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Este artigo promove reflexões sobre a representação da empregada doméstica registrada através de um dos filmes de destaque do cinema brasileiro contemporâneo. O recorte da investigação se dá através da análise fílmica da obra Que horas ela volta? (2015), da realizadora Anna Muylaert. Neste caminho analítico serão questionadas a liquidez da afetividade materna, o processo de terceirização da maternidade, a população negra que alimenta o emprego doméstico e a própria história social do país com seu aspecto escravocrata. Dessa forma, questões étnicas e raciais da sociedade brasileira, bem como a representação da experiência feminina da protagonista Val e suas lutas cotidianas como empregada doméstica serão problematizadas através da análise da narrativa cinematográfica escolhida.

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This article presents an analysis of Férias no Sul (1967), long-feature film directed by Mato Grosso filmmaker Reynaldo Paes de Barros. Classified as drama and romance, its greatest peculiarity is its unusual location in Brazilian cinema: Blumenau, in Santa Catarina state, nationally known as a city culturally marked by German immigration. Being a film that had a certain circulation in Brazil, and was quite controversial in Blumenau, it ended up, however, being forgotten within Brazilian cinematography. Two objectives are here sought: firstly, to understand the historical trajectory of the film, through the investigation of its production and reception contexts. To this end, news published at the time in the printed media were used as sources. Furthermore, we seek to analyze how Blumenau and its culture were portrayed, bringing the film itself, with its aesthetic and narrative elements, as the main historical document. This analysis is proposed, defending the hypothesis that Férias no Sul would have contributed to the subsequent project of revaluing Germanic culture in the city, transformed into a tourist product and spectacle from the 1970s onwards. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

O filme "Safe" (1995), dirigido por Todd Haynes, conta a história de Carol White, dona de casa de classe média alta em Los Angeles, que começa a sofrer de uma misteriosa alergia aos frutos da “modernidade” (alimentos ultraprocessados, produtos sintéticos e poluição). Realizado décadas atrás, o filme é atual para criticar a sociedade contemporânea, explorando a desconexão e o vazio existencial nas crises ambientais. A resenha se aprofunda nos dilemas sofridos pela personagem que, apesar de viver em um ambiente abastado, sente-se alienada e busca refúgio em um grupo que oferece uma solução pseudocientífica para seu mal. O filme se posiciona como uma crítica à sociedade de consumo e às consequências das políticas neoliberais, questionando a eficácia de soluções superficiais para problemas profundos e sistêmicos.

A moda indica modos de vida e inspira mudanças, nos comportamentos, no consumo e nas diversas estruturas materiais que circunscrevem a existência humana, particularmente, a relação entre corpo e vestuário. Presume-se, portanto, complementaridade social e emocional, despertada por meio de sistemas simbólicos. O corpo socialmente integrado assimila os simbolismos do coletivo no qual está inserido, situação precursora das diferenças e do elo social. Pressupostos simbólicos também justificados nas produções audiovisuais, que buscam representar sentidos e experiências diversas. Este artigo tem por objetivo compreender as translações entre estes dois pólos: corpo culturalmente vestido e efeitos diegéticos do figurino. Um trabalho de natureza qualitativa que, por meio da análise fílmica, decompõe algumas estratégias narrativas na estrutura dramática da minissérie Transatlântico (Netflix, 2023). Para tanto, utiliza revisão bibliográfica do campo da moda no vestuário e do âmbito das sensibilidades socialmente instituídas, no intuito de vincular efeitos e decorrências destas para a produção audiovisual.

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O presente artigo tem o objetivo de discutir os conceitos de trabalho e de relações sociais de sexo relacionando com o filme Pão e Rosas (2000) do cineasta britânico Ken Loach. Primeiramente será realizada uma discussão sobre análise fílmica tomando por base construções realizadas por VIANA (2009), para posteriormente discutir teoricamente os conceitos de trabalho e de relações sociais de sexo (KERGOAT, 2009) com a finalidade de produzir uma base analítica para perceber como o filme aborda as questões teóricas trazidas aqui e como as relações sociais de sexo são fundamentais para compreender as relações de trabalho existentes no mundo contemporâneo.

A temática feminina tem se tornado recorrente no cinema, neste artigo, a partir da comparação de duas obras cinematográficas, Frances Ha (2012) e A Pior Pessoa do Mundo (2021), são propostas reflexões sobre uma fase transitória (e um pouco confusa) da vida da mulher contemporânea: quando não se é mais jovem, mas ainda não se alcançou a maturidade esperada – e por vezes – cobrada. Enquanto percurso metodológico, foi utilizada a proposta de Cândida Vilares Gancho (2006) para análise de narrativa e a de Francis Vanoye e Anne GoliotLété (2012) para análise fílmica. Como contribuições teóricas, partimos de quatro campos conceituais fundamentais para as análises: Walter Benjamin (1994), explicando narrativa; Mikhail Bakhtin, a partir de Julia Kristeva (2012), com o conceito de intertextualidade, Jacques Aumont (1995) sobre cinema e Simone de Beauvoir (2012) para as percepções do feminino. Após a análise comparativa, foi possível chegar a algumas conclusões que apontam para narrativas cinematográficas que retratam protagonistas questionadoras em relação às demandas sociais impostas às mulheres. Frances e Julie, apesar das dificuldades, buscam uma existência que lhes seja favorável, de acordo com suas visões de mundo e escolhas individuais que nem sempre condizem com o imperativo social.

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This article suggests that the film British Sounds (1969), by Dziga Vertov Group, a collective of filmmakers created by Jean-Luc Godard and Jean-Pierre Gorin, wants to provoke in the spectator the awareness that the image can manipulate him, that is, that the film wants to dismantle the illusion of cinema as a mirror of reality. To demonstrate this aspect, we intend to analyze the second sequence of the film, in which a naked woman walks through a house, especially regarding the long duration of the shots and the escape from the Griffithian tradition throughout the film. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

O artigo tem o objetivo de traçar considerações metodológicas a respeito da análise discursiva do filme, bem como do diálogo que esta apresenta com a crítica de mídia, ambas pensadas como um conjunto de valores e de procedimentos que orientam a avaliação de determinados aspectos de uma obra em particular. Destaca ainda o processo de escolha dos filmes analisados e finaliza com a desconstrução de um trecho do documentário Juízo (2008), mostrando como a inclusão do rosto do jovem réu por meio de uma inserção ficcional problematiza e complexifica o estigma do jovem autor de ato infracional.

O trabalho analisa três filmes de longa-metragem de horror nórdicos – o sueco Border, de Ali Abbasi (2018); o islandês Lamb, de Valdimar Jóhannsson (2021); e o norueguês The Innocents, de Eskil Vogt (2021) – destacando traços presentes em uma tendência do cinema contemporâneo que se caracteriza pela inserção de elementos do imaginário fantástico e/ou insólito na construção de paisagens imagéticas e sonoras que priorizam uma atmosfera de contemplação e vazio. Os filmes nos parecem formular um recorte relevante da forma como o gênero horror articula ideias, valores e tensões sociais dentro da produção audiovisual contemporânea, seguindo a tendência de endereçar toda a superfície sensória do corpo do espectador, explorando sentidos outros, além da visão e da audição, no regime de espectatorialidade cinematográfica.

O presente trabalho, a partir da articulação inicial dos conceitos de dialogismo, tal como defendido inicialmente por Bakhtin, argumenta que um filme é produto cultural inscrito em um período sócio-histórico. Assim, a proposta que aqui se sucede é buscar interrogá-lo, já que ele oferece um conjunto de representações que remetem direta ou indiretamente à sociedade na qual se inscreve. Para tanto, se escolheu como obra analisada o filme Melancolia, do diretor Lars von Trier. A metodologia utilizada foi a abordagem qualitativa, com procedimentos para uma desconstrução de algumas cenas, escolhidas de maneira não probabilística, mas que contemplem o todo em suas partes. A análise se focou, em especial, na direção de fotografia e na análise do roteiro como argumento filosófico, tudo para se entender a construção discursiva maior proposta na obra. Assim, se procedeu a uma análise filosófico-escatológica e a uma busca por entender como a direção de fotografia ajuda a compreender melhor a obra em questão dentro da discussão sobre o fim do mundo. Dessa forma, a narrativa do filme é mais bem entendida quando pensada a partir da intertextualidade, ao se considerar as diversas vozes que compõem o discurso, tais como o acorde cromático, os quadros, os formatos, a história, a discussão escatológica, as obras de arte, enfim, todos os padrões e processos inseridos no filme.

No presente artigo analisaremos o filme Visão: A vida de Hildegarde Von Bingen, 2009, verificando o esforço da cineasta alemã Margarethe Von Trotta para estabelecer um modelo exemplar de feminino a partir da vida da visionária Hildegarde Von Bingen, tendo como pano de fundo a sua carreira ligada à questão do Feminismo. A exemplaridade surge como um dos pontos altos dos filmes de Vida de Santo, ou hagiografia fílmica, por essa razão verificaremos sua estética, estrutura e finalidade. Bem como traçaremos as relações necessárias entre a personagem histórica, sua música, seu pensamento, com o que dela sobressai na obra cinematográfica. Por método, partimos incialmente apenas da obra midiática, decupando-a, estudando sua narrativa, forma estética e estrutura, para só então levantar as questões mais importantes ali colocadas relacionando-as com os fatos sociais.

Embora não tenha sido predominante no Cinema Novo, a música de vanguarda do século XX não deixou de estar presente em filmes de Glauber Rocha, Walter Lima Júnior e Joaquim Pedro de Andrade, englobando obras preexistentes de Edgar Varèse, Pierre Schaeffer, Pierre Henry, Michel Philippot, Marlos Nobre, Ernst Widmer, Jaceguay Lins, Walter Smetak, Jon Appleton e Al Kooper. Fazemos um mapeamento dessa produção e analisamos como as músicas desses compositores se associam às imagens, seja de modo mais convencional, seja com proposições criativas. Observamos o papel da produção fonográfica da época para essas escolhas e a relação dos diretores com um repertório em geral contemporâneo aos filmes.

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The aim of the article is to investigate the historical formation of the method of film analysis in Jean-Claude Bernardet based on two fundamental books that make up a corpus written over 20 years: Brasil em tempo de cinema (1967) and Trajetória crítica (1978). Here we start from the hypothesis that the close reading of these books allows us to understand the formation of the critical method in Bernardet, which passes from the author analysis to the paradigm of conscientization until reaching the post-structuralist ambition of an examination of how class struggles operate in the form filmic. We will argue that this movement should not be seen as a mere escape forward, but as a reflexive overcoming. To understand it, we make use of some postulates of dialectics, such as those proposed by the materialist tradition. Thus, it was necessary to relate the internal analysis of the texts to the social totality, in which, by the way, we follow our author. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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A proposta deste artigo é a de verificar traços do cinema noir em um filme italiano que rompe com o período que na Itália é tradicionalmente compreendido como o do cinema noir clássico. Para além disso, a obra analisada, L’ultimo capodanno (Marco Risi, 1998), pode ser facilmente percebida como pertencente ao gênero comédia. No entanto, empreende-se aqui uma tentativa de orientar para um olhar mais complexo sobre ela, identificando-se elementos do cinema noir ou neonoir e situando-os em uma narrativa que a priori conduziria acentuadamente para uma outra noção de gênero. Como orientação metodológica, aponta-se a análise fílmica, destacando-se principalmente os autores Jacques Aumont e Michel Marie (2009), e Francis Vanoye e Anne Goliot-Lété (2009). Defende-se que L’ultimo Capodanno se trata de um filme neonoir, que rearranja elementos do noir clássico, tratados em condições particulares, contribuindo deste modo para uma nova alternativa de manifestação deste gênero em sua condição neonoir.

Objetiva-se realizar uma análise fílmica do filme “Fuja” para discussão da Síndrome de Munchausen por Procuração, a partir da perspectiva psicanalítica. Tal psicopatologia se caracteriza pela fabricação de sintomas no corpo da criança, fazendo com que ela seja submetida a tratamentos médicos desnecessários. Tal metodologia se justifica pela importância desse quadro psicopatológico, pouco conhecido e discutido na literatura, entendendo-se que a análise fílmica pode ampliar a compreensão acerca da Síndrome de Munchausen por Procuração e contribuir para a formação em Psicologia. Para discussão, dividiu-se o material fílmico em quatro categorias: o desencadeamento da síndrome, os atos em si, a descoberta pela filha das ações da mãe, e, por fim, os desdobramentos finais. Espera-se que as discussões apresentadas possam contribuir para o maior conhecimento acerca da síndrome, favorecendo a capacitação de profissionais na área.

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O filme A grande cidade (1966), de Carlos Diegues, é dividido em quatro capítulos por subtítulos, que correspondem a seus quatro personagens principais: Luzia, Jasão, Inácio e Calunga. Por meio de procedimentos de análise fílmica, demonstramos que as músicas do filme também podem ser divididas em capítulos, sendo mais relacionadas a cada um dos personagens. Essa divisão ocorre por gêneros musicais ou por um conjunto de músicas de um mesmo compositor (obras de Villa-Lobos para Jasão e, principalmente, canções populares para Inácio), além de demarcar o papel essencial dos personagens Luzia (elo entre os outros) e Calunga (o personagem-narrador) por sua associação com as duas músicas principais do filme: o “Concerto para piano e orquestra em formas brasileiras”, de Heckel Tavares, e o samba “A grande cidade”, de Zé Keti.

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O trabalho objetiva, a partir da análise do filme Milano Calibro 9, abordar a perspectiva hedonista do cinema noir italiano. Elegese o elemento femme fatale como foco central de observação. Observa-se, prioritariamente, a visualidade da obra, buscandose regularmente os elementos concretos e visíveis de trabalho da direção de arte. A análise é conduzida por uma construção metodológica compreendida a partir de alguns pressupostos da Análise Fílmica, destacando-se, para tal, os autores Jacques Aumont e Michel Marie, e, Francis Vanoye e Anne Goliot-Lété, e também da proposição metodológica de Diane Rose. A pesquisa permite apontar e refletir sobre o modo como a femme fatale, em seu potencial hedonista, direciona as demais personagens e funciona como elemento fundamental para a condução da narrativa.

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The documentary Citizenfour, directed by Laura Poitras, tells the story of the data leak by Edward Snowden, a senior analyst at the United States National Security Agency (NSA), which granted him access to confidential documents. In view of this, we conducted a film analysis of the documentary as a way to understand the optics of transparency and protection of personal data from the perspective of the Brazilian public administration. The documentary makes reference to the data policy undertaken by the United States government in relation to its citizens, by demonstrating that there is a high power of surveillance without a legal regulatory apparatus for such a situation when the US government itself denied undertaking any kind of surveillance. In reflection of the Brazilian context, legal orders in this sense have been instituted, and the efforts in the processes of inspection and control in the direction of transparency in the fight against corruption are relevant and constant. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

The present paper, starting from the articulation of the concepts of dialogism, as initially defended by Bakhtin, argues that a film is a cultural product inscribed in a socio-historical period. The proposal was to interrogate the film, since it offers a set of representations that refer directly or indirectly to the society. For that, the film Melancolia, by director Lars von Trier, was chosen as the work analyzed. The methodology used was a qualitative approach, with procedures for a deconstruction of some scenes, chosen in a non-probabilistic way, but that contemplate the whole in its parts. The analysis focused in particular on the direction of photography and the analysis of the script as a philosophical argument, all to understand the major discursive construction proposed in the work. This paper has a philosophical-eschatological analysis and a search to understand how the direction of photography helps to better build the end of the world. Thus, the narrative of the film is better understood when thought from intertextuality, when considering the various voices of speech, such as chromatic color, paintings, formats, history, works of art (patterns and processes inserted in the film). [ABSTRACT FROM AUTHOR]

In this article we will analyze the film Vision: The Life of Hildegarde Von Bingen, 2009, by Margarethe Von Trotta, verifying the effort of the German filmmaker to establish an exemplary model of feminine, using the life of the visionary Hildegarde Von Bingen. As background, the filmmaker's own career linked to the issue of Feminism. The exemplarity appears as one of the important points of the films of saint life, or film hagiography. For this reason we will check its aesthetics, structure and purpose. As well as we will draw the necessary relations between the historical personage, its music, its thought, with the image that it excels in the cinematographic work. By method, we start from the media work only, decapping it, studying its narrative, aesthetic form and structure, only then to raise the most important questions placed there relating them to social facts. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Os estudos de narrativas autobiográficas – ou escritas de si –, como apontam autores como Arfuch, encontraram grande fonte de análise na literatura. O presente artigo procura traçar um panorama geral desses aspectos autobiográficos no cinema, tendo por objeto o filme Amarcord, do diretor italiano Federico Fellini. Aliando elementos de análise fílmica (às considerações de Philippe Lejeune sobre narrativas autobiográficas, verificamos que Amarcord se situa em uma fronteira entre rememoração e criação que, além de apontar para o potencial (res)significador do cinema, mimetiza a natureza coletiva e potencialmente contraditória da realidade. Acreditamos que o filme se utiliza de recursos do romance autobiográfico para tratar de questões como a (re)construção do eu, o anuviamento dos limites entre o ficcional e o real e a impossibilidade de composição totalmente individual dos sujeitos.

Este trabalho tem como objetivo geral analisar as características empreendedoras de Walt Disney presentes no filme “Walt Antes do Mickey” e como objetivos específicos, Busca-se apresentar os principais modelos de empreendedores na literatura; identificar, na narrativa, elementos dos modelos de empreendedores da literatura abordada e traçar um perfil das características empreendedoras em Walt Disney. A metodologia alicerça-se na análise do filme “Walt Antes do Mickey”, abordando qualitativamente e com coleta de dados através de observação fílmica respaldada pelo estudo observacional indireto e não participante, com o intuito de realizar um paralelo entre o filme e as características do empreendedor situadas no referencial teórico. A pesquisa possui, como resultados, a identificação de características em Walt Disney, como disposição a correr riscos e compromisso, que são apontadas como essenciais ao sucesso empreendedor. Conclui-se, através do filme, a existência de várias características atreladas ao perfil do empreendedor em Walt Disney.