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Orientador: Sérgio Niculitcheff Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa investiga a doença, o sofrimento e o trauma como possibilidades poéticas através de uma produção artística que possui o bordado e o corpo como materialidade principal. A partir de uma reflexão sobre a autobiografia, a dor, a imagem corporal, o cor-de-rosa e o universo têxtil são tecidas proximidades entre minha poética com o processo de artistas modernos e contemporâneos como Louise Bourgeois e José Leonilson, além da pesquisa realizada por Frances Reynolds com indivíduos portadores de enfermidades crônicas. Este projeto propõe um diálogo sobre experiências, a relevância da produção artística em um contexto terapêutico e a figura do corpo como potência narrativa, analisando referências imagéticas, teóricas, poéticas e históricas Abstract: This research addresses illness, suffering and trauma as poetic possibilities through an artistic production that has embroidery and the body as its main materiality. From a reflection on autobiography, pain, body image, pink and the textile universe, proximities are woven between my poetics and the process of modern and contemporary artists such as Louise Bourgeois and José Leonilson, besides the research conducted by Frances Reynolds with individuals with chronic diseases. This project proposes a dialogue about experiences, the relevance of artistic production in a therapeutic context and the figure of the body as narrative power, analyzing imagetic, theoretical, poetic and historical references Mestrado Artes Visuais Mestra em Artes Visuais

Submitted by Eliana CEH/B (liliprata2000@gmail.com) on 2021-11-09T14:28:36Z No. of bitstreams: 1 Dissertação - Amelia Sampaio Possidonio - 2021 - Completa.pdf: 4689154 bytes, checksum: 9478dfea1482a4f81de3fd1efa18ef5b (MD5) Made available in DSpace on 2021-11-09T14:28:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação - Amelia Sampaio Possidonio - 2021 - Completa.pdf: 4689154 bytes, checksum: 9478dfea1482a4f81de3fd1efa18ef5b (MD5) Previous issue date: 2021-09-16 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES Cette thèse articule art, mémoire et douleur dans le contexte de l'art contemporain. La recherche est menée à partir d'œuvres artistiques qui présentent des problématiques telles que la sensorialité, l'ancestralité, les tensions corporelles, la suffocation et la cécité. Cette poétique s'établit par la discussion avec des artistes, sociologues, philosophes, critiques d'art, et de littérature, etc. Une relation se construit entre les œuvres présentées et les créations pertinentes, soit par la forme, soit par la poétique, soit encore par la conception d'artistes contemporains. La mémoire individuelle et collective est abordée dans une perspective sociologique. L'importance de la mémoire collective est soulignée et mise en évidence par opposition avec la construction de la mémoire individuelle. La mémoire du traumatisme, la douleur et le témoignage sont également abordés par une approche historiographique, sociologique et littéraire. Le traumatisme est aussi pensé dans une perspective de critique d'art. Cette approche contribue à nourrir la discussion entre la production présentée et les œuvres des autres artistes. La réparation apparaît comme une possibilité d'aborder le traumatisme. Ce travail a été réalisé avec le soutien de la Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) – Brésil, Bourse de la demande sociale (DS) – Code de Financement 001 A presente dissertação articula arte, memória e dor sob a égide da arte contemporânea. A pesquisa é realizada a partir dos trabalhos artísticos que apresentam questões como sensorialidade, ancestralidade, tensões corporais, sufocamento e cegueira. Tal poética se estabelece sendo discutida ao longo do texto com o auxílio de artistas, sociólogos, filósofos, críticos de arte, de literatura etc. É construída uma relação com os trabalhos apresentados e a produção de alguns artistas referentes a forma, poética e concepção. A memória individual e coletiva é abordada sob a perspectiva sociológica. A importância da memória coletiva é acentuada e evidenciada frente a construção da memória do indivíduo. Também é abordada a memória do trauma, a dor e o testemunho pelo enfoque historiográfico, sociológico e literário. Assim são solidificadas as questões sobre memória do trauma e a força do testemunho na contemporaneidade. O trauma também é pensado sob uma visão crítica da arte. Tal interpretação contribui para intensificar a discussão entre a produção artística apresentada e as obras dos demais artistas selecionados. A reparação surge como possibilidade de rever o trauma. O presente trabalho foi realizado com apoio da Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior – Brasil (CAPES), bolsa Demanda Social (DS) – Código de Financiamento 001

Submitted by Eliana CEH/B (liliprata2000@gmail.com) on 2022-02-03T15:10:38Z No. of bitstreams: 1 Dissertação - Gilson de Sousa Andrade - 2021 - Completa.pdf: 3537830 bytes, checksum: 3caba27e6554f51f1308de4745990109 (MD5) Made available in DSpace on 2022-02-03T15:10:38Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação - Gilson de Sousa Andrade - 2021 - Completa.pdf: 3537830 bytes, checksum: 3caba27e6554f51f1308de4745990109 (MD5) Previous issue date: 2021-08-25 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES From the artistic production that I elaborate in different media - such as actions, objects, sculpture, video, photo, among others - developing narratives about the procedures I perform while working for art, I establish a reflection on the black documents suspended in my memories, with the objective of create connections with historical sensations that unite both productions in a kind of collective archive. A part of the research is also dedicated to creating fictional narratives that feed my creative process, expanding the sense of reading the works between formal aspects and non-visual areas A partir da produção artística que elaboro em meios diversos ― como ações, objetos, escultura, vídeo, foto, entre outros ―, desenvolvendo narrativas sobre os procedimentos que executo enquanto trabalho para a arte, estabeleço uma reflexão sobre os arquivos pretos suspensos em minhas memórias, com o intuito de criar conexões com sensações históricas que conectam ambas as produções em uma espécie de arquivo coletivo. Uma parte da pesquisa também se dedica a criar narrativas de ficção que alimentam meu processo de criação, ampliando a leitura dos trabalhos entre aspectos formais e zonas não visuais

Submitted by Eliana CEH/B (liliprata2000@gmail.com) on 2021-10-07T16:22:01Z No. of bitstreams: 1 Dissertacao - Simone Aparecida Tome - 2021 - Completa rev.pdf: 3011945 bytes, checksum: 8cf6523a516eeece35c83b3a52f15861 (MD5) Made available in DSpace on 2021-10-07T16:22:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao - Simone Aparecida Tome - 2021 - Completa rev.pdf: 3011945 bytes, checksum: 8cf6523a516eeece35c83b3a52f15861 (MD5) Previous issue date: 2021-08-06 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES Sensitive temporalities is an artist's research about the study of my poetics based on my work of personal creation in conjunction with contemporary issues of the arts. Writing starts from my own production and seeks dialogues with other artists and with the development of issues in different fields such as art, literature, philosophy, biology and anthropology. From the act of awareness of the absurd and the change in the search for meanings, my creative process - which begins with dance - becomes photography, performance, video and object. I identify time as the foundation of the research, which will give importance to existences and sensitive experience, in a continuous process of modifications that I perceive as dialoguing with the idea of metamorphosis. Intrinsic to this research were also the noisy frequencies - sensitive experience - which made it necessary to move from the research site, in the midst of the COVID-19 pandemic, for its conclusion Temporalidades sensíveis é uma pesquisa de artista sobre o estudo da minha poética com fundamento no meu trabalho de criação pessoal em articulação com as questões contemporâneas das artes. Parte da produção própria e a busca de diálogos com outres artistas e com o desenvolvimento de questões entre diversos campos como a arte, a literatura, a filosofia, a biologia e a antropologia. A partir do ato da consciência do absurdo e da mudança na busca de sentidos, meu processo de criação – que se inicia pela dança – modifica-se para a fotografia, a performance, o vídeo e o objeto. Identifico o tempo como fundamentação da pesquisa, que vai dar importância às existências e à experiência sensível, num processo contínuo de modificações que percebo dialogar com o pensamento da metamorfose. Intrínsecas à esta pesquisa, estavam também as frequências ruidosas - experiências sensíveis - as quais fizeram com que fosse necessário um deslocamento do local de pesquisa, em meio à pandemia do COVID-19, para sua conclusão

Submitted by Eliana CEH/B (liliprata2000@gmail.com) on 2021-10-07T18:35:05Z No. of bitstreams: 1 Dissertacao - Priscila Barcelos Tome - 2021 - Completa.pdf: 3741101 bytes, checksum: bec6f1adcc915f6b6c79d9ea0b696ff0 (MD5) Made available in DSpace on 2021-10-07T18:35:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao - Priscila Barcelos Tome - 2021 - Completa.pdf: 3741101 bytes, checksum: bec6f1adcc915f6b6c79d9ea0b696ff0 (MD5) Previous issue date: 2021-07-20 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES This dissertation aims to create a relation between self-writing – a modality of texts written in first-person or correlated to the author's life experiences – and the contemporary art. Based mainly on the authors Philippe Lejeune, Serge Doubrovsky and Leonor Arfuch, the parameters for this proposition were established, exploring expressions and terms such as self-fiction and the biographical space. The development brings such concepts from literature and letters closer to the works of contemporary artists such as Louise Bourgeois, Bispo do Rosário, Leonilson, Carrie Mae Weems, Rosana Paulino, in addition to my own artistic process, after all, the artworks mentioned in the text deal with several of the proposed questions, subjectivity, the constitution of individuality and self-fiction. Writers such as Paul Auster, Gertrude Stein, Lima Barreto and Virginia Woolf were quoted in relation to the notions of self-writing and autofictions. In parallel, the developments of this theoretical research resulted in the creation of the piece self-fictions or I wanted to be a novelist Nesta dissertação proponho criar uma relação entre as escritas de si – modalidade de textos escritos na primeira pessoa do singular ou correlacionados às experiências de vida do autor – e a arte contemporânea. A partir, principalmente, dos autores Philippe Lejeune, Serge Doubrovsky e Leonor Arfuch estabeleço os parâmetros para tal proposição, explorando termos e expressões como autoficções e espaço biográfico. Desdobro tais conceitos da literatura e da área de letras e os aproximo das obras de artistas contemporâneos como Louise Bourgeois, Bispo do Rosário, Leonilson, Carrie Mae Weems, Rosana Paulino, além de meu próprio processo artístico, uma vez que as obras citadas lidam com várias das questões propostas, subjetividade, constituição do sujeito, ficção de si, entre outras. Cito escritores como Paul Auster, Gertrude Stein, Lima Barreto e Virginia Woolf em relação a noções de escritas de si e autoficções. Em paralelo, os desdobramentos desta pesquisa teórica resultaram na criação da obra Ficções de si ou Queria ser romancista

Submitted by Mirna CEH/B (mirna129@globo.com) on 2021-09-02T14:51:40Z No. of bitstreams: 1 Tese - Leticia de Alencar Bertagna - 2021 - Completa.pdf: 3817580 bytes, checksum: cda6e0ab2d9b998368592dae2d8cf384 (MD5) Made available in DSpace on 2021-09-02T14:51:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese - Leticia de Alencar Bertagna - 2021 - Completa.pdf: 3817580 bytes, checksum: cda6e0ab2d9b998368592dae2d8cf384 (MD5) Previous issue date: 2021-03-02 Universidade Federal de Juiz de Fora - UFJF This research starts from the idea of drift as a fundamental operation to address the artistic process itself, as well as the writing procedure that accompanies it and that aims to articulate a heterogeneous set of works. Choosing the object aqui (here) as a guiding element in the movement of wandering that characterizes the poetic language dealt with in this thesis, we seek to highlight the unfinished, unstable, indeterminate, paradoxical, and ironic character of the artistic exercises that gravitate around it. For this, the investigation presented here follows a methodology in which doubt and hesitation serve as a cloudy horizon for the reflexive development of such aspects, seeking to emphasize the way they interpenetrate. Through the articulation between theory and practice and through the dialogue between my own conceptions and the perspectives present in the works of other artists, this work intends to promote an experience of wandering through thought. Esta pesquisa parte da ideia de deriva como operação fundamental para abordar o próprio processo artístico, bem como o procedimento de escrita que o acompanha e que visa articular um conjunto heterogêneo de trabalhos. Elegendo o objeto aqui como elemento orientador do movimento de errância que caracteriza a linguagem poética tratada nessa tese, procura-se assinalar o caráter inacabado, instável, indeterminado, paradoxal e irônico dos exercícios artísticos que gravitam em torno dele. Para isso, a investigação aqui apresentada segue uma metodologia em que a dúvida e a hesitação servem como horizonte nebuloso para o desenvolvimento reflexivo de tais aspectos, buscando enfatizar o modo como se penetram. Por meio da articulação entre a teoria e a prática e através do diálogo entre concepções próprias e perspectivas presentes em obras de outros artistas, este trabalho pretende promover uma experiência de perambulação pelo pensamento.

Este estudo apresenta uma investigação sobre as motivações que influenciam na inserção de artistas periféricos no sistema da arte, em especial, sobre o processo de exotização. Para tais fins, analisa-se, primeiramente, a estrutura do sistema da arte a partir dos atores e processos atuais e históricos que o compõem. Na sequência, abordam-se conceitos necessários para a compreensão dos processos sociais que influenciam na formulação de políticas e de valores no sistema e no mercado da arte - como diferenciação, fixação, normalização, classificação, representação e idealização das identidades - e que, por vezes, acompanham a exotização. Então, analisam-se dados relativos à presença de artistas periféricos na Bienal de Veneza - nas edições de 1990, 2001 e 2019 - e à comercialização de obras em 2019. Por fim, realiza-se uma síntese integradora entre as informações contidas nas fontes consultadas, resultando na exposição dos motivos que causam a inserção de artistas periféricos no sistema da arte. Este estudo é construído com um aporte teórico pautado na teoria da arte, em estudos decoloniais, socioculturais e históricos, além da consulta aos arquivos da ASAC DATI e aos relatórios da Artprice.com. Dentre os autores utilizados, fazem parte do aporte teórico Memmi (1967), Wallerstein (1974), Canclini (1989), Bhabha (1998), Cauquelin (2005), Moulin (2007), Fleck (2014) e Thompson (2012). Os resultados apontam que são diversos os fatores que influenciam na inserção dos artistas periféricos, e que a exotização é um deles [resumo fornecido pelo autor]. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior, CAPES This study presents an investigation about the motivations that influence the insertion of peripheral artists in the art system, in particular, about the exoticization process. For this objective, the structure of the art system is analyzed firstly from its actors and then from its present and historical processes. Subsequently, the study reviews concepts necessary to understand the social processes that influence the formulation of policies and values in the art system and market, such as differentiation, fixation, normalization, classification, representation and idealization of identities - which oftenly are attached to the exoticization process. Next, data related to the presence of peripheral artists at the Venice Biennale - in the 1990, 2001 and 2019 editions - and 2019 art sales rankings are analyzed. Finally, an integrative synthesis between the information obtained from the consulted sources is made, resulting in the exposition of the reasons that may cause the insertion of peripheral artists in the art system. This study is structured in reference to the theoretical contribution of art theory, decolonial, socio-cultural and historical studies and, moreover, to the ASAC DATI archives and the reports from Artprice.com. Among the authors used, they are part of the theoretical contribution Memmi (1967), Wallerstein (1974), Canclini (1989), Bhabha (1998), Cauquelin (2005), Moulin (2007), Fleck (2014) and Thompson (2012). The results show that there are several factors that influence the insertion of peripheral artists, and that exoticization is one of them [resumo fornecido pelo autor].

A presente dissertação propõe investigar as possíveis formas de um processo artístico realizar-se a partir do deslocamento. Para tal, foi tomado o gesto de caminhar, errar pelas ruas, como procedimento que potencializa a elaboração de questões de ordem filosófica, social, urbanística e estética. Ensejada como projeto acadêmico, a pesquisa foi também instaurada a partir da realização de trabalhos plásticos em regime de ateliê. A elaboração de cada obra foi contornada por um histórico de ações e procedimentos que discutiram ao longo da história – fazendo um recorte que inicia-se ao final do séc. XIX e estende-se pelo séc. XX até os dias de hoje – as potências no ato de caminhar a pé pelas ruas da cidade. O projeto como um todo configurou-se, assim, como período de imersão na investigação dessa prática e prevê a ampliação da discussão em torno dos seus conceitos e preceitos, bem como assume o fazer artístico como elemento aberto e múltiplo. Para além do texto que compõe esse volume, foi proposta uma exposição final com os trabalhos desenvolvidos até então. Nela, os apontamentos colocados aqui estão reverberados e espelhados em cada obra, dispostas no espaço expositivo como forma outra de tornar generosa a pesquisa, compartilhando com o público os caminhos percorridos nesses últimos dois anos. This dissertation proposes an investigation of possibili- ties for an artistic process developed on the idea of displacement. The gestures of walking and ramble in the streets were taken as procedures that strengthen the elaboration of philosophical, social, urbanistic and aesthetic questions. As an academic project, this research was also made through the accomplishment of art pieces in the studio. The creation of each piece was made connected to the historical investigation of other previous artistic actions and procedures discussed throughout history – starting at the end of the XIX century, passing through the beginning of the XX century and coming up to the presents days – when artists dealt with the act of walking through cities streets. The development of the project as a whole configured a period of intense immersion in the investigation of artistic practices assumed as open and multiple paths, enlarging the borders of conceptual discussion. In addition to the text that composes this volume, a final exhibition was proposed presenting the pieces developed during the project. The pieces in the exhibition are intimately connected to the text’s notes and reverberate then through the arrangement made in the space as another way of making research generously accessible for the public.

Antes de partir em direção ao desconhecido um viajante planeja rotas, determina pontos turísticos de seu interesse e pesquisa imagens convidativas com o objetivo de selecionar um destino. Através desses recortes, certas imagens prevalecem em relação a outras, orientando possíveis percursos. Para alcançar o centro de sua peregrinação, o viajante pode sentir a necessidade de utilizar um guia que oriente o seu caminho. A presente pesquisa tem como ponto de partida percursos realizados por entre bairros de Belo Horizonte, São José e Florianópolis, e a partir destes deslocamentos, surgiu o interesse de criar uma publicação que se aproximasse da linguagem presente nos guias turísticos. O Guia do Centro De foi elaborado a partir da apropriação do conteúdo de publicações deste gênero e também conta com o uso de imagens e textos autorais. Neste sentido, a busca por um centro, por um alvo certeiro em uma viagem, tornouse tema para a produção artística, que se interessou pelas amplas possibilidades interpretativas ligadas a este termo. Mais do que estipular rotas que orientam o leitor através do espaço, o Guia do Centro De norteia percursos através do universo das imagens. Nos cinco ensaios presentes nesta dissertação são feitos comentários sobre algumas das imagens que foram essenciais para a produção do guia. Before heading off into the unknown, a traveler studies routes, determines places of interest and looks up for appealing images with one particular goal: select a destination. Among these presets, certain images prevail in relation to others, suggesting possible paths. To reach the center of the peregrination, the traveler may feel the need to use a guide that shows the way. The current research has its starting point in courses carried out between neighborhoods in Belo Horizonte, São José and Florianópolis. From these experiences, emerged the interest to create a publication that approached the language present in tourist guides. The Guia do Centro de was elaborated from the appropriation of parts of different guides and also counts on authorial images and texts. In this direction, the search for a center, for a precise target in a travel, became theme for the artistic production, interested in the ample interpretative possibilities attached to this term. More than stipulating routes that orient the reader through space, the Guia do Centro de guides paths through the universe of images. Through the five essays present in this dissertation, comments are made on some of the images that were determinant to produce the guide.

Submitted by Eliana CEH/B (liliprata2000@gmail.com) on 2022-01-31T15:32:12Z No. of bitstreams: 1 Tese - Susana Isabel Anágua dos Santos - 2018 - Completa.pdf: 6525852 bytes, checksum: 94c69e79011b1ee8cad6f92e6e5f3981 (MD5) Made available in DSpace on 2022-01-31T15:32:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese - Susana Isabel Anágua dos Santos - 2018 - Completa.pdf: 6525852 bytes, checksum: 94c69e79011b1ee8cad6f92e6e5f3981 (MD5) Previous issue date: 2018-10-01 Fundação Carlos Chagas Filho de Amparo à Pesquisa do Estado do Rio de Janeiro - FAPERJ The Image of the Industrial Atmosphere is structured on the reflection on the historical, philosophical contents and the means of traces of industrial spaces, as well as on its relationship with the procedures that cross the context of my artistic production. The analysis was developed in three topics: The international historical context of the Industrial Archeology discipline and the recognition of the ruin as a vestige to be preserved, the idea of Atmosphere of the spaces and its image as a poetic record and archive, establishing philosophical approaches to cinema and video, with the support and resorting to Inês Gil's essays and, finally, artistic practice and field research work as mediation to preserve the Image of the Industrial Atmosphere A Imagem da Atmosfera Industrial estrutura-se na reflexão sobre os conteúdos históricos, filosóficos e os meios de vestígios de espaços industriais, bem como na sua relação com os procedimentos que atravessam o contexto da minha produção artística. A analise foi desenvolvida em três tópicos: O contexto histórico internacional da disciplina de Arqueologia Industrial e o reconhecimento da ruína como um vestígio a preservar, a definição de Atmosfera dos espaços e a sua imagem como registo e arquivo poético, estabelecendo aproximações filosóficas ao cinema e vídeo com o apoio e recurso aos ensaios de Inês Gil. E por fim, a prática artística e o trabalho de investigação de campo e mediação como forma de preservar a Imagem da Atmosfera Industrial

Submitted by Boris Flegr (boris@uerj.br) on 2021-01-05T16:58:35Z No. of bitstreams: 1 Andrea Pech Bezerra_Dissertacao.pdf: 4190388 bytes, checksum: c657f3084c705577d1f06c3e6d18da46 (MD5) Made available in DSpace on 2021-01-05T16:58:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Andrea Pech Bezerra_Dissertacao.pdf: 4190388 bytes, checksum: c657f3084c705577d1f06c3e6d18da46 (MD5) Previous issue date: 2018-09-25 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior This research elaborates and reflects on performances that approach autobiographical narratives about love between women. Through actions and texts, I gather memories, developing on past relationships and proposing a relationship with the viewer / participant / reader. By revealing intimacies, I respond to current conservative threats through micropolitical operations. The fiction developed from my life draws possibilities of lesbian identities and ideals of love through an embodied writing. In my works, I insert the word as a performative act. I consider the transformative power of making the voice reverberate in the present body. The texts address a constant erasure of lesbian narratives, suggesting ways to perform love as a political force. Esta pesquisa elabora e reflete sobre performances que abordam narrativas autobiográficas de amor entre mulheres. Por meio de ações e textos reúno memórias, desenvolvendo sobre relacionamentos passados e propondo uma relação com o espectador / participante / leitor. Revelo intimidades, respondendo a este tempo de ameaças conservadoras a partir de operações micropolíticas. A ficção que desenvolvo a partir de minha vida desenha possibilidades de identidades lésbicas e ideais de amor, que se dá por meio de uma escrita do corpo. Insiro a palavra em meus trabalhos como ato performativo, considerando a potência transformadora de fazer a voz reverberar no corpo presente. Os textos combatem um constante apagamento de narrativas lésbicas, sugerindo modos de exercer o amor como força política.

A investigação, Máscaras Sociais: Construindo os caminhos para o aprendizado em Arte, teve como objetivo discutir a importância da experiência artística como princípio norteador para o aprendizado nas aulas de Arte. Teve como foco o estudo das máscaras sociais, enquanto objetos artísticos, em culturas e épocas diferentes, e o estudo dos artistas contemporâneos, Amleto Sartori e Donato Sartori, John Ahern e Rigoberto Torres e Yasumasa Morimura. O ponto central da pesquisa foi trazer o cotidiano social dos educandos para a criação artística de máscaras com técnicas e materiais variados. Utilizou-se de recursos tecnológicos, como o vídeo e a fotografia modificada no computador. De acordo com este trabalho, o aprendizado em Arte requer métodos, aqui entendidos como caminhos. Dessa forma, o método é uma construção coletiva, de estratégias cognitivas que interage com o cotidiano dos educandos. A pesquisa dialoga com os autores Andrade (2014), Barbosa (2007, 2010, 2012, 2015), Brandão (2008), Dewey (2010), Charlot (2000), Ferreira (2015), Jarvis (2013), Maturana (2009), Morin; Ciurana; Motta (2003), Illeris (2013), Parsons (2006), Cunha (2012), Pimentel (2007), Tomasello (2003). A investigação foi desenvolvida na E.M Josefina de Sousa Lima, localizada no bairro Primeiro de Maio/ Belo Horizonte-MG, com os estudantes do Terceiro ciclo (7°, 8° e 9° anos) de ensino. Como recursos metodológicos utilizou-se a revisão bibliográfica, por meio da pesquisa descritiva e o diário de bordo/campo. The research, Social Masks: Building the paths to learning in Art, aimed to discuss the importance of artistic experience as a guiding principle for learning in art classes. He focused on the study of social masks as artistic objects in different cultures and eras, and the study of contemporary artists, Amleto Sartori and Donato Sartori, John Ahern and Rigoberto Torres and Yasumasa Morimura. The central point of the project was to bring the social daily life of the students to the artistic creation of masks with varied techniques and materials. Technological resources such as video and modified photography were used in the computer. According to this work, learning in Art requires methods, here understood as paths. In this way, the method is a collective construction of cognitive strategies that interact with the students' daily lives. The research dialogues with the authors Andrade (2014), Barbosa (2007, 2010, 2012, 2015), Brandão (2008), Charlot (2000), Ferreira (2015), Jarvis (2013), Maturana (2009), Morin; Ciurana; Motta (2003), Illeris (2013), Parsons (2006), Cunha (2012), Pimentel (2007), Tomasello (2003). The research was carried out at E.M Josefina de Sousa Lima, located in the first district of Maio/ Belo Horizonte-MG, with students in the third cycle (7th, 8th and 9th years) of teaching. Methodological resources were used in the bibliographic review, through the descriptive research and the logbook / field.

Este artigo tem como foco trazer reflexões procedentes de minhas vivências enquanto professor artista, mediando o processo de ensino e aprendizagem de arte contemporânea em uma escola municipal do município de Betim, Minas Gerais. Descrevo e discuto a experiência do ensino de arte contemporânea em conexão com a Abordagem Triangular, sistematizada pela Professora e Pesquisadora Ana Mae Barbosa na década de 80, com a finalidade de analisar seus impactos e elaborar uma proposta pedagógica de ensino e aprendizagem de Arte para as séries finais do Ensino Fundamental. This article has as its objective to reflect about my experiences as an artist teacher of contemporary Art in a public school in the city of Betim, Minas Gerais. I describe and discuss these experiences in connection with the Triangular Approach a system developed by the teacher and researcher Ana Mae Barbosa in the 80’s decade with the purpose of elaborating a pedagogical proposal for the teaching/learning process of Art for the final years of Elementary School.

CNPq Esta tese tem como objetivo investigar os imaginários urbanos traduzidos nas intervenções artísticas de Berna Reale, Bruno Faria e Renata Lucas. Para isso, tenta responder à seguinte questão geral: para quais sentidos as práticas desses artistas convergem no tensionamento com a experiência urbana? Esses artistas passaram a lidar com a cidade não apenas como suporte, mas como a razão na qual suas práticas se estruturam e para a qual se organizam. Considerando que atualmente a cidade ocupa um lugar central para o entendimento da vida contemporânea, isso se desdobrou, nesta tese, em um estudo sobre arte contemporânea brasileira e experiência urbana no século XXI. A partir da necessidade de desvinculação das metanarrativas urbanas das ditas “cidades globais”, o trabalho assume a importância de um estudo que articule arte, cultura e cidade em contextos de sociedades desiguais, nas quais o conflito é fundante das relações sociais e das próprias representações. As produções artísticas investigadas estão situadas em um contexto de arte no qual as regras e os valores da arte tradicional e da arte moderna se tornaram insuficientes para a interpretação do objeto arte. Isso conduziu a linha argumentativa da tese a uma reflexão sobre a crise da representação e do cânone moderno na arte, demonstrando como a arte contemporânea demanda uma ruptura com o conceito tradicional de cultura. Isso aproxima a arte contemporânea das demandas que têm preenchido os debates a respeito da emergência e consolidação de uma epistemologia múltipla que pretende o pós-colonial. Com vistas à articulação teórica do objeto de pesquisa, o trabalho toma como referencial teórico básico a teoria da cultura de Homi Bhabha. Utilizo as categorias de fronteira, hibridismo, negociação e espaço liminar relacionadas às noções de deslocamento, deslizamento e estranhamento oferecidas por Bhabha para a elaboração da chave interpretativa direcionada ao objeto de estudo em questão. Para a articulação metodológica do objeto e definição do procedimento de análise, é utilizado o conceito de performance de Diana Taylor. A construção dos dados se deu por meio da pesquisa documental (de textos, fotos, vídeos e críticas de arte) e de entrevistas semi-estruturadas e conversas com os artistas estudados. A partir da análise empreendida, conclui-se que os trabalhos de arte pesquisados expõem o modo de operação da vida pública enquanto funcionamento de nossa cultura política das cidades contemporâneas. Fazem isso ao mobilizar outras formas de concepção e experimentação do cotidiano urbano; ao se orientarem pela perspectiva da diferença na exposição das tensões políticas e sociais de um espaço social não sincrônico; ao destacar os elementos visíveis que são estrategicamente neutralizados pelas desigualdades que estabilizam as paisagens de poder. Por fim, conclui-se que os limites da arquitetura e do planejamento urbano em traduzir as dimensões de uso do cotidiano da cidade, a fragilidade dos espaços públicos e a estetização da experiência urbana se constituem em lugares epistemológicos da cultura, enquanto as formas de interferir na cidade que os trabalhos artísticos analisados apresentam se configuram como práticas enunciativas/de manifestação que rasuram o projeto instituído da cidade colonial. This thesis has the objective to investigate the urban imaginaries in Berna Reale, Bruno Faria, and Renata Lucas’ artistic interventions. Therefore, I intend to answer this general question: in which way does these artists’ practice converge in a discussion about the urban experience? These artists started to deal with the city not only as a support but the reason from which their practices have been structured and for which they have been organized. Nowadays, the city occupies a central place in the contemporary life understanding. This theme unfolds, in this stage, as a study about the Brazilian urban contemporary art in the 21th century. This work understands the importance of a study which involves art, culture, and city in an unequal society context in the need of untying of the “global cities” urban metanarratives, which the social conflicts are structurant of the social relationships and representations. The artistic productions investigated are situated in an art context which the traditional art’s rules and values aren’t enough to the art object understanding. This fact conducted this thesis’ argumentative line to a reflection on the crises of representation and the canon of modern art. This thesis shows the contemporary art demand a brake of the culture traditional concept. That feature makes closer the contemporary art and the debate on the multiple epistemologies’ emergency and consolidation, with a post-colonial main aim. This work takes as basic theoretical reference the Homi Bhabha’s culture theory as a theoretical articulation between this discussion and my research’s object. I utilize the concepts of border, hybridity, negotiation and liminal space in a relationship with the notions of displacement, slipping, and estrangement which is offered by Bhabha to elaborate understanding keys to my study object in debate. I utilized the Diana Taylor’s performance concept as a methodological articulation of the object and an analysis procedure definition. I made the data construction by means of a documentary research (texts, pics, videos and art critics) and half-structured interviews and conversations with the studied artists. From this analysis, is possible to see that those studied artistic practices are structured and directed in order to expose and to problematize the city spaces’ colonial face. The studied artworks expose the public life as a device for our political culture in contemporaries cities. They do it when they mobilize alternative ways to the concept of urban ordinary life and to the understanding of this life; when they show the political and social conflicts for a non-synchronous social space; when they expose a visible inequality which is neutralized by cities’ landscapes of power. At last, I conclude that the architecture and urban planning are limited when they try to materialize the city’s ordinary use dimensions and that urban space fragility and urban experience excessive aestheticization are cultural epistemological places as devices to build cities. This feature is the main discussion which the artistic works that I wanted to analyze aim to understand as enunciation practices or manifestations that shaves the colonial city project.

Orientador: Nelson Alfredo Aguilar Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas Resumo: Esta tese parte da apresentação histórica e teórica sobre a fotografia contemporânea desde a questão ontológica, que ganhou espaço nos anos 80, através, principalmente, de nomes como Roland Barthes, Rosalind Krauss e Philippe Dubois, para chegar em pensamentos mais recentes de autores como Michel Poivert, Dominique Baqué, Tadeu Chiarelli, Rubens Fernandes Jr., entre outros. Desenvolve-se, desde aí, um percurso que visa apontar a evidência de um conjunto de relações medradas no interior de obras que, ao mesmo tempo em que podem ser vistas como parte de um processo contemporâneo em fotografia, também o ultrapassam quando se encontram de fato numa situação ampla de absorção da substância fotográfica por processos e estratégias dos artistas na contemporaneidade. Produções de característica híbrida em muitos sentidos, que abarcam outras especificidades da arte tanto quanto resíduos do cotidiano; e que carregam a marca da ação corporal ou interferência gestual do artista no arquivo, no suporte, na composição cênica e na construção da imagem ou objeto artísticos. Para construir tal percurso, parte-se da escolha de seis exposições que se perguntam, em sua proposição e no próprio título, o que é a fotografia, quais seus extremos, limites, fronteiras e territórios. Essas mostras foram apresentadas por importantes instituições museológicas de fotografia e arte moderna e contemporânea, numa escolha por um paralelo entre capitais de arte da América do Norte, da América do Sul e da Europa. Assim, e pensando num recorte temporal que se concentrasse no século XXI, em São Paulo, escolheu-se trabalhar com o Museu de Arte Contemporânea da USP, que apresentou entre 2013 e 2015 a exposição Fronteiras Incertas e com o Museu de Arte Moderna de São Paulo, que apresentou, em 2001, a exposição Fotografia/Não Fotografia. Em Nova Iorque, elegeu-se as exposições What is a Photograph?, apresentada pelo International Center of Photography e The Original Copy: Photography of Sculpture, 1839 to today , apresentada pelo Museu de Arte Moderna. E finalmente, em Paris, as exposições Qu¿est-ce que la Photographie?, apresentada pelo Centre Georges Pompidou e Autour de l¿Extrême, apresentada pela Maison Européenne de la Photographie foram as eleitas para fecharem o grupo que forma o objeto de pesquisa desta tese. Sendo as exposições, parte importante do discurso que os museus constroem sobre a arte e sobre o que legitimam enquanto tal, resolveu-se então seguir as trilhas e apontamentos que essas mostras aduziam, por seus diferentes caminhos, com o objetivo central de perceber características internas constituintes das obras que delas fizeram parte, assim como relações que estabelecem entre si, e que denotam lugares e (in) definições para a fotografia, no campo da arte contemporânea, neste início de século Abstract: This thesis starts with a historical and theoretical presentation about contemporary photography from the ontological subject, which gained evidence in the 1980s, mainly through names such as Roland Barthes, Rosalind Krauss and Philippe Dubois, to more recent authors such as Michel Poivert, Dominique Baqué, Tadeu Chiarelli, Rubens Fernandes Junior. Since then, a line of thought that aims to show a set of evidences in the relationship among works has been developed, at the same time it can be seen as part of a contemporary process in photography, but also surpass it when they are fact in a broader situation of absorption of the photographic substance by the processes and strategies of the contemporaneous artists. Productions with hybrid characteristics in many senses, that cover other specificities of art as much as residues of everyday life; and that carry the mark of the corporal action or gestural interference of the artist in the archive, the support, the scenic composition and in the construction of the image or artistic object. To build this path, the research starts from six expositions that question themselves, in their proposition and in their own title: what photography is and what are its extremes, limits, borders and territories? These exhibitions were presented by leading photography museological institutions for modern and contemporary art, and chosen to create a parallel among art capitals in North America, South America and Europe. Thus, considering a temporal cut that focused on the XXI century, in São Paulo, we chose to work with the Museum of Contemporary Art of USP (University Of Sao Paulo State), which presented between 2013 and 2015 the exhibition Fronteiras Incertas and with the Museum of Modern Art of São Paulo, who presented the Fotografia/Não Fotografia exhibition in 2001. In New York, the selected exhibitions were: What is a Photograph? presented by the International Center of Photography and The Original Copy: Photography of Sculpture, 1839 until today, presented by the MoMa (Museum of Modern Art). And, in Paris, the exhibitions Qu'est-ce que la Photographie ?, presented by the Center Georges Pompidou and Autour de l'Extrême, presented by the Maison Européenne de la Photographie were chosen to close the group that is research object of this thesis. Exhibitions are important pieces of the speech built by museums to describe art and to legitimize art itself, it was decided to follow the tracks and notes that these exhibitions presented through their different paths, with the central objective of perceiving internal characteristics of the works that were part of them, as well as the relations that were established among themselves, that indicatie places and (un) definitions for photography in the contemporary art field at the beginning of this century Doutorado História da Arte Doutora em História FAPESP 2013/15269-5

Orientador: Prof. Dr. Miriam Adelman Tese (doutorado) - Universidade Federal do Paraná, Setor de Ciências Humanas, Programa de Pós-Graduação em Sociologia. Defesa: Curitiba, 29/03/2017 Inclui referências : f. 228-240 Resumo: O tema da presente tese é a Arte Contemporânea Latino-Americana em diálogo com os referenciais de gênero e sexualidade. Tendo em vista a amplitude das produções que tangenciam essas esferas, essa pesquisa elegeu como ponto de partida a 31ª Bienal de São Paulo (2014) intitulada Como…coisas que não existem. O evento propôs levar para o espaço do Pavilhão da Bienal as discussões que tomaram conta das ruas durante um ano de intensas manifestações políticas ao redor do mundo e que no Brasil tomou proporções a serem ainda decifradas. A equipe curatorial convidou artistas e projetos que discutiram acontecimentos considerados eminentes ou pouco visibilizados pelos meios de comunicação e de produção de conhecimento hegemônicos. Naquele contexto, as questões de gênero e sexualidade adquiriram amplo destaque, ao ponto da 31a Bienal de SP ser conhecida como a trans Bienal e a edição que focou pela primeira vezes nos temas de gênero e sexualidade. Portanto pergunto: De que maneira gênero e sexualidade são constituídos enquanto imagens, discursos e experiências nas produções visuais de artistas contemporânexs latino-americanxs no contexto da 31ª Bienal de São Paulo? Quais as principais questões evocadas por esses projetos visuais em diálogo com as relações de gênero e sexualidade no contexto latino-americano? A pesquisa fundamenta-se em uma análise sob as perspectivas dos estudos culturais, as teorias feministas, descoloniais e queer/transviadas. A análise também parte de uma perspectiva intersecccional que dá atenção sobre como as relações de gênero, raça, religião, sexualidade e as políticas da representação, influenciam na formação e aplicação das ideias sobre a América-latina, artista, corpo, obra de arte e valor estético. Foco nas condições e contexto social que possibilitaram e produziram a visibilidade de sexualidades não hegemônicas, relações de gênero e corpos transgêneros durante a Bienal de 2014, situando-a, por sua vez, na geografia e história social da América Latina. Contextualizo como as representações de gênero e sexualidade foram apresentadas nas últimas edições da Bienal de São Paulo, considerando a trajetória do evento enquanto um arquivo vivo que, existe fisicamente, além de ser ampliado a cada dois anos através das novas edições que também miram a trajetória da própria Bienal para se pensarem. Por fim analiso as obras dos/as artistas Nahum B Zenil, Giuseppe Campuzano, Sergio Zevallos, Virginia de Medeiros, Las Yeguas del Apocalipsis e Mujeres Creando no contexto do evento considerando as trajetórias desses artistas na conjuntura latino-americana e de seus locais de produção. Palavras-chave: Gênero e Sexualidade. 31ª Bienal de São Paulo. Arte contemporânea Latino-americana. Abstract: The theme of this thesis is the Latin-American Contemporary Art in conversation with gender and sexuality. Taking in consideration the amplitude of the productions that touch this areas, this research elected as its starting point the 31st São Paulo Biennial (2014) named How… things that don't exist. The event proposed to bring to the Biennial Pavilion discussions that were vivid in the streets during that year of intense political manifestations around the world, and that in Brazil, took proportions still to be understood. The curatorial team invited artists and projects that debated around events considered eminent or not visible through the hegemonic means of communication and knowledge production. In that context gender and sexuality issues were highlighted, to the point of the 31st Biennial edition to be known as the trans Biennial or the edition that focused for the first time on the topics of gender and sexuality. Therefore I ask: How were gender and sexuality constructed as images, discourses and experiences in the visual productions of contemporary Latin-American artists in the context of the 31 São Paulo Biennial? What were the main questions evoked by these visual projects that engaged with gender and sexuality in the context of Latin America? The research analysis is based on intersectional perspectives that give special attention on how gender relations, race, religion, sexuality and the politics of representation influence on the formation and application of ideas about Latin America, artists, bodies, visual works and esthetic values. I focus on the conditions and social context that enabled and produced the visibility of non-hegemonic sexualities, gender relations and transgender bodies during the 2014 Biennial, situating the event in the geography and social history of Latin America. I contextualize how gender and sexuality representations were present during the last São Paulo Biennial editions, considering the event's trajectory as a living archive that exists physically and grows every two years through new Biennials that also take the event's traditions into consideration to create themselves. Finally, I analyze the works of Nahum B Zenil, Giuseppe Campuzano, Sergio Zevallos, Virginia de Medeiros, Las Yeguas del Apocalipsis e Mujeres Creando as presented in the event and considering the trajectories of these artists in Latin American and their countries of origin. Key-words: Gender and Sexuality. 31st São Paulo Biennial. Contemporary Latin American Art.

Made available in DSpace on 2018-08-01T23:30:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_10073_dissertação dimitrio pinel.pdf: 23648598 bytes, checksum: 51d9f1c4fdc095b7ad118020978d0c8e (MD5) Previous issue date: 2016-08-10 FAPES Esta pesquisa discute sobre questões do embate entre o moderno e o contemporâneo, e tentará mostrar como o surgimento da instalação artística tornouse um gênero essencial para as realizações dos artistas que trabalharam o conceito da sound art. Nesse sentido, esta dissertação terá como recorte os movimentos que tiveram grande dimensão nas décadas de 1950 até 1970, como o minimalismo, a pop art, e particularmente, a música experimental. Portanto, nosso ponto de partida começa com o surgimento da instalação artística, passando pelos pioneiros da música experimental até chegar aos artistas contemporâneos que utilizam o som como linguagem. Tratamos sobretudo do caráter histórico e panorâmico, visando mostrar não apenas o processo de criação da sound art, mas o caminho no qual ela percorreu, sua repercussão e sua relevância para arte contemporânea. This research discusses the clash between the modern and the contemporary, and will try to show how the emergence of the artistic installation becomes an essentially genre of the achievements of artists who worked the concept of sound art. In this sense, this dissertation will have at its core the movements that were at their peak in the 1950s until 1970 , such as minimalism and pop art, and, particularly, experimental music. So, our starting point is the emergence of the art installation, through the pioneers of experimental music to reach the contemporary artists who use sound as a language. We deal mainly with historical and scenic characters, aiming to show not only the process creation of sound art, but the way in which it ran, its impact and its relevance to contemporary art.

Orientador: Sylvia Helena Furegatti Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Essa pesquisa visa os estudos da Arte Performática no campo das Artes Visuais e divide-se em duas partes. A primeira é a análise do seu percurso com o corpo como suporte no Mundo e no Brasil e a sua consolidação como linguagem artística. A partir dessa elaboração teórica examina-se os aspectos da produção brasileira, agências, publicações e projetos indicados por um hibridismo gerado na contemporaneidade. A segunda propõe o desenvolvimento do caminho e da construção de uma poética pessoal em performance Abstract: The research studies the Performance Art in the field of Visual Arts and it is divided in two parts. The first one is the analysis of its course with the body as support in the World and in Brazil and its consolidation as artistic language. From this theoretical elaboration the Brazilian production aspects are examined, such as the agencies, publications and projects indicated by a hybridity generated in the contemporaneity. The second one proposes the development of the path and the construction of a personal poetic in performance Mestrado Artes Visuais Mestra em Artes Visuais

Orientador: Lúcia Eustáchio Fonseca Ribeiro Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A presente dissertação, Desenho/Narratividade: entre livros de artista, objetos e páginas soltas aborda o desenho e a narratividade, percorrendo o território dos livros de artista. Nesta pesquisa são destrinçados cinco trabalhos de minha produção 2012-Atual em que narrativas são construídas sobre tecidos e papéis e onde o desenho é o fio condutor daquilo que é contado, compondo uma série de acontecimentos descritos visualmente de modo encadeável. Nestes livros de artista e páginas soltas, as figurações desenhadas juntam-se a gravuras, costuras e objetos, contam sobre personagens reais e fictícios em situações imaginárias. As imagens evocadas e citadas narram sobre sentidos e/ou aspectos sensíveis de ligação, peso, deslocamento e leveza do ser humano e dos seres no mundo Abstract: The present dissertation ¿ Drawing/Narrativity: between artists¿ books, objects and loose pages ¿ approaches the drawing and the narrativity, traveling through the artists¿ books¿ territory. The research promotes an exploration of five works produced by me in the period 2012-present, in which narratives are constructed on tissues and papers and where the drawing is the main conductor of what is told, composing a series of events described visually in a chained way. In these artists¿ books and loose pages, the figurations drawn are joined by prints, seams and objects, talking about real and fictional characters in imaginary situations. The evoked and cited images narrate senses and/or sensitive aspects of connection, weight, displacement and lightness of the human being and the beings in the world Mestrado Artes Visuais Mestra em Artes Visuais

Made available in DSpace on 2015-12-10T14:24:09Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-08-11. Added 1 bitstream(s) on 2015-12-10T14:28:10Z : No. of bitstreams: 1 000853790.pdf: 5163279 bytes, checksum: 048adc6984112132e8e0830e8c4bb92e (MD5) Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) Esta tese consiste em uma pesquisa sobre os instrumentos e as dimensões que norteiam a criação e a realização da ação relacional, sob a perspectiva do agente implicado pelo sensível. Do ponto de vista conceitual a ação relacional é ampla e diversificadamente discutida. No entanto, na prática do fazer artístico o entrelaçamento entre os conceitos e as experiências apresenta questões específicas que requerem, no sentido da prática, o aprofundamento da investigação em ação. No cruzamento entre os campos da arte e da educação esta tese apresenta um olhar sobre a ação relacional, sob a perspectiva do agente, no sentido dos instrumentos do fazer artístico This thesis consists of a research on the tools and dimensions that guide the creation and realization of relational action under the agent's perspective implied by the sensitive. From a conceptual point of view relational action is wide and variously discussed. However, in the practice of art making the links between the concepts and experiences presents specific issues that require towards practice, further research into action. At the crossroads between the fields of art and education this thesis presents a look at the relational action under the agent's perspective, in the sense of the instruments of art making

Made available in DSpace on 2015-12-10T14:24:50Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-07-17. Added 1 bitstream(s) on 2015-12-10T14:31:08Z : No. of bitstreams: 1 000853406.pdf: 5072826 bytes, checksum: 5bb9e3816a41110f977f66dbc30775f5 (MD5) Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) Nesta Tese abordamos o trabalho de Arnaldo Antunes de f orma crítico-criativa. Foram estudados trabalhos do autor nas diversas linguagens artísticas praticadas por ele, como a caligrafia, a performance, a música, e a escrita. Apresentamos a obra de Arnaldo Antunes, em um context o em que se abre a Transemiose In t his thesis we discusst he work of Arnaldo Antunes critically creatively. Author 's works were studied in various art forms practiced by him as calligraphy, perfor mance, music, and writing. Here is the wor k of Arnaldo Antunes, in a context that opens the Transemiose

Made available in DSpace on 2016-03-07T19:21:17Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-07-14. Added 1 bitstream(s) on 2016-03-07T19:25:27Z : No. of bitstreams: 1 000856229.pdf: 8858871 bytes, checksum: 01e3b192371c8e78c5e897aea936de92 (MD5) A partir da minha experiência como psicóloga e artista visual me propus nessa pesquisa a criar intercessores entre psicologia e arte contemporânea para pensar e produzir modos de subjetivação afeitos ao devir e às multiplicidades. Acreditando na relevância ética, estética e política de se investir na produção de subjetividades plurais e pós-identitárias, o objetivo dessa pesquisa é explorar a arte como um vetor de subjetivação capaz, potencialmente, de enriquecer e singularizar nossos campos de experiências. Positivando as diferenças enquanto alteridade, tal enriquecimento pressupõem tanto a desconstrução de valores e normas que nos são dados como prontos e imutáveis, quanto à assunção de um gosto pela vida sem distinção de raças, gêneros, classes, etnias ou espécies. Falamos, pois, da arte como meio para resignificar nossas relações com o mundo e conosco, como via para criar outros modos de pensar e viver nossas práticas, desejos e valores. Nessa perspectiva, em interface com os feminismos no que eles têm de força transformadora, subversiva e inventiva, utilizei recursos imagéticos e literários para criar outras figuras de subjetividade, outras figurações para o corpo e para o sujeito. Figurações nômades, ciborgues e híbridas convocadas para pensarmos modos de subjetivação múltiplos e pós-identitários, menos atados a essencialismos e naturalizações que justificam hierarquias de poder. Utilizando a A/r/tografia como método, pude aqui falar de arte fazendo arte. Nesse percurso, ao explorar algumas de minhas proposições, assim como a de vários outros artistas, tracei um trajeto repleto de marcas, memórias e referências que foram cartografadas para fazer ver os mapas intensivos que moveram a pesquisa. São essas intensidades que apontam para o plano das forças moleculares e micropolíticas implicadas no percurso do pesquisar. A/r/tografar essas forças... Using my experience as a psychologist and visual artist, with this research I come up with the proposal to create intercessors between art and psychology in order to think and produce forms of subjectivity affected to becoming and multiplicities. Believing in the ethic, aesthetic and political relevancy in investing in the production of plural and post-identitarian subjectivities, this research explores art as a vector potentially capable of enriching and singularizing our experience fields. The differences are been positivated as alterity, and this enrichment assumes, at the same time, the deconstruction of values and rules that sets us as ready and immutable, and the assumption of a new taste for life without any distinction of gender, ethnicity, species or class. We are talking, therefore, about art as means to remean our relations with ourselves and with the world, as a route to create new ways of thinking and living our practises, desires and values. In this perspective, in interface with the feminisms in what they have of transforming, subversive and inventive power, I used imagetic and literary resources to create other figures of subjectivity, other figurations for the body and the subject. Nomads, ciborgue and hybrid figurations are assembled as a device for us to think about multiple and post identitarian forms of subjectivization which are less tied up to essentialisms and naturalizations that justify hierarchies of power. Using a/r/tography as a method, I could hereby talk about art doing art. While exploring some of my propositions, and also various artists' propositions, I depict a track full of impressions, memories and references that were charted in order to envision the intensive maps that propelled this work. These intensities lead to the plan of molecular and micropolitic forces that are implied in the course of researching. Adopting a/r/tography to better understand these forces was the way that I found to shape some...

Submitted by Maykon Nascimento (maykon.albani@hotmail.com) on 2015-07-28T20:12:26Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Reflexões sobre a apropriação de objetos na arte contemporânea.pdf: 2767851 bytes, checksum: d2b7031b07f0ecaa12d5dd93248df490 (MD5) Approved for entry into archive by Patricia Barros (patricia.barros@ufes.br) on 2015-08-11T14:08:20Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Reflexões sobre a apropriação de objetos na arte contemporânea.pdf: 2767851 bytes, checksum: d2b7031b07f0ecaa12d5dd93248df490 (MD5) Made available in DSpace on 2015-08-11T14:08:20Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Reflexões sobre a apropriação de objetos na arte contemporânea.pdf: 2767851 bytes, checksum: d2b7031b07f0ecaa12d5dd93248df490 (MD5) Previous issue date: 2015 Nesta dissertação discutimos os movimentos em torno da temática da apropriação evidenciando o deslocamento do objeto de uso comum para o campo da arte em três movimentos paradigmáticos: o Dadaísmo, o Surrealismo e o Novo Realismo, e seus desdobramentos na arte contemporânea no sentido de legado cultural. Permitimo-nos transitar pelas demais vertentes dos processos de apropriação na arte nova-iorquina e europeia seguindo as propostas da arte com objetos. Investigamos os processos envolvidos nas controvérsias do ready-made, executado por Marcel Duchamp desde 1913, para dar partida ao percurso histórico das manifestações onde ocorre o objet trouvé, a colagem e a assemblagem. Nosso objetivo é responder à pergunta com a qual o filósofo Arthur C. Danto inicia suas investigações filosóficas acerca das apropriações e condições que fazem de um objeto comum uma obra de arte. Para tanto buscamos as teorias de Abrahan Moles e Jean Baudrillard acerca do objeto industrializado e Roland Barthes com as questões metalingüísticas de sua função-signo. Para discutir tais relações da arte com os objetos, recorremos aos textos de Peter Bürger, André Breton, Pierre Restany, Gregory Battcock, Walter Benjamin, Hal Foster e outros. Destacamos alguns trabalhos artísticos, evidenciando o objeto caixa, tratado como um utilitário com forma e finalidade definidas, reafirmando-se como objeto de consumo, no discurso sobre a poética do espaço de Gaston Bachelard. A pesquisa propõe analisar as transformações radicais das estruturas conservadoras da arte e especular sobre o gesto de apropriação dos objetos, com algumas reflexões direcionadas sobre o objeto e a transgressividade da apropriação como experiência de tensão e poder. In this dissertation we discussed the movements around the appropriation issue evidencing the displacement of the ordinary object into the art field in three paradigmatic movements: Dadaism, Surrealism and the New Realism and its developments in contemporary art in the sense of cultural legacy. Allowed ourselves move in by other aspects of the processes of appropriation in New York and European art following the proposals of art with objects. We investigate the processes involved in of the dispute ready-made, executed by Marcel Duchamp since 1913, in order to start the historical course of events where the objet trouvé, the collage, the assembly occurs. Our objective is to answer the question with which the philosopher Arthur C. Danto starts his philosophical investigations about appropriations and conditions which make an ordinary object a work of art. To this end we seek the theories of Abraham Moles and Jean Baudrillard about the industrialized object and Roland Barthes with the metalinguistic questions of its function sign. To discuss relations art with objects we used the texts of Peter Bürger, André Breton, Pierre Restany, Gregory Battcock, Walter Benjamin, Hal Foster and others. We emphasize some works, showing the box object, treated as a utility shaped and defined purpose, reaffirming itself as an object of consumption, on the discourse of Gaston Bachelard. The research aims to analyze the radical changes of the traditional structures of art and speculate about the gesture of appropriation of objects, with some reflections directed on the object and the transgressive discourse of the appropriation experience as tense and power.

Made available in DSpace on 2015-08-20T17:10:17Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-05-25. Added 1 bitstream(s) on 2015-08-20T17:25:38Z : No. of bitstreams: 1 000841115.pdf: 14970691 bytes, checksum: 12a21104ed396fc10cd34e2121ab2b1f (MD5) Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) Inscrita na linha de pesquisa Processos e Procedimentos Artísticos do PPG em Artes da Unesp, esta dissertação apresenta minha produção artística, realizada durante o mestrado - março de 2013 a maio de 2015. Os procedimentos utilizados nos trabalhos da minha produção estão às voltas de um certo raciocínio escultórico, que por sua vez, necessitam de outras linguagens (instalação, fotografia e vídeo) para se materializar. O vocabulário da arquitetura - e de outras áreas correlatas à construção civil - também influenciaram meu processo criativo de forma bastante decisiva, pois além de fazerem parte de um contexto de ação, também inseriram dados fundamentais para a reflexão dos trabalhos que serão discutidos aqui. Devido ao modo de construção desses trabalhos, a instabilidade - e sua consequente tensão (física e/ou psicológica) - se apresenta como característica central e resultante dessas atividades. Portanto, o fio condutor desta dissertação, parte da constatação dessa característica e seus desdobramentos nas diversas linguagens utilizadas, de forma dialética. A partir dessas questões, são feitas algumas aproximações entre os procedimentos utilizados por outros artistas que, de alguma forma, lidaram com problemas semelhantes, e que inseridas na discussão, podem ampliar as questões levantadas, bem como entendê-las melhor em seu contexto. Assim, discuto características muito presentes em minha poética, sem, no entanto, fechá-las em um discurso hermético/teórico. not available

Este estudo trata da relação da arte com a cidade, pensando a arte contemporânea como possibilidade de criação de outras cidades ao provocar diferentes modos de olhar, sentir, imaginar e inventar o espaço-tempo urbano. Interessa pesquisar as intervenções artísticas do coletivo Acidum, em Fortaleza, observando como a arte urbana pode interferir nos modos de ser, de pensar e de viver, criando ficções, modificando o espaço. A pesquisa acontece como um exercício, considerando as contribuições teórico-metodológicas dos estudos de Francisco Varela (1991,2001), em especial, a Abordagem Enativa, que compreende a cognição como a invenção de realidades, opondo-se à noção representativa de uma realidade pré-definida a ser revelada pelo pesquisador. O pesquisar emerge no observar, acompanhando algumas intervenções do coletivo, atualizadas nas anotações do diário de bordo, analisando vídeos e fotografias e realizando “entrevistas enativas”, proposição apresentada nos estudos de Letícia Maria Renault de Barros (2010). O que faz com que algumas imagens produzam inquietação e outras não? Como as intervenções do Acidum afetam os modos de transitar e de olhar a cidade? No percurso da pesquisa, alguns conceitos colaboraram com as análises, em especial, Partilha do Sensível e Ficções, apresentados por Jacques Rancière (2005; 2010). Nessa perspectiva, enfatizo a relação entre arte e política trazendo também contribuições dos estudos de Giorgio Agamben, Hannah Arendt, Chantal Mouffe, Didi-Huberman e Gilles Deleuze. A arte do Acidum pode afetar a cidade à medida que produz imagens que provocam deslocamentos nos modos de olhar daqueles que caminham e as observam. A arte urbana pode problematizar criativamente o cotidiano, abrindo caminhos para a invenção de outras realidades. Constituindo resistências moleculares que florescem em meio à solidez dos preconceitos e das concepções endurecidas. Não seria essa uma função da arte, mas uma potência. Este estudio trata la relación del arte con la ciudad, pensando el arte contemporáneo como la posibilidad de crear otras ciudades por provocar diferentes maneras de ver, sentir, imaginar e inventar el espacio-tiempo urbano. Me interesa investigar las intervenciones artísticas del colectivo Acidum en Fortaleza, ver como el arte urbano puede interferir en las formas de ser, de pensar y de vivir, creando ficciones, modificando el espacio. La búsqueda se lleva a cabo como un ejercício, teniendo en cuenta los aportes teóricos y metodológicos de los estudios de Francisco Varela (1991.2001), en particular el enfoque enactivo, que comprende la cognición como la invención de realidades, oponiéndose a la idea representativa de una realidad predefinida para ser revelada por el investigador. La búsqueda surge com el observar, acompañando algunas intervenciones del colectivo, actualizadas a través de las notas en el diario de campo, analizando videos y fotos y haciendo "entrevistas enactivas" propuesta presentada en los estudios de Leticia Maria Renault de Barros (2010). ¿Qué hace que algunas imágenes produzcan inquietud y outras no? ¿Como las intervenciones de Acidum afectan los modos de transportar y de mirar la ciudad? En el curso de la investigación, algunos conceptos colaboraron con el análisis, en particular, División de lo sensible y Ficciones, presentados por Jacques Rancière (2005; 2010). En esta perspectiva, subrayo la relación entre el arte y política trayendo también las contribuciones de los estudios de Giorgio Agamben, Hannah Arendt, Chantal Mouffe, Didi-Huberman y Gilles Deleuze. El arte de Acidum puede afectar a la ciudad por producir imágenes que causan cambios en las formas de ver de aquellos que caminan y observan. El arte urbano puede discutir de manera creativa el cotidiano, abriendo el camino para la invención de otras realidades. Constituyendo resistencias moleculares que florecen en medio a la solidez de los prejuicios y concepciones endurecidos. No sería una función del arte, sino una potencia.

Orientador: Mauricius Martins Farina Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta dissertação de mestrado busca identificar a configuração ideal dos espaços expositivos contemporâneos, mais especificamente museus, para exibição das criações artísticas realizadas a partir dos anos 1950. Durante o processo investigativo constatou-se a necessidade de, preliminarmente, conceituar esta tipologia arquitetônica para, na sequência, apresentar suas transformações ao longo dos anos, fruto da constante busca por adequar o continente ao conteúdo e a sociedade. Enfatizando que as produções artísticas foram as causadoras das diversas necessidades de alterações espaciais também foi dedicada uma parte da monografia para apresentação do experimentalismo existente no período de reflexão. Cabe ressaltar que as variações nos suportes artísticos criaram novos desafios para os arquitetos no desenvolvimento dos projetos de museus, além da contaminação do seu imaginário com uma gama de infinitas possibilidades criativas. Para a criação destes espaços, por vezes, devem-se ponderar demandas antagônicas tais como: grandes ou pequenas áreas, claridade ou escuridão, silêncio ou ruído, cores ou neutralidade. Com o propósito de melhor entender estas edificações foram analisadas três instituições que apresentam condições específicas para a exibição de arte contemporânea, destacando-se duas distintas exposições em cada para melhor avaliarmos a conformação dos espaços às atuais demandas Abstract: This dissertation aims to identify the ideal contemporary exhibition space, specifically museums, for showing contemporary art produced since the 1950s. In the research process, we primarily conceptualize this architectural typology and then presented its historical development related to its adequacy to social and artistic alterations. Considering that exhibition spaces must be adequate to show the wide range of artistic creations we also dedicated a chapter to understand and analyze all that happened in arts universe during the period. It¿s necessary to highlight that artistic developments in addition to being a big challenge to architects design are also a huge inspiration, mainly due to presenting infinity new possibilities. To design these spaces sometimes one must deal with antagonist forces like: amplitude or cosines, clarity or darkness, silence or noise, colorful or neutral. In this dissertation three reckon contemporary art institutions were analyzed highlighting two different shows in each one. The objective was to study the space adequacy to the art it contained Mestrado Artes Visuais Mestra em Artes Visuais

Orientador: Francisco Elinaldo Teixeira Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A presente dissertação, apropria-se da experiência audiovisual do dispositivo-jantar como objeto de reflexão, perpassa as seis cerimônias realizadas entre as cidades de Salvador e São Paulo, e encontra, nos rituais instalados em situação de rua, a possibilidade tanto de situar-se no devir criativo do projeto aqui esboçado: Entre ruas e calçadas, como de penetrar diferentes territórios audiovisuais com montagens e apropriações de sua malha imagética. O que o presente texto oferece é o sopro de uma criação que tem a incompletude como condição, a incerteza como única certeza. Em seu começo, uma disposição primeira: a cerimônia do jantar. Em seu percurso, a escultura de uma força criativa que se fez e refez no encontro com seus intercessores. Da inoperância temática, a abertura de possibilidades de seu dispositivo de escritura em diferentes montagens, por entre diferentes domínios do audiovisual Abstract: This present work is resulted by the reflection about the audiovisual experience acquired from using the dinner ritual as a dispositif. It passes through six dinner rituals that took place in São Paulo and Salvador, two of which being done in the street with homeless people. These two particular dinners opened the possibility to go through a more creative path, here drawn by the Entre ruas e calçadas project, or to get into other audiovisual territories with different settings and different uses of its imagetic grid. This text offers a glimpse of a creation having the incompleteness as a condition, the uncertainty as the only assurance. When the project began, there was just one thought: the dinner ritual. During its course: the sculpture of a creative strength that elaborates and re-elaborates itself while understands its intermediators; of its thematic ineffectiveness: the possibilities opened to fit the installation dispositif to other different settings and different audiovisual domains Mestrado Multimeios Mestra em Multimeios

Made available in DSpace on 2015-08-20T17:09:31Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2014-10-24. Added 1 bitstream(s) on 2015-08-20T17:26:55Z : No. of bitstreams: 1 000841200.pdf: 7340078 bytes, checksum: f090bf0d6d17efd712f2363ff94b6570 (MD5) Esta dissertação apresenta uma reflexão sobre a produção de Performance Art Contemporânea, pensada enquanto Linguagem que surge de um movimento de troca e mistura de informações, diferentes linguagens e sistemas imersos no cotidiano, constituindo uma ação híbrida. Mais objetivamente, trata do tema do Corpo tal como é abordado nessa linguagem, discutindo-o enquanto Corpo Artístico e Corpo Cotidiano, bem como sua potencialidade como Corpomídia, abordando questões conceituais iluminadas com uma leitura de performances de Joseph Beuys, Bruce Nauman, Yoko Ono, Rodrigo Braga, Tehching Hsieh e deste autor Pedro Canola. This text focuses on the production of Contemporary Performance Art, considered as a Language which arises from a movement of exchange and mixing of information, different languages and systems immersed in daily life, providing a hybrid action. More objectively, deals with the theme of the body as discussed in this language, while discussing the Artistic Body and Daily Body, as well as its potential as Corpomídia, addressing conceptual issues clarified by comments on Joseph Beuys, Bruce Nauman, Yoko Ono, Rodrigo Braga Tehching Hsieh and Pedro Canola performances.

CAPES Desde o final do século XIX, o mundo artístico vivenciou uma série de transformações, redefinindo as normas e os valores vigentes nesse espaço. As fronteiras do fazer artístico foram tensionadas para incorporar novas práticas, alterando as lógicas de produção, legitimação e consagração das obras, assim como a definição do valor artístico. A maneira de expor os trabalhos também foi alterada, sendo reinventada através das bienais, que tem sua origem, desenvolvimento e proliferação diretamente relacionados a esse período. Os modelos de agência de artistas, mediadores e públicos também se modificam, acompanhando a passagem do paradigma clássico ao moderno, e deste ao contemporâneo. Fundada em 1951, a Bienal de São Paulo acompanha as principais mudanças no cenário artístico internacional, sendo um objeto de estudo privilegiado para compreender a atual configuração desse espaço. Ao longo de mais de sessenta anos de trajetória, inúmeras discussões e polémicas destacam os dissensos e as tensões que caracterizam as relações desse meio e a cooperação entre os mais diversos setores de atividade para realizar esse evento, considerado um dos mais importantes no Brasil. A pesquisa realizada na 30ª edição teve o objetivo de analisar em particular a percepção do público sobre o mundo artístico e a arte contemporânea, contribuindo para uma sociologia descritiva dos valores. Apesar da heterogeneidade e da imprevisibilidade que definem o conceito de público, a análise das respostas elaboradas pelos visitantes da Bienal é realizada de detalhadamente, enfatizando como as interpretações são construídas a partir da experiência individual e da mobilização de outros valores além do estético. Depuis la fin du XIX siècle, le monde de l'art a connu une série de transformations, qui a redéfini les normes et les valeurs qui prévalent dans cet espace. Les frontières de la pratique artistique ont été tendus pour intégrer de nouvelles pratiques, changeant le logique de production, de légitimation et de consécration des oeuvres, ainsi que la définition de la valeur artistique. La façon d'exposer le travail a également été modifié, étant réinventée à travers des biennales, qui a son origine, développement et prolifération directement liée à cette période. Les façons d'agir des artistes, des mediateurs et du publique changent aussi, avec le passage du paradigme artistique classique au moderne, et cela au contemporain. Fondée en 1951, la Biennale de São Paulo suit des changements majeurs dans la scène artistique internationale, représentant un objet d'étude privilégié pour comprendre la configuration actuelle de cet espace. Depuis plus de 60 années d'expérience, de nombreuses discussions et controverses mettent en lumière les désaccords et les tensions qui caractérisent les relations de ce monde et la coopération entre les différents secteurs d'activité pour réaliser cet événement, considéré comme l'un des plus importants au Brésil. Cette recherche a été réalisée à la 30e édition et visait examiner en particulier la perception qu'a le public du monde de l'art et l'art contemporain, contribuant à une sociologie descriptive de valeurs. Malgré l'hétérogénéité et l'imprévisibilité qui définissent le concept de public, l'analyse des réponses élaborées par les visiteurs de la Biennale est effectuée de façon détailléen insistant comment les interprétations sont construits à partir de l'expérience individuelle et la mobilisation d'autres valeurs au-delà de l'esthétique.

Made available in DSpace on 2015-04-09T12:28:19Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2014-08-29Bitstream added on 2015-04-09T12:47:42Z : No. of bitstreams: 1 000815125.pdf: 1036423 bytes, checksum: 51b40b4b6bdcd56479886e1a94585d19 (MD5) SPelha – poética locativa é uma pesquisa teórico-prática que objetiva investigar na produção artística propostas que provocaram experiências e discussões sobre o encadeamento entre novas tecnologias, meios de comunicação, relacionamentos e espaço urbano. Por meio de um percurso observatório das práticas artísticas atuais, no contexto da ubiquidade e das potencialidades das mídias locativas que integram diversas possibilidades e estão acessíveis nos smartphones, foram ressaltados projetos que propuseram explicitar comportamentos de uso e consumo de tecnologias, as relações privadas e públicas compartilhadas, a liquidez dos lugares e sensações, o afeto e a construção coletiva de memórias. A pesquisa abre uma janela para refletir sobre como propostas no passado já antecipavam questões trazidas na produção atual, em rede. A partir do reconhecimento do campo, o trabalho culmina na apresentação da produção poética dessa pesquisa - o desenvolvimento do aplicativo para smartphones nomeado de SPelha. Sua função central é a sinalização, no mapa, dos locais onde existe ou não amor na cidade de São Paulo, criando possiblidades de espelhamento da relação do colaborador com a tecnologia e com o espaço urbano. Através da inserção de texto e/ou imagem associada à decisão positiva ou negativa, a proposta pretende criar modos de representação sobre os fluxos que integram a experimentação e interpretação da realidade cotidiana, contendo dados objetivos e subjetivos que, além dos laços emocionais, abrangem fatores culturais, políticos e sociais. SPelha - locative poetic is a theoretical and practical research that aims to investigate within the artistic production proposals that provoked experiences and discussions on the linkage between new technologies, media, relationships, and urban space. Throughout an observatory of the current artistic practice in the context of ubiquity and capabilities of locative media that integrate various possibilities and are accessible on smartphones, projects that use explicit behaviors and consumption of new technologies, private and public relations shared in the web, the liquidity of places and sensations, affection and the construction of collective memories were highlighted. The research opens a window to reflect on how proposals in the past already anticipated issues in the current production in the network. As a consequence of the study, the work culminates in the presentation of the poetic production of this research – the development of an application for smartphones named SPelha. Through its central role, which is to point out on a map whether there is or there is not love in the city of São Paulo, the proposal creates possibilities mirroring the relationship of the user with the technology and with the urban space. By inserting a text and/or image associated with positive or negative decision, the proposal intends to create forms of representation about the flux that integrate experimentation and interpretation of everyday reality, containing objective and subjective data that, beyond the emotional ties, cover cultural political and social factors.

Submitted by Maykon Nascimento (maykon.albani@hotmail.com) on 2014-10-21T17:31:09Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Dissertacao. Texto completo.Christine.pdf: 17672261 bytes, checksum: 0d6fec223e9b71e8d2279c6cad260899 (MD5) Approved for entry into archive by Elizabete Silva (elizabete.silva@ufes.br) on 2014-11-17T20:11:18Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Dissertacao. Texto completo.Christine.pdf: 17672261 bytes, checksum: 0d6fec223e9b71e8d2279c6cad260899 (MD5) Made available in DSpace on 2014-11-17T20:11:18Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Dissertacao. Texto completo.Christine.pdf: 17672261 bytes, checksum: 0d6fec223e9b71e8d2279c6cad260899 (MD5) Previous issue date: 2014 Esta dissertação investiga o unheimlich – em português, 'estranhamente familiar' -, conceito psicanalítico desenvolvido por Sigmund Freud, em obras que fazem parte de 4 (quatro) séries do trabalho do artista plástico Attilio Colnago: "Do Retorno às Meias Verdades", “10 + 1 Perigosas Maneiras de Amar", "Minas das Liberdades Gerais" e "Diálogos com a Paixão". Aproxima as obras do artista – já tão conhecidas por seus aspectos principais tais como a presença da figura humana, os espaços interiores, o sagrado em um contraponto com o profano, e as memórias – do estranhamente familiar. Para tanto, pesquisou-se a bibliografia ligada ao tema, que teve como ponto de partida o ensaio de Freud de 1919, "Das Unheimliche", – traduzido para o português como "O Estranho" – e prosseguiu-se através de escritos de outros autores que se interessam pelo conceito de estranhamente familiar, trazendo-o para a contemporaneidade e associando-o a outras áreas do conhecimento, entre eles Nicholas Royle, Anneleen Masschelein e Anthony Vidler. Com base na teoria estudada foram selecionadas, dentre as séries escolhidas, as obras mais significativas em relação ao tema para serem analisadas. Busca-se desvendar e analisar um lado ainda não investigado da obra do artista e ao mesmo tempo mostrar a importância de se estudar o conceito de estranhamente familiar no campo das artes plásticas. This thesis investigates the unheimlich (uncanny), a concept on psychoanalysis developed by Freud, in works belonging to 4 (four) of the painter Attilio Colnago's series: "Dialogues with Passion" ("Diálogos com a Paixão"), “10+1 Dangerous Ways to Love” (“10 + 1 Perigosas Maneiras de Amar"), "Minas of General Liberties" ("Minas das Liberdades Gerais”), "On Return to Half Truths" ("Do Retorno às Meias Verdades"). It relates the author's works – which are widely know for their main characteristics such as the presence of the human figure, the interiors, the cross between the religious and the profane, and the memories – to the uncanny. Such goal was made possible by research on Freud's 1919 essay "Das Unheimliche" (The Uncanny) and associated literature by other authors who have studied the uncanny, such as Nicholas Royle, Anneleen Masschelein and Anthony Vidler, who brought the concept up to date and related it to other fields of study. After said research and documental analysis, pictures of Attilio Colnago's work that showed traces of uncanny were assembled for further studying. By analysing the painter's work and unveiling a new angle from which to do so, one hopes to prove the uncanny a subject worthy of being studied in the field of fine arts.

Made available in DSpace on 2017-03-14T14:10:08Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2014-06-23. Added 1 bitstream(s) on 2017-03-14T14:42:43Z : No. of bitstreams: 1 000815205_video_02.wmv: 4096779 bytes, checksum: bb7574bc141f7f4b8fefaeb6549184f3 (MD5) Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) Esta pesquisa apresenta o desenvolvimento de um conjunto de trabalhos plásticos, assim como traz reflexões acerca do tema Espaço, o qual é abordado sob a forma de notas e breves ensaios. Através de uma leitura poética, penso aqui o espaço como fragmentação, fragilidade, efemeridade, criação e desaparecimento, características estas que constituem o que denomino espaço como dúvida. Desta noção de espaço, que aparece de forma recorrente em minhas produções, desenvolvo duas situações de trabalhos: uma primeira que aborda a criação do espaço, e uma segunda que se ocupa dos espaços frágeis. Para tanto, esta investigação estabelece um diálogo com os escritores Georges Perec, Alan Pauls e Georges DidiHuberman, assim como com as obras de artistas cuja discussão acerca do espaço seja significativa Esta investigación presenta el desarrollo de un conjunto de obras plásticas, también como aporta reflexiones sobre el tema espacio, el cual es abordado bajo la forma de notas y ensayos cortos. A través de una lectura poética, pienso el espacio como fragmentación, fragilidad, efímeridad, creación y desaparición, características que constituyen lo que llamo de espacio como duda. De esta noción de espacio, que surge de modo recurrente en mis producciones, desarrollo dos situaciones de trabajo: la primera se refiere a la creación de espacios, y la segunda se ocupa de los espacios frágiles. Para este fin, esta investigación establece un diálogo con los escritores Georges Perec, Alan Pauls y Georges Didi-Huberman, como también con las obras de artistas cuyo debate acerca del espacioes significativo

Made available in DSpace on 2016-08-26T15:19:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_7747_Janayna_Araujo_Costa_Pinheiro_CildoMeireles.pdf: 20086799 bytes, checksum: d6320fa04179d47e95c546bfe1470dbc (MD5) Previous issue date: 2014-05-28 Com a atenção nos escritos do artista, esta pesquisa se ocupou de investigar e analisar as narrativas recorrentes na produção do artista brasileiro Cildo Meireles. O artista diz ter a oralidade como suporte ideal para a obra de arte. Para a análise, escolhemos obras que se coadunassem com essa proposição, entre elas: Estudo para Espaço (1969), Espaços Virtuais: Cantos (1976-1977), Malhas da Liberdade (1976-1977) Inserções em Circuitos Ideológicos (1970), Eureka/Blindhotland (1970- 1975), Desvio para o Vermelho (1967-1984), Através (1983-1989), Missão/Missões (Como Construir Catedrais) (1987) e Elemento Desaparecendo/Elemento Desaparecido (2002). As histórias narradas ecoam em entrevistas e comentários de críticos, como um prolongamento de seu trabalho artístico, sem serem explicativas. Nessas narrativas, a linguagem poética é diversa e funciona como: instruções, biografia das obras, textos, desenhos-projetos, inserções, história-conceito. A complexa relação entre o texto e o objeto de arte subverte e articula formas alternativas entre o sensorial e o conceitual com elegância formal. Com potência própria, e também como elemento no conjunto da produção do artista, as narrativas são de natureza diferente e incluem desde literatura até experiências vividas, fatos históricos e sociais. Mostramos como essas narrativas se conectam com a obra, e buscamos elementos que delas emergem e se exprimem em um universo multissensorial. With attention on the writings of the artist, this research investigates and analyzes the recurring narratives in the production of Brazilian artist Cildo Meireles, as the artist claims orality as an ideal support for the work of art. For such analysis, we chose works that were consistent with this proposition, which includes: Study for Space (1969), Virtual Spaces: Corners (1967-1968), Meshes of Freedom (1976-1977), Insertions into Ideological Circuits (1970), Eureka/Blindhotland (1970-1975), Red Shift (1967-1984), Through (1983-1989), Mission/Missions (How to Build Cathedrals) (1987) and Disappearing Element/Disappeared Element (2002). The narrated stories echo in interviews and in comments from critics, as an extension of his artwork, without being explanatory. On such narratives, the poetic language is diverse and works as: instructions, biography of works, texts, drawings, designs, inserts and story-concept. The complex relationship between the text and the art object subverts and articulates alternative ways between the sensorial and the conceptual with a formal elegance. With its own power, and also as an element in the overall production of the artist, the narratives are different in nature and range from literature to life experiences, as well as from historical to social facts. Here we show how these narratives connect with the work, and seek elements that emerge from them and are expressed in a multisensorial universe.

Orientador: Maria José de Azevedo Marcondes Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Pretende-se na tese "Renata Lucas e os espaços públicos: intrincamento e fissura" discutir o conjunto dos trabalhos da artista que se configuram como instalações e intervenções no espaço, com ênfase nas intervenções nos espaços públicos. Parte-se das premissas de que tais trabalhos se instituem como um intrincamento específico com o lugar onde se inserem, e de suas configurações enquanto potencial político. Assim, o objeto da pesquisa decorre das relações que o trabalho artístico estabelece com o espaço, seja em sua fisicalidade ou em sua discursividade. A análise do conjunto dos trabalhos de Renata Lucas, produzidos entre 2001 e 2013, baseia-se em teorias de áreas diversas (filosofia, antropologia, história e, fundamentalmente, nas teorias do campo da arte). Por meio de leituras distintas, tenciona-se ressaltar na poética da artista: a percepção corporal do espectador/participante no espaço; a possibilidade de irromperem-se socialidades; a tentativa de criar uma fricção com o espaço por meio da alteração dos códigos representacionais pré-ordenados. Investigam-se as problematizações decorrentes da intervenção no espaço pré-ordenado, que possibilitem novas leituras e percepções. Procura-se defender, inclusive, o potencial político do trabalho de Renata Lucas como contido em estado de latência, no sentido de um potencial a ser desencadeado para o político, tanto pela produção de novos espaços, quanto pela subversão da ordem espacial preestabelecida, assim como pela constituição de uma esfera pública. Conclui-se que os trabalhos artísticos de Renata Lucas contêm muito do estranhamento, da incerteza, da fragmentação, da irrupção. Portanto, desvelar as camadas dos trabalhos da artista possibilita também desvelar camadas subjetivas, não aparentes, aflorar a emergência da "situação na qual estamos imersos". Inferiu-se, com isso, que o trabalho de Renata Lucas concretiza-se na oscilação entre o intrincamento e a fissura, o imiscuir-se e o friccionar Abstract: The purpose of the thesis "Renata Lucas and the public spaces: intricacy and fissure" is to discuss the collection of the artist¿s works that configure as installations and interventions of space, with emphasis on interventions of the public space. It is assumed that such works consist of specific intricacy of the space with which they deal, and of their configurations as to their political potential. Thus, the objective of the study results from the relationship that the artistic work establishes with the space, whether in its physicalness or its discursiveness. The analysis of the collective works of Renata Lucas, produced between 2001 and 2013, is based on theories in diverse areas (philosophy, anthropology, history, and, fundamentally, on theories in the field of art). By means of distinct interpretations, the aime was to highlight the poetical aspects of the artist: the corporal perception of the spectator/participant in the space; the possibility of interrupting socialities; the attempt to create a friction with the space through the alteration of pre-organized representational codes. An investigation was conducted of the problematics resulting from the intervention in the pre-organized space that permit new interpretations and perceptions. An attempt was also made to defend the political potential of Renata Lucas¿ works as contained in the latent state, in the sense of a potential to be released in its political aspect, as much through the production of new spaces as to the subversion of pre-established spacial order, as well as for the constitution of a public sphere. It is concluded that the artistic works of Renata Lucas contain much of the surprise, the uncertainty, the fragmentation, the irruption. Therefore, uncover the layers of the artist¿s works enables us also to reveal subjective layers, not apparent, to treat the emergence of the "situation in which we are immersed". It is inferred, as such, that the work of Renata Lucas is concentrated on the oscillation between intricacy and fissure, intromission and friction Doutorado Artes Visuais Doutora em Artes Visuais

Orientador: Cassiano Sydow Quilici Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A presente pesquisa desenvolve um questionamento às fronteiras que separam diferentes gêneros artísticos e a arte da vida cotidiana, a partir da experiência com o trabalho da key zetta e cia, companhia de dança contemporânea de São Paulo. O estudo dos processos de criação de algumas obras produzidas pela companhia conduziram a uma problematização mais abrangente dessas temáticas e de suas relações com práticas corporais de culturas "orientais" e artes performativas contemporâneas Abstract: The present research questions the bounderies that separates different artistic genders and art from daily life, taking as reference the experience with key zetta e cia, contemporary dance company of São Paulo. The study about some of their creative processes has led to an expanded discussion about these themes and its relations with eastern body practices and contemporary performing arts Mestrado Artes da Cena Mestra em Artes da Cena

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta dissertação reflete sobre a necessidade de pensar, investigar e estudar o corpo na arte contemporânea. O local que se elegeu para abordar o objeto de estudo foi o Instituto Inhotim - Centro de Arte Contemporânea, que se encontra em Brumadinho - MG. O texto está dividido em quatro capítulos. O primeiro capítulo busca compreender de quais corpos se está tratando, das suas especificidades, dos seus entrelugares e de que forma esses corpos se manifestam na arte contemporânea. O segundo capítulo aborda a discussão do corpo, seus reflexos e sua duplicidade segundo as instalações das artistas Valeska Soares e Yayoi Kusama. No terceiro capítulo, trava-se uma discussão entre os artistas e as respectivas obras de Matthew Barney e Tunga, onde o corpo se coloca em constantes questionamentos e diálogos entre o híbrido e o metamorfoseado. E no quarto e último capítulo, referendam-se questões acerca do corpo e da tecnologia onde novas geografias sonoras e audiovisuais são pensadas e executadas como forma de incorporar os dispositivos e os meios eletrônicos quase inseparáveis e indispensáveis para os indivíduos, hoje, no espaço da arte e como prolongamento do corpo; para tanto foram selecionados o casal Cardiff & Miller e o artista Doug Aitken Abstract: This essay shows the need that one has to think, investigate and study the body in contemporary art. Inhotim Institute - Center of Contemporary Art, located at Brumadinho - MG was the chosen place for this thesis. The text has been divided into four chapters. The first chapter searches to understand which bodies are being discussed; their specificities, their "in-between-places" and most of all how these bodies are manifested in contemporary art. The second chapter addresses the discussion of the body, its reactions and its duplicity; all in accordance with the installations of the artists Valeska Soares and Yayoi Kusama. The third chapter welcomes you into a debate between the artists Matthew Barney and Tunga, and their works. Where the body is put into questioning, and an open dialogue surges between the hybrid and the modified. The fourth and final chapter indorses questions about body and technology; where the new sound and audiovisual characteristics are thought and executed as a way to integrate gadgets and electronic media. Showing that it could become almost an inseparable and indispensable tool for anybody in today's art; where art is an extension of the body; for this, I've selected the couple Cardiff & Miller and the artist Doug Aitken Mestrado Artes Visuais Mestra em Artes Visuais

Submitted by Patricia Barros (patricia.barros@ufes.br) on 2015-11-13T10:21:39Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Amarelinho uma experiencia com arquivos dos festivais de verao em Nova Almeida.pdf: 132741161 bytes, checksum: 429b0326dd44bc2265aef1e2ee558f6a (MD5) Approved for entry into archive by Morgana Andrade (morgana.andrade@ufes.br) on 2015-11-23T19:38:49Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Amarelinho uma experiencia com arquivos dos festivais de verao em Nova Almeida.pdf: 132741161 bytes, checksum: 429b0326dd44bc2265aef1e2ee558f6a (MD5) Made available in DSpace on 2015-11-23T19:38:49Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Amarelinho uma experiencia com arquivos dos festivais de verao em Nova Almeida.pdf: 132741161 bytes, checksum: 429b0326dd44bc2265aef1e2ee558f6a (MD5) Previous issue date: 2013 Capes O trabalho Amarelinho: uma experiência com arquivos dos Festivais de Verão tem como fonte de pesquisa os registros localizados na sala de arquivos do Centro de Artes da Universidade Federal do Espírito Santo. Esses registros documentam uma série de eventos realizados pelo Centro de Artes por uma década (1989/1999), em toda segunda quinzena do mês de janeiro de cada ano, na Igreja de Reis Magos, na cidade de Nova Almeida em Serra, Espírito Santo. A palavra Amarelinho aparece como elemento aglutinador desta experiência narrativa, como um dispositivo de conversas com alguns participantes do evento para um registro histórico polifônico. Isso porque a palavra Amarelinho se refere ao nome e à cor de um bar de veraneio que acolhia os frequentadores dos Festivais de Verão em Nova Almeida, que ali se reuniam todos os dias para conversar. Um lugar onde os protocolos eram quebrados em função das conversas em fluxo, lugar de sensações, afetos e construção de linguagens. Neste trabalho a palavra é utilizada como estratégia para a construção de um ambiente discursivo em sintonia com o objeto de estudo, falar de uma história em curso com os arquivos dos Festivais de Verão em Nova Almeida. Os conceitos de ontologia do presente e de arquivo de Michel Foucault são colocados em exercício com a pesquisa que inclui também um estudo de caso, o projeto Você gostaria de participar de uma experiência artística?, de Ricardo Basbaum, visto por suas relações históricas com o evento. Trata-se, portanto, de um estudo crítico-teórico e também de uma experiência poética com os arquivos, imagens e textos elaborados com os programas de cursos e seus registros, daí a presença da palavra experiência, que não quer remeter a um passado, mas transitar por tempos heterogêneos. The work Amarelinho (Little Yellow): a experience with files of the Summer Festivals has a research source the records located in the file room of the Arts Center of the Univesidade Federal do Espírito Santo. These records are documents of a series of events organized by the Arts Center for a decade (1989 / 1999) every two weeks of the month of January at the church of the Magi in the city of Nova Almeida, in Serra, Espírito Santo State. The word Amarelinho appears as a agglutinating element as a device for conversations that took place with some participants of the event for a polyphonic historical record. That's because the word Amarelinho is related to the name and the color of the bar that welcomed all those that attended the Nova Almeida Summer Festivals and there they gathered to talk,, a place where the protocols were broken due to the flow of interactions, place of sensations, feelings and language construction. In this work, the word is used as a strategy to build a discourse environment in tune with the subject matter of the research. We aim to talk about an ongoing story with the files of the Summer Festivals of Nova Almeida. The concepts of ontology of the present and file of Michel Foucault are in tune with the research that also includes a case study, the project "Would you like to participate in an artistic experience?” of Ricardo Basbaum, seen by his historical relations with the event. It is, therefore, a critical theoretical study and a poetic experience with the files, images and texts, prepared with the course programs and their records, hence the presence of the word experience, that does not want to refer to a past, but move about heterogeneous times.

This research is about the photography between contemporary art and documentary. We will use, as the object, the photographs of the book "Underwater Landscape", of the photographers John Castillo, Pedro David and Pedro Motta, who appear as a hybrid, with characteristics of both, the art and the document. The text has its theoretical basis through reflection on the approach to documentary photography and contemporary art, using the authors André Rouillé, Jacques Rancière, Nicholas Bourriaud and Rosalind Krauss. The methodology used was the Photographic Analysis of François Soulages proposing that we should look at the photograph as a particular kind of visual sign produced in specific contexts and social relations in which the senses are operated and produced for him to understand the object to be photographed, we think of it as an object-problem, and we should examine it according to the photographic material and its critical questioning, and at the same time, the cultural imaginary. We improved this, with the ideas of Jon Prosser, who says the interpretative process of the Case Study requires the management of visual data in a logical sequence, which includes organizing, indexing and categorization. The interpretive process begins before the pictures are seen, decisions on which photos and how they were chosen, it is necessary to create a sense among the photographs, by observing the valuation contained in the images and their relation to the process. Esta pesquisa é sobre a fotografia entre a arte contemporânea e o documental. Usaremos como objeto as fotografias do livro “Paisagem Submersa”, dos fotógrafos João Castilho, Pedro David e Pedro Motta, que se mostram como um híbrido, apresentando caracteristicas tanto da arte, como do documento. O texto tem suas bases teóricas por meio da aproximação de reflexões sobre a fotografia documental e a arte contemporânea, utilizando os autores André Rouillé, Jacques Rancière, Nicholas Bourriaud e Rosalind Krauss. A metodologia utilizada foi a Análise Fotográfica, de François Soulages, que propõe que devemos olhar a fotografia como um tipo particular de signo visual produzido em contextos específicos e as relações sociais nas quais os sentidos são operados e produzidos. Para ele, ao entender o objeto a ser fotografado, devemos pensá-lo como um objeto-problema, e devemos examiná-lo em função do material fotográfico e seu questionamento crítico e, ao mesmo tempo, dos imaginários culturais. Acrescentamos a isso as ideias de Jon Prosser, que diz que o processo interpretativo do Estudo de Caso requer o gerenciamento dos dados visuais em uma sequência lógica, que inclui organização, indexação e categorização. O processo interpretativo começa antes das fotografias serem vistas, nas decisões de quais fotografias e como elas foram escolhidas. Para isso, é necessário criar um sentido entre as fotografias, mediante a observação da valoração contida nas imagens e sua relação com o processo.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:29Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-09-20Bitstream added on 2014-06-13T19:08:01Z : No. of bitstreams: 1 silveira_jcm_me_ia.pdf: 2032539 bytes, checksum: f497b6f727fb1650f5e55d100c60b059 (MD5) O tema desta dissertação é a análise crítica da obra de dança Inspiração a Dois uma vez estruturada como linguagem híbrida, entre a dança e a performance, dialoga com a modernidade. Esta fase da história segundo Alain Touraine tem no sujeito o operador das mudanças onde a liberdade individual aciona as mudanças no meio social. A obra Inspiração a dois ao envolver na sua formalização diferentes meios de expressão com seus signos próprios: ora som, ora movimento, ora imagem, ora gestual, ora palavra constrói uma simbologia cênica onde os conteúdos são codificados nas linguagens da dança e da performance, a expressão do sujeito e a materialidade expressiva da obra conversam numa dialogia com a tradição sendo potencializadora da criação. A reflexão sobre pontos da poética do espetáculo que tem os temas: da identidade do intérprete, Neoconcretismo e Tropicália também se baseia nos textos convergentes dos seguintes autores: Celso Favaretto, Antonio Calado, Alain Touraine, Luigi Pareyson, Umberto Eco, Thierry de Duve, Herbert Read, Charles Harrison e Lícia Maria Morais Sanchez que formam o corpo bibliográfico principal deste estudo The theme of this dissertation is the critical analysis of the work of the dance called ‘Inspiração a Dois’ which is structured with an amalgam of hybrid languages, between dance and performance, dialogue with modernity. During this phase of the 20th century, Alain Touraine in his book Crítica da Modernidade tackled the subject matter that involves the process of changes where one`s own individual liberty gives rise to actions that change in a social environment. The work ‘Inspiração a Dois’ involves the familiarization of different forms of expression with your own senses, sometimes sound, sometimes movement, sometimes image, sometimes gesture and sometimes word building a scientific symbolism where everything is classified as the medium of dance and performance, an expression of the subject content and an expression of the material of the work expressed as dialogue with a tradition having the potential of creation. Themes which are highlighted in the show `s presentation include interpretation of identity, Neoconcretismo and Tropicália, the dissertation is based on the theories, ideas and texts of the following authors; Celso Favaretto, Antonio Calado, Alain Touraine, Luigi Pareyson, Umberto Eco, Thierry de Duve, Herbert Read, Charles Harrison and Lícia Maria Morais Sanchez which form the body of the major bibliographic of this study

Orientador: Luise Weiss A biblioteca do IA acompanha 2 DVD-R Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Estrada, Paisagem e Capim - Fotografias e Relatos no Jalapão é uma pesquisa em Poética Visual constituída por viagens - como deslocamento e experiência estética - ao cerrado jalapoeiro, no interior do Estado do Tocantins. A fotografia digital e as anotações se constituem como expressão e desenvolvimento do percurso processual do trabalho realizado. As referências teóricas e visuais contaram com a Antropologia como essência, metodologia e inserção no campo de pesquisa e a Arte como espaço de reflexão e criação para o caminho poético. Diferentes questionamentos surgiram ao longo do desenvolvimento do fazer artístico e acabaram por delimitar o trabalho. Nesta pesquisa, arte, natureza e cultura tornam-se pares no processo de registro e percepção da intuição criativa fotográfica, enfatizando assim, o caráter de "work in progress". Um Livro de Fotografias e um DVD sonorizado com 170 imagens são apresentados como processo e resultado do trabalho poético Abstract: Road, Landscape and Grass - Photographs and Reports in the Jalapão is a research in Poetic Visual consisting of travels - such as displacement and aesthetic experience - to the brazilian savannah, in the State of Tocantins/BR. The digital photography and the written summary notes are as expression and development of the proceedings of the visual work done. The theoretical and visual references counted with the Anthropology as well as essence, methodology and insertion in the field of research, and the Art to be a space for reflection and creation for the poetic way. Different questions have arisen in the course of the development of artistic making and ultimately define the work. In this research, art, nature and culture have become parts in the process of registration and perception of the creative intuition photographic, emphasizing the character of "work in progress". A book of photographs and a DVD with sound and 170 images are presented as a process and outcome of the research poetic Doutorado Artes Visuais Doutor em Artes

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:28Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-11-19Bitstream added on 2014-06-13T20:28:56Z : No. of bitstreams: 1 bueno_dg_me_ia.pdf: 22119750 bytes, checksum: ff70d0880f4d674b4ba501f37ef8c3bc (MD5) Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) Esta pesquisa na área de processos e procedimentos artísticos tem como eixo norteador a arte cerâmica e a memória como elementos criativos. O estudo inicia-se com a história azulejar no Brasil e o acervo dos painéis produzidos desde o período colonial até a atualidade. O uso dos painéis e murais em cerâmica reforça o potencial desse material como suporte e forte veículo mnemônico. A primeira abordagem mnmônica se apresenta por meio das obras de Frida Kahlo e Sophie Calle, que utilizam a escrita e as memórias pessoais como elementos geradores de propostas em arte. Diante destes apontamentos, e de algumas produções contemporâneas apresentadas no corpo do trabalho, três artistas receberam enforque: Zandra Coelho de Miranda, Caroline Hararu e Maria Bonomi. Verificam-se em suas produções artísticas dois elementos comuns: o uso do barro como matéria de trabalho e o tema mnemônico. Ambos também estão presentes nas produções da autora nessa pesquisa. A exposição realizada em 2010 no Instituto de Artes da UNESP, intitulada Doadores de memórias, é fruto das elaborações mencionadas, produzidas durante este percurso sob a influências das artistas estudadas. O presente estudo - soma de uma prática pessoal e das referências abordadas - almeja despertar outros olhares para a compreensão da arte cerâmica como caminho possível, repleto de potenciais para a criação artística contemporânea This research in artistic processes and procedures has as its guiding lines ceramic art and memory as creative elements. The study begins with the story of tile in Brazil and the body of panels produced from the colonial period up to today. The use of ceramic panels and murals enhances the potential of this as a spport and strong mnemonic vehicle. The first mnemonic approach is presented through the wortks of Frida Kahlo and Sophie Calle, who use writing and personal memories as generating elements for proposals in art. In face of these facts, as well as some contemporary productions in the body of our work, three artists were given focus: Zandra Coelho de Miranda, Caroline Harari and Maria Bonomi. There are two elements in common in their artistic production: the use of clay as raw material and the theme of memory. Both are also present in the productions of the author of this research. The exhibtion held in 2010 at the Art Institute of UNESP, entitlede Doadores de memorias (Donors of memories), is the result of the elaborations menthioned, produced during the development of this research and under the influence of the artists studied. This study - a sum of personal practice and the studied references - aims to encourace other perspectives for the comphehension of ceramic art as a possible path, fraught with potential for comtemporary artistic creation

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:29Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2009-09-28Bitstream added on 2014-06-13T19:08:00Z : No. of bitstreams: 1 almeida_fl_me_ia.pdf: 5431561 bytes, checksum: a6dd4b8bde979f977a23a247058e4365 (MD5) Universidade Estadual Paulista (UNESP) Esta dissertação de mestrado é o resultado de uma investigação sobre o universo feminino nas Artes Visuais. As prováveis tecituras resultantes dos entrelaçamentos de tramas e urdiduras artísticas apontaram para as questões estéticas, as elaborações formais e simbólicas do feminino em suas diversas representações. A pesquisa foi dividida em quatro partes que interligaram-se por um fio condutor: o papel e a força da mulher na história da arte. Na primeira parte, o feminino foi mostrado na sua forma mais ancestral de representação através das estatuetas votivas, denominadas Vênus - a figura da mulher apresentou-se nesse período como força fertilizadora. Na segunda parte, abordou-se a manifestação artística das mulheres após a onda revolucionaria sexista - o feminino é então mostrado como força revitalizadora. A terceira parte foi destinada às artistas (es)colhidas do século XX e XXI que trataram do feminino em suas poéticas artísticas - o feminino é tecido como força convergente. Mulheres Recipientes é finalmente alinhavada na quarta e última parte, que contém o arremate dos fios artísticos tradicionais antigos e contemporâneos com as possíveis leituras das obras em cerâmica da autora - o feminino completa-se como força reconciliadora. Esta disertación de maestría es el resultado de una investigación sobre el universo femenino en las artes visuales. Las probables tesituras resultantes de los entrelazamientos de tramas y urdidoras artísticas apuntaran para las cuestiones estéticas, las elaboraciones formales y simbólicas del femenino en sus diversas representaciones. La investigación fue repartida en cuatro partes que juntan por un hilo conductor: el papel y la fuerza de la mujer en la historia del arte. En la primera parte, el femenino fue enseñado en una forma más ancestral de representación a través de estatuitas votivas, denominadas venus – el imagen de la mujer fue presentada en el ese periodo como fuerza fertilizadora. En la segunda parte, abordo-se la manifestación artística de las mujeres pos la fase revolucionaria sexista – el femenino es demostrado como fuerza revitalizadora. La tercera etapa fue destinada a artistas elegidas del siglo XX y XXI que retratasen del femenino en sus poéticas artísticas – el femenino es el tejido como la fuerza convergente. Mujeres Recipientes es finalmente alinhava en esta cuarta y última etapa que contiene el remate de los hilos artísticos tradicionales antiguos y contemporáneos con las posibles lecturas de las obras en cerámica de la autora – el femenino se completa como fuerza reconciliadora.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2008-10-17Bitstream added on 2014-06-13T19:07:56Z : No. of bitstreams: 1 cavalcante_pj_me_ia.pdf: 794637 bytes, checksum: ca8725784c9cda57cd894701d52fdcec (MD5) Universidade Estadual Paulista (UNESP) Nos últimos anos tenho observado comentários de alunos e colegas acerca das visitas à Bienal Internacional de Arte de São Paulo. Com base nessas observações, tenho elaborado algumas questões acerca da relação entre alunos, professores e as obras que vêem na exposição. Podem se destacar as seguintes: Os visitantes conseguem identificar o que está exposto como obra de Arte? Há uma observação mais detalhada das técnicas, os métodos, os materiais e os estilos que são utilizados pelos artistas? Há uma reflexão sobre a importância dessas obras para a sociedade contemporânea? Há um preparo durante a formação destas pessoas para este tipo de exposição? A habilitação específica interfere na estimulação dos alunos para a apreciação das obras? Há um trabalho de preparação desses alunos desde o início do ano letivo? Costumam buscar referências sobre os artistas da exposição para conhecimento prévio ou posterior dos alunos? Costumam relacionar as obras e os artistas que se expõem com as obras e os artistas de outras épocas? Conseguem distinguir obra de arte de expressão artística? Conseguem observar obras de Arte em ambientes públicos? Demonstram interesse em visitar outras exposições? Todas estas são questões que têm despertado meu interesse sobre o processo de fruição dos alunos e docentes a respeito das obras de arte. Acredito que a investigação constante sobre novos métodos e artistas é de grande importância para que se entenda o processo de avanço no mundo das artes nesse início do século XXI. Meu principal objetivo com este trabalho é transformar os caminhos para essas experiências com obras públicas em algo cada vez mais freqüente, além de refletir e compreender a experiência... En los últimos años he observado comentarios de alumnos y colegas acerca de las visitas a la Bienal Internacional de Arte de São Paulo. Tras estas observaciones he elaborado algunas cuestiones acerca de la relación entre alumnos, profesores y las obras que ven en la exposición. Se pueden destacar las siguientes: ¿Los visitantes consiguen identificar qué se expone como obra de arte? ¿Hay una observación más detallada de las técnicas, los métodos, los materiales y los estilos que han utilizado los artistas? ¿Hay una reflexión sobre la importancia de estas obras para la sociedad contemporánea? ¿Hay una preparación durante la formación de estas personas para este tipo de exposición? ¿La habilitación específica interfiere en la estimulación de los alumnos para la apreciación de las obras? ¿Hay un trabajo de preparación de estos alumnos desde el principio del año lectivo? ¿Se suele buscar referencias sobre los artistas de la exposición para conocimiento previo o posterior de los alumnos? ¿Se suele relacionar las obras y los artistas que se exponen con las obras y artistas de otras épocas? ¿Consiguen diferenciar obra de arte de expresión artística? ¿Consiguen observar obras de arte en ambientes públicos? ¿Demuestran interés en visitar otras exposiciones? Todas estas son cuestiones que han despertado mi interés hacia el proceso de fruición de los alumnos y docentes respecto a las obras de arte. Creo que la investigación constante sobre nuevos métodos y artistas es de gran importancia para que se entienda el proceso de avance en el mundo de las artes en este inicio del siglo XXI. Mi principal objetivo con este trabajo es transformar los caminos para esas experiencias con obras públicas en algo cada vez más frecuentes, además de reflexionar... (Resumen completo clicar acceso eletronico abajo)

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:28Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2008Bitstream added on 2014-06-13T20:28:54Z : No. of bitstreams: 1 franchi_ak_me_ia.pdf: 985553 bytes, checksum: 736d52add54278d94748c6831a58afca (MD5) Universidade Estadual Paulista (UNESP) Neste trabalho busco o entendimento de como se dá a relação dos professores das diretorias de ensino regiões de São José dos Campos e Jacareí (SP), participantes do curso “Estruturação da linguagem expressiva: o fazer e o saber criativo”, com as questões e metodologias voltadas para ensino de arte contemporânea e tecnológica. Este curso foi oferecido pela Faculdade de Ciências e Tecnologia da Universidade Estadual Paulista (UNESP) Campus Presidente Prudente ao projeto de formação continuada de professores TEIA DO SABER da Secretaria da Educação do Estado de São Paulo. O contato destes professores com arte contemporânea e tecnológica se deu por meio de visita ao Festival Internacional de Linguagens Eletrônicas 2005 (FILE), realizado na Galeria de Arte do Serviço Social da Indústria (SESI) e na Casa das Caldeiras, representando mais de 300 artistas deste segmento. A pesquisa se desenvolveu com base nos Parâmetros Curriculares Nacionais Ensino Médio: Linguagens, Códigos e suas Tecnologias; e em reflexões a respeito da arteeducação de Ana Mae BARBOSA (1984, 1988, 1998, 2004); e Fernando HERNÁNDEZ (1998, 2000). Sete questionários respondidos, 2 planos de aula e um retorno de resultados após o plano ter sido levado à prática, são apresentados e analisados. In this academic work I look for the understanding of how it is the relationship of teachers of boards of education regions of São José dos Campos and Jacareí (SP), members of the course Structuring the expressive language: make and know creative, with issues and methodologies aimed at teaching of contemporary and technological art. This course was offered by Faculty of Sciences and Technology of Universidade Estadual Paulista (UNESP) Campus Presidente Prudente to the project of continuing education of teachers A WEB KNOWLEDGE of the Secretary of Education in the State of São Paulo.The contact these teachers with contemporary and technological art was made by visiting the International Festival of Electronic Languages 2005 (FILE) held in the Gallery of Art of Social Service Industry (SESI) and the House of Boilers, representing over 300 artists this segment. The survey was developed based on Parameters National Curriculum High School: Languages, Codes and their Technologies, and reflections about art-education of Ana Mae BARBOSA (1984, 1988, 1998, 2004); and Fernando HERNÁNDEZ (1998, 2000). Seven questionnaires answered, two plans of lesson and one feedback after the plan has been brought to practice, are presented and analyzed.

Submitted by Boris Flegr (boris@uerj.br) on 2021-01-05T16:59:46Z No. of bitstreams: 1 Marina Pereira de Menezes.pdf: 476466 bytes, checksum: 2081a567b09f6de06959e7d3c1ab37a7 (MD5) Made available in DSpace on 2021-01-05T16:59:46Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Marina Pereira de Menezes.pdf: 476466 bytes, checksum: 2081a567b09f6de06959e7d3c1ab37a7 (MD5) Previous issue date: 2007-03-26 Starting from an analysis of practices developed in art school classes, this work presents a proposal of a foundation for art teaching articulated with contemporary art. It objects to create an artistic scholar practice more reflexive and investigative, which valorizes experience, openness, complexity and deepness in the student s cognitive and productive process. It s from the recognition and analysis of the changes, characteristics and questions of contemporary art that it s formulated the proposal where plurality of processes, poetics and experimentations are conceptions that permeate both the discussion about art and the student s production, for which are necessary new postures, objectives and methodologies more aware with the contemporary s time A partir de uma análise das práticas desenvolvidas nas aulas de artes, este trabalho apresenta uma proposta de fundamentação para o ensino de artes articulada à arte contemporânea. Objetiva-se configurar uma prática escolar em artes mais reflexiva e investigativa, que valorize a experiência, a abertura, a complexidade e o aprofundamento no processo produtivo e cognitivo dos alunos. É com origem no reconhecimento e na análise das mudanças, das características e das questões da arte contemporânea, da cultura contemporânea e do ensino de artes que se formula a proposta na qual a pluralidade de processos, de poéticas e de experimentações são concepções que permeiam tanto a discussão sobre arte quanto a produção dos alunos e para a qual são necessárias novas posturas, objetivos e metodologias mais atentos ao momento contemporâneo.