Search

Esta pesquisa é uma reflexão sobre minha prática artística que se constrói com base em questões relacionadas ao universo do hiperconsumo na sociedade contemporânea. Tomando como eixo o processo de criação de duas mostras individuais que abordam o próprio contexto mercadológico onde se inscrevem — uma galeria de arte na cidade de Porto Alegre —, a dissertação constrói um cenário que amplia as discussões promovidas por ambas as mostras. Aproximando-as de outras ações artísticas com ocorrência em diferentes pontos do globo, o texto analisa um conjunto diversificado de perspectivas e estratégias que problematizam as instâncias de legitimação e valoração da arte contemporânea. Refletindo sobre o cinismo como uma estratégia renovada de crítica, busco analisar a metodologia da crítica institucional à luz do mercado global contemporâneo. This research is a reflection about my artistic practice, built based on issues related to the universe of hyperconsumerism in contemporary society. Taking as its axis the creative process of two solo exhibitions that approach the market context in which themselves are inscribed — an art gallery in the city of Porto Alegre —, the dissertation creates a setting that enhances the discussions promoted by both shows. By placing them together with other artistic operations occurring in different places around the world, the text analyzes a diversified collection of perspectives and strategies that problematize the instances of legitimization and valuation of contemporary art. Reflecting about cynicism as a renewed critical strategy, my aim is to analyze the methodology of institutional critique in the light of the contemporary global market.

Esta pesquisa tem como foco a gestão autônoma da arte no contexto socioeconômico contemporâneo, aqui estudado através do campo da inovação socioeconômica. Formas diferentes de gestão foram investigadas através de iniciativas agrupadas em torno da produção, difusão e consumo da arte, atuantes na cidade de Porto Alegre, Brasil. As gestões estudadas são consideradas dentro do espectro que Gregory Sholette chama de matéria escura, referindo-se às pequenas iniciativas artísticas relegadas à sombra do mainstream da arte. A investigação das estratégias dessas iniciativas vai ao encontro do conceito de inovação social, que teoriza uma nova lógica de gestão, produção e consumo de bens materiais e simbólicos em tempos de uma nova economia. As gestões aqui entendidas como autônomas surgem às margens das instituições consolidadas do sistema da arte, como os grandes museus, galerias de prestígio e feiras que movimentam altos valores financeiros. São agentes do campo da arte que investem seu tempo e dinheiro em lugares adaptados muitas vezes para serem galerias e atelieres compartilhados, museus alternativos, espaços culturais e artísticos. These research focuses on the autonomous management of art within a contem porary socioeconomic context, studied through the field of socioeconomic innovation. Different forms of management were investigated through initiatives set around the production, diffusion and consumption of art in the city of Porto Alegre, Brazil. The initiatives studied are considered within the spectrum that Gregory Sholette calls “dark matter”, referring to small artistic initiatives relegated to the shadow of art’s mainstream. The research about the specific strategies they developed are thought in relation to the concept of “social innovation”, which theorizes a new logic of management, production and consumption of material and symbolic goods in times of a new economy. The initiatives addressed her are understood as autonomous, they appear on the margins of the art system’s solid institutions, such as great museums, prestigious galleries and fairs that move high financial values. These initiatives are agents in the art field who invest their time and money in places many times adapted to function as galleries and shared studios, alternative museums, cultural and artistic spaces.

Este trabalho é uma investigação sobre propostas artísticas desenvolvidas por três mulheres artistas brasileiras que utilizam elementos da cibercultura. Os conteúdos abordam a utilização da linguagem fotográfica junto a redes sociais e blogs, no contexto de desenvolvimento das suas poéticas visuais, pautadas na internet com elaborações desdobradas a partir de pautas feministas. Para tanto, considera a interface com os meios digitais e a web estabelecendo relações entre processos de produção e circulação de conteúdos artísticos on-line e off-line. A metodologia consiste em seguir publicações das artistas e realizar coleta de posts nas plataformas das redes sociais. Propõe o debate teórico a fim de identificar, analisar e promover as condições de produção, participação, circulação e legitimidade desse tipo de manifestação artística na contemporaneidade. This work is an investigation of artistic proposals developed by three Brazilian women artists using elements of cyberculture. The contents address the use of photographic language in social networks and blogs, in the context of the development of their visual poetics, based on the internet with elaborations unfolded from feminist guidelines. To this end, it considers the interface with digital media and the web establishing relationships between processes of production and circulation of online and offline artistic content. The methodology consists of following the artists' publications and collecting posts on social media platforms. It proposes the theoretical debate in order to identify, analyze and promote the conditions of production, participation, circulation and legitimacy of this type of artistic manifestation in contemporary times.

Esta pesquisa analisa, sob a perspectiva das relações sistêmicas da arte, como os artistas, através da auto-organização, operam microestruturas de produção que repensam o modo de funcionamento dos circuitos de visibilidade e legitimação. Partindo das experiências do Nervo Óptico (1976-78) e do Arte Construtora (1992-96), marcos locais das práticas conceituais contemporâneas, esta dissertação se propõe a revisar e problematizar trabalhos e eventos da Galeria Península (2014-17), espaço no qual o autor atuou como artista, curador e gestor. Para aprofundar esta análise, foram selecionados dois eventos com restrita bibliografia e ampla documentação, a Experiência Criativa Serpente do Ibirapuitã (Nervo Óptico, janeiro de 1977) e a Ilha da Casa da Pólvora (Arte Construtora, novembro de 1996). Ao examinar as articulações entre prática e distribuição, buscou-se compreender os múltiplos lugares de atuação do artista, com o objetivo de se enunciar características específicas e verificar algumas das consequências da auto-organização na cadeia produtiva da economia da arte. This research analyzes, from the perspective of the systemic relations of art, how artists, through self-organization, operate microstructures of production that rethink the mode of operation of circuits of visibility and legitimation. Based on the experiences of the Nervo Óptico (1976-78) and Arte Construtora (1992-96), local landmarks of contemporary conceptual practices, this dissertation proposes to review and problematize works and events hosted by Galeria Península (2014-17), an art space in which the author worked as an artist, curator and manager. In order to deepen this analysis, two events with limited bibliography and vast documentation were chosen: Experiência Criativa Serpente do Ibirapuitã (Nervo Óptico, January 1977) and Ilha da Casa da Pólvora (Arte Construtora, November 1996). By examining the articulations between practice and distribution, we sought to understand the multiple roles of artists in order to outline specific characteristics and verify some of the consequences of selforganization in the production chain of the art economy.

Esta dissertação tem como objetivo investigar a presença de Glauco Rodrigues no sistema da arte no Brasil, os diferentes tempos e espaços em que suas obras se articulam, seus percursos de afirmação e legitimação através das apropriações por colecionadores, curadores e instituições. Partimos de uma recuperação biográfica e histórica da produção do artista para compreender sua atuação no circuito local e repercussão internacional. Em seus deslocamentos temporais e conceituais o artista transitou entre a figuração, o realismo socialista, o abstracionismo, a pop art e o tropicalismo. Na análise desses momentos destacam-se seus conhecimentos e conexões com os artistas de sua época. Propomo-nos identificar as narrativas de sua trajetória e costurar seus acervos, articulando-as aos discursos históricos e pensar as teorias da arte que se revelam a partir da obra do artista. This dissertation aims to investigate the presence of Glauco Rodrigues' work in the Brazilian art system, the different times and spaces in which his works were articulated, the paths of affirmation and legitimation experienced by his oeuvre after appropriations made by collectors, curators and institutions. The analysis brings a biographical and historical review of the artist's production pursuing to place his performance in a local circuit and it's international overcome. Through his temporal and conceptual displacements, the artist moved between figuration, socialist realism, abstractionism, pop art and tropicalism. From the analysis of the different stages of his work stands out the knowledge he gained and connections built with the artists of each time. The proposal of the text is to identify and bring together narratives and collections, articulating historical discourses and theories of art that are revealed from the body of work of Glauco Rodrigues.

O presente trabalho abre-se para um debate que coloca em evidência os desdobramentos da interação entre a pixação e o campo da arte. A pesquisa procura compreender como a pixação – ao usufruir da estrutura deste campo – pode levar à reflexões sobre as práticas artísticas que ocorrem a partir de uma perspectiva variável, talvez momentânea, ou mesmo de uma zona de interstício. Esta interação é abordada em três momentos: o primeiro concentra-se nos ataques de 2008 que tiveram como alvo o Centro Universitário Belas Artes, a Galeria Choque Cultural e a 28ª Bienal de São Paulo; o segundo foca a participação dos pixadores Rafael Augustaitiz e Cripta Djan em duas bienais (29ª Bienal de São Paulo e 7ª Bienal de Berlim); o terceiro se volta a uma reflexão reinserida no contexto cultural urbano da pixação pós 2008. Como ferramentas analíticas e reflexivas, consideraram-se conceitos como o da estética da iminência de Néstor García Canclini, bem como muitas noções que se inserem na discussão sobre a complexidade cultural latino-americana. Adotam-se conceitos relativos a produção simbólica dentro das chamadas culturas urbanas para aprofundar a reflexão sobre o uso social do espaço urbano, as práticas discursivas da arte assim como o discurso poético-político da pixação. This work presents the possibility of opening a debate that highlights the unfolding matters concerning the interaction between the pixação and the field of art. The research seeks to understand how the pixação – through it’s usage of this field structure – can lead to reflections on artistic practices that occur from a variable perspective, perhaps momentary, or even in that interstice zone. This interaction was approached considering three moments: the first one focuses on the 2008 attacks that targeted the Centro Universitário Belas Artes, the Choque Cultural Gallery and the 28th São Paulo Biennial; the second one focuses on the participation of the pixadores Rafael Augustaitiz e Cripta Djan in two biennials (29th São Paulo Biennial and 7th Berlin Biennial); the third one is a reflection reinserted in the urban cultural context of post-2008 pixação. As analytical and reflexive tools, concepts like the aesthetics of the imminence developed by Néstor García Canclini were considered, as well as many notions that are inserted in a discussion about the complex cultural aspects of Latin America. Concepts related to symbolic production within the so-called urban cultures were adopted to deepen the reflection on the social use of urban space, the discursive practices of art as well as the poetic-political discourse of pixação.

Esta pesquisa analisa a residência artística pelo atravessamento de três conceitos principais: espaço, tempo e interlocução, vistos como aspectos fundamentais nos programas inseridos dentro do campo da arte contemporânea. Para tanto, foi previsto um percurso histórico que apresenta a sua formação, como sendo um lugar que oferece espaço e tempo para que o artista possa trabalhar de forma imersiva em seus projetos. Além da experiência do deslocamento do antigo ao novo contexto, as residências costumam propiciar diálogo entre os artistas durante suas estadias, promovendo, assim, uma rede de contatos. Como uma forma de entender também o objeto de estudo dentro da realidade brasileira, foram pesquisadas iniciativas no País. Resultante disso, percebeu-se a recorrência de um diferencial afinado com as reflexões da arte contemporânea e disponibilizado aos residentes: o acompanhamento crítico, realizado de forma sistemática por diferentes profissionais do campo da arte. A existência dessa prática apontou a necessidade de um aprofundamento nessa etapa da pesquisa, sendo consultados tanto artistas quanto críticos e curadores para levantar um conjunto de percepções individuais. As informações foram obtidas com o auxílio de entrevistas e enquetes qualitativas. Ainda, visando ampliar as discussões sobre a presença dessa atividade, os depoimentos foram confrontados com os conceitos de espaço, tempo e interlocução, apresentados por outros autores, entre eles, Gaston Bachelard, André Comte-Sponville e Maurice Blanchot. Por fim, foi possível concluir algumas considerações relevantes sobre a presença dessa atividade reflexiva nos programas de residência artística da atualidade. This research analyzes the artistic residence through the crossing of three main concepts: space, time and interlocution, seen as fundamental aspects in the programs inserted within the field of contemporary art. For that, it was foreseen a historical course that presents its formation, as being a place that offers space and time for the artist to work of immersive mode in his projects. In addition to the experience of the displacement between the old and the new context, the residences usually provide dialogue among the artists during their stays, thus promoting a network of contacts. As a way of understanding also the object of study within the Brazilian reality, initiatives were researched in the Country. Resulting from this, it was noticed the recurrence of a differential attuned to the reflections of contemporary art was made available to residents: the critical support by different professionals in the field of art. The existence of this practice pointed to the necessity of a deepening in this stage of the research, being consulted as much artists as critics and curators to raise a set of individual perceptions. The information, was obtained with the aid of interviews and surveys. Aiming to broaden the discussions about the presence of this activity, the statements were confronted with the concepts of space, time and dialogue, presented by other authors, among them Gaston Bachelard, André Comte- Sponville and Maurice Blanchot. Finally, it was possible to conclude some relevant considerations about the presence of this reflexive activity in the programs of artistic residence of the present time.

Nesta tese, é analisado o crescente papel do mercado nos circuitos artísticos contemporâneos, enfocando a ascensão das feiras como uma instância que expressa um mundo da arte heterônomo. As feiras são discutidas como ferramenta nos processos de internacionalização da produção artística brasileira. A partir da SP-Arte, ArteBA e Art Basel Miami - três diferentes modelos em distintos circuitos comerciais - é feita uma reflexão sobre como suas respectivas escalas e dinâmicas repercutem na reputação de tais eventos, problematizando as correntes noções de local e global. Considerando questões geopolíticas, que se fazem cruciais nestes dinâmicos ambientes, a pesquisa problematiza o uso do termo ecossistema para descrever a complexidade das relações existentes no cenário da arte contemporânea. Admitindo as limitações dos métodos quantitativos de mensuração dos mercados de arte, nesta pesquisa também são apresentadas algumas das principais narrativas que delineiam e reforçam as crenças contemporâneas na formação de valor. Tais narrativas, simultaneamente conflitantes e convergentes, expõem, nas feiras de arte, suas paradoxais repercussões nos processos de legitimação da arte contemporânea. This thesis analyzes the growing role of the market in contemporary art circuits, focusing on the rise of art fairs as an instance that expresses a heteronomous art world. The fairs are discussed as a tool in Brazilian artistic production internationalization processes. Using SP-Arte, ArteBA and Art Basel Miami - three different art fair models in different commercial circuits - a reflection is made on how their respective scales and dynamics reverberate on the reputation of such events, discussing the current notions of local and global. Considering geopolitical issues, which are crucial in these dynamic environments, the research questions the use of the term ecosystem to describe the complexity of the relationships in contemporary art scene. Acknowledging the limitations of quantitative methods for measuring art markets, this research also presents some of the main narratives that shape and reinforce contemporary beliefs regarding the formation of value. Such narratives, both conflicting and converging, expose, in art fairs, their paradoxical impacts on legitimizing processes of contemporary art.

Esta pesquisa de mestrado discute, através de autores enraizados nas artes visuais e também em outras arenas, como a sociologia e a antropologia, as relações interpessoais em dois trabalhos coletivos e colaborativos de arte, focando nos papéis que cada agente exerce nas produções e questionando se há a presença de suas particularidades sociais e culturais nestas práticas. Focando-se nos coletivos Sopapo de Mulheres, de Porto Alegre, e Dulcinéia Catadora, de São Paulo, ambos compostos por mulheres, a presente dissertação questiona como estas duas práticas agregam às suas agendas as peculiaridades, os devires de cada agente, e como estas negociações possibilitam trabalhos de arte pautados na colaboração e protagonismo de suas integrantes. Buscando diálogos com outros trabalhos em arte colaborativa realizados em território brasileiro, são levantados pressupostos a respeito da progressiva produção de trabalhos de teor colaborativo em zonas periféricas no país, bem como as modificações que seus locais de origem e inserção sofrem após agenciamentos que modificam partilhas comuns, rearranjando papéis e criando novas audiências. This master research discuss, through authors from the visual arts and other areas, such as sociology and anthropology, the interpersonal relationships in two collective and collaborative works, focusing in the roles that each one practice in the productions and questioning if their social and cultural peculiarities are present in these activities. Focusing in the collective groups Sopapo de Mulheres, from Porto Alegre, and Dulcinéia Catadora, from São Paulo, both formed by women, the present master thesis question how these two groups assemble to their agendas the particularities, becomings, of each person, and how these negotiations enable art works based in the collaboration and leading role of its members. Pursuing a dialogue with other studies about collaborative art made in Brazil, assumptions are raised about the progressive production of collaborative works in the country’s suburb zones, as well as the transformations that their origin and context place suffer after agency services modify ordinary distributions, rearranging roles and creating new audiences.

Arte em partilha trata das práticas colaborativas em arte contemporânea em seu processo de consolidação. Ao se utilizar do termo “partilha do sensível”, de Jaques Rancière, a pesquisa reflete sobre estas práticas a partir de três pontos: desmaterialização do objeto da arte, espaço de ocorrência e o outro. No capítulo OUTRA COISA, estas práticas são tratadas como elementos de novas formas de fazer na arte contemporânea e de como o objeto-coisa transforma-se em objeto processo. No capítulo OUTRO LUGAR a questão da espacialidade e endereçamento destas ações é discutidas. Em O OUTRO, é refletido de como a inserção do outro no processo artístico perpassa a questão do espectador. Ao longo do texto, são utilizados projetos dos artistas: Ricardo Basbaum, Ana Laura Lopez de La Torre, Sebastian Romo, Ana Maria Saavedra e Luis Alárcon (Galeria Metropolitana), Antoni Abad, Leticia Bertagna e Janice Martins Sitya Appel. Art in distribution deals with collaborative and participative practices in contemporary art in its consolidation process. Using the term "distribution of the sensible" by Jaques Rancière, the research reflects on these practices from three perspectives: dematerialization of the art object, spatiality and the other. In chapter OTHER THING, these practices are analyzed as elements of new ways of art making in contemporary art and how the object-thing transforms into an object-process. In chapter OTHER PLACE, the issue of spatiality and addressment of these actions is discussed. THE OTHER reflects how the inclusion of the other in artistic process permeates the question of the spectator. Ricardo Basbaum, Ana Laura Lopez de la Torre, Sebastian Romo, Ana Maria Saavedra and Luis Alarcon (Metropolitan Gallery), Antoni Abad, Leticia Bertagna and Janice Martins Sitya Appel are the artists used as cases for this research.

A presente dissertação se propõe a construir e fundamentar um modo operatório para compreender o tipo de obra poética que parte de uma fusão de linguagens na criação de uma narrativa artística, sob a forma de um site-obra (www.io.art.br). Para tanto, parte-se de um conjunto de conceitos cuja soma possibilita uma aproximação desse objeto de estudo, a realização de uma obra em poéticas visuais na forma de um site na web, estruturado em narrativas não-lineares que se interligam e ganham novas dimensões de significado, em uma construção múltipla e fragmentada. Busca-se problematizar o trabalho proposto à luz de diferentes conceitos, como narrativa, suas origens na narração oral e literária, passando para a cinematográfica, trazendo uma visão sobre os princípios da montagem na construção de narrativas mentais. São feitas aproximações com a imagem do labirinto, como forma de compreender a estruturação da navegação por múltiplos caminhos, e abordadas algumas possíveis visões sobre obras em redes telemáticas, notadamente os princípios que regem a hipertextualidade e a não-linearidade. São também abordados os conceitos de rizoma, por agenciar conexões e desdobramentos; informes moldáveis, pelo seu caráter de aglutinação de elementos em um conjunto que age e se desloca como um único ser, além de permitir sua propagação em novos agrupamentos; e torus, pelo seu potencial de dar tridimensionalidade aos deslocamentos que a rede propicia. Finalmente, analisa-se o conceito de Convergência, em especial no que tange à interatividade e inserção de propostas de web arte no contexto fora da rede. Este último mostrou-se como uma ferramenta apropriada para englobar os anteriores, e permitir uma abordagem da proposta artística desenvolvida. This dissertation aims to form the foundation and structure of an operational mode for understanding creative work that is based on a fusion of languages in creating an artistic narrative in the form of a site-work (www.io.art.br). It is therefore based on a set of concepts that together enable an approach to this object of study, the production of creative work in the form of a website, structured into non-linear narratives that are interconnected and acquire new scales of meaning in a multiple and fragmented structure. It seeks to address the proposed work in the light of different concepts, such as narrative, its origins in oral and literary narration, passing through cinematography and introducing a view of the principles of montage in the construction of mental narratives. It refers to the image of the labyrinth as a way of understanding a structure of navigation along multiple routes and considers some possible views about works in telematics networks, in particular the principles governing hypertextuality and non-linearity. It also investigates rhizome theory as an enabler of connections and developments; slime mold, through its agglutination of elements into a group that acts and moves as a single unit and also allows propagation into new groupings; and the torus, through its ability to give three-dimensionality to the movements provided by the web. Finally, it analyses the concept of Convergence, particularly in terms of interactivity and insertion of web-art proposals into a context beyond the web. This final concept is seen to be a suitable instrument for encompassing the others, and allows an approach to the developed art proposal.

A presente pesquisa foi elaborada a partir de um projeto prático, realizado no período entre 2010 e 2012. Desse modo, a reflexão que segue foi desenvolvida a partir dos procedimentos de trabalho, procurando identificar as recorrências, as referências, as escolhas, e suas consequentes implicações conceituais. O objeto de pesquisa compreende a troca de desejos por desenhos, feita através da internet e usando as redes sociais. Buscou-se aprofundar os importantes aspectos relacionais presentes nessa dinâmica, bem como aqueles relativos ao meio em que as trocas foram realizadas. A instauração e a articulação de três coleções distintas objetivou organizar os documentos de trabalho e as questões que concernem a apropriação, refletindo sobre como essas práticas se articulam e contribuem para a ampliação das possibilidades do trabalho criativo. The herein presented research was elaborated based upon the practical work executed between the years of 2010 and 2012. The following reflection was developed from work procedures, trying to identify the recurrences, the references, the choices and its resulting conceptual implications. The object of research includes the exchange of desires for drawings, made through the internet and social networks. It searched to deepen the important relational aspects present in this dynamic, as well as aspects relating to the environment in which exchanges were made. The establishment and articulation of three distinct collections aimed to organize the working documents and the issues that concern appropriation, reflecting on how these practices work together and contribute to the expansion of creative possibilities.

A pesquisa definiu o processo de transição da curadoria ‘tradicional’, voltada para as atividades de conservação, organização, pesquisa e exposição das obras de arte, para a curadoria ‘contemporânea’, caracterizada pela organização da exposição através da elaboração de conceitos críticos formulados pelo curador, que desenvolve de forma autoral o tema da exposição e seleciona quais artistas irão participar da mostra. O período em que ocorreu esta transição foi na segunda metade do século XX, em sincronia com a arte contemporânea e o aumento do número de exposições, fato, este, decorrente da ampliação de espaços expositivos, visível em diversos países. A pesquisa buscou as origens da curadoria para perceber como a atividade foi se constituindo ao longo do tempo até chegar às características concernentes da curadoria ‘contemporânea’. Feito o levantamento sobre quais exposições se tornaram referenciais na arte contemporânea, foi elaborada uma análise para precisar as mudanças ocorridas no âmbito da curadoria, através da atuação de diferentes curadores. Entre eles, Harald Szeemann, Walter Zanini, Achille Bonito Oliva, Sheila Leirner, Jean-Hubert Martin e Paulo Herkenhoff. Concluídas as análises, foram apresentadas conside-rações sobre o curador enquanto autor de exposições, as relações entre a curadoria e os outros agentes do campo artístico e a curadoria como parte do processo de construção da história da arte. The research has defined the transition process from the ‘traditional’ curatorship involved in conservation and organization activities, research and display of the art pieces to a ‘contemporary’ curatorship, characterized by the organization of the exhibition through the elaboration of critical concepts formulated by curator who develops in authorial way the theme of the exhibition and selects which artists will take part in it. This transition happened in the second half of the twentieth century, in synchronicity with the contemporary art and the increasing number of exhibitions, which derived from the increase of exhibition spaces, noticeable in many countries. The research searched the origins of the curatorship to perceive how the activity built up throughout the time until the concerning characteristics of contemporary curatorship were settled. After the assessment about which exhibitions became a reference was made, an analysis was elaborated to precise the changes in the scope of curatorship through the work of various curators. We can highlight among them: Harald Szeemann, Walter Zanini, Achille Bonito Oliva, Sheila Leirner, Jean- Hubert Martin and Paulo Herkenhoff. After the conclusion of the analysis, considerations about the curator as an author of the exhibitions were presented; the relationship between the curatorship and other agents of the artistic field and the curatorship as a part of the construction of Art history.

Esta pesquisa propõe um levantamento e estudo da obra de Milton Kurtz (1951 - 1996), arquiteto e artista que desenvolveu sua técnica basicamente calcada no desenho, participando de grupos de artistas que promoveram um debate e uma efervescência cultural no Rio Grande do Sul no final dos anos 70 e inicio dos 80. O recorte principal está vinculado à presença de uma visualidade que denota sintonia com sua contemporaneidade e com a mídia de massa. Com referenciais nas histórias em quadrinhos, revistas, jornais, anúncios publicitários, cinema e televisão, que compõem sua coleção pessoal, Kurtz constrói uma obra com intensas aproximações ao espírito característico da Pop Art. A pesquisa propõe um levantamento destas aproximações, bem como o estudo de sua poética que apresenta forte viés erótico, explorando questões do corpo e revelando ambiguidades e dualidades ligadas tanto à bidimensionalidade quanto às questões de gênero. O presente estudo visa ainda, contribuir para o devido registro na história da arte no estado, não apenas da obra de Milton Kurtz, mas também do KVHR, grupo de artistas do qual participou ativamente desde novembro de 1977 a maio de 1980, junto com Julio Viega, Paulo Haeser e Mário Röhnelt. This research proposes a survey and study the works of Milton Kurtz (1951 - 1996), architect and artist who developed his technique essentially based on drawing, participating in groups of artists that promoted a discussion and a cultural effervescence in state of Rio Grande do Sul in the final of the 70's and beginning of the 80's. The main bias is linked to the presence of a visuality that shows a link with his contemporary and the mass media. With references in comics, magazines, newspapers, advertisements, movies and television, making up his personal collection, Kurtz produced an intense work with verifiable approaches to the spirit characteristic of Pop Art. The research proposes a survey of these approaches, and the study of his poetic feature that shows a strong bias erotic, exploring issues of body and revealing ambiguities and dualities related to the bi-dimensionality and to the gender issues. This study also aims to contribute to the proper record in the history of art in the state, not just the work of Milton Kurtz, but also the KVHR, group of artists which participated actively since November 1977 to May 1980, with Julio Viega, Paulo Haeser and Mário Röhnelt.

O trabalho evidencia um novo modelo de gestão e funcionamento do sistema da arte no Brasil, considerando a emergência de dois novos atores e de um tipo específico de instituição cultural a partir dos anos oitenta. Nesse sentido, analisa as atuações de curadores, produtores e plataformas culturais articuladas a corporações bancárias no destino de artistas e obras no contexto da história da arte na contemporaneidade. Para tanto, focaliza a atuação do Itaú Cultural, em São Paulo, e do Centro Cultural do Banco do Brasil do Rio de Janeiro, no período de 2000 a 2005, da qual são selecionados para entrevista um grupo de curadores, produtores culturais e artistas, além dos gestores das instituições. O objetivo do estudo é mostrar como o regime de eventos passou a vigorar no sistema, influenciado pela ação do Estado e das infra-estruturas emergentes, responsáveis pela circulação e visibilidade da produção artística. The current paper highlights a new management and functioning model for the art system in Brazil, considering the emergence of two new agents and a specific type of cultural institution which appeared in the 1980´s. Thus, it analyses the work of curators, producers and also cultural platforms related to bank corporations in the career of artists and their works in the context of contemporary history of art. In order to reach that goal, it focuses on the work of Itaú Cultural in São Paulo and Centro Cultural Banco do Brasil in Rio de Janeiro from the year 2000 to 2005. It was selected a group of curators, producers, artists and managers of the institutions to take part in the interviews. The aim of the study is to show how a policy of events started to exist in the system, influenced by the action of the estate and the emerging infrastructure, which are responsible for the visibility and circulation of artistic production.

O presente trabalho versa sobre iniciativas de artistas em Porto Alegre durante a década de 1990. Dedicamos especial atenção ao seu formato de coletivos e aos espaços específicos que criaram para a difusão da arte. Para investigar este tema, escolhemos como objeto central de análise, os projetos de ocupação Câmaras e Arte Construtora, as exposições Plano: B e Remetente e os espaços permanentes Torreão e Obra Aberta. As formas de atuação desses agenciamentos coletivos de artistas, os espaços por eles inventados e as maneiras como foram praticados nos forneceram material para que pudéssemos detectar inter-relações com o sistema das artes. Algumas vezes, eles foram abertamente críticos quanto às instituições e ofereceram respostas às suas insuficiências e limitações buscando, então, criar espaços onde pudessem agir com maior autonomia e liberdade. Essas iniciativas indicaram e indicam até hoje uma vontade de realização fora dos limites do circuito estabelecido, investindo em outros espaços e, simultaneamente, questionando os espaços de arte existentes, o próprio sistema das artes visuais e os percursos de inserção do artista e seu trabalho.