Search

In this article, we present some aspects of Dancer-Researcher-Performer (BPI) method that can be considered in its epistemological specificities. Therefore, the first purpose is to present a bibliographic review of this training and scenic creation methodology that has been developed for over thirty years in Brazil. Through brief reports, we present the history of the BPI, we describe its creative process and we list some data that enable a better understanding of this method, its singularities in the performing arts field. This paper does not intend to exhaust this subject, but rather seeks to open spaces for new dialogues and debate., Dans cet article, nous présentons quelques aspects de la méthode Danseur-Chercheur-Interprète (BPI) qui peuvent être considérés comme ses spécificités épistémologiques. Il s’agit d’une révision de la bibliographie fondamentale de cette méthode de formation et de création scénique qui se développe au Brésil depuis plus de trente ans. Par de brefs rapports, nous présentons l'histoire de la méthode BPI. Nous décrivons également son processus de création et présentons des informations qui permettent une compréhension de ses singularités dans le champ des arts scéniques. Ce travail n’a pas l’intention d’épuiser le sujet, mais cherche plutôt à ouvrir de nouveaux dialogues et discussions., Neste artigo, são apresentados alguns aspectos do método Bailarino-Pesquisador-Intérprete (BPI) que podem ser pensados como suas especificidades epistemológicas. Trata-se, portanto, de uma revisão da bibliografia fundamental dessa metodologia de formação e criação cênica em desenvolvimento no Brasil há mais de trinta anos. Por meio de relatos breves, apresentamos o histórico do método BPI. Também descrevemos seu processo criativo e listamos dados pontuais que viabilizam uma compreensão de suas singularidades no campo das Artes da Cena. Este trabalho não tem a pretensão de esgotar o assunto, mas, sim, busca abrir frestas para novos diálogos e discussões.

The Pilates method, originally called contrology, has been gaining a significant following in Brazil. This article discusses the method’s principles and convergences with somatic education by analyzing the original works of Joseph Pilates using an aesthetic-philosophical approach. It seems implicit that the Pilates method can be instrumental for the performing arts, and the article accordingly points to some connections in this regard. However, the article also argues that, in the absence of the guiding principles proposed by Pilates, the method ceases to be an art of control and instead is reduced to something not much different from other physical exercises., La méthode Pilates, appelé à l’origine contrologie, rencontre actuellement une importante adhésion au Brésil. Dans ce texte, ses principes et ses convergences avec l’éducation somatique sont abordés dans une approche esthétique et philosophique des œuvres originales de Joseph Pilates. Il semble tacite que la méthode peut contribuer efficacement aux arts de la scène et certaines relations sont proposées en ce sens. En outre, il est question que, sans les principes directeurs proposés par son créateur, cette contribution cesse d’être un art du contrôle pour se réduire à une pratique physique pas très différente d’autres., O método Pilates, originalmente denominado de contrologia, vem encontrando adesão significativa no Brasil. Neste texto, discutem-se seus princípios e convergências com a Educação Somática em uma abordagem estético- filosófica das obras originais de Joseph Pilates. Parece tácito que o método pode contribuir de modo efetivo ao artista da cena e são propostas algumas relações nesse sentido. Mas também é discutido, neste artigo, que, sem os princípios norteadores propostos por seu idealizador, essa contribuição deixa de ser uma arte do controle para reduzir-se a uma prática de exercícios físicos não muito distinta das demais.

L'oeuvre théâtrale d'Angélica Liddell propose, au-delà des recherches formelles de la marginalité, une écriture de la marge qui est ici explorée.

International audience; Tant sur le plan esthétique qu’éthique, le regard de l’enfant fait quelque chose aux écritures et aux arts de la scène, lesquels lui donnent une place privilégiée dans le champ contemporain au-delà de la seule « création jeune public ». Cet essai met au jour la nature d’un théâtre sous l’oeil de l’enfant (de l’enfant à naître, en passant par le nourrisson, jusqu’au petit enfant) et l’articule à une généalogie de la parole (l’infans). Sandrine Le Pors ouvre ainsi un chemin poétique nous faisant accéder à une vision kaléidoscopique, ample et néanmoins précise, des écritures textuelles et scéniques (théâtre, danse, marionnette) où une enfance résiste, persiste. L’enfant (dramatique, scénique ou plastique, vivant, absent ou mort), loin de nous renvoyer à un miroir complaisant ou de s’associer à une perception simpliste, s’inscrit ici dans une ouverture contre une fermeture du monde.

L’anthologie permet de découvrir des pantomimes fin de siècle, jusqu’alors inédites en français, d’écrivains autrichiens et allemands majeurs (Hofmannsthal, Schnitzler, Wedekind) ou moins connus. Elles sont précédées d’une présentation critique et d’une introduction générale analysant le contexte artistique., This volume gathers previously unpublished pantomimes by both major and lesser-known fin de siècle Austrian and German authors (Hofmannsthal, Schnitzler, Wedekind…). It includes a general introduction to the artistic context and analytical presentations of each text.

Le mentorat est aujourd’hui reconnu comme un facteur clé de croissance professionnelle et personnelle. Cet ouvrage comprend des réflexions sur les relations nouées entre mentors et mentorés dans les domaines de l’histoire, de la littérature et des arts de la scène. Ces essais examinent les diverses formes de mentorat, sa dynamique de pouvoir, ainsi que le processus réciproque de changement que peut susciter la relation de mentorat. Pour ce faire, ils lèvent le voile sur les contours flous du mentorat, ainsi que sur les avantages et les risques intrinsèques à cette relation., Mentoring is nowadays recognised as a key factor of professional and personal growth. This volume encompasses reflections on the relationships forged by mentors and mentees in history, literature and the performing arts. These essays examine the various shapes of mentoring, its power dynamics, as well as the reciprocal process of change the mentoring relationship can instigate. They do so by unveiling the blurred margins of mentoring, as well as the benefits and risks this relationship entails.

International audience

Partant du principe que, dans les creations sceniques de Robyn Orlin, l’experience du « rater », dans ses multiples declinaisons, fait figure de leitmotiv, on s’efforce de montrer ici, en s’appuyant principalement sur l’analyse de quelques pieces, a quels niveaux et sous quelles formes il se manifeste. Ou il s’avere, entre autres, que ce motif a partie liee avec une autre preoccupation centrale dans l’ecriture de cette artiste : la question du pouvoir et de son lieu, de ses expressions, de ses manifestations, au theâtre comme dans la societe.

Les carrières artistiques constituent un domaine très peu étudié dans le champ des relations industrielles. Celles-ci représentent pourtant un observatoire très puissant pour examiner et anticiper l’évolution des professions dans un contexte où plusieurs auteurs ont émis l’hypothèse que de nombreux métiers, notamment ceux du domaine de la recherche scientifique et des professions créatives, sont appelées à évoluer selon des formes qui se rapprochent des conditions d’organisation et des formes d’emploi des métiers artistiques. La présente recherche a pour objet l’étude des facteurs qui influencent les artistes professionnels de la danse à entreprendre une transition de carrière. Plus précisément, il s’agit d’étudier comment s’opèrent et sont vécues les transitions de carrière provoquées par des blessures ou des maladies professionnelles, incluant l’usure, la diminution des capacités physiques et l’invalidité, chez les danseuses et les danseurs professionnels à Montréal. La réalisation de cette recherche repose sur une analyse transversale du matériel de recherche qui comprend des données quantitatives et qualitatives. La double comparaison des données convergentes et divergentes de l’expérience vécue des participants relativement aux opinions, aux perceptions, aux sentiments et aux attitudes permet, par ces lignes de convergences et de fuites, de tirer des conclusions plus larges. À l’aide de cette méthodologie de recherche, cette étude vise à reconnaître: 1) que les transitions de carrière provoquées par ces facteurs physiques sont difficiles à vivre étant donné qu’elles sont inattendues, ce qui fait d’elles une forme de transition contrainte et, 2) que les transitions de carrière provoquées par ces facteurs physiques sont difficiles à vivre étant associées à d’importantes difficultés psychologiques et identitaires. Par cette analyse, nous constatons qu’il existe deux degrés de transitions de carrières provoquées par des facteurs physiques : celles qui sont provoquées par une blessure grave ou une maladie professionnelle et celles qui sont provoquées par une installation graduelle de la douleur en raison d’une microblessure, d’une usure ou d’une diminution des capacités physiques. En étudiant les évènements menant à ces types de transition, nous nous attardons à définir ce que nous entendons par « contrainte » et nous détaillons les caractéristiques des transitions qu’elles engendrent. Nous arrivons à la conclusion que ces deux degrés de transitions correspondent à la nature d’une transition de carrière contrainte ce qui fait d’elles des processus difficiles à vivre notamment raison de leur caractère inattendu. En plus de constater que celles-ci sont effectivement associées à différentes difficultés psychologiques et identitaires, nous identifions les raisons qui expliquent l’émergence de ces difficultés. Cette étude permet d’étudier la survenance des événements qui mènent à ces transitions de carrière et permet de porter un regard sur les services offerts par la Commission des normes, de l’équité, de la santé et de la sécurité du travail (CNESST). Au final, des enseignements plus généraux et applicables à d’autres professions précaires qui ne relèvent pas du domaine artistique sont tirés de cette étude., Artistic careers have been under-studied in the field of industrial relations. This is the case despite several researchers having recently suggested that an increasing number of professions, including academic and creative ones, are likely to evolve and present similar organizational conditions and employment forms to the ones we observe in artistic labour markets. This research addresses the factors influencing professional dance artists to undertake a career transition. More precisely, we study how career transitions induced by occupational injuries and diseases operate, and how they are experienced by professional dance artists in Montreal. We take into consideration different manifestations of occupational injuries and diseases such as wear, decreasing physical abilities and disability. From a methodological standpoint, this research is supported by a transversal analysis of both quantitative and qualitative data. The double comparison of convergent and divergent data relating to the experience of career transitioning, including the participants’ opinions, perceptions, feelings and attitudes, allows us to draw larger conclusions. This study highlights that (1) career transitions induced by physical factors are challenging because of their unexpected nature. We consider these transitions to be constrained ones, because they are forced upon professional dance artists instead of being the result of a voluntary and planned process. This study also shows that (2) career transitions induced by physical factors represent a challenging experience for professional dance artists because of their association with major psychological and identity difficulties. This research shows the existence of two different degrees of career transitions induced by physical factors in the professional dance sector in Montreal. The first relates to transitions induced by occupational injuries or diseases. The second relates to transitions induced by a gradual settling of pain due to a microinjury, wear or decreasing physical abilities. By studying the events leading to these two degrees of transitions, we define our concept of constrained transition and detail the characteristics of the different types of transitions the formers can lead to. We conclude that the two types of transitions correspond to constrained transitions, which makes them challenging experiences because of their unexpected nature. Beyond concluding that constrained transitions are associated with different major psychological and identity difficulties, we also identify the reasons explaining the emergence of those difficulties. This study allows for a better understanding of the factors leading to constrained career transitions in the professional dance sector in Montreal. This opens up new perspectives to reflect on the services offered by the Commission des normes, de l’équité, de la santé et de la sécurité du travail (CNESST). General reflections and contributions applying to other precarious professions are also discussed.

International audience; Les traces numériques, qu’elles soient numérisées (programmes, carnets de notes, dessins, etc.) ou nativement numériques (mails, sites internet, captations vidéo, etc.), constituent un défi majeur pour la mémoire des éphémères arts de la scène. Le numérique transforme les traces en données et ce faisant les ouvre à la manipulation. Ce changement de paradigme appelle à un renouvellement des méthodologies pour écrire l’histoire du théâtre aujourd’hui, analyser les oeuvres et leur processus de création, ainsi que pour préserver les spectacles.Au croisement des études théâtrales, de l’histoire et des humanités numériques, de la conservation et de l’archivistique, ces méthodologies permettent de prendre en compte ce qui est généralement écarté : à savoir les traces numériques, jugées trop complexes, trop nombreuses, trop fragiles, à l’authenticité douteuse, etc.Avec pour fil conducteur l’analyse des traces numériques de Merce Cunningham, et au travers de nombreux autres exemples, cet ouvrage s’adresse autant aux chercheurs et aux archivistes qu’aux artistes et aux institutions culturelles.

Contributeurs : Vincent Amiel, Mathilde Brunet, Anaïs Cabart, Jean-Pierre Esquenazi, Térésa Faucon, Guillaume Gesvret, Tristan Grünberg, Anne-Cécile Guilbard, Raphaël Jaudon, Judith Langendorff, Olivier Leplatre, Alice Letoulat, Sylvain Louet, Liliane Louvel, Dominique Moncond'huy, Jessy Neau, Valentine Robert, Armande Salimov et Bernard Vouilloux.

Si l’hyperarticité est une relation de dérivation entre des œuvres appartenant à des arts différents, la relation du tableau vivant au tableau est ainsi construite qu’elle sera encore longtemps pensée comme un facteur d’intensification du coefficient d’art, d’où le genre tire sa dimension esthétisante. Là réside la source de la difficulté qu’auront à résoudre les pratiques modernes et contemporaines, photographiques ou cinématographiques, dès lors que celles-ci assument leur propre statut médial., If hyperarticity is a derivative relationship between works belonging to different arts, the relationship of the “tableau vivant” to painting is thus constructed that it will still be thought long as a factor of intensification of the art coefficient, from which the genre derives its aesthetic dimension. This is the source of the difficulty that modern and contemporary practices, photographic or cinematographic, will have to solve, given their own medial status.

L’article propose de mettre en lumière les traductions intersémiotiques du Casse-noisette d’E.T.A. Hoffmann (1816) – mise(s) en livret, mise(s) en ballet et mise(s) à l’écran – afin d’analyser comment l’œuvre incarnerait une forme d’idéal esthétique romantique : un tout achevé dans un tout en mouvement, une œuvre atemporelle, hétérogène et hybride s’ouvrant sur un perpétuel renouvellement artistique comme en témoigne l’intérêt qu’on lui porte depuis sa création jusqu’à l’époque contemporaine.

Le volume Traduction et transmédialité (xixe-xxie siècles) interroge la frontière entre l’acte de traduire et la transmédialité, au sens d’un processus de transfert d’un medium à un autre. Il explore les rapports entre traduction et transmédialité, en confrontant discours critiques et création., The volume Translation and Transmediality (19th-21th centuries) questions the boundary between the act of translating and transmediality, in the sense of transfer from one medium to another. It explores the relationship between the two, by confronting critical discourse and creation.

Le livre est en open access sur Open Edition.; International audience; Le présent ouvrage apporte une contribution à l’histoire des arts du spectacle à Rome entre l’avènement en 1644 du pape Innocent X, issu de la famille des Pamphilj, et la mort du cardinal mécène Pietro Ottoboni en 1740, qui marqua la fin de l’époque du népotisme. Les innombrables spectacles organisés à l’époque par les familles de la haute aristocratie ont laissé des traces de leur exécution et de leur appréciation par le public dans des archives encore peu exploitées. En analysant, sous l’angle du concept de performance, l’événement spectaculaire dans toutes ses dimensions (mécénat, financement, livrets, partitions, enjeux socio-politiques, collaborations artistiques, exécution singulière ou réitérée, réception par le public, mémorialisation), il devient possible de resituer ces entreprises artistiques dans le cadre d’une histoire sociale et culturelle de l’époque. À partir de l’exploration des archives de plusieurs grandes familles aristocratiques de Rome, des actes notariés et des archives institutionnelles, comme celles des académies, des établissements d’enseignement ou des théâtres, une vingtaine de spécialistes appartenant à des disciplines diverses s’interrogent sur l’existence, à l’époque, d’un modèle d’organisation commun aux différentes familles en matière d’arts du spectacle, un modèle qui est le signe d’une culture collective ainsi que d’un système de normes et de valeurs largement partagé.

Julien Jeusette : La notion d’espace littéraire « mondial » a-t-elle un sens pour vous ? Blaise Ndala : Passé la seconde où mon esprit questionne la présence dans l’énoncé de l’adjectif « mondial », le seul sens que je lui donnerais renverrait à l’ensemble de la production littéraire versée à la curiosité du lecteur, comme une extension sous toutes les latitudes de « la république des lettres ». J’entends par là un espace immatériel qui désignerait non plus, comme sous la Renaissance, un terr...

Julien Jeusette : La notion d’espace littéraire « mondial » a-t-elle un sens pour vous ? Considérez-vous que vous en faites partie ou visez-vous un public plus précis, plus restreint lorsque vous écrivez ? Richard Ali A Mutu : Merci pour ces belles et pertinentes questions. Alors, « espace littéraire mondial » ! ouf ! J’en tombe des nues, hein ! (rires). Non, franchement ; j’avoue que ça sonne tout nouveau pour moi. J’aimerais donc ne pas dire de bêtises quant à cela, le temps de bien compren...

On se demandera dans quelle mesure l’approche génétique, dont le postulat « le texte n’existe pas » implique de remonter en amont du texte imprimé, n’irait pas à contre-courant de cette littérature (du) fleuve dont la poétique globale, à l’image du flux continu, dynamique et irréversible qui « se défenestre dans l’Océan », postulerait au contraire que le brouillon ou l’avant-texte n’a plus lieu d’être. De fait, au hasard de nos rencontres avec les textes, terrains et artistes des deux rives du Congo, on s’aperçoit que cette tension inextricable entre catabase poétique et anabase génétique surdétermine la dynamique fleuvienne, indisciplinée et protéiforme, qui emporte toutes les pratiques artistiques, de l’écriture aux arts plastiques, vivants ou performatifs, selon le modèle global de l’Art salvateur, sans origine première ni fin dernière. In this article, we will ask to what extent a genetic approach, which postulates that “text doesn’t exist”, implying the necessity of going upstream, to before the text is printed, wouldn’t actually go against this literature of the Congo River which, on the contrary, postulates, through the image of a continuous, dynamic, and irreversible flux which “defenestrates itself in the Ocean”, that the draft or the “avant-text” does not need be. In fact, through serendipitous encounters with texts, terrains, and artists of both shores of the Congo, we realize that this inextricable tension between the poetic katabasis and genetic anabasis over-determines the undisciplined and multiforme “river-like” dynamic carried through all artistic practices, from writing to the visual arts, living or performance art, and this, according to the global model of “l’Art salvateur” with no origin and no end.

Cette analyse de la place réelle qu’occupe la littérature congolaise à l’échelon global (en fait, elle ne dépasse guère l’« espace littéraire » francophone, en raison du très faible nombre de traductions) s’appuie sur les résultats que donne une consultation de la base de données LITAF. Elle procède par une comparaison avec la production littéraire d’autres pays africains. On peut y mesurer l’importance relative de la production littéraire par pays, par genre littéraire, de même que la légitimité acquise respectivement par les principaux écrivains. Il en ressort que, relativement à son importance démographique, la RDC affiche un palmarès médiocre, voire très faible. Une analyse qui tient compte de l’évolution par décennie permet de relativiser ce bilan et d’exprimer plusieurs hypothèses quant aux facteurs qui pourraient l’expliquer ; parmi ces facteurs, les effets de la dictature et des problèmes de gouvernance, affectant singulièrement l’enseignement, ont sans doute joué un rôle déterminant dans l’affaiblissement de la littéracie. This analysis of the real place occupied by Congolese literature at the global level (in fact, it hardly goes beyond the French-speaking ‘literary space’, due to the very low number of translations) is based on the results of a consultation of the LITAF database. It proceeds by a comparison with the literary production of other African countries. It measures the relative importance of literary production by country, by literary genre, as well as the legitimacy acquired by the main writers respectively. It shows that, relative to its demographic importance, the DRC has a mediocre, even very low, record. An analysis which takes account of changes by decade makes it possible to put this assessment into perspective and to express several hypotheses as to the factors which explain such an assessment; among these factors, the effects of the dictatorship and problems of governance, affecting education in particular, could have played a decisive role in the weakening of literacy.

« La musique peut-elle donner corps à un espace de l’absencequi autorise une mémoire sans représentation ? permet-ellede recueillir quelques larmes de l’absence ? de donner lieuà l’absolue nécessité d’un non-dit ? »M. Olender, Un fantôme dans la bibliothèque (2017 : 151) In fine c’est la métamorphose qui a le dernier mot : la « déesse aux yeux pers » (i.e. Athéna) l’assène sans ambages : C’est moi qui t’inspire Esbroufe sur esbroufe Te guide te déguiseTe métamorphose Les tours et détours d...

Lisette Lombé au micro Photo de Silvia Riva Julien Jeusette : « Elle n’oublie pas qu’elle vient de loin », peut-on lire sur votre site internet. Qu’est-ce que cela signifie pour vous ? À l’heure où les écrivains d’origine congolaise vivent éparpillés à travers le monde, considérez-vous vous qu’il existe quelque chose comme une « littérature congolaise » aujourd’hui ? Si oui, est-ce qu’elle vous intéresse plus qu’une autre ? Lisette Lombé : En réalité, le territoire lointain que j’évoque dans...

L’article rend compte des recherches menées sur le terrain dans le cadre d’un projet d’intérêt national (PRIN) intitulé « Mobilité – stabilisation. Représentations congolaises et dynamiques sociales, au Congo et dans l’espace global », financé pour la période 2017-2020 par le ministère de l’Éducation, de l’Université et de la Recherche italien. Flavia Aiello et Roberto Gaudioso présentent des textes inédits de Patrick Mudekereza qu’ils ont rencontré en 2018 à Lubumbashi. Mudekereza n’a jamais publié ses poèmes dans des recueils poétiques, considérant son écriture essentiellement comme une pratique associée à son travail dédié à l’art. Engagé dans plusieurs formes d’écriture, créative et discursive (cette dernière en français ou anglais), l’artiste luhois semble avoir un rapport très particulier et intime à la poésie, qu’il pratique de manière intermittente et dont il ne garde pas trace de façon systématique. Dans cet article on analysera six textes, dont trois (Funga macho liya, Pima tuyambe et Langues) composés durant les travaux du collectif d’écrivains Libr’Écrire né à Lubumbashi en 2007 ; deux ne sont pas datés (Buzuri tele et Mu pori ya binvuri [Dans le bois des ombres]), et un (Mankamanshi>Mboleo [Morve>Fertilisant]) est daté du 13 février 2018. Trois de ces compositions poétiques sont bi/multilingue, en français, swahili et lingala (Funga macho liya, Langues, Mankamanshi>Mboleo), les autres sont écrits en swahili. This paper reports on field research carried out as part of a Project of National Interest (PRIN) entitled “Mobility - Stabilisation. Congolese representations and social dynamics, in Congo and in the global space”, funded for the period 2017-2020 by the Italian Ministry of Education, University and Research. Flavia Aiello and Roberto Gaudioso present unpublished texts by Patrick Mudekereza whom they met in Lubumbashi in 2018. Mudekereza never published his poems in poetry collections, considering his writing essentially as a practice associated with his work dedicated to art. Engaged in several forms of writing, both creative and discursive (the latter in French or English), the artist from Lubumbashi seems to have a very particular and intimate relationship with poetry, which he practises intermittently and of which he does not keep track systematically. In this article we will analyse six texts, three of which (Funga macho liya, Pima tuyambe and Langues) were composed during the work of the writers’ collective Libr’Écrire born in Lubumbashi in 2007; two are undated (Buzuri tele and Mu pori ya binvuri [In the Wood of Shadows]), and one (Mankamanshi>Mboleo [Snot>Fertilising]) is dated 13 February 2018. Three of these poetic compositions are bi/multilingual, in French, Swahili and Lingala (Funga macho liya, Langues, Mankamanshi>Mboleo), the others are written in Swahili.

International audience; Les formes multimédia semblent aujourd'hui supplanter les anciennes représentations liées à la « graphosphère ». Marquant un retour au réel en prétendant atteindre leurs spectateurs plus directement, elles n'en véhiculent pas moins des représentations, dont on attend beaucoup en termes de renouvellement artistique. Mais on sait moins que ces nouvelles technologies sont d'emblée associées à la notion d'accident : il existe d'une part le risque de disparition de l'oeuvre à support numérique; d'autre part, nous pouvons envisager la simulation de l'accident comme éprouvé d'un événement sur scène, non pas en le modélisant, mais en le rendant possible dans un environnement homme-machine. Nous montrons un exemple de chacune de ces deux situations dans cet article : tout d'abord, lorsque la technologie devient condition de possibilité d'une oeuvre et met en danger son existence, sa pérennité, comme l'illustre l'exemple de l'oeuvre musicale Diadèmes de Marc-André Dalbavie ; ensuite, lorsque l'accident est envisagé comme événement, comme le propose l'opéra numérique Alma Sola, forme ouverte scénique assistée par ordinateur : il s'agit de susciter chez l'interprète une perte de repères devant mener à un certain renouvellement de l'oeuvre et de son interprétation, et en même temps de donner un sens au parcours de fragments lyriques séparés.

L’année 2010 vit la création du Moby Dick de Jake Heggie, potentielle source d’inspiration pour Rinde Eckert dont on découvrira deux ans plus tard le décapant Et Dieu donc créa les grandes baleines. L’œuvre de Jake Heggie renouvelle le regard sur l’art de Melville tout autant que sur l’opéra à l’ère contemporaine. L’œuvre melvillienne n’est plus simple référence culturelle à citer ou déconstruire mais renoue bien avec son sens communautaire premier. A potential source of inspiration for Rinde Eckert’s caustic 2012 And God Created Great Whales, Jake Heggie’s Moby Dick premiered in 2010. It renews the perspective on Melville’s art as well as on contemporary opera at large. Far from merely adding a layer of citation or deconstruction of the original opus, it proposes to re-enchant its communautary outlook.

International audience; Dans une dimension à la fois poétique et poïétique, il s'agit d'examiner les voies ouvertes par Eugène Durif aux arts de la scène et à la littérature, ce que son écriture trace (et là où elle nous égare), ses transferts (entre le théâtre, la poésie, le récit, la nouvelle et le roman, notamment), ses pratiques, sa fabrique, ses matériaux et ses expérimentations, son attrait pour les petites formes (parfois éphémères) et la part orpheline (manifeste dans le retour continu de certaines modalités textuelles en apparence mineures comme le poème). Dans ce cadre, on s'attache à l'examen de certains motifs structurants (celui de la fuite, de la marge et de la marginalité, notamment) et l'on revient sur le travail d’Eugène Durif avec des circassiens, des artistes de rue, des performeurs, des musiciens, en milieu psychiatrique également.