Search

This collaborative writing presents the ways in which practitioner-researchers from Cross Pollination (CP), an international arts research platform with a focus on knowledge exchange, create nomadic and temporary laboratory spaces. It is argued that the encounter between different experiences of performative craft generates epistemic insights that enable members of the platform to rearticulate their practices through the reterritorialization of specialized techniques. Furthermore, the article discusses how an ethos of companionship may appear through dialogical and horizontal practices, contributing to a renewal of the theatre laboratory Cet écrit collaboratif présente les façons dont les praticiens-chercheurs de Cross Pollination (CP), une plateforme internationale de recherche en arts axée sur l'échange de connaissances, créent des espaces de laboratoire nomades et temporaires. Il est soutenu que la rencontre entre différentes expériences d'artisanat performatif génère des idées épistémiques qui permettent aux membres de la plate-forme de réarticuler leurs pratiques à travers la reterritorialisation de techniques spécialisées. En outre, l'article discute comment un ethos de camaraderie peut apparaître à travers des pratiques dialogiques et horizontales, contribuant à un renouvellement du laboratoire du théâtre. Esta escrita colaborativa apresenta as formas pelas quais os praticantes-pesquisadores da Cross Pollination (CP), plataforma internacional de pesquisa artística com foco na troca de conhecimento, cria laboratórios nômades e temporários. Argumenta-se que o encontro entre diferentes experiências de artes performáticas gera insights epistêmicos que permitem que os membros da plataforma rearticulem suas práticas através da reterritorialização de técnicas especializadas. Além disso, discute-se como um ethos de companheirismo possa aparecer através de práticas dialógicas e horizontais, contribuindo para a atualização do teatro laboratório.

This article describes the main points of the career of the theatre group UTA – Usina do Trabalho do Ator, by making a brief overview of its scenic achievements thus far. We also seek to recognize the more important characteristics of UTA, built and set up along this career, such as the plasticity and musicality of its achievements, dramaturgy itself, a result of the group’s experiments and improvisations, as well as a permanent and careful actor’s research, supported mainly by theatrical anthropology practices., Cet article a pour objectif de raconter l’histoire de l’UTA (Usine du Travail de l’Acteur), dans ses points essentiels, à travers un bref aperçu de ses réalisations scéniques jusqu’à présent. Il s’agit d’identifier, par la même occasion, les caractéristiques déterminantes de l’identité de l’UTA construite et sédimentée tout au long de ce parcours: la plasticité et la musicalité de ses réalisations; sa dramaturgie propre, résultat des expériences et des improvisations de la compagnie; et sa recherche actorale permanente et attentive qui s’appuie principalement sur les études et les pratiques de l’anthropologie théâtrale., Este artigo tem como objetivo contar a trajetória da UTA - Usina do Trabalho o Ator, em seus pontos fundamentais, através do traçado de um breve panorama de suas realizações cênicas até o momento. Busca-se reconhecer, ao mesmo tempo, as características determinantes da identidade da Usina, construída e sedimentada ao longo deste percurso, tais como: a plasticidade e a musicalidade de suas realizações, a dramaturgia própria, fruto das experiências e improvisos do grupo, e a permanente e cuidadosa pesquisa atoral, apoiada essencialmente nas práticas da antropologia teatral.

This text discusses the reflections of an anthropologist who followed for many years the performative activities of Thomas Richards, which are a continuation of Jerzy Grotowski’s research on art as a vehicle. We do not enter into the specifics of techniques and work methods, but we do discuss the effects, or rather the reflexes of a series of works which are not conceived of as spectacles to be seen by a public, but as progressive andpartial outcomes of work based on the indissoluble union between action and vision in the performer’s body and in the field of the autonomous scene. What do spectators see and feel, and how can they feel involved? What form of contact or contagion can be seen in a scene that does not seem like a spectacle? And in the course of successive rehearsals of this art as a vehicle, how and when occurred a change in the role and way of being of the guest-spectator of an inner action, which does not open up to those who watch, but is consummated in the verticality of the Performer’s actions and singing?, Ce texte fait part des réflexions d’un anthropologue ayant suivi, durant plusieurs années, l’activité performatique de Thomas Richards, lequel poursuit la recherche développée par Jerzy Grotowski sur l’Art en tant que véhicule. Il ne s’agit pas de vanter le mérite des techniques et des méthodes de travail, mais plutôt de montrer les effets ou les répercutions d’une série d’oeuvres n’ayant pas été conçues en tant que spectacles adressés au public, mas se présentant seulement comme un achèvement progressif et partiel d’un travail fondé sur l’union indissoluble entre l’action et la vision dans le corps du performer et dans le champ de sa scène autonome. Ce qu’il voit et ressent et la manière dont le spectateur peut être interpellé? Quelle forme de contact ou de contagion peut apparaître à partir d’une scène qui ne se donne pas en spectacle ? Tout au long de ces essais successifs où l’art est envisagé en tant que véhicule, comment et dans quelle mesure le rôle et le comportement du spectateur-hôte a-t-il changé au sein d’une action intérieure, qui ne se montre pas à celui qui la regarde, mais qui se consomme dans la verticalité de l’acte et du chant du Performer ?, This text discusses the reflections of an anthropologist who followed for many years the performative activities of Thomas Richards, which are a continuation of Jerzy Grotowski’s research on art as a vehicle. We do not enter into the specifics of techniques and work methods, but we do discuss the effects, or rather the reflexes of a series of works which are not conceived of as spectacles to be seen by a public, but as progressive and partial outcomes of work based on the indissoluble union between action and vision in the performer’s body and in the field of the autonomous scene. What do spectators see and feel, and how can they feel involved? What form of contact or contagion can be seen in a scene that does not seem like a spectacle? And in the course of successive rehearsals of this art as a vehicle, how and when occurred a change in the role and way of being of the guest-spectator of an inner action, which does not open up to those who watch, but is consummated in the verticality of the Performer’s actions and singing?, O texto trata das reflexões de um antropólogo que seguiu durante anos a atividade performativa de Thomas Richards, que dá prosseguimento à pesquisa de Jerzy Grotowski sobre a Arte como veículo. Não se entra no mérito das técnicas e dos métodos de trabalho, mas se levanta os efeitos, ou ainda, os reflexos de uma série de obras que não são concebidas como espetáculos destinados ao público, mas como desfechos progressivos e parciais de um trabalho baseado na união indissolúvel entre ação e visão no corpo do performer e no campo de sua cena autônoma. O que vê e sente e como o espectador pode sentir-se envolvido? Que forma de contato ou de contágio pode-se verificar frente a uma cena que não se oferece como espetáculo? E, no curso dos sucessivos ensaios dessa arte como veículo, como e quanto mudou o papel e o modo de ser do espectador-hóspede de uma ação interior, que não se abre para quem olha, mas se consuma na verticalidade do ato e do canto do Performer?

Submitted by MARILYN CLARA NUNES (clara.nunes@unesp.br) on 2022-06-07T21:20:14Z No. of bitstreams: 1 MARILYN_NUNES TESE VERSÃO FINAL.pdf: 10311048 bytes, checksum: 523f22037ac315546f876651f3ed0747 (MD5) Rejected by Laura Mariane de Andrade null (laura.andrade@ia.unesp.br), reason: Solicitamos que realize uma nova submissão seguindo a orientação abaixo: - Aconselhamos não utilizar a Ata de defesa, mas sim confeccionar a folha de aprovação, item obrigatório que deve conter os dados do trabalho, da banca avaliadora e data de aprovação conforme solicita a ABNT; - Por padrão, deve ser incluído na primeira linha dos agradecimentos o financiamento CAPES, da seguinte forma: “O presente trabalho foi realizado com apoio da Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - Brasil (CAPES) - Código de Financiamento 001”. Caso seja necessário, consulte o Guia para normalização do trabalho acadêmico (https://bit.ly/abnt_14724) Para detalhes, indicamos o Atendimento virtual - AgendaBIA (https://bit.ly/a_bia) Caso haja dúvidas, consulte a biblioteca. on 2022-06-08T14:53:49Z (GMT) Submitted by MARILYN CLARA NUNES (clara.nunes@unesp.br) on 2022-06-08T21:04:17Z No. of bitstreams: 1 MARILYN_NUNES TESE VERSÃO FINAL.pdf: 10228554 bytes, checksum: fa8b42740baeffa1e5e388c4d7d3b178 (MD5) Approved for entry into archive by Laura Mariane de Andrade null (laura.andrade@ia.unesp.br) on 2022-06-09T14:07:32Z (GMT) No. of bitstreams: 1 nunes_mc_dr_ia.pdf: 10228554 bytes, checksum: fa8b42740baeffa1e5e388c4d7d3b178 (MD5) Made available in DSpace on 2022-06-09T14:07:32Z (GMT). No. of bitstreams: 1 nunes_mc_dr_ia.pdf: 10228554 bytes, checksum: fa8b42740baeffa1e5e388c4d7d3b178 (MD5) Previous issue date: 2022-05-20 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) Através do compartilhamento dos expedientes do processo de montagem do espetáculo solo, “O pesadelo da borboleta”, criado por esta autora e dirigido por Julia Varley (Odin Teatret), numa coprodução entre o Oposto Teatro Laboratório e o Nordisk Teaterlaboratorium, aborda-se os desdobramentos da tradição teatral pautada nos pressupostos da Antropologia Teatral, na prática e pedagogia do grupo Odin Teatret, destacando a criação a partir da “dramaturgia [da atriz e] do ator” (BARBA, 2010). Estudos sobre drama, ação, partitura, subpartitura e improvisação são apresentados, numa perspectiva histórica que culmina no referido grupo. Ganham foco diversos procedimentos para o levantamento de materiais cênicos, composição de cenas e tratamento do cenário, figurino, adereços, texto e iluminação, sempre em relação com as ações da atriz e do ator. Discute-se a criação individual e a criação em conjunto para a elaboração dos materiais e sua organização cênica, em modalidades de trabalho nas quais todos(as) contribuem para a expansão do vocabulário expressivo da atriz, num processo pedagógico conduzido pela diretora. O estudo também aborda o encontro com uma das referências primárias do Odin Teatret, o teatro clássico indiano, por meio de uma pesquisa in loco na Índia, onde a atriz estudou as práticas do Kudiyattam, encontrando ali uma matriz da expressividade atoral importante para a criação autônoma da atriz e do ator também no teatro euro-ocidental. A discussão dos aspectos técnicos e de linguagem dessa matriz permite revisitar os princípios da Antropologia Teatral e sua base intercultural, observando sua aplicabilidade no espetáculo já montado, bem como refletir sobre outros modos de configuração do vocabulário expressivo do(a) intérprete de teatro, que leva ao alargamento do conceito de dramaturgia da atriz e do ator. Through the sharing of the expedients of the montage process of the solo performance "The butterfly’s nightmare", created by this author and directed by Julia Varley (Odin Teatret), in a co-production between Oposto Teatro Laboratório and Nordisk Teaterlaboratorium, it approaches the unfoldings of the theatrical tradition based on the assumptions of Theatre Anthropology and the practice and pedagogy of Odin Teatret group, highlighting the creation based on the "dramaturgy of [the actress and] the actor" (BARBA, 2010). Studies on drama, action, score, sub-score and improvisation are presented in a historical perspective that culminates in the mentioned group. Several procedures for the survey of scenic materials, scene composition and handling of scenery, costumes, props, text and lighting are focused, always in relation to the actions of the actress and the actor. It discusses the individual creation and the creation in a set on to the elaboration of the materials and their scenic organization, in working modalities in which everyone contributes to the expansion of the expressive vocabulary of the actress, in a pedagogical process conducted by the director. The study also addresses the encounter with one of Odin Teatret's primary references, the Indian classical theater, through an in loco research in India, where the actress studied the Kudiyattam practices, finding there a matrix of the actor's expressiveness which is important for the autonomous creation of the actress and the actor also in the Euro-Western theater. The discussion of the technical and language aspects of this matrix allows us to revisit the principles of Theatre Anthropology and its intercultural basis, observing its applicability in the spectacle already staged, as well as to reflect on other ways of configuring the expressive vocabulary of the theater performer, which leads to the enlargement of the concept of actress and the actor’s dramaturgy. 88882.429628/2019-01

Esta escrita colaborativa apresenta as formas pelas quais os praticantes-pesquisadores da Cross Pollination (CP), plataforma internacional de pesquisa artística com foco na troca de conhecimento, cria laboratórios nômades e temporários. Argumenta-se que o encontro entre diferentes experiências de artes performáticas gera insights epistêmicos que permitem que os membros da plataforma rearticulem suas práticas através da reterritorialização de técnicas especializadas. Além disso, discute-se como um ethos de companheirismo possa aparecer através de práticas dialógicas e horizontais, contribuindo para a atualização do teatro laboratório. This collaborative writing presents the ways in which practitioner-researchers from Cross Pollination (CP), an international arts research platform with a focus on knowledge exchange, create nomadic and temporary laboratory spaces. It is argued that the encounter between different experiences of performative craft generates epistemic insights that enable members of the platform to rearticulate their practices through the reterritorialization of specialized techniques. Furthermore, the article discusses how an ethos of companionship may appear through dialogical and horizontal practices, contributing to a renewal of the theatre laboratory Cet écrit collaboratif présente les façons dont les praticiens-chercheurs de Cross Pollination (CP), une plateforme internationale de recherche en arts axée sur l'échange de connaissances, créent des espaces de laboratoire nomades et temporaires. Il est soutenu que la rencontre entre différentes expériences d'artisanat performatif génère des idées épistémiques qui permettent aux membres de la plate-forme de réarticuler leurs pratiques à travers la reterritorialisation de techniques spécialisées. En outre, l'article discute comment un ethos de camaraderie peut apparaître à travers des pratiques dialogiques et horizontales, contribuant à un renouvellement du laboratoire du théâtre.

This collaborative writing presents the ways in which practitioner-researchers from Cross Pollination (CP), an international arts research platform with a focus on knowledge exchange, create nomadic and temporary laboratory spaces. It is argued that the encounter between different experiences of performative craft generates epistemic insights that enable members of the platform to rearticulate their practices through the reterritorialization of specialized techniques. Furthermore, the article discusses how an ethos of companionship may appear through dialogical and horizontal practices, contributing to a renewal of the theatre laboratory. RÉSUMÉ Cet écrit collaboratif présente les façons dont les praticiens-chercheurs de Cross Pollination (CP), une plateforme internationale de recherche en arts axée sur l'échange de connaissances, créent des espaces de laboratoire nomades et temporaires. Il est soutenu que la rencontre entre différentes expériences d'artisanat performatif génère des idées épistémiques qui permettent aux membres de la plate-forme de réarticuler leurs pratiques à travers la reterritorialisation de techniques spécialisées. En outre, l'article discute comment un ethos de camaraderie peut apparaître à travers des pratiques dialogiques et horizontales, contribuant à un renouvellement du laboratoire du théâtre. RESUMO Esta escrita colaborativa apresenta as formas pelas quais os praticantes-pesquisadores da Cross Pollination (CP), plataforma internacional de pesquisa artística com foco na troca de conhecimento, cria laboratórios nômades e temporários. Argumenta-se que o encontro entre diferentes experiências de artes performáticas gera insights epistêmicos que permitem que os membros da plataforma rearticulem suas práticas através da reterritorialização de técnicas especializadas. Além disso, discute-se como um ethos de companheirismo possa aparecer através de práticas dialógicas e horizontais, contribuindo para a atualização do teatro laboratório.

Celebrando o Essencial

La tesis está dividida en cuatro capítulos, el primer capítulo se encarga de identificar la necesidad social de reflexionar el cómo la sociedad moderna está acentuando una sensación de ausencia, perdida histórica, desorientación y fragmentación del self, a través de herramientas enmarcadas en la irreflexividad usadas por las grandes entidades históricas; Cristianismo, familia, falta de valores sociales, productividad como propósito, eficiencia extrema, positivismo clínico, odio de clases. Continúo y extiendo esta crítica a las entidades e individuos que naturalmente han tomado el problema de la desorientación histórica para orientar, instruir o guiar la perdida y fragmentación en busca de la enunciación de la alteridad y que en su enfoque están los objetivos verticales (entendiendo la verticalidad como la búsqueda compulsiva del logro donde el objetivo material es primordial) esto puede resumirse como “ser de una única forma” a “ser comportándose de varias formas”. Luego paso de éste señalamiento a la búsqueda del material psíquico constructivo para sopesar las irreflexiones históricas. Lo que me da paso al capítulo II y III. Capítulos que muestran las particularidades encontradas en las entrevistas y que tenían como fin entender las particularidades de cada malestar como traba para la enunciación subjetiva. The thesis is divided into four chapters, the first chapter is responsible for identifying the social need to reflect on how modern society is accentuating a sense of absence, historical loss, disorientation and fragmentation of the self, through tools framed in the thoughtlessness used by the great historical entities; Christianity, family, lack of social values, productivity as purpose, extreme efficiency, clinical positivism, class hatred. I continue and extend this critique to the entities and individuals that have naturally taken the problem of historical disorientation to orient, instruct or guide the loss and fragmentation in search of the enunciation of otherness and that in their approach are the vertical objectives (understanding verticality as the compulsive search for achievement where the material objective is paramount) this can be summarized as "being in one way" to "being behaving in various ways". I then move on from this pointing to the search for constructive psychic material to weigh up the historical irreflections. This leads me to chapters II and III. Chapters that show the particularities found in the interviews and whose purpose was to understand the particularities of each malaise as a hindrance to subjective enunciation. Pregrado Psicologo(a)

Submitted by Marília Galvão Costa (senhoradosventos@gmail.com) on 2021-03-10T02:31:39Z No. of bitstreams: 1 Dissertação de Marília Galvão Costa (2).pdf: 8239448 bytes, checksum: e9915b1be5d53f4b7056c8b0e68be81e (MD5) Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2021-03-15T13:24:13Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertação de Marília Galvão Costa (2).pdf: 8239448 bytes, checksum: e9915b1be5d53f4b7056c8b0e68be81e (MD5) Made available in DSpace on 2021-03-15T13:24:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação de Marília Galvão Costa (2).pdf: 8239448 bytes, checksum: e9915b1be5d53f4b7056c8b0e68be81e (MD5) Capes A presente pesquisa trata do estudo do grupo Antagon TheaterAktion, a partir da perspectiva de seus projetos em comunidade, do terceiro teatro e de abordagens do teatro físico, tendo em vista os intercâmbios com vários resultados, bem como o mote para a convivência de atores e não atores pertencentes a essa comunidade teatral. O trabalho é apresentado na forma descritiva. A organização e a estrutura, visam abordar e delinear os processos artísticos desse grupo e sua configuração; verificar, a partir das noções propostas pela Antropologia Teatral, e identificar as contribuições que advém da vivência do Teatro Físico, percebidas através da diversidade de referenciais e técnicas dos atores que dele participaram e participam. Trata-se nessa pesquisa, sobre a vivência em coletivo, como o baluarte dos seus processos artísticos, bem como, a elucidação das características primordiais desse grupo, que é a valorização da utilização da linguagem corporal não verbal em suas obras. This research deals with the study of the Antagon TheaterAktion group, from the perspective of its community projects, the third theater and physical theater approaches, in view of the exchanges with various results, as well as the motto for the interaction of actors and not actors belonging to that theatrical community. The work is presented in descriptive form. The organization and the structure aim to approach and outline the artistic processes of this group and its configuration; verify, based on the notions proposed by Theater Anthropology, and identify the contributions that come from the experience of Physical Theater, perceived through the diversity of references and techniques of the actors who participated and participate in it. In this research, it is about the collective experience, as the bastion of their artistic processes, as well as, the elucidation of the primordial characteristics of this group, which is the valorization of the use of non-verbal body language in their works.

La presente investigación indaga la incidencia de la elaboración de partitura de acciones en el proceso de creación actoral en el montaje de la obra Arrancados (la poesía es posible). Para tal efecto se estudia la creación actoral en el marco de la dramaturgia del actor, según la Antropología Teatral y Eugenio Barba. Del mismo modo se observa si la capacidad creadora de los artistas se ve enriquecida por la aplicación de dicha metodología; si la misma potencia su expresividad y si les proporciona nuevas herramientas que les permitan asentar su condición de actores en tanto autores de su composición sin condicionamientos. Se indaga, también, acerca de la influencia de este mecanismo de trabajo en las distintas dramaturgias que componen el texto espectacular. Fil: Juliá, Andrea. Universidad Nacional del Centro de la Provincia de Buenos Aires. Facultad de Arte; Argentina. Fil: Pérez Cubas, Gabriela. Universidad Nacional del Centro de la Provincia de Buenos Aires. Facultad de Arte; Argentina. The present investigation inquires the incidence of the elaboration of score of actions in the process of acting creation in the assembly of the play Arrancados (poetry is possible). For this purpose, the actor's creation is studied within theframework of the dramaturgy of the actor, according to the Theatrical Anthropology and Eugenio Barba. In the same way it is observed if the creative capacity of the artists is enriched by the application of the mentioned methodology; if this empowers their expressiveness and provides new tools that allow them to settle their status as actors and as authors of their composition without conditioning. It also inquires about the influence of this work mechanismin the different dramaturgies that composethe spectacular text.

Resumen: Desde el nacimiento del Odin Teatret, Eugenio Barba tuvo presente la indagación en las técnicas del actor y en su entrenamiento continuo para alcanzar el nivel óptimo de presencia escénica. Fruto de dicho interés, surgió en 1979 la International School of Theatre Anthropology (ISTA), dando lugar a la Antropología Teatral como nueva disciplina para el estudio de los fundamentos de la actuación. En el presente artículo se plantea el análisis de los enfoques metodológicos desarrollados por la Antropología Teatral a lo largo de estos 40 años y sus posibles conexiones con otros campos del saber científico, destacando sus aplicaciones historiográficas, etnoescenológicas y neurocientíficas, para el estudio de los principios pre-expresivos del actor y las estrategias dramatúrgicas que configuran su bios escénico. Résumé: Depuis la naissance de l’Odin Teatret, Eugenio Barba garda à l’esprit les recherches effectuées dans le domaine des techniques de l’acteur et de sa formation continue visant à le doter du niveau optimal de présence scénique. Semblable intérêt abouti, en 1979, à la création de la International School of Theatre Anthropology (ISTA), elle-même à l’origine de l’Anthropologie théâtrale en tant que nouvelle discipline mise au service de l’étude des fondements de la performance théâtrale. Le présent article propose une analyse des approches méthodologiques développées par l’Anthropologie théâtrale au cours de ces quarante dernières années, ainsi que leurs éventuelles connections avec d’autres domaines de la connaissance scientifique, en soulignant notamment leurs applications historiographiques, ethnoscénologiques et neuroscientifiques, ceci afin de procéder à l’étude des principes pré-expressifs de l’acteur, lesquels, conjointement avec les stratégies dramaturgiques de ce dernier, configurent son bios scénique. Abstract: Since the birth of Odin Teatret, Eugenio Barba had in mind the quest into the techniques of the actor and their ongoing training to reach optimal levels of stage presence. As a result of such interest, the International School of Theatre Anthropology (ISTA) emerged in 1979, giving rise to Theatre Anthropology as a new discipline for the study of the fundamentals of acting. This article presents the analysis of the methodological approaches developed by Theatre Anthropology throughout these forty years and its possible connections with other fields of scientific knowledge, highlighting its historiographic, ethnoscenological and neuroscientific applications, for the study of the actor’s pre-expressive principles and the dramaturgical strategies that configure their scenic bios.

RESUMEN: Los actores, sin importar el medio en el cual realicen su trabajo creativo, deben tener la capacidad de crear e interpretar diversos personajes según los requerimientos de la escena, las diversas teatralidades o las demandas del lenguaje de los géneros cinematográficos. Para ello deben contar con las bases teóricas, técnicas y prácticas que les permita lograr su eficacia en la realización escénica de la idea creadora (bien sea teatral o cinematográfica), y en el contacto con el público (que en el caso del teatro es directo, en el aquí y el ahora de la escena; y en el cine está mediado por la voz del director-narrador y el ojo de la cámara). Además, deben eliminar los obstáculos y resistencias (físicas, emocionales y mentales) que bloquean su proceso creador, y dilatar al máximo sus posibilidades expresivas, tanto corporales como vocales, mediante el entrenamiento. Con este, el actor busca alcanzar un uso eficaz (en términos de la escena) de su cuerpo-mente, y la construcción de una técnica personal y una presencia con codificación personal que potencie la eficacia comunicativa con los espectadores y la creación de nuevos universos y lenguajes escénicos.

A presente pesquisa de mestrado “Os elementos de Iansã como possibilidade para criação cênica”, sob orientação da professora doutora Teodora de Araújo Alves visa compreender o trânsito da Dança de Iansã e dos seus elementos míticos entre o Candomblé, o Afoxé, o Laboratório e o Teatro, a fim de elaborar uma proposição metodológica para ampliação do repertório corporal de intérpretes-criadores/as. Por se tratar de um estudo que envolve subjetividade dos/as indivíduos/as relacionados/as a esta pesquisa, o mesmo se debruça sobre as bases da Fenomenologia proposta por Merleau-Ponty ao tratar da corporeidade como a forma de ser-estar no mundo. Para refletir sobre os campos da Performance que compõe esta investigação, busco dialogar com a Antropologia da Performance com base nos estudos de Richard Schechner e Victor Turner, a Antropologia Teatral proposta por Eugenio Barba e os estudos em Performances afro-ameríndias desenvolvido por Zeca Ligiéro. Esta investigação se desenvolveu junto ao Afoxé Oju Omim Omorewá (Maceió/AL), observando a saída-de-orixá da Ialorixá Nany Moreno – também coordenadora do Afoxé – e com os experimentos prático-criativos junto ao Coletivo Cores (Natal/RN). The present research of master "Iansan elements like possibility to scenic creation", under the guidance of Professor Teodora de Araújo Alves aims to understand the traffic Iansan dance and its mythical elements between Candomblé, Afoxé, the lab and the theatre, in order to elaborate a methodological proposal for expansion of the body of repertoire interpreters-creators. Because it is a study that involves subjectivity of individuals, the related to this research, the same looks at the basis of Phenomenology by Merleau-Ponty to treat the body as a way of being in the world. To reflect on the fields of Performance that makes up this investigation, seek dialogue with the anthropology of Performance based on studies of Richard Schechner and Victor Turner, the Theatrical Anthropology proposed by Eugenio Barba and the studies in afro-amerindians Performances developed by Zeca Ligiéro. This investigation developed by the Afoxé Oju Omim Omorewá (Maceió/AL), noting the saída-de-orixá of Ialorixá Nany Moreno – Coordinator of Afoxé – and practical-creative experiments by the Coletivo Cores (Natal/RN).

Esta tesis ha sido suscitada por el interés en indagar desde la óptica de la vida cotidiana los aspectos teatrales y el hacerse preguntas como: ¿es el trabajo del actor una recodificación del estado cotidiano? ¿Existe un trabajo previo o posterior sobre las bases propias como ser humano-actor? ¿Se entrena para un papel o para ser actor? ¿tiene el actor algo de cotidiano? ¿En la cotidianidad está presente lo extra-cotidiano? ¿De los grandes reformadores del teatro, qué autores se hallan más próximos a la técnica cotidiana o extra-cotidiana? Estas preguntas condujeron a indagar de manera profunda los aspectos que constituían la Antropología Teatral de Eugenio Barba y Proponer un modelo pedagógico para la formación pre-expresiva del actor a partir de los conceptos técnicos extra-cotidianos de inculturación y aculturación hallados en Constantin Stanislavski, Vsevolod Meyerhold y Jacques Lecoq. De este análisis transversal se propuso la TEIA (Técnica Extra-cotidiana de Inculturación y Aculturación) como una herramienta pedagógica que pueda llegar utilizarse en la formación actoral profesional, donde el aula teatral pueda tomarse como referencia central del trabajo pre-expresivo del actor para llegar a consolidarse con el desarrollo de futuras investigaciones que avancen hacia más principios-que-retornan, amplificando y profundizando el modelo pedagógico propuesto como resultado de esta investigación para crear nuevos modelos, que aporten en la pre-expresividad incluyendo la técnica como dimensión integral de la pedagogía teatral.

Este artículo introduce una síntesis biográfica de Jacques Lecoq, y presenta su trabajo pedagógico desde los gestos de la vida cotidiana pasando por la máscara neutra y las máscaras expresivas, hasta responder, desde la Antropología Teatral de Eugenio Barba, si el “viaje pedagógico” de Lecoq se basa en una técnica extracotidiana de aculturación o en una técnica extra-cotidiana de inculturación. This article introduces a biographical synthesis of Jacques Lecoq, exposing his pedagogical work including the “gestures of daily life”, the neutral mask and expressive masks; with the purpose of answering within the framework of Eugenio Barba’s Theatrical Anthropology theory, whether or not the “pedagogical journey” of Lecoq is based on an extra-daily technique of acculturation or on an extra-daily technique of inculturation.

The research has as main my experience as congadeira in Family Mapuaba focus. The Mapuabas constitute a nuclear family in the city of Uberaba, Minas Triangle, and between cultural manifestations of this family, is Congada. For a deeper understanding of this mapuense body, seeking out some principles of Theatre Anthropology, and also some concepts of corporeality. The research brings intervention \"Waltz of Mirrors\" as a result of an experience with family and Mapuaba integral Suit Congo \"Minas Brazil\". This intervention some symbologies and gestural rituals involving Congada, surveyed the suit Mapuabas were used. A pesquisa traz como foco principal a minha experiência como congadeira na Família Mapuaba. Os Mapuabas constituem um núcleo familiar da cidade de Uberaba, Triângulo Mineiro e, entre as manifestações culturais dessa família, está a Congada. Para a compreensão mais profunda desse corpo mapuense, busca-se alguns princípios da Antropologia Teatral e, também, alguns conceitos de corporeidade. A pesquisa traz a intervenção A Valsa dos Espelhos , como resultante de uma vivência com a família Mapuaba e integrante do terno de Congo \"Minas Brasil\". Nessa intervenção foram utilizadas algumas simbologias e gestuais dos rituais que envolvem a Congada, pesquisados no terno dos Mapuabas. Mestre em Artes

La obra parte de una aproximación conceptual y coloca en contexto, cierta suerte de conocimiento corporeizado, pretende ubicar el Cuerpo y la corporalidad tema central en el contexto contemporáneo de las ciencias sociales y la educación, la experiencia de un grupo que se traduce en ejercicio de investigación, una investigación corporeizada que apela, como lo recomienda Le Bretón, a “Pensar el cuerpo para pensar el mundo” como estrategia para retomar el potencial pedagógico del cuerpo, en tanto fuente de conocimiento. Privilegia por lo tanto, la corporalidad en su potencialidad formativa, configurada a través de la experiencia y la obra misma todo un horizonte para el aprendizaje. En tal sentido el aporte de la obra es justamente ese, destacar la corporalidad como expresión de aprendizaje, fundamentado en la antropología teatral, dado que indaga por “aquellos niveles de organización que permiten aplicar al teatro y la danza los paradigmas de la antropología cultural”, (Savarsse, 1990) The work of a conceptual approach and placed in context, some sort of embodied knowledge, aims to locate the body and corporeality central theme in the contemporary context of the social sciences and education, the experience of a group that translates into exercise investigation, a research embodied appealing, as recommended by Le Breton, a "thinking the body to think the world" as a strategy to retake the educational potential of the body as a source of knowledge. Privileging therefore physicality in their formative potential, configured through the experience and the work itself a whole horizon for learning. In this regard the contribution of the work is just that, highlight the physicality as an expression of learning, based on theater anthropology, since delves by "those organizational levels that allow the application to theater and dance paradigms of cultural anthropology" (Savarsse, 1990)

De maneira informal e descontraída, Carlos Simioni compartilha sua experiência e seu profundo conhecimento da arte do ator num bate-papo que nos aproxima desse importante momento da história do teatro e da atuação no Brasil. Simioni nos conta como iniciou o treinamento e a criação do LUME nos anos 80 e como todas essas técnicas vêm evoluindo até hoje. Visita sua experiência com Luis Otávio Burnier, com a Mímesis Corpórea, com o Clown e com o seu treinamento pessoal, incluindo técnicas como a Dança dos Ventos, o Samurai, e outras mais recentes como o Portal e as Camadas. Esta entrevista foi realizada e transcrita por Marcelo Teixeira em 29/08/2016 em Parati-RJ a pedido de Cláudia Sachs, que preparou uma série de perguntas para organizar e direcionar a conversa com Simioni., In an informal and relaxed way, Carlos Simioni shares his experience and his deep knowledge of the actor’s art in a chat that brings us closer to this important moment in the history of theater and acting in Brazil. In this interview, Simioni tells us how he started the training and the creation of LUME in the 80’s and how all these techniques have evolved to this day. He visits his experience with Luis Otavio Burnier, Corporeal Mismesis, Clown and his personal training, including techniques such as Wind Dance, Samurai, and more recent ones such as Portal and Layers. This interview was performed and transcribed by Marcelo Teixeira on the 29th of August 2016 at the request of Cláudia Sachs, who prepared a series of questions to organize and direct the conversation with Simioni.

RESUMO O texto trata das reflexões de um antropólogo que seguiu durante anos a atividade performativa de Thomas Richards, que dá prosseguimento à pesquisa de Jerzy Grotowski sobre a Arte como veículo. Não se entra no mérito das técnicas e dos métodos de trabalho, mas se levanta os efeitos, ou ainda, os reflexos de uma série de obras que não são concebidas como espetáculos destinados ao público, mas como desfechos progressivos e parciais de um trabalho baseado na união indissolúvel entre ação e visão no corpo do performer e no campo de sua cena autônoma. O que vê e sente e como o espectador pode sentir-se envolvido? Que forma de contato ou de contágio pode-se verificar frente a uma cena que não se oferece como espetáculo? E, no curso dos sucessivos ensaios dessa arte como veículo, como e quanto mudou o papel e o modo de ser do espectador-hóspede de uma ação interior, que não se abre para quem olha, mas se consuma na verticalidade do ato e do canto do Performer? ABSTRACT This text discusses the reflections of an anthropologist who followed for many years the performative activities of Thomas Richards, which are a continuation of Jerzy Grotowski's research on art as a vehicle. We do not enter into the specifics of techniques and work methods, but we do discuss the effects, or rather the reflexes of a series of works which are not conceived of as spectacles to be seen by a public, but as progressive and partial outcomes of work based on the indissoluble union between action and vision in the performer's body and in the field of the autonomous scene. What do spectators see and feel, and how can they feel involved? What form of contact or contagion can be seen in a scene that does not seem like a spectacle? And in the course of successive rehearsals of this art as a vehicle, how and when occurred a change in the role and way of being of the guest-spectator of an inner action, which does not open up to those who watch, but is consummated in the verticality of the Performer's actions and singing? RÉSUMÉ Ce texte fait part des réflexions d'un anthropologue ayant suivi, durant plusieurs années, l'activité performatique de Thomas Richards, lequel poursuit la recherche développée par Jerzy Grotowski sur l'Art en tant que véhicule. Il ne s'agit pas de vanter le mérite des techniques et des méthodes de travail, mais plutôt de montrer les effets ou les répercutions d'une série d'œuvres n'ayant pas été conçues en tant que spectacles adressés au public, mas se présentant seulement comme un achèvement progressif et partiel d'un travail fondé sur l'union indissoluble entre l'action et la vision dans le corps du performer et dans le champ de sa scène autonome. Ce qu'il voit et ressent et la manière dont le spectateur peut être interpellé? Quelle forme de contact ou de contagion peut apparaître à partir d'une scène qui ne se donne pas en spectacle ? Tout au long de ces essais successifs où l'art est envisagé en tant que véhicule, comment et dans quelle mesure le rôle et le comportement du spectateur-hôte a-t-il changé au sein d'une action intérieure, qui ne se montre pas à celui qui la regarde, mais qui se consomme dans la verticalité de l'acte et du chant du Performer?

Esta dissertação discorre sobre as relações entre corpo, música e cena, tendo como objetivo investigar a preparação corporal do músico para a atuação cênica, com enfoque na percepção do corpo e na relação som e movimento como referências para essa atuação. O foco é a vivência de um processo de preparação corporal do músico para a cena, que considera o diálogo entre os aspectos sonoros e os aspectos gestuais e tem como lócus de investigação o Pau e Lata: Projeto Artístico-Pedagógico. Os encontros de Preparação Corporal e Criação Cênica iniciaram em janeiro de 2011, com frequência de duas vezes por semana, e duração, em média, de três horas, cada. Tiveram a participação de quatorze componentes do Pau e Lata, no entanto foram considerados como colaboradores da pesquisa quatro deles, sendo uma mulher e três homens compreendidos na faixa etária de 19 a 30 anos. Para organização dos encontros a pesquisa tomou como referência principal a Antropologia Teatral, além de estudos da educação musical, já vividos no Pau e Lata. A pesquisa considerou como fontes para análise as anotações em diário de bordo, realizadas pelos participantes da pesquisa e pela pesquisadora, entrevista com os participantes, além de vídeos do espetáculo Sinfeiria em Três Movimentos, produto artístico do Pau e Lata, redimensionado pelos processos de treinamento pré-expressivo e criação cênica, vividos nos encontros promovidos por esta pesquisa. Como resultados da investigação, é possível considerar que a realização dos encontros de Preparação Corporal e Criação Cênica proporcionou aos músicos do Pau e Lata a percepção da importância do treinamento a partir de princípios que envolvem uma técnica corporal para a ampliação da presença do corpo em cena no espetáculo musical para além da postura cotidiana. Os músicos internalizaram, no decorrer do processo, os princípios e os objetivos vivenciados no trabalho corporal e estes passaram a fazer parte da rotina dos treinamentos do grupo. Também, é possível constatar o redimensionamento da presença cênica dos músicos e da qualidade artística do espetáculo Sinfeiria em Três Movimentos, sendo perceptível uma melhor articulação entre os aspectos sonoros e gestuais. This dissertation discusses about the relations between body, music and scene, with the purpose of investigate the corporal preparation of the musician to the scenic performance, emphasizing the perception of the body and the relationship between sound and movement as references for this acting. The focus is a corporal training process with musicians for the scene, that considers the dialogue between the sound and gesture aspects, and which locus research is the Pau e Lata: Artistic-Pedagogical Project. The meetings of Corporal Training and Scenic Creation began in January 2011, twice a week, during about three hours each. Fourteen components participated, but only four were considered collaborators – one woman and three men, aged 19 to 30 years, all members of the Pau e Lata. The meetings were organized with the Theater Anthropology as main reference, besides the musical education studies, already experienced in the Pau e Lata. The research considered as analysis sources the notes in the logbook, made by the collaborators and the researcher; an interview with the components and videos of the musical spetacle Sinfeiria em Três Movimentos, artistic product of the Pau e Lata, resized by the pre expressive training process and scenic creation, experienced in the training meetings promoted by this research. As results of this investigation, it is possible to find that the meetings of Corporal Training and Scenic Creation provided the musicians of the Pau e Lata the perception of the importance of a training based on principles that involve a corporal technique for an expansion of the body in scene in the musical spectacle beyond the everyday posture. The musicians internalized, during the process, the principles and the aspects experienced in the corporal training and these principles became part of the training routine of the group. It is also possible to realize the resizing of the scenic presence of the musicians and the artistic quality of the musical spectacle Sinfeiria em Três Movimentos, with an improvement of the relationship between the sound gesture aspects.

O objeto desta pesquisa constitui-se na aplicação da arte marcial judô na prática psicofísica do ator/bailarino. Neste sentido, considero a hipótese apresentada de que o judô inclui técnicas úteis para o treinamento do ator/bailarino observadas pela lente da Antropologia Teatral. Portanto, dissertarei sobre minha pesquisa do judô tanto em seus atributos técnicos, quanto filosóficos, a fim de se encontrarem elementos que possam enriquecer o estado “pré-expressivo” 1 dos sujeitos envolvidos – atores/bailarinos –, a partir da construção do “Kata Pessoal”, termo cuja definição implica procedimentos metodológicos do treinamento e deduções empiricamente atestadas nesta pesquisa. Portanto, esta proposta incorpora campos teóricos e práticos distintos, quais sejam o Judô e o Teatro, contendo como foco os princípios e atributos do primeiro, e a abordagem antropológica, do segundo. Minha experiência enquanto professora de judô foi tomada como referência para o estudo, por constituir âmbito filosófico e prático sobre os fundamentos do judô. Quanto aos procedimentos metodológicos levados a cabo, optou-se por uma abordagem qualitativa, de caráter descritivo e hipotético-dedutivo em que foi realizado um levantamento bibliográfico. Houve, também, pesquisa de campo, envolvendo entrevistas e depoimentos, e um laboratório experimental de treinamento psicofísico. Para aplicação deste treinamento, foi selecionado um conjunto de técnicas do judô a partir de princípios como: “equilíbrio de luxo (ou precário)” 2, “energia” 3, “oposição”,4 “corpo-decidido” 5 e “dilatação” 6. The object of this research is the judo as body practice of the actor/dancer. A hypothesis presented in this paper is that judo includes useful techniques for training the actor/dancer looking through the lens of Theatrical Anthropology. The objective is to research the judo, both technical artifice as philosophical, elements that could enrich your state pre-expressive, which is building the Personal Kata. This proposal incorporates different theoretical and practical fields: judo and theater focus on containing the principles of judo in communion with those of Theatrical Anthropology. My experience as a judo teacher was taken as reference for the study because it represents the area on the philosophical and practical foundations of judo. About methodological procedures, we chose a qualitative approach, but it has a descriptive nature, into which was conducted a bibliographic gathering. Also, the field research, involving interviews and statements; and a laboratory of training, a title of experiment. For application of this training was selected a set of techniques of judo based on criteria such as: balance, energy, contrast-stretched body, organic.

Fundação de Amparo a Pesquisa do Estado de Minas Gerais The focus on this work is based on the Orixá´s Dance developed by Augusto Omolu in a transcultural perspective that combines the principles of formation that belongs to Eugenio Barba´s Theatrical Anthropology and utilized by actors and dancers. Here, I present the results of this Field research that occurred on Salvador (Bahia´s State Capital) on the first semester of 2010. It is divided in four parts: The First part begins ―Through me‖; Experiences; living (among others); tensions; I present those impressions, sensations of a personal process with a large amount of subjectivity. I also made an analysis and presented in the process of my artistic development and social-psicophysical. It goes from body weirdness (strangeness of body´s behavior) and methods, to the creation (incorporated) of my own way to participate and execute the gestures and methods normally used on physical preparation. On second part of this research, I present the master´s speach using transcriptions of his classroom allowing to observe and understand the way he absorved and reorganized the theatrical antropology and how he applies it on body´s principles that were absorved from candomblé´s dance. In the third part "Orixá´s dance; Theatrical Anthropology; Actor/ Dancer - Triangulo love" I present the theatrical Anthropology´s concept over the Eugenio Barba´s Speach (teachings) such as some of his followers regarding to energy, dilatation, body issues, resistance and training. On fourth part I present a brief historiography of cultural formation on Brazilian´s Candomblé, and pinpoint their nations natural providers as responsable for an authentic Brazilian religious and artistic culture. At the end of this work I defend the legitimacy and consistence of Master Augusto Omolu´s proposal, that elaborated a Dance technique that offers social - psicophysics and artistic conditions to researchers and artists to analyse and develop several works through a Brazilian Dance with an Africa Essence and begining. O foco da presente dissertação é a Dança dos Orixás elaborada por Augusto Omolu na perspectiva da experiência com os princípios de formação do ator/bailarino encontradas na Antropologia Teatral de Eugênio Barba. Neste trabalho a experiência tem papel central como metodologia e também como abordagem: a pesquisa se fez em campo. O presente trabalho se divide em quatro partes. Na primeira parte através do eu; experiências; com-vivências; apreensõe apresento as impressões, sensações de um processo que foi pessoal com grande carga de subjetividade. Apresento, também, análises do meu processo de desenvolvimento artístico e sócio-psicofísico. Na segunda parte apresento as falas do mestre usando as transcrições de suas aulas que tornam possível ver e entender como ele absorveu e reorganizou os princípios da Antropologia Teatral e por outro lado como os aplica nos princípios corporais absorvidos na dança do candomblé. Na terceira parte Dança dos Orixás; Antropologia Teatral; Ator/ Bailarino Triângulo Amoroso apresento os princípios da Antropologia Teatral que se destacam nas falas de Eugênio Barba - e de alguns de seus colaboradores em especial, energia, dilatação corporal, pré-expressividade, resistência e treinamento. Na quarta parte, apresento uma breve historiografia da formação da cultura do candomblé no Brasil, e aponto as nações vindas de lá como responsáveis pela formação de uma cultura religiosa e artística eminentemente brasileiras. Ao final desta dissertação, defendo a legitimidade e consistência da proposta de Mestre Augusto Omolu elaborador de uma ―técnica‖ de dança que oferece condições sócio-psicofísicas e artísticas para pesquisadores e artistas que querem analisar e desenvolver trabalhos a partir de uma dança brasileira de matriz africana. Mestre em Artes

El actor está ubicado en el centro de la representación teatral. Encarna al ser que es y al ser imaginario. El espectador del teatro observa, mientras es alentado a fundirse en la imagen teatral, derribando los límites que separan a uno del otro. Estos hallazgos han sido logrados por V. E. Meyerhold desde la teoría de la Biomecánica y por Eugenio Barba desde la Antropología Teatral. El siguiente artículo propone la vigencia de una visión que aproxima y entrecruza a estos dos teóricos y directores teatrales. The actor is placed in the centre of the play in the theatre. He incarnates the being that is and the imaginary one. The audience at the theatre observes while being encouraged to blend itself into the theatrical image, breaking down the limits that separate one from the other. These findings have been formulated by V. E. Meyerhold, from the point of view of the theory of Biomechanics, and by Eugenio Barba, from the point of view of Theatre Anthropology. The following article emphasizes the force of a vision that approximates and interweaves these two theorists and theatrical directors.

El baile del muñeco. Lavinia Fiori, Juan Monsalve P. Cooperativa Editorial Magisterio, Santafé de Bogotá, 1995, 184 págs. Límites. Fran Arroyo. Cooperativa Editorial Magisterio, Santafé de Bogotá, 1995, 90 págs.