoluciones que la precedieron a lo largo del siglo. Los factores propios de la economía y fisonomía parisina fueron un elemento clave en su forma de desarrollo; por ese motivo, este texto analiza la construcción escenográfica de un París desparecido en los filmes que recrean los hechos de la Comuna de París. La constatación básica es que en ellos desaparece la representación típica parisina (el 1ío Sena, Notre Dame ... ) para centrarse en la fuerza de la relación entre los personajes y su discurso, o para trabajar una recreación borrosa e idealizada de fragmentos de una ciudad que sólo se percibe fugazmente. Los grabados y las fotografías transformados en imagen en movimiento son otra de las estrategias para aprehender ese París que ya no se encuentra en las calles. Y si la filmación recurre a exteriores, éstos son angostos, limitados, muy centrados en una calle o en un barrio, evitando romper el espacio imaginario del París desaparecido y funcionando a la vez como metáfora de la cercanía diaria de la lucha política en el barrio. París was radically transformed during the 19th century. The Hausmann urban plan development, the hygienic laws of Eugene Poubelle and the three major revolutions of that century (1830, 1848, 1871) drastically changed the city. Sorne inner features of París economy, sociology and urban physiognomy shaped the specific character of those revolutions: ateliers and factories working within the walls, barricades dominating narrow streets and a heterogeneous worki ng class boiling all together within the labyrinth of Parisian streets. In 1871 , París Commune was the first working class revolution and closed a cycle opened by French Revolution; this culminates the transformation of precedent revolutions in 191h century and also the way they are performed. Parisian economy and physiognomy were key elements in Commune development. So, this paper analyzes the scenography on films about 1871 Commune, a scenography of a disappeared Paris. Main conclusion is related to the lack of the stereotypical Paris views (as Notre Dame, Seine River ... ); these views are substituted by the strength of speeches and class relations, by gravures and photos or by an idealized and blurry city setting. When films depict indoors, these are narrow and focused in one specific street or neighbourhood because the filmmakers avoid breaking the imaginary of the disappeared Paris at the same time these sets work as a metaphor of everyday closeness in the neighbourhood political fight.

Actas del V Congreso Internacional de Historia y Cine celebrado en la Universidad Carlos III de Madrid del 5 al 7 de Septiembre de 2016. El cine de terror post-clásico se caracterizó por el tratamiento de los monstruos y el argumento desde un punto de vista más realista. Esta mutación de este género responde a una serie de cambios sociales y culturales que estaba experimentando Estados Unidos. Por ello, dentro del terror, el American Gothic empezó a tratar tensiones y complicaciones culturales y sociales desde un punto de vista gráfico y mucho más violento. La película Pánico antes de amanecer (Just Before Dawn, Jeff Liebermann, 1981) ha sido escogida como estudio de caso para realizar un análisis en profundidad de determinados aspectos históricos que refleja la cinta. Las razones de su elección es por la descripción de una tensión histórica, que se mantenía latente: las tensiones entre lo urbano y lo rural. Dicho conflicto aparece en la historia mediante el encuentro entre unos campistas de ciudad y el ámbito rural y salvaje. Nuestra metodología se centrará en analizar las herramientas y los elementos de los que se vale la película para construir el discurso de lo rural. The post-Classical horror cinema shifted towards more realistic movies. This change is the result of the social and cultural changes that the United States was experienced. For that reason, within the horror genre, the American gothic subgenre started to address cultural and social tensions and conflicts through more graphic and violent stories. The aim of this proposal is to analyze Just Befare Dawn (Jeff Liebermann, 1981) from a historical perspective. That way, the story focuses its attention on a relentless and historie tension: the conflict between the urban and the rural spaces. Such problem is embodied by the encounter of sorne young urban campers and rural dwellers. Our methodology is based on the analysis of the elements which are useful for building the rural discourse.

Actas del V Congreso Internacional de Historia y Cine celebrado en la Universidad Carlos III de Madrid del 5 al 7 de Septiembre de 2016. Nuestro propósito es plantear el origen del régimen totalitario alemán. Para ello queremos remontarnos al huevo de la serpiente, al punto de no retomo sobre el golpe de lo real con la Shoah. Si Auschwitz sigue operando como una dolorosa herida abierta en nuestra conciencia social es, sobre todo, por su compleja relación con lo histórico. A pesar de su diferencia respecto a otras barbaries, a pesar de lo aberrante de su contorno y a pesar, en definitiva, de su posible condición indescifrable, la Shoah forma parte de una cadena de acontecimientos con los que está obligado a establecer unos vínculos de necesidad. Con los eslabones que van antes y con los que van detrás; solo así podemos acercarnos al agujero negro de la barbarie si n caer en la fetichización de Auschwitz o la fascinación por el abismo. A través de La cinta blanca (2009) de Michael Haneke queremos abordar el horror a partir de la comprensión del antes y el después de la catástrofe, qué la hizo posible y qué perdura todavía hoy. Es por ello que en ella se teje una tupida red de elementos referenciales cuyas puntadas y costuras, trazados y simetrías, le permite afianzar la tesis que levanta contra toda pereza intelectual, contra toda explicación consoladora del desastre. El pasado actuó en el presente de la barbarie, argumenta el filme de Haneke: la rigidez de las estructuras feudales de la Alemania decimonónica se convirtió en el caldo de cultivo de las futuras generaciones nazis. Pero el presente de la barbarie también opera en el futuro de nuestra realidad contemporánea. Ese es, creemos, el fin último de la película de Haneke. A través de la metonimia y la metáfora parece invocamos a nuestro propio momento histórico. Our purpose is to raise the origin of the German totalitarian regime. Por this we go back to the egg of the snake, the point of no retum on the stroke of the real with the Shoah. lf Auschwitz continues to operate as a painful open wound in our social consciousness is, above all, his complex relationship with the historical. Despite their difference from other barbarities, despite the aberrant its contour and although ultimately their possible indecipherable condition, the Shoah is part of a chain of events with which he is obliged to establish links need. With the links that come before and those who are behind; the only way we can approach the black hole of barbarism without falling into the fetishization of Auschwitz or the fascination of the abyss. Through The White Ribbon (2009) by Michael Haneke want to address the horror from understanding before and after the catastrophe, which made it possible and what still endures today. That is why it is woven a dense network of reference elements whose stitches and seams, paths and symrnetries, lets you consolidate the thesis that stands against all intellectual laziness, against all consoling explanation of the disaster. Last acted in this barbarism, argues Haneke's film: the rigidity of the feudal structures of nineteenth-century Germany became the breeding ground of future generations Nazis. But this barbarism also operates in the future of our contemporary reality. That is, we believe, the ultimate purpose Haneke film. Through metonymy and metaphor it seems invocate our own historical moment.

Actas del V Congreso Internacional de Historia y Cine celebrado en la Universidad Carlos III de Madrid del 5 al 7 de Septiembre de 2016. No existe ningún otro edificio histórico al mundo que haya sido mucho utilizado al cine sin ser considerado en sus propriedades históricas y artísticas como el Palacio Real de Caserta. Si Versalles es elegido como set para representare sí mismo, y hacer rivivir los acontecimientos seguidos en las epocas, a Caserta los espléndidos salones y los exuberantes jardines en lamayoría de los casos se prestan a fingir de ser otro: este es el caso, por ejemplo, de La Maja desnuda (1958), dónde aparece como el Palacio Real de Madrid, o bien Waterloo (1970), dónde representa como el Castillo de Fonatinebleau. Cuando es utilizada para hacer revivir los personajes borbónicos que lo tienen efectivamente poblado, el Palacio Real de Caserta sólo raramente es empleado respetando los tiempos y los estilos artísticos, supliendo así de generíco lugar del poder. La sontuosidad de la arquitectura vanvitelliana, luego, hace permitido a ricas producciones americanas de utilizar este edificio, eligido como palacio del Vaticano y, hasta, del futuro, cuál set de ciencia ficción. No other historical building in the world has been used in the movies without being respected in its historical and artistic features more than the Royal Palace of Caserta. If Versailles is usually chosen as location for representing itself, as well as to set the events that have happened through the time, at Caserta the splendid halls and the luxuriant gardens are generally utilized to come out as sorne other places: for instance, in La Maja desnuda (1958) it appears as the Palacio Real of Madrid, and in Waterloo (1970) it is shown as the Fontainebleau Castle. When it is used as the location of Bourbon family, who have inhabited there, very rarely its times and artistic styles are respected. The Reggia acts as a generic seat of power. But also, the sumptuousness of the Vanvitelli architecture has allowed to the American film productions to use this building as a Vatican place and even as a space age location for the recent Star Wars episodes.

Actas del V Congreso Internacional de Historia y Cine celebrado en la Universidad Carlos III de Madrid del 5 al 7 de Septiembre de 2016. Partiendo de la cita de Vargas Llosa: un escritor refleja su época aunque no quiera, pretendemos realizar una evolución del Madrid reflejado por Pedro Almodóvar como metáfora de la España de finales del siglo XX y principios del XXI. Existen ciudades identificadas con escritores y cineastas. Se habla del Madrid de Galdós, pero también del de Sabina o Almodóvar. Se puede hablar de una simbiosis entre algunos cineastas y sus espacios como "lugares del alma": Woody Allen y N. York o Jonb Ford y The Monument Valey. Por tanto, aunque no se trate de una reconstrucción histórica ex profeso, el Madrid Almodovariano es un espacio histórico en cuanto su rastreo desde los ochenta a la actualidad (Julieta, abril 2016) nos ofrece una visión de los últimos cuarenta años de la ciudad en multitud de facetas diurnas y nocturnas, salas de fiesta, oficinas, hospitales, transportes, y multitud de direcciones concretas. El cineasta siempre se ha manifestado un enamorado de Madrid, y en su búsqueda de localizaciones ha encontrado rincones que han profundizado en esta relación. Le gustan las panorámicas sobre la ciudad, sus monumentos, sus plazas .. . Existen frases célebres como: " .. en Madrid nunca es tarde" (La flor de mi secreto) o "La ciudad más divertida del mundo (Laberinto de pasiones). Finalmente, Carne trémula sintetiza lo dicho con un periodo de tiempo muy concreto: desde 1970 a 1996, haciendo alusión a las circunstancias históricas: "En España ya no existe el miedo". Based on the appointment of Vargas Llosa: a writer reflect his time but do not want, we intend to make an evolution of Madrid reflected by Pedro Almodóvar as a metaphor for the Spain of the late twentieth century and early twenty-first. There are cities identified with writers and filmmakers. There is talk of Madrid Galdos, but also from Sabina or Almodóvar. One can speak of a symbiosis between sorne filmmakers and their spaces as "places of the soul": Woody Allen and N. York or Jonh Ford and The Monument Valey. Therefore, although these are not of a historical reconstruction on purpose, the Madrid almodovariano is a historie space as traceability from the eighties to the present (Julieta, April 2016) offers a vision of the last forty years of the city many facets day and night, night clubs, offices, hospitals, transportation, and many specific directions. The filmmaker has always expressed a lover of Madrid, and in their search for locations found places that have explored this relationshi p. He enjoys panoramic views over the city, its monuments, squares ... There are famous phrases such as: " . .in Madrid is never too late" (The Flower of My Secret) or "The most fun city in the world (Labyrinth of Passion). Finally, Live Flesh synthesizes what has been said a very specific time period: from 1970 to 1996, referring to the historical circumstances: "In Spain there is no longer fear."

Actas del V Congreso Internacional de Historia y Cine celebrado en la Universidad Carlos III de Madrid del 5 al 7 de Septiembre de 2016. La lengua es un poderoso aliado para la caracterización de los personajes. Con el empleo de determinadas expresiones, control de la modulación o selección léxica, entre muchos otros recursos, se consigue mostrar al espectador un inmenso número de aspectos y matices muy complicados de expresar por otras vías. En las películas de ambientacion histórica, junto a otros elementos indispensables como son la escenografía, vestuario, etc, la lengua también es un elemento fundamental para que el público acepte como veraz la época histórica en la que transcurre la trama. El propósito de este trabajo es analizar el uso de la lengua como herramienta en la construcción de ese marco histórico. En una primera parte, haremos un repaso de las características de este empleo, abarcando todos los periodos de la industria cinematográfica, pues incluso en el cine mudo la lengua está empleada en los títulos e intertítulos de sus películas. En una segunda parte, analizaremos este uso concreto en El abuelo (1998), dirigida por José Luis Garci y basada en la célebre novela homónima de Galdós, y El Secreto de Puente Viejo, serie que actualmente está en antena, emitida por Antena 3 entre otras cadenas. Finalmente, se establecerá una metodología común entre las dos muestras objeto de estudio acerca del uso de la lengua como marcador diacrónico y, por tanto, como elemento caracterizador de una época historica determinada. Language is a powerful ally for the characterization of the characters. With the use of certain expressions, the contros of the voice modulation, the lexical selection, among many other resources, the viewer gets an immense number of very complicated issues and nuances that would be very difficult to express in other ways. In historical films, along with other essential elements such as scenery, costumes, etc, language also plays a key role in the recreation of the historical context during which the plot takes place. The purpose of this paper is to analyze the use of the language as a tool in the construction of this historical framework. In the first part, we review the characteristics of this use. We will cover all periods of the film industry, because even in the silent film era, the language was actually used in the titles and intertitles of his films. In a second part, we will analyze this particular use in El abuelo (1998), directed by Jose Luis Garci and based on the famous novel with the same name written by Galdos, and El Secreto de Puente Viejo, a series that is currently on the air, emüted by Antenna 3 between other chains. Finally, we will establich a common methodology between the two samples under study