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De que maneira podemos traçar o perfil do imaginário nacional através do cinema português? A subversão ideológica após a Revolução de Abril, ao encontrar- se expressa no cinema português, permite-nos divisar um imaginário nacional instável, que reflete um país em conflito com a sua experiência histórico-cultural, que revelou dificuldades em reagir ao que podemos denominar como a contemporaneidade. Este trabalho propõe-se explorar como é que o cinema português se constitui um instrumento de análise do discurso da identidade no campo das ruturas operadas após a Revolução de Abril. Entre a memória do passado colonial e da apologia rural, clerical e corporativa do Estado Novo e o seu peso imaginário na construção do destino lusófono, e o sonho europeu da modernidade, configurado pela adesão à Comunidade Económica Europeia (1986), o cinema português vem projetando um imaginário em convalescença depois de o país se encontrar duradouramente sob o mito de uma nação orgulhosamente só. A presente reflexão ausculta as diversas possibilidades das áreas do saber convocadas para a discussão proposta, com o objetivo de desenvolver uma literacia que resposta aos desafios impostos. Deste modo, pretendemos interrogar o lugar do cinema português no debate da identidade nacional à luz da interdisciplinaridade, estabelecendo os vários pontos de intersecção que nos permitam aprofundar e desenvolver a problemática., Este estudo realiza-se no quadro de uma tese de doutoramento em Ciências da Comunicação pela Universidade do Minho. A tese é financiada pela Fundação para a Ciência e a Tecnologia (FCT), através da concessão de uma bolsa de doutoramento (SFRH/BD/139275/2018), no âmbito do POCH - Programa Operacional Capital Humano, comparticipado pelo Fundo Social Europeu e por fundos nacionais do MCTES. Os orientadores desta tese de doutoramento são o professor Moisés de Lemos Martins (Centro de Estudos de Comunicação e Sociedade) e o professor Nelson Agostinho Marques Araújo (Centro de Estudos Arnaldo Araújo). Este trabalho é ainda apoiado por fundos nacionais através da FCT – Fundação para a Ciência e a Tecnologia, I.P., no âmbito do projeto UIDB/00736/2020.

O primeiro volume, Cinema e Outras Artes I, dá conta da profícua e já longa relação entre o cinema e a escrita e reúne contribuições várias que se encontram na confluência entre a Ciência, a Arte e a Filosofia.

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FUNDAMENTO: O uso maciço da Terapia Antirretroviral (TARV) na população com vírus da imunodeficiência adquirida (HIV) coincidiu com um aumento das doenças cardiovasculares, causa importante de morbimortalidade nesse grupo. OBJETIVO: Determinar a frequência de aterosclerose carotídea e avaliar a associação entre os níveis dos biomarcadores e o espessamento da camada médio-intimal carotídea em indivíduos HIV positivos, atendidos em serviços de referência para HIV em Pernambuco. MÉTODOS: Corte transversal com 122 pacientes HIV positivos. Considerou-se aterosclerose carotídea subclínica o aumento da espessura da camada média intimal da carótida comum > 0,8 milímetros ou placas no ultrassom de carótidas. Os biomarcadores inflamatórios analisados foram IL6, IL1-β, TNF-α, PCR-ultrassensível, sVCAM-1 e sICAM-1. RESULTADOS: Dos 122 pacientes analisados, a maioria era de homens (60,7%), com > 40 anos (57,4%), em uso de TARV (81,1%). A prevalência de aterosclerose foi de 42,6% (52 casos). Pacientes com idade acima de 40 anos e Framingham intermediário ou alto apresentaram maior chance de desenvolver aterosclerose na análise univariada. Idade acima de 40 anos (OR = 6,57 IC 2,66 -16,2; p = 0,000), sexo masculino (OR = 2,76 IC 1,12-6,79; p = 0,027) e a condição de síndrome metabólica (OR = 2,27 IC 0,94-5,50; p = 0,070) mostraram-se associados à aterosclerose na análise multivariada. Níveis elevados de citocinas inflamatórias e moléculas de adesão não mostraram associação com a presença de aterosclerose. CONCLUSÃO: Não houve associação entre os biomarcadores inflamatórios, moléculas de adesão e presença de aterosclerose carotídea. Entretanto, evidenciou-se em homens, pessoas com mais de 40 anos, portadores de escore de Framingham intermediário/alto ou síndrome metabólica maior chance de aterosclerose subclínica. BACKGROUND: The massive use of Highly-Active Antiretroviral Therapy (HAART) in individuals with human immunodeficiency virus (HIV) coincided with an increase in cardiovascular disease, a major cause of morbidity and mortality in this group. OBJECTIVE: To determine the frequency of carotid atherosclerosis and the association between biomarker levels and carotid intimal-medial thickening in HIV-positive individuals treated for HIV at referral centers in Pernambuco. METHODS: This was a cross-sectional study of 122 HIV-positive patients. Subclinical carotid atherosclerosis was considered with the presence of increased intimal-medial thickness of the common carotid artery > 0.8 mm or plaques in the carotid ultrasound. The following inflammatory biomarkers were analyzed: IL6, IL1-β, TNF-α, high-sensitivity CRP, sVCAM-1 and sICAM-1. RESULTS: Of the 122 patients analyzed, most were men (60.7%) aged > 40 years (57.4%) receiving HAART (81.1%). The prevalence of atherosclerosis was 42.6% (52 cases). Patients older than 40 years and intermediate or high Framingham score were more likely to develop atherosclerosis at the univariate analysis. Age older than 40 years (OR = 6.57, 95%CI: 2.66 to 16.2, p = 0.000), male gender (OR = 2.76, 95%CI: 1.12 to 6.79, p = 0.027) and presence of syndrome metabolic (OR = 2.27, 95%CI: 0.94 to 5.50, p = 0.070) were associated with atherosclerosis at the multivariate analysis. Elevated levels of inflammatory cytokines and adhesion molecules were not associated with the presence of atherosclerosis. CONCLUSION: There was no association between inflammatory biomarkers, adhesion molecules and presence of carotid atherosclerosis. However, a higher chance of subclinical atherosclerosis was observed in men, those older than 40 years, with intermediate / high Framingham score or metabolic syndrome.

Este trabajo propone un análisis fílmico al cine portugués realizado entre las décadas de 60 y 80 del siglo XX. Nuestro enfoque de investigación se centra en los elementos pictóricos, que predominando en algunas películas portuguesas del periodo balizado, levantó una tendencia estética colectiva. La investigación tuvo como objetivo estudiar el uso de la gramática cinematográfica en la composición de la imagen y de la señalización de las correlaciones estilísticas en el uso del lenguaje cinematográfico. La invocación fílmica recurrente tiene la intención de aclarar los momentos de complicidad estética, extrayendo de esta operación la riqueza de los pensamientos a ellos asociados. La externalización de los procedimientos estilísticos y de los conceptos allí incorporados nos permitió señalizar en Portugal una heroica lucha por la identificación del cine como expresión artística. La justificación de esta dimensión encuentra parcelas significativas en los referenciales estilísticos fotografiados y en la fértil componente visual que identificamos en el recorte cronológico trabajado. La cisión definida proyecta un paisaje fílmico que no niega la posibilidad, en el mismo período, de fructificar otras con interés investigador. La brillantez estética que se pretende que emane de este trabajo tiene, también, una arrogancia metodológica en la selección de las obras trabajadas. En la reflexión del estado del arte se ha solicitado la presencia de los debates contemporáneos sobre nacional en el cine, determinándose aquí una zona de conflicto argumentativo a nivel internacional y que se extendió al territorio portugués. Con efecto señalizamos una tendencia en los estudios fílmicos para la recusa de asumir en las cinematografías nacionales entornos particulares, extrayéndose del debate establecido la legitimación para la avenida investigativa propuesta en el concepto de especificidad cultural debidamente apoyado en esto pedazo productivo. El trabajo sobre la noción de forma surge de la necesidad de que el pensamiento aquí cristalizado se organice en la coherencia externa de las diversas obras que, en la adición de los elementos que construyen estas similitudes, elaboran una síntesis estética. La forma nos permite la validación de la intersección estética sin ejercer violencia sobre la singularidad fílmica que habita en cada obra. Aquí planteamos una defensa de la unidad de los ataques que rechazan firmemente la existencia de un cine portugués durante el periodo estudiado. El capítulo de contextualización nos permitió un reconocimiento del terreno, mapeando en esta exploración, los movimientos en torno del cine y sus desideratas fílmicas. Esta descarga teórica, con una perspectiva eminentemente descriptiva, admitió las más variadas obras enunciándose los múltiplos objetos fílmicos que se realizaran en las décadas de 60 y 80 del siglo XX. En este ejercicio hemos tratado de ajustar las tendencias estéticas en relación con las conjeturas socio-económicas, señalizándose en la década de 60 un "grupo fundador" (Lemière, 2006) que, en ruptura con el paradigma dominante, propone nuevas vías estilísticas para el cine portugués. Este cambio en el panorama del cine portugués potenció el surgimiento de nuevos directores y la exploración de nuevas vías estéticas que se van extender hasta los años 80 y aquí debidamente referenciadas. El anuncio de la metamorfosis de Jaime en “João de Deus” nos advierte para la entrada en un espacio de contaminación artística, señalizando en esta amplia operación, campos de tensión similares en las zonas físicas convergentes de estas dos figuras. La modelación propuesta, propone intersecciones entre Jaime figura del real e João de Deus, personaje ficticio que buscan, en un drible a la física, la prolongación de la vida humana en la pantalla. Es en este campo de la intertextualidad que identificamos aquellas dos figuras como símbolos de un cinematografía que se niega a seguir las fórmulas mundiales dominantes y la "futilidad narrativa" (Ramos, 2004:12) delegándoles una especie de paternidad compartida que encuentra en la incomprensión de la obra de Jaime y en la emancipación de João de Deus un espejo caracterizador de su situación. Las conexiones de contenido plástico y los flujos de expresividad comunes en las tres obras seleccionadas en el sexto capítulo revelan una tendencia artística de subordinación del lenguaje cinematográfico a sus posibilidades formales en detrimento de las convenciones clásicas narrativas. La construcción de una imagen con potencial lírico encuentra en el paisaje una dimensión poética liberando de su interior un discurso visual aromatizado pelas variantes del real y la interioridad del director. La cifra estética que resulta de las relaciones con el espacio tiene continuidad en el capítulo siete. Aquí señalamos una geografía fílmica que refleja la tensión política que se vivía en Portugal; con efecto la imagen de los filmes trabajados extrapola una experiencia espacial (sobre todo en las ciudades) opresiva, refletando el estado de clausura a que los portugueses fueron votados por la dictadura de Salazar. El relieve de plástico emprendido aquí busca establecer conexiones entre una posición de resistencia política y el emparedamiento que circunscriben los personajes, un claro indicio de la falta de libertad en que vivían los portugueses. La cuestión de la representación encuentra su primera exploración, en este trabajo, en la plástica del rosto. La cuestión de la verdad en la ficción se llama aquí recortándose dos vías de la exploración artística para lograr ese objetivo: reconociendo la capacidad reflectora de los rostros en las personas anónimas retiramos de este mineral fílmico toda la carga emocional que contiene; negando la disolución del actor en el personaje y la tentativa de falsear lo que aquí acontece, se anulan los trazos de facies, proponiendo una superficie de cara amorfa anulando la proyección-identificación por parte del espectador y trata de o despertar para la totalidad de la materia fílmica. El cine portugués entre las décadas de 60 y 80, muestra signos de ruptura con la fórmula aristotélica que domina el drama occidental; un paradigma emergente se cristaliza en la cinematografía portuguesa bajo el amparo del programa de teatro de Bertolt Brecht. La recusa brechtiana de hacer entrar el espectador en un proceso ilusorio es trabajada a sus límites, en una ascensión de la clarificación de la ficción. Este flujo artístico es disecado en el capítulo nueve retirándole las debidas consecuencias. La búsqueda de la verdad para la materia fílmica transportó para el cine un alejamiento de las técnicas de montaje que tuvieron repercusiones en el cine portugués, sobre todo en el uso del plano longo. En este último tramo de investigación sistematizo el uso de esa opción estilística reconociendo la promoción de un ritmo que intenta de seducir al espectador a reflexionar sobre lo que imagina. Se elige aquí dos películas como el exponente máximo del ejercicio del plano-secuencia: Le Soulier de Satin (1985) de Manoel de Oliveira y A Ilha dos Amores (1982) de Paulo Rocha; la pormenorizada análisis fílmica de estas dos obras intenta de sostener esta afirmación. El objetivo de este trabajo ha pasado por el análisis de los datos visuales en diversas obras y después en el resultado de lo cruzamiento de esta información, construir una lectura significativa. La modelación propuesta reitera la calificación de los estudios fílmicos para, cuando debidamente fundamentado sintetizar imágenes de diversos filmes en una forma o estilo. Si al artista se le acepta la defensa de la autonomía y la originalidad de su obra, al investigador cabe la glorificación de esa diferencia y también el establecimiento de conexiones y afinidades entre la diversidad creativa. El reconocimiento de los microclimas cinematográficos en los espacios nacionales es aquí defendido en una clara relación con la especificidad cultural que fertiliza en aquellos dominios, ¿o no será el expresionismo una cristalización artística de Alemania de principios del siglo XX? ¿O el Neorrealismo una transpiración artística que ocurre en Italia y sigue a la situación económica y social que deflagra en ese país después de la segunda guerra mundial? ¿O la Nouvelle Vague un movimiento que se prepara en la situación contestataria que la Francia vive en los años sesenta? A Portugal llega también la influencia de los movimientos artísticos internacionales que ante todo más promueven la voluntad de romper con el cine instituido. El grupo de jóvenes directores que lleva a cabo la rebelión hace bien claro sus intenciones en el documento “O Oficio do Cinema”: la realización de películas artísticas. La evolución estética de esta generación fundadora acabaría por proyectar dos grandes vías conceptuales: La línea que encuentra el núcleo creativo de la representación, lo más aproximado posible, de la realidad - la mimesis. A esta aproximación mimética se añade un caudal narrativo monopolizador y manipulador proyectado en un ritmo cinematográfico en consonancia con el cine que prolifera en la cadena comercial. Esta fórmula se revela, en algunas películas, eficaz en su relación con el público y en esta maniobra de aproximación al público muchos directores han deslizado para un territorio distante de lo preconizado en el “Oficio del Cine” Empeñados en explorar la gramática cinematográfica, un conjunto de directores busca dar un carácter cinematográfico a las imágenes de sus películas (la preocupación con la totalidad de la imagen llevara a que la dimensión visual se insubordine a la esfera narrativa), en una fermentación artística pautada por nunca abdicar de sus principios nómadamente en la relación ética que mantienen con el público en la medida en que se niegan a "agarrar" al espectador a través de la manipulación narrativa, delegarla, por otra parte, responsabilidades interpretativas en la visualización de las imágenes. Leonor Areal en su tesis doctoral: “Um País Imaginado”- Ficciones de lo real en el cine portugués (2008) dedica el último capítulo al segundo grupo antes mencionado y se asocia, tal como nosotros, al concepto escola portuguesa, afirmando, "se trata de una escuela como grupo - pequeño grupo social que se siente aislado en un país enclaustrado"(idem: 707). Este sentimiento de clausura fue comprobado por nosotros en la especificidad de imágenes de ese grupo que más do que reflejar una cuestión personal transborda para la visualidad de sus películas una lectura significativa de la condición de la población portuguesa. Esta autora también considera que estilísticamente esta escuela es "tendencialmente baziniana" en la medida en que negando el protagonismo de la montaje reconocen "la especificidad cinematográfica (...), en el simple respecto fotográfico de la unidad de espacio” (Bazin, 1992:63). El uso del plano secuencia como recurso estilístico como se ve fue utilizado por primera vez en Portugal por Manoel de Oliveira en la película “O Pintor e a Cidade” en 1956, altura en que no consideramos creíble que los textos de Bazin tuviesen repercusiones en tierras lusas (*el texto Montagem Interdita, donde André Bazin preconiza la montaje como una herramienta mutiladora del cine y la mise en scène como su foco principal, fue publicado originalmente en la revista Cahiers du Cinema en 1953 y después en 1957). Defendemos la originalidad y la diseminación de esta solución fílmica del cine portugués en Manoel de Oliveira, atentemos en sus palabras: "Empecé a ver cosas que no haría visto con movimientos rápidos, con una rápida pasaje de las imágenes. El Pintor e a Cidade es una obra fundamental en mi carrera, en lo cambio de mi forma de reflejar sobre el cine. Porque esa noción de plano longo, extremamente longo, a propósito longo, no la fue buscar a ningún otro filme que conocía. No se hacían planos así, en cualquier parte del mundo, en cualquier cinematografía. En 1956, no se hacían o yo no los conocía."(Bénard da Costa, 2008:57). La influencia de André Bazin en el cine moderno es inequívoca y como vimos el cine portugués ha sufrido influencias de las tendencias modernistas y en esta medida incorporó muchas de las premisas bazinianas. Mas lo rasgo artístico de producir una temporalidad reflexiva/ contemplativa a partir de lo prolongamiento del plan pertenece a Manoel de Oliveira que ha influenciado toda una generación de cineastas portugueses. El análisis icónico desarrollado en este trabajo testifica la existencia de una tendencia brechtiniana en el cine portugués y que se disemina en la imagen de la escuela portuguesa. La recusa del modelo de empatía y de la relación ilusoria que esto implica lleva algunos directores a confrontarse con el carácter simulado de la representación naturalista y a asumir la naturaleza artificial del cine. ¿Ha sido este movimiento brechtiano de contrariar la ilusión que llevó João Mário Grilo a llamar a esta parcela artística “o cinema da não-ilusão”? Nosotros creemos que sí. La forma fílmica de la escuela portuguesa está asociada con varios directores, pero tenemos que asumir que no todas sus obras se encuadran en la estilística fotografiada, de ahí el trabajo incidir en los puntos visuales comunes que intersectamos en varias obras: son las películas que integran lo dominio de la escuela portuguesa y no a los directores. La modelación visual aquí trabajada y definida como cine desnarrativo, se caracteriza por la plasticidad que el espacio geográfico portugués presta a la imagen y al lirismo que el director transpiró para las obras en la tensión creativa con el espacio. Esta relación artística presenta dos vías de afectación: Extasiados por las imbricaciones entre los lugares rurales y sus habitantes, los directores extrapolan una composición de imágenes que poetizan este enlace. Disconformes con la situación socio-política en Portugal, las películas representan el espacio fílmico como una especie de prisión colectiva. El aislamiento del país y lo sentimiento de asfixia, son impresos en las imágenes a través de las relaciones espaciales de clausura en la que los personajes se mueven. Los flujos artísticos con los timbres vocales han demostrado ser un campo fértil de explotación cinematográfica, señalizándose una cadena que encuentra en las caras de las poblaciones rurales, acordes de la autenticidad humana. Alocada la cara como una superficie capaz de expresar la espiritualidad definimos esta tendencia estilística como la inmaterialidad de la cara. En la oposición de esta dimensión se define una esfera brechtiana en el uso de la cara de los actores que, recusando una representación naturalista, abdican de sus posibilidades comunicativas. Reducida la cara a su concreción física definimos esta opción como la materialidad de la cara. El ritmo del plan en la escuela portuguesa se caracteriza por su continuidad apelando a la auto-reflexividad y la contemplación de la totalidad de la imagen. La visualidad tiene valor posicional en la medida en que el desenfoque de la acción y lo prolongamiento del plan amplifican las posibilidades de envolvimiento en la materia fílmica por parte del espectador. Lo Estatismo de la imagen (*Leonor Areal apellida esta corriente cinematográfica de extática) y de los actores provocará un extrañamiento brechtiano en el público que desde logo empieza el corte con la identificación y lo consecuente distanciamiento. Las experiencias cinematográficas en Portugal parecen de alguna manera divididas entre los que invisten en los planes secuencia e miran en estos un filón artístico capaz de transportar autenticidad para el cine y los que, hacedores de un cine narrativo, necesitan imprimir un ritmo subyugado a los continuos avances temporales (*logo de acción) que la montaje permite. Jaime y João de Deus se asumen como los protagonistas de un cine que erige una lucha contra la homogeneización de cine; al oponerse a la dictadura impuesta por el cine americano, niegan el vacío de la vida moderna, proponiendo el embellecimiento de la vida desde su transformación. La insatisfacción estética que irrumpe de estas dos figuras es del mismo contenido que irradia desde la escuela portuguesa: la máscara del racionalismo da paso al instinto reprimido por el mismo. Los campos de fuerza que habitan en el cine no son diferentes de los movimientos en la economía, cualquier movimiento que rompe con el paradigma dominante es un acto de redefinición de la vida moderna. En este sentido, el brillo que promana de la forma de la escuela portuguesa contiene un excedente de naturaleza política resultante de su insubordinación estética, posicionándose en una lucha en la que la diversidad cultural del mundo tiende a ser aplastada por las culturas económicamente dominantes. La protesta del arte comienza con la subversión de las formas y es este legado que la escuela portuguesa lega a las generaciones futuras.

According to the data of the Health Behaviour in School – Aged Children: 11 – 15 years old (HBSC), of 1997/ 98 and 2002, the smoking epidemic is growing in Portugal, particularly among the female adolescents. It seems to indicate that the preventive actions in our country are not working out, which can be an outcome of not considering important issues like gender differences. Much has been researched on the determinants of smoking but the existed data has not been conclusive or specific of Portugal. An Investigation Project is ongoing, aiming to deepen the knowledge of the adolescents’ determinants of smoking by gender and to develop more effective preventive actions. Preliminary results of the Project are here presented., Segundo os dados do Health Behaviour in School - Aged Children: 11 - 15 anos (HBSC), de 1997 / 98 e 2002, a epidemia tabágica está em crescimento em Portugal, particularmente nas adolescentes. Este pode ser um indício de que as acções preventivas, no nosso país, não estão a ter os resultados esperados, o que pode estar relacionado com o facto de não terem em conta, entre outros factores, as diferenças de sexo. Apesar de existirem muitos estudos acerca dos determinantes do consumo de tabaco em adolescentes, os dados existentes, em relação às diferenças de sexos, não são conclusivos nem específicos do nosso país. Um Projecto de investigação está a decorrer em Portugal, com o objectivo de aprofundar o conhecimento dos determinantes do consumo de tabaco nos adolescentes, por sexo, e desenvolver acções preventivas mais eficazes. Os dados preliminares do estudo são aqui apresentados., Fundação para a Ciência e a Tecnologia (FCT), Universidade do Minho. Centro de Investigação em Educação (CIEd)

Segundo os dados do Health Behaviour in School - Aged Children: 11-15 anos (HBSC), de 1997/98 e 2002, a epidemia taba´gica está em crescimentom em Portugal, particularmente nas adolescentes. Este pode ser um indício de que as acções preventivas, no nosso país, não estão a ter os resultados esperados, o que pode estar relacionado com o facto de não terem em conta, entre outros factores, as diferenças de sexo. Apesar de existirem muitos estudos acerca dos determinantes do consumo de tabaco em adolescentes, os dados existentes, em relação às diferenças de sexos, não são conclusivos nem específicos no nosso país. Um projeto de investigação está a decorrer em Portugal, com o objetivo de aprofundar o conhecimeto dos determinantes do consumo de tabaco nos adolescentes, por sexo, e desenvolver ações preventivas mais eficazes. Os dados preliminares são aqui apresentados.

Tese de doutoramento em Ciências da Comunicação, A presente investigação propõe interrogar o lugar do cinema português no debate da identidade nacional desde a revolução de abril de 1974 até ao presente (delimitado no ano de 2020), não só a partir da análise das representações culturais veiculadas pelos filmes, mas também problematizando o próprio estatuto do cinema enquanto meio que se vai reposicionando num contexto de urgências múltiplas. Interessa-nos, por isso, explorar os discursos do cinema português após a revolução de abril no quadro das discussões teórico-conceptuais sobre a identidade nacional, e, concomitantemente, no quadro específico do pensamento português. Os processos de revisitação da identidade nacional desencadeados pela revolução de abril, ao encontrarem-se expressos no cinema português, permitem-nos desvendar um imaginário em contínua situação de instabilidade, que reflete a imagem de um país em conflito com o seu passado e, por consequência, com o seu presente. Entre a memória do passado colonial e ditatorial, o sonho europeu da modernização, configurado pela adesão à Comunidade Económica Europeia (1986) e outras crises e desafios subsequentes, o cinema português vem projetando um imaginário em convalescença. Assim, esta investigação propõe-se explorar o papel do cinema português enquanto pertinente e profícuo instrumento de análise dos discursos da identidade no âmbito dessas ruturas. Neste trabalho, evocamos a discussão teórica sobre a nação, os nacionalismos e a identidade nacional, redimensionando este debate à luz da desconstrução conceptual da contemporaneidade; debruçamo-nos sobre o lugar da identidade nacional portuguesa no pensamento cultural e filosófico nacional, incidindo no debate da identidade nacional à luz da problematização da relação entre a cultura e o imaginário; subsequentemente, incidimos no papel do cinema neste debate, estabelecendo a centralidade dos estudos fílmicos na nossa investigação; e, por fim, elaboramos um (re)mapeamento do cinema português, interrogando o seu papel na consolidação e desconstrução de discursos sobre o imaginário ao longo do século XX e primeiras duas décadas do século XXI; no final, procedemos à análise das várias obras cinematográficas selecionadas no âmbito da nossa investigação., The present research proposes to question the role of Portuguese cinema in the debate on national identity from the April Revolution of 1974 until the present (delimited in the year 2020). It analyses the cultural representations conveyed by the films and problematises the status of cinema as a medium being repositioned in a context of multiple urgencies. Therefore, we are interested in exploring the discourses of Portuguese cinema after the April Revolution within the framework of theoretical and conceptual discussions on national identity and, concomitantly, within the specific framework of Portuguese thought. This research is anchored in an interdisciplinary approach. However, it is oriented towards prioritising filmic studies, namely in the final section, in which the cinematographic discourses are analysed in the light of the proposed problematic. The processes of revisiting national identity triggered by the April Revolution, as expressed in Portuguese cinema, allow us to unveil an imaginary in a continuous situation of instability, which reflects the image of a country in conflict with its past and, consequently, with its present. Between the memory of the colonial and dictatorial past, the European dream of modernisation, shaped by membership of the European Economic Community (1986) and other subsequent crises and challenges, Portuguese cinema has been projecting an imaginary of convalescence. Thus, this research aims to explore the role of Portuguese cinema as a pertinent and fruitful instrument for analysing identity discourses within the scope of these ruptures. We evoke the theoretical discussion on the nation, nationalism and national identity, redimensioning this debate in the light of the conceptual deconstruction of contemporaneity. We also focus on the place of Portuguese national identity in national cultural and philosophical thought, focusing on the national identity debate in light of the problematisation of the relationship between culture and the imaginary; subsequently, we highlight the role of cinema in this debate, establishing the centrality of film studies in our research; finally, we elaborate a (re)mapping of Portuguese cinema, questioning its role in the consolidation and deconstruction of discourses on the imaginary throughout the 20th century and the first two decades of the 21st century; and ultimately, we proceed to analyse several cinematographic works selected in the scope of our research., Esta dissertação foi financiada pela Fundação para a Ciência e a Tecnologia (FCT) através da concessão de uma bolsa de doutoramento (SFRH/BD/139275/2018) no âmbito do POCH - Programa Operacional Capital Humano, comparticipado pelo Fundo Social Europeu e por fundos nacionais do MCTES.

Por detrás da lenda do Gavião, é um Projecto de Trabalho Cinematográfico que decorre numa aldeia abandonada no Nordeste Transmontano. Partindo das obras cinematográficas Trás-os-Montes (1976) e Veredas (1978), procurei através das lendas, uma história que representasse as memórias de uma aldeia. Por detrás da lenda do Gavião, há um mundo real, uma verdade escondida e partindo da lenda da água da fonte que deixava as pessoas doidas, descobri a aldeia do Gavião abandonada nos anos 50. A partir daí, foi a descoberta do passado e os motivos reais tal como a descoberta de outra lenda a de um tesouro na fonte. Através do Sr Armindo Olmo, do neto David Olmo e do pastor Américo Teixeira, conheci o passado e o presente da aldeia do Gavião, descobrindo com eles a fonte com a água dos doidos e o “tesouro”. Neste curto trabalho cinematográfica, realizada na aldeia do Gavião, tive o privilégio de investigar, entrevistar, escrever o argumento, filmar, montar filme e realizar.

Os Habitantes: O Cinema e o Problema Espiritual dos Tempos Contemporâneos, é o nome da componente escrita e teórica deste projeto, sendo “Os Habitantes” o nome do filme que realizei para a obtenção do grau de mestre. A sociedade enfrenta hoje um grande problema de natureza espiritual, Nietzsche falava da morte de Deus no séc. XVIII, mas hoje em dia com uma maior liberdade de expressão, de pensamento, e com um nível de educação maior a população continuou a questionar os dogmas religiosos, instituídos previamente pela religião maioritária em Portugal, o catolicismo. Por um lado, o afastamento das pessoas destas estruturas, pré-concebidas, concedeu-lhes uma visão mais abrangente da vida, no entanto ao renegar estes valores, também as mesmas ficaram mais expostas às crises existenciais, e é no surgir destas crises que os indivíduos começam a comunicar consigo próprios e a se reaproximar do seu espírito, criando assim uma religião individual. O processo até atingir esta individualidade espiritual, nem sempre é clara, é aqui onde se nota a necessidade de um guia espiritual, recorrendo às obras de Friedrich Nietzsche e às palavras do Padre Tolentino Mendonça, apresento várias soluções, como o Amor Fati, a Recorrência Eterna e a ideia de saber habitar uma pergunta. Por fim, falo do processo de desenvolvimento, por detrás do meu filme ―Os Habitantes‖, desde a pré-produção até a pós-produção.

Os cinemas amateur, avant-garde, experimental e underground foram movimentos precursores fundamentais para o surgimento do filme-diário como uma possibilidade de representação autobiográfica no cinema. A criação de novas tecnologias de vídeo a partir dos anos 1920 - como as câmeras de filme 16mm e 8mm - foi determinante para que, a partir da década de 1960, um grande número de cineastas começassem a realizar filmes com o intuito de retratar suas vidas e seu cotidiano. Esse é também o caso de Jonas Mekas, lituano que imigrou aos Estados Unidos após passar anos como exilado em campos de trabalho forçado na Alemanha. Ao chegar em Nova Iorque, Mekas adquiriu uma Bolex 16mm com a qual passou a captar momentos do seu dia-a-dia no novo país. Dessa forma, este trabalho analisa quatro filmes-diários do realizador, são eles: Diaries, Notes and Sketches: Walden (1969), Reminiscences of a Journey to Lithuania (1972), Lost, Lost, Lost (1976) e The Out-takes from the Life of a Happy Man (2012), com o objetivo de identificar como as temáticas relacionadas à experiência do estrangeiro se apresentam nas obras de Mekas, além de buscar entender de que maneira a vivência subjetiva e pessoal do realizador se conecta com a experiência coletiva de diversas pessoas que se encontram na mesma situação de imigrantes ou exilados. Ao analisar o conteúdo das obras e estabelecer, nos filmes-diários de Jonas Mekas, ligações com os elementos apresentados na abordagem teórica e na contextualização histórica prévia, é possível observar, nos filmes-diários do realizador, uma narrativa singular e subjetiva das vivências e reflexões pessoais do realizador, como também diversos elementos que remetem aos estudos relacionados à experiência do ser estrangeiro de maneira plural e coletiva.

A Pandemia e as doenças mentais são o grande foco deste projeto, depois como temas subjacentes, a memória e o sentido da vida, serão abordados através desta curta-metragem, projeto de mestrado no âmbito da realização cinematográfica e televisiva, que tem como objetivo dar a conhecer e desenvolver os temas presentes. A partir de uma análise da pandemia, que dificultou a vida e rotina de todos, irei relacionar os acontecimentos e os seus impactos no mundo no presente e no futuro, e como estes contribuíram para a solidão geral, principalmente nas pessoas mais velhas. Contextualizando depois as doenças mentais, com claro foco na depressão e crise de identidade na cultura contemporânea e como a sociedade as trata, através de vários estudos iremos compreender o estigma associado a estas doenças. Será apresentado uma análise entre a loucura e psicologia, onde iremos conhecer os transtornos mentais através do cinema, com ênfase no cinema de Bergman. Concluindo com os temas da memória e da vida, iremos descrever como a memória molda a nossa identidade, com exemplos do cinema de Tarkovski e Alain Resnais, e sobre o ciclo da vida, uma observação desde a juventude à velhice, e como os nossos sonhos e objetivos contribuem para a nossa felicidade. Segue-se uma abordagem em termos de influências cinematográficas. Foi feita uma análise a vários filmes, e como estes ajudaram na construção da narrativa e construção de personagens. No fim será descrito todo o processo de criação, desde a pré, produção e pós-produção, no processo geral de como tudo foi criado, passando pela especificação das gravações e termino na pós-produção e nas dificuldades gerais deste projeto.

Um projeto de mestrado direcionado para a área da realização cinematográfica e televisiva, que tem como principal objetivo dar a conhecer todo um trabalho desenvolvido durante um ano inteiro em volta do tema da doença mental e de todos os mecanismos de defesa criados pela sociedade, através do formato de curta-metragem. Ao longo do presente relatório de trabalho, apresento e pormenorizo o conteúdo de um argumento cinematográfico desenvolvido em prol do tema, bem como, todo o processo criativo por detrás, desde os primórdios da pré-produção, passando pelo período de gravações, até à pós-produção. Na memória do projeto, também apresento as principais intenções do filme, de forma a elucidar todas as questões que possam ser levantadas.

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A gentrificação na cidade do Porto é o foco deste projeto, que é abordado através de um filme realizado com o objetivo de dar a conhecer mais do tema com histórias reais, relatado em primeira pessoa. Inicialmente fará sentido uma primeira contextualização teórica do assunto, recorrendo a estudos realizados por sociólogos e investigadores da área de estudos urbanos como Ruth Glass, Sharon Zukin, Rowland Atkinson, Van Weesep, Maureen Kennedy, Paul Leonard, entre outros. Com base nestes estudos, será definido o conceito de gentrificação que está em constante mutação desde a sua criação oficial em 1964. Serão apresentadas as vantagens e desvantagens deste fenómeno social que está altamente ligado ao anticapitalismo. Falar-se-á de algumas soluções que poderão influenciar positivamente o embate contra a gentrificação, nomeadamente dez passos a tomar por parte das comunidades. Faremos uma comparação importante com a teoria da deriva, criada por Guy Debord, e qual a sua importância quando se fala no aumento da descaracterização das cidades. Dar-se-á ainda uma contextualização da gentrificação e dos seus efeitos em Portugal, tanto em Lisboa como no Porto, e na Europa, usando casos de comparação que tentam recuperar-se dos danos que tinham sido causados. Será discutida uma das grandes consequências do fenómeno, que é o despejo, o que provoca e auxilia a descaracterização e eliminação da cultura tradicional nos locais que sofrem com um aumento do turismo. Por último na componente teórica, abordar-se-á o tema da pandemia causada pelo vírus Covid-19, que removeu qualquer turista das cidades portuguesas, deixando os negócios dependentes em risco de falência. Segue-se uma abordagem ao cinema que inspirou a realização deste filme. Foi feita uma análise a seis filmes que ajudaram a construir o filme “Quando os Homens Caírem”, fosse na temática como na vertente artística. Filmes como Pára-me de repente o pensamento (2015), de Jorge Pelicano; O Tasqueiro (2012), de Aki Kaurismäki; Os Cães que Ladram aos Pássaros (2019), de Leonor Teles; entre outros, ajudaram com algumas das suas semelhanças e mesmo com as suas diferenças na estruturação do projeto, e é isso mesmo que será escrutinado. Como último aspeto, será descrito ponto a ponto como foi feito o filme, desde a sua idealização na pré-produção, passando pela produção com as gravações e terminando na pós-produção, abordando sempre em pormenor as dificuldades de cada fase do projeto.

“Porto Jazz” é um filme documental que nos convida a entrar no mundo do jazz e conhecer as pessoas que dele vivem. Influenciado pelo hangout movie e o mockumentary, este filme retrata uma cultura atraente que, devido à sua natureza algo insular, adquire uma existência facilmente marginal, escapando à perceção da cidade. Entre os ensaios e as jam sessions, os instrumentos e os copos, as certezas e as inseguranças, conhecemos três músicos: uma cantora, um guitarrista e um baterista. Joana (cantora), Joaquim (guitarrista) e João (baterista) dão a conhecer os diferentes percursos que os trouxeram até ao Porto em busca de se tornarem melhores músicos. Percorremos a cidade com eles durante as viagens noturnas entre ensaios, concertos e casa e vemos o futuro através da sua lente. Somos, sobretudo, levados a ver a vida da perspetiva de quem faz e estuda o que ama, com toda a magia e toda a amargura que isso implica.

O ser humano encontra-se em constante estado de evolução ao longo do seu crescimento. Devido à pluralidade de culturas existentes pelo globo, cada indivíduo molda a sua personalidade enquanto adquire as suas vivências e aprendizagens individuais, muitas delas distintas entre si. Esta diversificação de mentalidades produz pessoas com capacidades, tanto maiores como menores, de interação social. Isto torna a cooperação laboral entre, por exemplo, duas pessoas, mais produtiva quando ambas possuem visões do mundo similares, assim como também esta revela-se mais desafiante quando as visões são completamente díspares. Dependendo do modo como que os envolvidos assimilam informação e transmitem as suas emoções, esta última situação pode conduzir a um eventual conflito, verbal ou até físico. No desfecho deste evento, cada um sentirá, psicologicamente, o impacto do mesmo na sua forma particular e isto irá influenciar o modo como ordenarão a continuação das suas vidas. Segundo a crença popular, as ações positivas geram retornos positivos e as ações negativas, logicamente, geram retornos negativos. Esta ideia sugere a existência de um ciclo de eventos circunstanciais que impacta cada indivíduo conforme a sua conduta de vida, influenciando diretamente o futuro de cada um. Com base nesta sequência de ideias, decidi realizar uma curta-metragem original de ficção como trabalho de projeto final do mestrado. Utilizando os conhecimentos adquiridos ao longo do mestrado como ferramenta principal e a filmografia de renomados cineastas e guionistas norte-americanos como fonte de inspiração, criei uma história sobre dois personagens de personalidades antagónicas com diálogos e ações que provocam um ciclo de repetições de eventos entre ambos. Nesta produção, rodada nos municípios do Porto e da Trofa, tive o privilégio de exercer as funções de realizador, produtor, argumentista, operador de câmara, editor e figurante. Contando com o apoio de pessoas próximas a mim, tanto experientes como novatas no contexto da criação de conteúdo audiovisual, da loja Bikes Intemporal e de entidades como a Porto Film Commission e a Federação Académica do Porto, a realização desta curta-metragem foi bem sucedida.

Analisar o imaginário constitui o grande objetivo deste trabalho. A finalidade é comprovar como os mitos e lendas populares estimulam a imaginação e como esta encontra no cinema um dispositivo crucial no diálogo entre os mais diversos tipos de imagens e na interação entre o real e o utópico. Assim proponho-me explorar e desconstruir a componente imaginativa, demonstrando, como por exemplo “Veredas” [1978] de João César Monteiro, através de elementos visuais como as paisagens, fotografias e elementos auditivos como a voz-off, consegue construir uma viagem ao coração de Portugal, fundamentada em mitos e canções populares. Demonstrar como a verdadeira "alma" da cultura e da história portuguesa nos mitos e no folclore camponês presentes na remota região do extremo norte de Portugal são transportados para o filme “Trás-os-Montes” [1976] codirigido por António Reis e sua mulher Margarida Cordeiro, por meio da semiótica do cinema, através da análise da imagem que é algo extralinguístico, o que está lá para além da narração. A dissertação tem como objetivo principal identificar através da leitura dos filmes e de outros elementos a singularidade e a originalidade que algumas obras como as de António Reis, Margarida Cordeiro, João César Monteiro, Miguel Gonçalves Mendes e Manoel de Oliveira são fortemente marcadas e inspiradas por mitos ou lendas populares que em tempos lhes foram contadas e permaneceram em suas memórias e os inquietaram ao ponto de necessitarem de as perpetuar dando-lhes corpo e forma. O corpus fílmico é constituído por diversificados filmes, para assim reforçar a afirmação de que os mitos e lendas populares são importantes e estimulam o processo criativo de um realizador.

Tratando-se de um mestrado direcionado para a realização cinematográfica e televisiva, é a partir desta perspetiva que se dá a conhecer todo o desenvolvimento de um trabalho que tem por finalidade, a construção de uma curta-metragem de ficção. Ao longo do relatório de trabalho, exponho e descrevo o conteúdo de um argumento cinematográfico, assim como, grande parte do processo criativo desde a pré-produção, passando pelo período de gravações, até à pós-produção. Na memória do projeto, também apresento as principais intenções do filme, de modo a esclarecer o seu resultado final. Refiro-me, nomeadamente, ao conceito do livre-arbítrio. Neste ponto, procuro – a partir de uma investigação de caráter filosófico ou de pensamentos teorizados já existentes –, atribuir maior coerência e consistência ao tema em questão. Assim, como existem, atualmente, três teorias elementares, construídas por diferentes Filósofos que tentam definir o conceito do livre arbítrio – a teoria dos deterministas, liberalistas e compatibilistas –, apresento a visão de alguns desses autores, tais como: Espinoza, Nietzsche, Schopenhauer e Nagel, de modo a explicar e debater o tema supracitado.

O filme biográfico constitui um estudo de caso muito particular no que diz respeito a questões de adaptação cinematográfica. Especialmente, no que diz respeito às biografias de escritores, levanta questões interessantes de autoria, no sentido em que, mesmo no caso em que são abertamente exibidas as fontes da adaptação (biografias, diários ou memórias), o filme propõe uma visão sobre os autores que apresenta/ representa numa perspetiva muito própria, de um outro/a autor/a, sobre esse/a escritor/a. Neste capítulo analisa-se dois filmes da realizadora/autora Jane Campion que se baseiam em biografias de dois escritores: o filme An Angel at My Table (1990), baseado na autobiografia da escritora neozelandesa Janet Frame e o filme Bright Star, que é baseado numa parte da biografia do poeta inglês do século XVIII John Keats.