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This article discusses the extent to which Juan Rulfo’s Pedro Páramo (1955) includes contemporary Latin American narratological perspectives and social memory. The work attempts to disrupt and invert the hierarchy and traditional aesthetics of the text, as both plausible and implausible elements are incorporated, subverting the ritualized practices of former official discourses. Pedro Páramo is similar to other revolutionary works in its transgression of current writing standards and the way it approached the themes of conflict and revolution in the Latin American context. Este artigo pretende refletir em que medida a obra Pedro Páramo (1955), de Juan Rulfo, encerra perspectivas da narrativa contemporânea latino-americana e abarca uma memória social. Observa-se na obra, uma tentativa de rompimento e de inversão com a hierarquia e com a estética tradicional do texto, à medida que o verossímil e o inverossímil se incorporam, subvertendo as práticas ritualizadas dos discursos oficiais até então praticados. Pedro Páramo coloca-se ao lado de outras obras responsáveis pela revolução, no sentido de transgressão às normas vigentes de estilo da escrita e na forma de abordar a temática de conflitos e revoluções no contexto latino-americano.

IX Congresso Brasileiro de Hispanistas realizado nos dias 22 a 25 agosto 2016 Este texto apresenta um estudo sobre a produção críticoliterária, pós 1930, de Oswald de Andrade, ao reconhecer na obra oswaldiana, práticas de uma escritura pautada no exercício crítico sobre a própria obra. Tais práticas foram delineadas pelo autor nas décadas de 1940 e 1950 e fundam uma produção ensaística produzida por escritores/intelectuais no campo da literatura e do teatro no contexto contemporâneo, que podem ser marcos da chamada crítica da escritura no Brasil e na America Latina. Destacase a importante contribuição oswaldiana para os estudos de literatura e de cultura no contexto latinoamericano, considerandose as formulações conceituais a partir da noção de antropofagia e suas derivações: “autofagia”, “contaminação”, “assimilação crítica”, “práticas textuais híbridas”, “devoração crítica” e outras expressões largamente empregadas pela crítica contemporânea. A ideia de antropofagia presente no Manifesto Antropófago (1928) carrega em si o aspecto da ambivalência contida na devoração consciente do outro, como princípio universal, presente na origem de todo ato criativo e renovador. Nesse sentido, a noção de devoração/canibalismo pode ser verificada, tanto na produção literária, dramaturgica quanto na produção ensaística pós 1930 de Oswald de Andrade. O texto que aqui se apresenta parte, pois, motivado pela leitura da produção escrita pós1930, do autor, em especial, o interesse, se volta para a produção ensaística, compilada nos livros Ponta de lança (1945) e Estética e política (1954) e os textos reunidos em A Utopia Antropofágica (1990), a fim refletir sobre a retomada da antropofagia empreendida por Oswald de Andrade, quase duas décadas depois do conhecido Manifesto Antropófago e as implicações estéticas e políticas dessas formulações na crítica literária contemporânea hispano e latinoamericana UNILA­-UNIOESTE

Questões que dizem respeito à forma como a literatura dialoga com a realidade consistem, desde os tempos de Aristóteles, em motivadoras de inúmeras discussões. Nesse sentido, o presente artigo parte da leitura do conto “El outro”, de Jorge Luis Borges, a fim de buscar um entendimento de como se dá a construção dessa produção literária como representação. Considerando o seu contexto de inserção, objetiva-se, por meio das considerações de estudiosos tais como Costa Lima (2003), Compagnon (2001) e Aristóteles (1984), compreender a relação que o texto ficcional em pauta estabelece com o que se tem por realidade e com outros discursos literários., Questions in regards to the way literature communicates with reality consist, since the times of Aristotle, in motivators of countless discussions. In this sense, the present paper starts from the reading of the short story "El Outro", by Jorge Luis Borges, with the intention of searching for an understanding of how this literary production is constructed as representation. Considering its insertion context, one seeks, with means of the considerations from scholars such as Costa Lima (2003), Compagnon (2001) and Aristotle (1984), to comprehend the relation that the mentioned fictional text establishes with what is regarded as reality and with other literary discourses.

O presente artigo pretende refletir sobre a dificuldade de produção de textos, nas modalidades acadêmicas e científicas no ensino superior. Diante disto, busca-se levantar alguns questionamentos, promover algumas reflexões, suscitar dúvidas a respeito das práticas de escrita e leitura dos acadêmicos, práticas estas pertinentes tanto à sua condição de sujeito/cidadão quanto à de universitário e de futuro profissional de sua área. A alfabetização e o letramento, processos pelos quais o sujeito passa em sua vida, e em grande parte dela, escolares, são perpassados por ações que estão intimamente ligadas à subjetividade e às concepções que cada um dos atores que participam deste processo têm da leitura e da escrita ao longo do percurso de suas vidas.

The present study intends to reflect about the structure and meaning elements that bring closer the play As Primícias (1970), by Dias Gomes, and the tragedy gender. Nevertheless, the play move away from the gender in some points, in others, maintain strong intertextuality with the old tragedy concerning to the heroin stylization, to the presence of radical contradictions and to the intervening function of the chorus. Este estudo pretende refletir sobre a personagem feminina na peça As Primícias (1970), de Dias Gomes, nos aspectos referentes à ruptura e dissidência, representados a partir de elementos estruturais que se aproximam do gênero trágico. Embora a peça distancie-se do gênero em alguns pontos, em outros, mantém forte intertextualidade com a tragédia antiga no que se refere à estilização da heroína, à presença das antinomias radicais e à função interventiva do coro.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:35:38Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2003-05-09Bitstream added on 2014-06-13T20:46:39Z : No. of bitstreams: 1 alves_lk_dr_assis.pdf: 553093 bytes, checksum: 04a8a46d93c198707f73d71aa1a512e5 (MD5) Este trabalho apresenta um estudo comparativo entre Antígona (442 a.C.) de Sófocles e as peças O Pagador de Promessas (1960), O Santo Inquérito (1966) e As Primícias (1977), do dramaturgo contemporâneo Dias Gomes, a fim de observar a presença e a transformação do gênero trágico no teatro contemporâneo. As peças, observadas pelo perfil das personagens protagonistas, podem ser lidas a partir de uma tipologia do herói trágico, na medida em que apresentam uma forte tonalidade trágica na construção das personagens e na sua estrutura interna travando um diálogo intertextual com a tragédia antiga. A literatura comparada é a teoria que estabeleceu o caminho inspirador deste trabalho e, dado o seu caráter dialógico, determinou as partes e seqüências do mesmo. Sob o enfoque da literatura comparada observa-se que a dramaturgia de Dias Gomes, especialmente as peças aqui analisadas, apresentam traços de construção da personagem trágica que ora se aproximam, ora se distanciam de Antígona de Sófocles. A presente tese está estruturada em cinco capítulos: a primeira parte apresenta a fundamentação teórica, partindo de uma exposição panorâmica sobre a literatura comparada, método comparativo, histórico e evolução da concepção do método e da disciplina; material que subsidiará a análise das peças que constituem o objeto de estudo aqui apresentado. Na seqüência, a segunda parte faz um estudo sobre a sociedade grega e o teatro trágico, na tentativa de se compreender o processo criativo, as relações temáticas, a estrutura do gênero e a formação do herói trágico, para então, na terceira parte, apresentar... This is a comparative study between Sophocles' Antigone (442 B.C.) and the plays O Pagador de Promessas (1960), O Santo Inquérito (1966) and As Primícias (1977) by the contemporary playwright Dias Gomes in order to look at the presence and the transformation of the tragic genre in the contemporary theater. The plays, taking into account the profile of the protagonists, can be read from a tragic hero typology, since they present a strong tragic tone in the construction of the characters and in their internal structure, establishing an intertextual dialogue with the ancient tragedy. Comparative Literature is the theory that indicated the inspiring path of this work and, given its dialogic essence, determined its parts and sequence. From a comparative stance, Dias Gomes's dramatic craft, particularly the plays analyzed here, presents traces of the construction of the tragic character, which at times resemble and at times differ from Sophocles' Antigone. This dissertation is structured in five chapters: the first part presents the theoretical foundation, starting with an overview of Comparative Literature, the comparative method, history and development of the method and the discipline, all of which will give support to the analysis of the plays focused here. The second part is a study of the Greek society and the tragic theater, in an attempt to understand the creative process, the thematic relations, the structure of the genre and the formation of the tragic hero so as to present, in the third part, a contextualizing study about Sophocles and the tragedy Antigone. Antigone was interpreted based on the meanings that characterize the tragic dimension... (Complete abstract, click electronic access below)

Submitted by Edineia Teixeira (edineia.teixeira@unioeste.br) on 2018-11-08T13:48:45Z No. of bitstreams: 2 Sandra_Silva_2018.pdf: 1053978 bytes, checksum: 44a284d8cb94dba426f9246bfe53216d (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Made available in DSpace on 2018-11-08T13:48:45Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Sandra_Silva_2018.pdf: 1053978 bytes, checksum: 44a284d8cb94dba426f9246bfe53216d (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2018-08-09 This dissertation contemplates a comparative study between the dramaturgical text The Threepenny Opera (1928) and The Threepenny Novel (1934), by Bertolt Brecht, in which focuses the comprehension of the esthetic elements developed by Brecht in the epic theater: distancing effect and social gestus. The research presents reflections on the development and self-appropriation of the conceptual formulations proposed by Brecht in different textual genres, but which maintains narrativity, since epic theater is essentially narrative. Understanding the formal differences among literary genres, temporalities and historical contexts, we tried to verify how Brecht transmigrates elements of his dialectical epic theater to the romanesque narrative and how these elements contribute to read the social relations and their historical and idiosyncratic temporalities. The research also presents a study on Brazilian theater groups and collectives that re-elaborate Brechtian aesthetics in their plays in contemporary times. So, the present dissertation is articulated from three parts, named as acts. Act One has a reflection on the theory of the Brechtian dialectic theater, especially on the distancing effect and the social gestus, and based on these reflections, it is analyzed how these elements of the Brechtian theater are presented in the play The Threepenny Opera. Act Two presents a comparative analysis between the play and the novel, showing how the epic theater elements are presented in The Threepenny Novel. In Act Three we reflected on the scope of the Brechtian aesthetics in the Brazilian Collectives of Theater Companhia do Latão, Companhia do Feijão and Coletivo de Teatro Alfenim, and how these groups reimport the Brecht’s aesthetic. Esta dissertação contempla um estudo comparado entre o texto dramatúrgico A Ópera dos Três Vinténs (1928) e o Romance dos Três Vinténs (1934), de Bertolt Brecht, no qual se foca a compreensão dos elementos estéticos desenvolvidos por Brecht no teatro épico: efeito de distanciamento e gestus social. A pesquisa apresenta reflexões sobre o desenvolvimento e as autoapropriações das formulações conceituais propostas por Brecht em gêneros textuais diferentes, mas que mantêm entre si a narratividade, uma vez que o teatro épico é essencialmente narrativo. Compreendendo-se as diferenças formais entre gêneros literários, temporalidades e contextos históricos, procurou-se verificar de que modo Brecht faz transmigrar elementos do seu teatro épico dialético para a narrativa romanesca e como tais elementos contribuem para para que se leia deles as relações sociais e suas temporalidades históricas e idiossincrasias. A pesquisa apresenta também um estudo sobre grupos e Coletivos de Teatro Brasileiros que reelaboram a estética brechtiana em suas peças na contemporaneidade. Desse modo, a presente dissertação está articulada a partir de três partes, intituladas como atos. O Ato I volta-se para a reflexão sobre a teoria do teatro dialético brechtiano, em especial sobre o efeito de distanciamento e o gestus social. Com base nestas reflexões, analisa-se como esses elementos do teatro brechtiano se apresentam na peça teatral Ópera dos Três Vinténs. O Ato II apresenta uma análise comparativa entre a peça e o romance, mostrando como tais elementos do teatro épico se fazem presentes no Romance dos Três Vinténs. No Ato III, refletimos sobre o alcance da estética brechtiana nos Coletivos de teatro Companhia do Latão, Companhia do Feijão, Coletivo de Teatro Alfenim, e como esses grupos ressignificam a estética brechtiana.

Submitted by Edineia Teixeira (edineia.teixeira@unioeste.br) on 2022-10-17T19:29:38Z No. of bitstreams: 2 Vanderlei _Kroin.2022.pdf: 2208133 bytes, checksum: 6c8712a5fdbecad448a431e6835d973a (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Made available in DSpace on 2022-10-17T19:29:38Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Vanderlei _Kroin.2022.pdf: 2208133 bytes, checksum: 6c8712a5fdbecad448a431e6835d973a (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2022-07-12 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES This work aims to investigate the poetic imaginary operating in the conjuncture of the works of the authors Leonilda Hilgenberg Justus and Olga Grechinski Zeni, from Paraná, analyzing the lyrical images of love and the divine/religious built throughout the verses. It was also an objective to observe how these images intertwine and talk with one another, relating to the mythical and in a communion with images of nature. In order to do that, this study is based on the theory of the imaginary of Gilbert Durand (1995; 1996; 2002; 2014) and the phenomenology of Gaston Bachelard (1989; 1993; 1994; 2001; 2003; 2009; 2013; 2018) and it is also anchored on poetic theories, focused on writers such as Octavio Paz (1972; 1979; 1993; 1994), Alfredo Bosi (2000), Mikel Dufrenne (1969), Ana Maria Lisboa de Melo (2002), Maria Zaira Turchi (2003), among others. The poetic investigation also has a strong dialogue with other areas, such as Plato’s philosophy (1999; 2005) and Aristotle (2013) and theoretical considerations on love and religion, found in authors such as Clive Staples Lewis (2017) and Denis de Rougemont (1988). In a similar way, since this is a literary study (poetry), characterized by its multiple meanings and as a cultural and symbolic heritage of humanity, we traced approaches of the poetic with other areas such as the psychoanalysis of Carl Gustav Jung (1982; 1987; 2005; 2008; 2011) and the history of myths and religions of Mircea Eliade (1972; 1991; 1998; 2018). Simultaneously, since the work of literature is a means of knowledge and cultural expression, the objective is to portray these two poetic voices as active subjects whose names deserve to be highlighted in the literary scenario of Parana, since they also contributed with the growth of literature in the state. Este trabalho tem por objetivo investigar o imaginário poético operante na conjuntura da obra das autoras paranaenses Leonilda Hilgenberg Justus e Olga Grechinski Zeni e analisar as imagens líricas do amor e do divino/religioso construídas no decorrer dos versos. Pretende-se, ainda, observar como essas imagens se entrelaçam e dialogam entre si, relacionam-se com o mítico e comungam com as imagens da natureza. Para tanto, o estudo pauta-se na teoria do imaginário de Gilbert Durand (1995; 1996; 2002; 2014) e na fenomenologia de Gaston Bachelard (1989; 1993; 1994; 2001; 2003; 2009; 2013; 2018) e alicerça-se também na crítica e teoria poéticas, centrando-se em estudiosos como Octavio Paz (1972; 1979; 1993; 1994), Alfredo Bosi (2000), Mikel Dufrenne (1969), Ana Maria Lisboa de Melo (2002), Maria Zaira Turchi (2003), entre outros. A investigação poética também dialoga com outras áreas, como a filosofia de Platão (1999; 2005) e Aristóteles (2013) e considerações teóricas sobre amor e religiosidade, presentes em autores como Clive Staples Lewis (2017) e Denis de Rougemont (1988). De igual modo, por se tratar do estudo da literatura (poesia), caracterizada pela sua plurissignificância e como um patrimônio cultural e simbólico da humanidade, tecemos aproximações do poético transversalmente com outras áreas, como a Psicanálise de Carl Gustav Jung (1982; 1987; 2005; 2008; 2011) e com a história dos mitos e das religiões, de Mircea Eliade (1972; 1991; 1998; 2018). Paralela e concomitantemente, sendo a obra literária um meio de conhecimento e expressão cultural, objetiva-se sinalizar essas duas vozes poéticas como sujeitos ativos e cujos nomes merecem destaque dentro do cenário literário do Paraná, pois que são também contribuidoras com o crescimento da literatura no estado

Submitted by Edineia Teixeira (edineia.teixeira@unioeste.br) on 2022-08-22T17:32:27Z No. of bitstreams: 2 Thays _Bonato2022.pdf: 1712268 bytes, checksum: 72325bbb568e1c68e7d357094220dded (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Made available in DSpace on 2022-08-22T17:32:27Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Thays _Bonato2022.pdf: 1712268 bytes, checksum: 72325bbb568e1c68e7d357094220dded (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2022-06-06 In this dissertation we present a comparative analysis between the science fiction works Brave New World (1932; 2014), The Left Hand of Darkness (1969; 1979) and The Handmaid’s Tale (1985; 2017), in order to analyze the different perspectives of maternity worked by these authors. There is also a look beyond motherhood, in the mother's own figure, her presence or absence in the narrative. We used scholars in the area of gender and motherhood such as BADINTER (1985, 1986, 2011), BEAUVOUIR (2014), FEDERECI (2017, 2019), FORNA (1999), KNIBIEHLER (2000), KITZINGER (1978) and SERRURIER (1993). There is also the presence of psycho analytic authors such as BENHAÏM (2007) and JUNG (2019). In addition to science fiction scholars who helped us understand the genre and its minutia such as BOOKER (1994), BLOOM (1987), CAUSO (2003), CLUTE (1995), ROBERTS (2000, 2018), SUVIN (1988, 2010) and TAVARES (1986). These authors acted as a driving force in our analysis, enabling a better understanding of the themes that we proposed to analyze. In this study, we carried out a comparative look between the maternity hospitals present in the afore mentioned novels, demonstrating the illustrated maternal plurality extracted from works of SF Nesta dissertação apresentamos uma análise comparativa entre as obras de ficção científica Admirável Mundo Novo (1932; 2014), A Mão Esquerda da Escuridão (1969; 1979) e O Conto da Aia (1985; 2017), com o objetivo de analisar as diferentes perspectivas de maternidade trabalhadas pelos respectivos autores. Há, ainda, um olhar além da maternidade, na própria figura materna da mãe, sua presença ou ausência na narrativa. Utilizamos de estudiosos da área de gênero e da maternidade como BADINTER (1985, 1986, 2011), BEAUVOUIR (2014), FEDERECI (2017, 2019), FORNA (1999), KNIBIEHLER (2000), KITZINGER (1978) e SERRURIER (1993). Há também a presença de autores da psicanálise como BENHAÏM (2007) e JUNG (2019). Além de estudiosos da ficção científica que nos auxiliaram a compreender o gênero e suas minúcias como BOOKER (1994), BLOOM (1987), CAUSO (2003), CLUTE (1995), ROBERTS (2000, 2018), SUVIN (1988, 2010) e TAVARES (1986). Esses autores funcionaram como uma mola propulsora em nossa análise possibilitando uma melhor compreensão dos temas a que nos propusemos analisar. Realizamos, neste estudo, um olhar comparativo entre as maternidades presentes nos romances supracitados, demonstrando a pluralidade materna ilustrada e extraída de obras da FC, com foco para o que definimos como: maternidade industrial, maternidade anárquica e maternidade transferida.

Submitted by Edineia Teixeira (edineia.teixeira@unioeste.br) on 2022-10-25T17:25:26Z No. of bitstreams: 2 Ana _Barros.2022.pdf: 2174366 bytes, checksum: 71fcab35fe9a97ee1ce41e11452d7c32 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Made available in DSpace on 2022-10-25T17:25:26Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Ana _Barros.2022.pdf: 2174366 bytes, checksum: 71fcab35fe9a97ee1ce41e11452d7c32 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2022-05-11 This research has been an opportunity to analyze possible relations between cinema and the essay production and may contribute to the Comparative Studies area, as well as to Music Therapy reseach. The essay, object of study produced by Oliver Sacks, “The Last Hippie” and the film work inspired by it, The Music Never Stopped, whose director is Jim Kohlberg. The research question based on the perspective of “translation”, as passage and presence, is about possible passages and/or rendezvous, here understood in the blurring of limits between an essay and a film work, based on the theoretical-philosophical perspective of Bourriaud and Gumbrecht, and on the studies about essay and film, but also on professionals’ approach in Music Therapy area concerning the film. It is possible “another perspective” configured in an act of creation, able to translate and pass an idea into an object, an image into a form, or from a form into an idea. Music as an idea, in an object of investigation, in a film, an image, for example, on approaching music therapy, is thinking about it in music therapy, as a creation, possibility of Stimmung, as well as radicant. This theoretical practical research has a qualitative approach with the possibility to “listen” to music therapists. Thus, to record the research subjects’ eye-looks, a table was filled in by them, previously prepared with eleven scenes from the film and three observation points. The basic idea was that, in the distance from the film presence, from sensations caused by its poetics, the subject could describe freely about images that were recorded, with gifted access to the experiences and their practices. In those rendezvous and passages among essay, film work and discussion of music therapist’s role, the idea was to discuss in favor of a possible “other perspective” to think about music in music therapy, the essay in the passage to the film, as a …radicant creation, poetry, and Stimmung O estudo proposto é uma oportunidade para analisar possíveis relações entre cinema e produção ensaística e poderá contribuir para o desenvolvimento da área de conhecimento dos Estudos Comparados, bem como para área de Musicoterapia. O ensaio “O último hippie”, objeto de estudo produzido por Oliver Sacks, e a obra fílmica inspirada nele, A música nunca parou, sob a direção de Jim Kohlberg. A questão da pesquisa baseia-se na perspectiva de “tradução”, como passagem e presença, é sobre as possíveis passagens e/ou encontros, aqui entendidos no esmaecer dos limites entre ensaio e obra fílmica, com base na perspectiva teórico-filosófica de Bourriaud e Gumbrecht, e pelos estudos sobre ensaio e filme, mas também pela visão dos profissionais da área da Musicoterapia sobre o filme. Vê-se a possibilidade de “outro olhar” configurado em um ato de criação capaz de traduzir e passar uma ideia em um objeto, uma imagem em uma forma, ou de uma forma em uma ideia. A música como ideia, em um objeto de investigação, em um filme, uma imagem, por exemplo, na forma de abordar a musicoterapia, pensar a música na musicoterapia, enquanto criação, possibilidade de Stimmung, bem como radicante. A pesquisa teórico-prática tem uma abordagem qualitativa com a opção do trabalho de campo para “ouvir” musicoterapeutas. Para registrar os “olhares” dos sujeitos da pesquisa, um quadro foi preenchido por eles, previamente elaborado com onze cenas do filme em destaque e três pontos de observação. A ideia básica era que, no distanciamento da presença do filme, das sensações provocadas pela poética desse, o sujeito pudesse descrever livremente sobre as imagens que ficaram marcadas, com acesso privilegiado às experiências e suas práticas. Nos encontros e passagens entre o ensaio, a obra fílmica e a discussão do papel do musicoterapeuta, a ideia foi argumentar em favor de um possível “outro olhar” para pensar a música na musicoterapia, o ensaio na passagem para o filme, enquanto criação, poesia, enquanto Stimmung, sendo radicante.

Submitted by Neusa Fagundes (neusa.fagundes@unioeste.br) on 2022-03-22T18:14:54Z No. of bitstreams: 2 Rosselane_Giordani2021.pdf: 10668492 bytes, checksum: 8f0b731a70c5713431775032eed54e45 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Made available in DSpace on 2022-03-22T18:14:54Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Rosselane_Giordani2021.pdf: 10668492 bytes, checksum: 8f0b731a70c5713431775032eed54e45 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2021-12-09 Dive into the labyrinths of the poetics of a writer who turned his work into a politicalaesthetic act. In this research gesture, we delve into the universe of the writer and journalist João Antônio Ferreira Filho, an exponent in Brazilian literature of the 1960s and 1970s for exacerbating in his writing the soul of a forgotten people, of an underworld undermined by the discourse of progress and development. . The objective of this research is to look behind the scenes of his literary creation, revealing nuances of his trajectory as a journalist and writer that reverberated in the composition of his writing. The guiding thread of this trajectory intertwines his trajectory in journalism and his permanent wandering through urban landscapes, impregnated with a melancholy and scathing look at social reality. We investigate how the writer-subject is shaped and crossed by historical time, while his writing carries marks of his experiences, constituting a literary writing that transits the shifting frontiers of autobiography and autofiction. The João-Antonian narrator transits and intertwines memories and social perceptions and re-elaborates them, in a writing that moves through a wanderernarrator who transits through the urban landscape and through the author's memories. The research paths put us at the forefront of a hybrid narrative: between memories, autobiographies, historical and documentary records, re-creations of the urban landscape and its survivors, as well as the exacerbation of his feeling about the bare reality. To undertake the analysis, we focus on manuscripts, from the methodological approach of Genetic Criticism. We intertwine the writing movements from the composition of a dossier, which permeates interviews published in newspapers, correspondence with friends and critics, in which the writer records his ideas about literature, journalism and the composition of his characters, as well as fragments of works published in books. The course of the research puts biographical fragments of his personal trajectory into an interface, which is crossed by his perception of social marginality, resulting in an aesthetic and political project. The search for a cartography of writing movements leads us to a theoretically based composition. We start from the reflections of Genetic Criticism as a methodological basis (Louis Hay, Almuth Grésillon, Phillipe Willemart, Cecília Salles), which also repositions the subject of writing. We intertwine biographical fragments to recompose his training trajectory, and which will lead to his writing. From their experiences and critical look at social reality, in the faceto-face with life arises a literature of reality tattooed with the mark of marginality, from which we seek an interface with theoretical reflection subsidized by Aníbal Quijano and Antônio Cândido. From this dimension of writing reverberates its political and aesthetic project, and the reflections on form and content, which we seek support in Georg Lukács and Fredric Jameson. From the writer's relationship with the social to the implosion of form, a hybrid writing pulses that materializes through a wanderernarrator, a central figure in his creative process of autofiction. Category this central that we will seek support in Walter Benjamin, Serge Doubrovsky, Philippe Lejeune and Anna Faedrich. Embrenhar-se nos labirintos da poética de um escritor que fez de sua obra um ato político-estético. Nesse gesto de pesquisa, mergulhamos no universo do escritor e jornalista João Antônio Ferreira Filho, um expoente na literatura brasileira dos anos de 1960 e 1970 por exacerbar na sua escrita a alma de uma gente esquecida, de um submundo solapado pelo discurso do progresso e desenvolvimento. O objetivo desta pesquisa consiste em olhar para os bastidores da sua criação literária, desvendando nuances da sua trajetória como jornalista e escritor que reverberaram na composição de sua escrita. O fio condutor dessa ação entrelaça sua trajetória no jornalismo e o seu deambular permanente pelas paisagens urbanas, impregnado de um olhar melancólico e mordaz sobre a realidade social. Investigamos de que forma o sujeitoescritor se molda e é atravessado pelo tempo histórico, ao mesmo tempo em que sua escrita carrega marcas de suas vivências, constituindo uma escrita literária que transita pelas fronteiras movediças da autobiografia e da autoficção. O narrador joãoantoniano transita e entrelaça memórias e percepções sociais e as reelabora, em uma escrita que se movimenta através de um narrador-andarilho que transita pela paisagem urbana e também por memórias do autor. Os caminhos de pesquisa nos colocam a frente de uma narrativa híbrida: entre memórias, autobiografias, registros históricos e documentais, re-criações da paisagem urbana e de seus sobreviventes, do mesmo modo como a exacerbação do seu sentimento sobre a realidade descarnada. Para empreender a análise, nos debruçamos sobre manuscritos, a partir da abordagem metodológica da Crítica Genética. Entrelaçamos os movimentos de escritura a partir da composição de um dossiê, que perpassa entrevistas publicadas em jornais, correspondências a amigos e críticos, nas quais o escritor registra suas ideias sobre literatura, jornalismo e composição de seus personagens, assim como fragmentos de obras publicadas em livros. O percurso da pesquisa coloca em interface estilhaços biográficos da trajetória pessoal, que é atravessada por sua percepção sobre a marginalidade social, desembocando em um projeto estético e político. A busca por uma cartografia dos movimentos de escrita nos leva a uma composição de base teórica. Partimos das reflexões da Crítica Genética como base metodológica (Louis Hay, Almuth Grésillon, Phillipe Willemart, Cecília Salles), que também reposiciona o sujeito da escrita. Entrelaçamos estilhaços biográficos para recompor sua trajetória de formação e que vai desembocar em sua escrita. Das suas vivências e olhar crítico sobre a realidade social, no corpo-a-corpo com a vida, insurge uma literatura de realidade, tatuada com a marca da marginalidade, da qual buscamos interface com reflexão teórica subsidiada por Aníbal Quijano e Antônio Cândido. Desta dimensão da escrita reverbera seu projeto político e estético e as reflexões sobre forma e conteúdo, que buscamos suporte em Georg Lukács e Fredric Jameson. Do relacionamento do escritor com o social à implosão da forma, pulsa uma escrita híbrida que se materializa através de um narrador-andarilho, figura central em seu processo criativo de autoficção, categoria central em que vamos buscar suporte em Walter Benjamin, Serge Doubrovsky, Philippe Lejeune e Anna Faedrich.

Submitted by Neusa Fagundes (neusa.fagundes@unioeste.br) on 2022-03-09T17:20:05Z No. of bitstreams: 2 Adriano_Alves2021.pdf: 9496000 bytes, checksum: 75f6cd294d01770c6b80549bbd053461 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Made available in DSpace on 2022-03-09T17:20:05Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Adriano_Alves2021.pdf: 9496000 bytes, checksum: 75f6cd294d01770c6b80549bbd053461 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2021-12-03 The series Breaking Bad, created and produced by Vince Gilligan, was broadcast by the American television network AMC between 2008-2013. During its transmission, the series managed to win several prestigious awards, among them, 16 Emmys. The plot addresses issues such as conflict of moral / ethical values in relation to money - family/illness/cancer - drug trafficking. The study intention is to assimilate contemporary narratives, such as modular narrative (CAMERON, 2008), in the series Breaking Bad, in the context of hypermodern society (LIPOVETSKY; SERROY, 2018), more specifically the plot of interactions between characters, especially, Skyler White, Theodore (Ted) Beneke and Walter White, in relation to the Mimetic Theory elaborated by the historian, literary critic, anthropologist, philosopher, theologian, sociologist and French philologist René Girard, which, basically, would be the mimetic character of the intersubjective and interdividual desire of the subject in relation to the Another one that can lead to conflict situations. Therefore, the main interest is to demonstrate the escalation of violence in the narrative as a crescent spiral, which in turn can be transformed into an infinite effect similar to a geometric object of undefined orientation, such as the Möbius Strip and the Bottle of Klein. Wherefore, it was necessary to analyze certain images and transcripts of the episodes of the series Breaking Bad, more specifically of some fragments of the following episodes, namely: season 2 (Episode 7 - “Negro y Azul”; Episode 10 - “Over”; Episode 11 - “Mandala”) to articulate the principles of mimetic desire among the characters; season 3 (Episode 2 - “Horse Without a Name”; Episode 3 - “Sleep with Ted”) to verify the endorsement of interdividuality; and season 4 (Episode 9 - “Listen”; Episode 10 - “Health”; Episode 11 - “Cave”) to demonstrate the occurrence of the “mimetic spiral”. Concomitantly, a survey on modular cinematographic narrative is tensioned, with respect to contemporary narratives, in relation to the changes in our perspectives on time and space regarding hyperart in a hypermodern society. It is worth remembering that this study is not about the “hero's journey”. A série Breaking Bad, criada e produzida por Vince Gilligan, foi transmitida inicialmente pela rede de televisão norte-americana AMC entre os anos de 2008-2013, ao longo de sua transmissão, a série, conseguiu conquistar vários prêmios de prestígio, entre eles, 16 Emmys. A trama aborda temas como conflito de valores morais/éticos com relação ao dinheiro – família/doença/câncer – tráfico de entorpecentes. A intenção deste estudo é a de assimilar narrativas contemporâneas, como a narrativa modular (CAMERON, 2008), na série Breaking Bad, no contexto de sociedade hipermoderna (LIPOVETSKY; SERROY, 2018), mais especificamente o enredo das interações entre os personagens, principalmente, Skyler White, Theodore (Ted) Beneke e Walter White, em relação a Teoria Mimética elaborada pelo historiador, crítico literário, antropólogo, filósofo, teólogo, sociólogo e filólogo francês René Girard, que, basicamente, seria o caráter mimético do desejo intersubjetivo e interdividual do sujeito em relação ao Outro que pode ocasionar situações de conflitos. Portanto, o interesse maior é o de demonstrar a escalada de violência na narrativa como em uma espiral crescente, que por sua vez pode-se transformar em um efeito de infinito semelhante a um objeto geométrico de orientação não definida, como Faixa de Möbius e Garrafa de Klein. Para tanto fez-se necessário analisar determinadas imagens e transcrições dos episódios da série Breaking Bad, mais especificamente de alguns fragmentos dos seguintes episódios, a saber: temporada 2 (Episódio 7 – “Negro y Azul”; Episódio 10 – “Over”; Episódio 11 – “Mandala”) para articular os princípios do desejo mimético entre os personagens; temporada 3 (Episódio 2 – “Cavalo sem Nome”; Episódio 3 – “Transei com o Ted”) para averiguar o endossamento da interdividualidade; e temporada 4 (Episódio 9 – “Escuta”; Episódio 10 – “Saúde”; Episódio 11 – “Cave”) para demonstrar a possível ocorrência da “espiral mimética”. Concomitante, tensiona-se uma sondagem sobre narrativa modular cinematográfica, com respeito às narrativas contemporâneas, em relação as mudanças de nossas perspectivas sobre o tempo e o espaço no que se refere a hiperarte em uma sociedade hipermoderna. Vale lembrar que este estudo não é sobre a “jornada do herói”.

Submitted by Neusa Fagundes (neusa.fagundes@unioeste.br) on 2021-07-19T14:22:54Z No. of bitstreams: 2 Lysiane_Baldo2021.pdf: 2774257 bytes, checksum: 5ba6aa3b9ac270d8046ce1b21e40a9cd (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Made available in DSpace on 2021-07-19T14:22:54Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Lysiane_Baldo2021.pdf: 2774257 bytes, checksum: 5ba6aa3b9ac270d8046ce1b21e40a9cd (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2021-03-29 According to the development of several theoretical and practical propositions in some studies that lead the actor/performer to the focus of discussion of creative processes, profiles of contemporary theater are applied by performativity, in which the limits of theatricality are explored and, in some cases, even put in check. Dramatic theater can no longer embrace the needs of scenic experiments, which wide up in their forms of expression and point toward new horizons. The new possibilities for the scene bring structural changes to the field of dramaturgical creation and an expansion of dramaturgy concept is crucial. Thus, this study regarding “Me myself” is evidenced along the creating processes of a performative theater, which touches the boundaries between real and fictional and whose memory is at the core of the creative procedures of the actor/performer. According to this path, the central theme of this research comes out: dramaturgy of self-fictional memory in performative theater. Based on these assumptions and, taking as its corpus some artistic works of relevance in this theme and references in the performing arts, the objective is to understand how dramaturgy of memory is built along the creating processes of Kintsugi shows: 100 memories (2019) of Lume Teatro and Stabat Mater (2019) by actress Janaina Leite and to investigate it also from the perspective of a practical experience of scenic and dramaturgical creation. Therefore, the following questions were raised: from what perspectives has memory been set up in these shows/works? How can limits between “real” and fictional be defined in these scenic works? The methodology applied was based on the compared literature in text/ scene/ performativity analyses for composition processes. The theoretical scope pervades the core axes: dramaturgy, memory, self-fiction and performativity, delimiting itself mainly on the following authors: Hans-Thies Lehmann (1944- ), Renato Cohen (1956-2003), Josette Féral (1949-), Henri-Bergson (1859- 1941), among others. The author's self-fictional scenic investigation process is reported in the last chapter as a deployment, an understanding that pervades her body-memory in a ‘memory dramaturgy’ construction that, when is born in the scene, reaches the text. Por meio da evolução de inúmeras proposições teóricas e práticas nos estudos que trazem o ator/performer para o centro da discussão dos processos de criação, os contornos do teatro contemporâneo vão sendo permeados pela performatividade, em que os limites da teatralidade são explorados e, em alguns casos, até mesmo colocados em xeque. O teatro dramático já não consegue mais abarcar as necessidades das experimentações cênicas, que se ampliam em suas formas de expressão e apontam novos horizontes. Essas novas possibilidades para a cena acarretam transformações estruturais para o campo da criação dramatúrgica e um alargamento do conceito de dramaturgia se faz necessário. Nesta direção, o trabalho sobre o “eu” é evidenciado nos processos de criação de um teatro performativo, que fricciona as fronteiras entre o real e o ficcional e que têm a memória como centro dos procedimentos criativos do ator/performer. Neste caminho surge o tema central: dramaturgias da memória autoficcional no teatro performativo. Sob estes pressupostos e, tomando como corpus trabalhos artísticos de relevância nesta temática e referências nas artes da cena, o objetivo é compreender como a dramaturgia da memória se constrói nos processos de criação dos espetáculos Kintsugi: 100 memórias (2019) do Lume Teatro e Stabat Mater (2019) da atriz Janaina Leite e investigá-la também sob a ótica de uma experiência prática de criação cênica e dramatúrgica. Para tanto, os seguintes questionamentos são levantados: sob quais perspectivas a memória é configurada nestes espetáculos/obras? Como os limites entre o “real” e o ficcional são definidos nestes trabalhos cênicos? A metodologia empregada é a da literatura comparada nas análises texto/cena/performatividade com vistas aos processos de composição. O escopo teórico perpassa os eixos nucleares: dramaturgia, memória, autoficção e performatividade, delimitando-se, principalmente, nos seguintes autores: Hans-Thies Lehmann (1944- ), Renato Cohen (1956-2003), Josette Féral (1949-), Henri-Bergson (1859-1941), dentre outros. O processo de investigação cênica autoficcional da autora é relatado na última seção como um desdobramento, uma compreensão que perpassa seu ‘corpo-memória’ na construção de uma ‘dramaturgia da memória’ que, ao nascer na cena, chega ao texto.

Submitted by Neusa Fagundes (neusa.fagundes@unioeste.br) on 2021-05-17T13:45:27Z No. of bitstreams: 2 Sumara_Gomes2021.pdf: 1574286 bytes, checksum: 4a16ac2d6684dfe442795621fff40a80 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Made available in DSpace on 2021-05-17T13:45:27Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Sumara_Gomes2021.pdf: 1574286 bytes, checksum: 4a16ac2d6684dfe442795621fff40a80 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2021-03-15 The dissertation focuses on the research of theatrical texts of female authors, looking to reflect on the poetic discourse of playwrights that lived in the state of Paraná and have had written texts for theater in the last decades. It brings the voices of women who writes and wrote for theater in Brazil and the world, to endorse the dramaturgical researches of these new authors, as well as the voices of authors who contribute theoretically to the contemporary theater writing, in addition to feminist voices that discuss the panorama of the movement and how it influences writing for theater made by women. The research includes the study of texts by Leilah Assunção, from the 1960s, Grace Passô, contemporary, from the Rio-São Paulo axis, and Lígia Souza Oliveira, Juliana Partyka and Patrícia Kamis, playwrights from the Sesi Dramaturgy Center - PR. The choice of these three authors in the context of the universe that was based on this studied was due to their consistent production, due to the fact that there protuction setting of their pieces that are recognized is the theme that is surround by this dissertation. This is a bibliographic research, of an analytical type, based on comparative studies in literature and dramaturgy, especially considering the dramaturgical text and its transformations, from Peter Szondi (2001), Jean-Pierre Sarrazac (2012), Hans-Thies Lehmann (2007), Anne Ubersfeld (2005), Jean-Pierre Ryngaert (1998), Sábato Magaldi (2001), Patrice Pavis (2008), Décio de Almeida Prado (2003), Jean-Jacques Roubine (1998), Paul Zumthor (2014), Bertolt Brecht (2005), Peter Brook (1970), J. Guinsburg (2010), Renata Pallottini (1988, 2013), Anne Ubersfeld (2005). Considering studies of dramaturgical production of female authorship in relation to post-colonial studies, we seek theoretical-critical support in authors such as Simone de Beauvoir (1970), Virginia Woolf (1985), Mary Del Priore, (1997), Judith Butler (2003) , Gayatri Spivak (2010), Heloísa Buarque de Hollanda (2019), Elza Cunha de Vincenzo (1992), Djamila Ribeiro (2017), bell hooks (2018), Angela Davis (2016), among others. A dissertação enfoca na pesquisa de textos teatrais de autoria feminina, procurando refletir sobre o discurso poético das dramaturgas residentes no estado do Paraná e que tenham escrito textos para teatro nas últimas décadas. Traz as vozes de mulheres que escreveram e escrevem para teatro no Brasil e no mundo, para corroborar as buscas dramatúrgicas dessas novas autoras, bem como as vozes de autores e autoras que abordam teoricamente a escrita contemporânea para teatro, além de vozes feministas que discutem o panorama do movimento e como este influencia na escrita de autoria feminina para teatro. A pesquisa contempla estudos de textos de Leilah Assunção, da década de 1960, Grace Passô, contemporânea, do eixo Rio-São Paulo, e textos das paranaenses Lígia Souza Oliveira, Juliana Partyka e Patrícia Kamis, dramaturgas oriundas do Núcleo de Dramaturgia do Sesi – PR. Trata-se de uma pesquisa de caráter bibliográfico, do tipo analítico, com base nos estudos comparados em literatura e dramaturgia, sobretudo, considerando o texto dramatúrgico e suas transformações, a partir de Peter Szondi (2001), Jean Pierre Sarrazac (2012), Hans-Thies Lehmann (2007), Anne Ubersfeld (2005), Jean-Pierre Ryngaert (1998), Sábato Magaldi (2001), Patrice Pavis (2008), Décio de Almeida Prado (2003), Jean-Jacques Roubine (1998), Paul Zumthor (2014), Bertolt Brecht (2005), Peter Brook (1970), J. Guinsburg (2010), Renata Pallottini (1988, 2013). Considerando estudos da produção dramatúrgica de autoria feminina na relação com estudos pós-coloniais, buscamos embasamento teórico-crítico em autoras como Simone de Beauvoir (1970), Virginia Woolf (1985), Mary Del Priore, (1997), Judith Butler (2003), Gayatri Spivak (2010), Heloísa Buarque de Hollanda (2019), Elza Cunha de Vincenzo (1992), Djamila Ribeiro (2017), bell hooks (2018), Angela Davis (2016), entre outros.

Submitted by Neusa Fagundes (neusa.fagundes@unioeste.br) on 2021-04-09T18:11:43Z No. of bitstreams: 2 Carla_Moraes2020.pdf: 2160372 bytes, checksum: 5ddd7f7b94c615b57c24d5d319d5b8eb (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Made available in DSpace on 2021-04-09T18:11:43Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Carla_Moraes2020.pdf: 2160372 bytes, checksum: 5ddd7f7b94c615b57c24d5d319d5b8eb (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2020-12-16 The current literature and film have the power to resignify the past ones. Imperialism, for centuries, spread eurocentric thought as a way to perpetuate its power, relegating colonized countries to the subaltern position, by the means of spreading negative ou prejudiced images of the colonized people. From the second half of 20th century, there were meaningful changes in the culture and its social actors depiction, in a movement of reflection and questioning about the historical past. The Post-Modernism introduce, therefore, new ways to think about the presente and to look at the past. From this moment, there was a destabilization of the epistemological truths. The Post-Colonialism appears at this context inviting us to reflect about imperialist control, trying to narrate the same histories of the past under new points of view, giving visibility to those who had their culture canceled during centuries of opression. Thus, this work analised a literary and cinematographic corpus which contributes to the realization of the work to resignify the past. The hypotext that motivates the reflections of the post-colonial works is The life and strange surprising adventures of Robinson Crusoe (1719), by Daniel Defoe and its hypertexts are all from the second half of the 20th century. The literary works, in chronological order, are Friday or the other island (1967), by the French Michel Tournier; the Argentinian work Goodbye, Robinson (1984), by Julio Cortázar; and, at last, Foe (1986), by the South-African writer John Maxwell Coetzee. The cinematographic works are two, Man Friday (1975), by the director Jack Gold, and Crusoe (1988), directed by Caleb Deschanel. By these means, we expect we can increase the discussions about Post-colonial literature and cimena, seeking to show that eurocentrism has forged an image from the conquered people in an artificial way, accordin to its interests and, in the moment that it created the subaltern, it also created its own image of superiority. Therefore, our focus was to investigate which was the paths taken by literature and cinema to achieve a transcontextualisation of the premises crystallized by the colonialismo. This investigation was realized by means of bibliographical research, which analysis was guided by the Comparative Literature method. The theory that supports the analysis enlists literature, cinema and culture scholars like Jacques Derrida, Homi Bhabha, Stuart Hall e Ella Shohat, Gayatri Spivak, Robert Stam, Linda Hutcheon, Néstor García Canclini, Silviano Santiago and others. Finally, the work discuss how the recente artistic Productions, theory and critics have been seeking to rethink reality, by the means of questionings and reflections, to achieve a shift in thinking, to recognize the otherness. As obras literárias e fílmicas do presente têm o poder de ressignificar as do passado. O imperialismo durante séculos disseminou o pensamento eurocêntrico como forma de perpetuar seu poder, relegando os países colonizados à posição de subalternos, por meio da disseminação de imagens negativas ou distorcidas dos povos colonizados. A partir da segunda metade do século XX, houve mudanças significativas na representação das culturas e seus atores sociais, em um movimento de reflexão e questionamento sobre o passado histórico. O Pós-Modernismo inaugura, portanto, novas formas de pensar o presente e olhar para o passado. A partir desse momento, há uma desestabilização das verdades epistemológicas postas. O Pós-Colonialismo emerge nesse contexto convidando à reflexão sobre o domínio imperialista, procurando contar as mesmas histórias sob pontos de vista diferentes, dando visibilidade àqueles que durante séculos de opressão tiveram sua cultura anulada. Dessa maneira, este trabalho analisou um corpus literário e cinematográfico que contribui para a realização do trabalho de ressignificação do passado. O hipotexto que motiva as reflexões das obras pós-coloniais é As aventuras de Robinson Crusoé (1719), de Daniel Defoe e seus hipertextos datam todos da segunda metade do século XX. As obras literárias, em ordem cronológica, são Sexta-feira ou os limbos do pacífico (1967), do francês Michel Tournier; a obra argentina Adeus, Robinson (1984), de Julio Cortázar; e, por fim, Foe (1986), do escritor sul-africano John Maxwell Coetzee. As obras fílmicas são duas, Man Friday (1975), do diretor Jack Gold, e Crusoe (1988), dirigido por Caleb Deschanel. Com isso, espera-se poder ampliar as discussões sobre literatura e cinema pós-coloniais, procurando mostrar que o eurocentrismo forjou a imagem do povo conquistado de maneira artificial, moldada aos seus interesses, e, ao criar o subalterno, acabou por também criar a sua própria imagem de superioridade. Desse modo, nosso foco foi investigar quais os caminhos trilhados pela literatura e pelo cinema para chegar a uma transcontextualização dos pressupostos cristalizados pelo colonialismo. O estudo se realizou por meio de pesquisa bibliográfica, cuja análise foi guiada pelo método da Literatura Comparada. A teoria que sustenta as análises realizadas durante a pesquisa recorre a estudiosos de literatura, cinema e cultura como Jacques Derrida, Homi Bhabha, Stuart Hall e Ella Shohat, Gayatri Spivak, , Robert Stam, Linda Hutcheon, Néstor García Canclini, Silviano Santiago entre outros. Sendo assim, o estudo discute como as produções artísticas recentes, bem como a teoria e a crítica, têm procurado repensar a realidade, por meio de questionamentos e reflexões, em busca de uma mudança de pensamento.

Submitted by Neusa Fagundes (neusa.fagundes@unioeste.br) on 2021-01-26T11:33:37Z No. of bitstreams: 2 Silvia_Prado2020.pdf: 3747629 bytes, checksum: 1272c6b9e3ac44e2f7f767c58975a8bd (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Made available in DSpace on 2021-01-26T11:33:37Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Silvia_Prado2020.pdf: 3747629 bytes, checksum: 1272c6b9e3ac44e2f7f767c58975a8bd (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2020-09-17 This dissertation aims to study theoretical references, as well as conducting data collection with video interviews, and the production of a documentary, using testimonies from pioneers in the preservation of immeasurable values expressed in the historical, social and cultural memory of Cascavel city, from Paraná State, Brazil. Therefore, valuing the narrated stories experienced by me, connecting them with the stories of the pioneers. In short, the goal is expanding the understanding, the methodology used in the compared studies, conceptualizing the orality, the memory and the testimony as a research source. With the premise and the basis of the following theoretical, Ecléa Bosi (1995; 2003), Maurice Halbwachs (2018) and João Carlos Tedesco (2001), we prioritized the individual and collective memory, expressed by narratives that are instruments for understanding of historical value, the somewhat anonymous individuals of official history. Therefore, it is observed the expressions and impressions in which translate into information, curiosities, values and cultural knowledge. Thus, the testimonies of the pioneers bring vivid memories, in a way that express the identity and everyday stories of the city. Corroborating with their stories full of feelings, experiences and social and cultural teachings, often far from books. Finally, we mentioned the testimony of Santiago de João Moreira Salles (2007), which awakens the importance of the orality recording to preserve the stories with Salles Family. Corroborating to the production of the documentary film “Reminiscences: Voices and Images of Cascavel-PR” (2020), which brings roots and legacies from the past of the pioneers, historical photographs from the collection of the Museum of Image and Sound of Cascavel-PR and stories from the adolescence of this researcher. Esta dissertação visa estudar referenciais teóricos, bem como a realização de coleta de dados com entrevistas em vídeos e a produção de um documentário, utilizando depoimentos de pioneiros na preservação de valores imensuráveis expressados na memória histórica, social e cultural da cidade de Cascavel/PR, Brasil. Desta forma, valorizando as histórias narradas vivenciadas por mim, conectando-as com as histórias dos pioneiros. Em síntese, o objetivo é ampliar a compreensão, a metodologia utilizada nos estudos comparados, conceituando a oralidade, a memória e o testemunho como fonte de pesquisa. Com a premissa e o embasamento dos seguintes teóricos: Ecléa Bosi (1995; 2003), Maurice Halbwachs (2018) e João Carlos Tedesco (2001), priorizamos a memória individual e coletiva expressadas por narrativas que são instrumentos de compreensão de valor histórico, os sujeitos de certa forma anônimos à história oficial. Diante disso, observam-se as expressões e impressões, nas quais se traduzem em informações, curiosidades, valores e saberes culturais. Assim, os depoimentos dos pioneiros trazem memorias vividas, de maneira que expressam a identidade e as histórias cotidianas da cidade. Corroborando com suas histórias carregadas de sentimentos, experiências e ensinamentos sociais e culturais, muitas vezes distantes dos livros. Por fim, mencionamos o depoimento de Santiago de João Moreira Salles (2007), que desperta a importância de registro da oralidade para preservar as histórias junto a família Salles. Corroborando com a produção do filme documentário “Reminiscências: Vozes e Imagens de Cascavel-PR” (2020), que traz raízes e heranças do passado dos pioneiros, fotografias históricas do acervo do Museu da Imagem e do Som de Cascavel-PR e histórias da adolescência desta pesquisadora.

Submitted by Neusa Fagundes (neusa.fagundes@unioeste.br) on 2021-02-03T14:14:48Z No. of bitstreams: 2 Camylla_Galante2020.pdf: 4192164 bytes, checksum: 0bed5d08f264940f72c51f9fed930863 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Made available in DSpace on 2021-02-03T14:14:48Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Camylla_Galante2020.pdf: 4192164 bytes, checksum: 0bed5d08f264940f72c51f9fed930863 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2020-08-06 Contemporary Matéi Vișniec‘s (1956 – ) dramaturgical production is composed by plays that transit through different themes: wars, ethnic conflicts, the role of the theater in the world, migrations, life of man in society. In each of his plays, Vișniec proposes reflections on several aspects of humanity, using the aesthetic of the absurd and of intrinsic characteristics of the hodiern theatrical productions for his composition, which, in their turn, are multiple and fragmented just like the contemporary man. Considering the aspects of this playwright‘s works, this thesis focus on analyzing his dramaturgical texts under different perspectives: as contemporary dramaturgical production, as object of anthropological analysis, as an allegory of the real world, and as a theatrical spectacle, in order to build a cosmology of the author. The research, of qualitative and biographical character, starts from the intra-textual comparative analysis – among some of the author‘s plays – and inter-textual, for also comprehending the study of spectacles based on Vișniec‘s dramaturgy. For such analysis, The body of a woman as a battlefield in the Bosnian War (1997/2012), On the sensation of elasticity when walking upon corpses (2009/2012), The word progress on my mother‘s lips doesn‘t ring true (2005/2012), Migraaants or There‘s too many people on this damn boat (2017), Decomposed theater or The human trashcan (1994/2012), Beware of old ladies cankered with loneliness (2003/2013), Old clown wanted (1993/2012), and Love letters to a Chinese princess (2012/2016) were the starting point plays. Among the spectacles, The body of a woman as a battlefield in the Bosnian War, directed by Fermando Philbert and with Ester Jablonski and Fernanda Nobre in the cast, is also listed in this thesis, as well as Goodbye, dead clowns, an interpretation of Old clown wanted, set by the Academia dos Palhaços (Academy of the clowns) company, directed by José Roberto Jardim; The word progress on my mother‘s lips doesn‘t ring true, set by the Temporall Companhia Cênica (Temporall Scenic Company) and directed by Reginaldo Nascimento; and Espelho para cegos (Mirror for blinds), in two versions, directed by Márcio Meirelles of Vila Velha Theater. The authors that support the theories on this thesis are divided in three aspects: regarding the contemporary theater, the basis is the propositions by Jean-Pierre Ryngaert (2013) and Jean-Pierre Sarrazac (2012); in the anthropological analysis of the theater, Stanley Tambiah (2018, 1997), Victor Turner (2015, 2008, 2005, 2013) and Richard Schechner (2011, 2006, 2012, 2013); as to the construction of the images, the propositions the thesis is based on are the ones by Octávio Paz (1982). A produção dramatúrgica do contemporâneo Matéi Vișniec (1956 - ) é composta por peças que transitam por diferentes temas: guerras, conflitos étnicos, o papel do teatro no mundo, as migrações, a vida do ser humano em sociedade. Em cada uma das peças, Vișniec propõe reflexões sobre aspectos diversos da humanidade, utilizando-se da estética do absurdo e das características intrínsecas das produções teatrais hodiernas para a sua composição, que, por sua vez, são multíplices e fragmentadas assim como o homem contemporâneo. Considerando os aspectos da obra deste dramaturgo, o presente trabalho tem como objetivo analisar seus textos dramatúrgicos sob diferentes perspectivas: enquanto produção dramatúrgica contemporânea, enquanto objeto de análise antropológica, enquanto alegoria do mundo real e enquanto espetáculo teatral, a fim de construir uma cosmologia do autor. A pesquisa, de caráter qualitativo e bibliográfico, parte da análise comparativa intratextual – entre as peças do próprio autor – e intertextual, por compreender também o estudo de espetáculos que têm como base a dramaturgia visniequiana. Para tal análise, partirse-á das obras A mulher como campo de batalha (1997/2012), Da sensação de elasticidade quando se marcha sobre cadáveres (2009/2012), A palavra progresso na boca de minha mãe soava terrivelmente falsa (2005/2012), Migraaaantes ou Tem gente demais nessa merda de barco ou O salão das Cercas e Muros (2017), Teatro decomposto ou o homem-lixo (1994/2012), Cuidado com as velhinhas carentes e solitárias (2003/2013), Um trabalhinho para velhos palhaços (1993/2012) e Cartas de amor a uma princesa chinesa e outras peças curtas (2012/2016). Dentre os espetáculos, lista-se O corpo da mulher como campo de batalha, dirigido por Fernando Philbert e com Ester Jablonski e Fernanda Nobre no elenco; Adeus, palhaços mortos, uma leitura do texto Um trabalhinho para velhos palhaços, montada pela companhia Academia de Palhaços, sob a direção de José Roberto Jardim; A palavra progresso na boca de minha mãe soava terrivelmente falsa, montada pela Temporall Cia. Cênica e dirigida por Reginaldo Nascimento; Espelhos para cegos, em duas versões, dirigidas por Márcio Meirelles do Teatro Vila Velha. Os autores que darão embasamento teórico à presente pesquisa se dividem em três aspectos: a respeito do teatro contemporâneo, parte-se das proposições de JeanPierre Ryngaert (2013) e Jean-Pierre Sarrazac (2012); nas análises antropológicas do teatro, Stanley Tambiah (2018, 1997), Victor Turner (2015, 2008, 2005, 2013) e Richard Schechner (2011, 2006, 2012, 2013); quanto à construção das imagens, conta-se com as proposições de Octávio Paz (1982).

Submitted by Neusa Fagundes (neusa.fagundes@unioeste.br) on 2020-09-17T12:35:28Z No. of bitstreams: 2 Adriana Goreti de Oliveira Lopes.pdf: 11822991 bytes, checksum: a4144fbad98870a6a7bc1ba3d2507113 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Made available in DSpace on 2020-09-17T12:35:28Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Adriana Goreti de Oliveira Lopes.pdf: 11822991 bytes, checksum: a4144fbad98870a6a7bc1ba3d2507113 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2020-04-24 This thesis has the objective to study the mythic narrative that is present in several arts, such as the movie, the literature and its connections with Analytical Psychology interfacing. It is about Ulysses’s journey, Homer’s and James Joyce’s work, the methodological assumption of the compared literature. The research is done by the theoretic objective of Homer ’s work, The Odyssey, the films o Brother, Where Art Thou? directed by the Brothers Joel and Ethan Coen in 2000. What is Brazil, in 1985, by Terry Giliam and Steppenwolf, directed by the American Fred Haines, in 1974. These movies belong to introverted genre. The last movie that will be analyzed is Bloom, all life in only one day. Ulysses’s Work adaptation, by James Joyce, in 2003, represented by the extroverted genre. Aby Warburg’s method image analyses (2015) called “iconographies” allows to show the image reappearance, his posthumous and dialectic life between myth and logo to illustrate the figure of the human condition going back to a past echo, through Ulysses drama, but Always bringing the zeitgeist, under a new textuality. As a result, it was used the theorycal body of Analytical Psychology of Carl Gustav Jung (2011) and Jungian authors as Hillman (2011), mythologist as Campbell (2007) and Kerényi (2015); the adaptation of the hero’s journey to the movie of Vogler (2015) and Canevacci (1990), the relation of this language to these bodies with the theorycal presupposition method of the Compared Literature, considering Nitrini and Coutinho’ s study (2003). Esta tese tem por objetivo investigar a narrativa mítica presente em diversas artes como o cinema, a literatura e suas inter-relações com a interface da Psicologia Analítica, relacionando a jornada de Ulisses, das obras de Homero e James Joyce, com os pressupostos metodológicos da literatura comparada. O corpus da pesquisa é constituído pelo escopo teórico da obra de Homero, A Odisseia; os filmes E aí, meu irmão, cadê você?, dirigido pelos irmãos Joel e Ethan Coen em 2000; Brazil, o filme: do outro lado do sonho, de 1985 por Terry Giliam e O Lobo da Estepe, dirigido pelo americano Fred Haines, em 1974. Estes filmes são pertencentes ao gênero introvertido. O último filme analisado será Bloom: toda uma vida em um único dia. Uma adaptação da Obra Ulisses, de James Joyce, de 2003, representando o gênero extrovertido. A metodologia de análise de imagens de Aby Warburg (2015), denominada “iconografia”, permite demonstrar o ressurgimento da imagem, sua vida póstuma e a dialética entre mito e logos para exemplificar, no drama de Ulisses, a metáfora da condição humana retomando como um eco do passado, mas sempre trazendo o zeitgeist, sob uma nova textualidade. Assim, foi utilizado o corpo teórico da Psicologia Analítica de Carl Gustav Jung (2011) e autores pós-Junguianos como Hillman (2011); mitólogos como Campbell (2007) e Kerényi (2015); a adaptação da Jornada do herói para o cinema de Vogler (2015) e de Canevacci (1990), correlacionando a linguagem desses campos com os pressupostos teórico-metodológicos da Literatura Comparada, considerando-se estudos de Nitrini (2000) e Coutinho (2003).

Submitted by Rosangela Silva (rosangela.silva3@unioeste.br) on 2020-06-03T22:00:27Z No. of bitstreams: 2 Amanda Caldeira Gilnek.pdf: 2022689 bytes, checksum: a91248a07e1b49f5961e37c930ceda03 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Made available in DSpace on 2020-06-03T22:00:27Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Amanda Caldeira Gilnek.pdf: 2022689 bytes, checksum: a91248a07e1b49f5961e37c930ceda03 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2020-03-05 This research aims to study the reflection and analysis of the “search theme”, in the work of Canadian writer Alice Ann Munro, more specifically the storybook Fugitivo (2014) and the filmic transposition of part of this work, by Pedro Almodóvar Caballero in the movie Juliet (2016). From the book, 3 short stories were selected, namely: “Occasion”, “Soon” and “Silence”. These tales function as intertexts in Almodóvar's filmography. To develop the present study, we sought theoretical, critical and methodological support in comparative studies in literature and other arts, intermediate studies and studies on the theme of travel as existential displacements of female characters, which in their erasures configure the “theme of the search ”. We understand that this theme contemplates other potent derivations for literary creation as well as for filmic creation, for example, images of silence, archetypal images of the feminine, childhood memories, which, in turn, include mother-branch relations, unrealized loves. , generating a movement of departures and arrivals rich in dislocations of the feminine self, and in the process we observe deconstruction, for example of the maternal myth. The study methodology used here allows us to reflect on the processes of intermediary and transcreation of the literary text to the film. This look allows us to locate the points of conjunction and disjunction between the works, analyzing the basic operations of film construction, which will result in the expansion and transformation of the literary sign. We use as theoretical basis, Claus Clüver (2006), Julia Kristeva (2014), Haroldo de Campos (2010), Santiago Kovadloff (2003), Elisabeth Badinter (1980), Robert Stam (2006), Serguei Eisenstein (2002), Ismail Xavier (2003), among others. Esta pesquisa tem como proposta de estudos, a reflexão e análise da “temática da busca”, na obra da escritora canadense Alice Ann Munro, mais especificamente o livro de contos Fugitiva (2014) e a transposição fílmica de parte desta obra, por Pedro Almodóvar Caballero, no filme Julieta (2016). Do livro, foram selecionados 3 contos, a saber: “Ocasião”, “Daqui a pouco” e “Silêncio”. Estes contos funcionam como intertextos na filmografia de Almodóvar. Para desenvolver o presente estudo, buscamos apoio teórico, crítico e metodológico nos estudos comparados em literatura e outras artes, nos estudos intermídias e nos estudos sobre o tema da viagem como deslocamentos existenciais das personagens femininas, que em suas errâncias configuram a “temática da busca”. Entendemos que essa temática contempla outras derivações potentes para a criação literária e também para a criação fílmica, por exemplo, imagens do silêncio, imagens arquetípicas do feminino, memórias de infância, que, por sua vez, inclui relações materno-filiais, amores não realizados, gerando um movimento de partidas e chegadas ricos em deslocamentos do eu feminino e, neste processo, observamos a desconstrução das representações do mito materno. A metodologia de estudos, aqui empregada, nos permitiu refletir sobre os processos de intermidialiadades e transcriação da narrativa literária à narrativa fílmica. Este olhar nos possibilitou localizar os pontos de conjunção e de disjunção entre as obras, analisando as operações básicas da construção fílmica, que resultam na expansão e transformação da palavra literária. Utilizamos como base teórica, Claus Clüver (2006), Julia Kristeva (2014), Haroldo de Campos (2010), Santiago Kovadloff (2003), Elisabeth Badinter (1980), Robert Stam (2006), Serguei Eisenstein (2002), Ismail Xavier (2003) entre outros.

Submitted by Rosangela Silva (rosangela.silva3@unioeste.br) on 2020-07-13T13:43:42Z No. of bitstreams: 2 Alessandra Camila Santi Guarda.pdf: 844774 bytes, checksum: 87bbadd6993424a1c28aa7a896370747 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Made available in DSpace on 2020-07-13T13:43:42Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Alessandra Camila Santi Guarda.pdf: 844774 bytes, checksum: 87bbadd6993424a1c28aa7a896370747 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2020-03-04 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES This research aims to deepen studies on the work of Italo Calvino, for this purpose, it is intended to verify and analyze which themes and aesthetic elements are recurrent in Italo Calvino’s essay and literary production, which characterize him as contemporary, in the terms proposed by Giorgio Agamben. The study is based on the essay production of Calvino and the work Il visconte dimezzato (1952), part of the I nostri antenati (1960) trilogy, more specifically, we verify how the ideas developed by Calvino on literature are articulated with his own literary work. We look for theoretical basis in the conceptual elaborations on the notion of contemporary in Giorgio Agamben, since we understand that such elaborations help us to reflect on the critical and literary production in the context of the humanities, with which Calvino contributed in works such as Seis propostas para o próximo milênio (1990) and Por que ler os clássicos (1993). From his literary and essayistic production, texts that present conceptual formulations that are dear to the studies of literature and literary criticism stand out in the contemporary world. Mainly, we observe that thinking about what constitutes the contemporary was a constant for Calvino, like the Seis propostas para o próximo milênio and the essays compiled in the books Assunto encerrado (2009), Coleção de areia (2010), Mundo escrito e mundo não escrito (2015). Also, the correspondence of Italo Calvino, Lettere 1940-1985 (2000), contemplates the desire to devise aesthetic and philosophical categories to understand the literary production and other artistic languages of his time. Considering the style of the narrative Il visconte dimezzato, we chose the values Lightness and Multiplicity linked to combinatorial art, as categories of analysis of this work. The research is theoretically and analytically guided by the multiple field of literature and other areas of knowledge, and in the relation between contemporary literature and philosophy. Lo scopo di questa ricerca è approfondire gli studi sull'opera di Italo Calvino, con l’obiettivo di verificare e analizzare quali temi ed elementi estetici ricorrenti nella produzione saggistica e letteraria di Italo Calvino che lo caratterizzano come contemporaneo, nei termini proposti da Giorgio Agamben . Lo studio si basa sulla produzione saggistica di Calvino e sull'opera Il visconte dimezzato (1952), presente nella trilogia I nostri antenati (1960). Vediamo anche come le idee sviluppate da Calvino sulla letteratura sono articolate con la sua stessa opera letteraria. Cerchiamo basi teoriche nelle elaborazioni concettuali sul concetto di contemporaneo in Giorgio Agamben, per capire che tali elaborazioni ci aiutano a pensare alla produzione critica e letteraria nel contesto delle discipline umanistiche, con il quale Calvino ha contribuito con lavori come Lezioni americane (1990 ) e Perché leggere i classici (1993a). Della sua produzione letteraria e saggistica, spiccano i testi che presentano formulazioni concettuali rilevanti per gli studi di letteratura e critica letteraria nei tempi contemporanei, soprattutto osserviamo che pensare a ciò che costituisce il contemporaneo è stata una costante per Calvino, come si può vedere nelle Lezioni americane ed i saggi raccolti nei libri Assunto encerrado (2009), Coleção de areia (2010), Mundo escrito e mundo não escrito (2015). Inoltre, la corrispondenza di Italo Calvino Lettere 1940-1985 (2000) contempla il desiderio di pensare a categorie estetiche e filosofiche al fine di comprendere la produzione letteraria e altri linguaggi artistici del suo tempo. Considerando lo stile della narrativa di Il visconte dimezzato, abbiamo scelto i valori di Leggerezza e Molteplicità legati all'arte combinatoria come categorie di analisi. La ricerca trova sussidi teorici e analitici nel campo multiplo della letteratura e di altre aree di conoscenza e nei rapporti tra letteratura e filosofia del contemporaneo. A presente pesquisa tem como proposta aprofundar estudos sobre a obra de Italo Calvino, para isso se intenta verificar e analisar quais temáticas e elementos estéticos recorrentes na produção ensaística e literária de Italo Calvino que o caracterizam como contemporâneo, nos termos propostos de Giorgio Agamben. O estudo se realiza com base na produção ensaística de Calvino e na obra Il visconte dimezzato (1952), presente na trilogia I nostri antenati (1960). Verificamos também como as ideias desenvolvidas por Calvino sobre literatura se articulam com sua própria obra literária. Buscamos fundamento teórico nas elaborações conceituais sobre a noção de contemporâneo em Giorgio Agamben, por compreender que tais elaborações nos ajudam a pensar a produção crítica e literária no contexto das humanidades, com as quais contribuiu Calvino em obras como Seis propostas para o próximo milênio (1990) e Por que ler os clássicos (1993a). Destacam-se de sua produção literária e ensaística textos que apresentam formulações conceituais caras aos estudos de literatura e de crítica literária na contemporaneidade, sobretudo observamos que pensar o que configura o contemporâneo foi para Calvino uma constante, a exemplo das Seis propostas para o próximo milênio e dos ensaios reunidos nos livros Assunto encerrado (2009), Coleção de areia (2010), Mundo escrito e mundo não escrito (2015). Também, a correspondência de Italo Calvino Lettere 1940-1985 (2000) contempla o desejo de pensar categorias estéticas e filosóficas para compreender a produção literária e de outras linguagens artísticas de seu tempo. Considerando o estilo da narrativa Il visconte dimezzato, elegemos os valores Leveza e Multiplicidade articulados à arte combinatória como categorias de análise desta. A pesquisa encontra subsídios teóricos e analíticos no campo múltiplo da literatura e outras áreas do conhecimento e nas relações entre a literatura e filosofia do contemporâneo.

Submitted by Rosangela Silva (rosangela.silva3@unioeste.br) on 2020-06-03T15:49:41Z No. of bitstreams: 2 Mayara Zanatta Fank .pdf: 688123 bytes, checksum: 0608a29a78c56c5acd49640fe4171c4b (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Made available in DSpace on 2020-06-03T15:49:41Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Mayara Zanatta Fank .pdf: 688123 bytes, checksum: 0608a29a78c56c5acd49640fe4171c4b (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2020-03-03 This work aims at addressing the plays Dark Angel, of Nelson Rodrigues, and Sortilege – Black Mystery, from Abdias do Nascimento, whose objective consists on the Myths identification and reconfiguration, among them, there are Medeia and Electra, both Greeks tragedies; the Myth of maternal love, emphasizes the social relationship employed on mother and children relationship; as well as that which involves African context, as the Myth of Exum and others Orixas treated by Nascimento, observing how its presences are fitted on the play by the rites and specifics songs which complement each other giving the meaning to the dramatic play’s atmosphere, emphasizing the symbology behind them. Because the question is around the racial prejudice and black people exaltation, the intention is approach the Black Experimental Theatre, in order to understand the manner and the importance which Rodrigues and Nascimento intended with the black actor valorization, for this purpose, some biographical aspects are relevant. By this way, another objective is to analyses the black character’s prejudice, focusing on the result of this question: the duplicity of themselves. The methodologies allow for the interpretation of the myths reconfigurations. This study is based on Gilbert Durand (1996-2012), Otto Rank (1939), Rosset (1988), Bravo (1997) Oliveira (1999), Prado (1988), Faria (2011), Proença Filho (1995), Elisabeth Badinter (1985), Hendrika Halberstadt-Freud (2006), among others. Esse estudo tem como corpus de pesquisa as obras Anjo Negro, de Nelson Rodrigues, e Sortilégio – Mistério Negro, de Abdias do Nascimento, cujo objetivo de análise se dá na identificação e na reconfiguração de mitos, dentre eles os de origem grega: Medeia, e Electra, ambas tragédias euripedeanas; de cunho social: o mito do amor materno, ao enfatizar a relação social empregada na relação afetiva entre mães e filhos; bem como os que envolvem a esfera africana, como o mito de Exu e dos demais Orixás abordados por Nascimento, observando como suas presenças são encaixados na obra por meio de rituais e Pontos Cantados, que se complementam dando significado à esfera dramática da peça, sempre enfatizando a simbologia por trás deles. Pela questão das obras girarem em torno do preconceito racial, e da enfatização e exaustação do negro em uma sociedade de dominação branca, visa-se, também, abordar o Teatro Experimental do Negro, a fim de compreender a maneira e a importância que Rodrigues e Nascimento buscaram na valorização do ator negro, para tanto, alguns aspectos biográficos dos autores serão relevantes. Nesse sentido, temse, também, como objetivo analisar os preconceitos que giram em torno das personagens negras, observando como resultado desta questão uma duplicidade do eu em Ismael e Emanuel, tendo como base o mito do Duplo. A metodologia utilizada - mitocrítica e mitanálise - permitiram que, ao focar no imaginário, fosse possível a interpretação da reconfiguração dos mitos presentes nas obras. Para isso, utilizou-se como suporte teórico autores como Gilbert Durand (1996-2012), Otto Rank (1939), Rosset (1988), Bravo (1997) Oliveira (1999), Prado (1988), Faria (2011), Proença Filho (1995), Elisabeth Badinter (1985), Hendrika Halberstadt-Freud (2006), entre outros.

Submitted by Marilene Donadel (marilene.donadel@unioeste.br) on 2020-09-10T17:33:39Z No. of bitstreams: 1 Camila_Gomes_2020.pdf: 1549930 bytes, checksum: 8738dc51f9a96a4a668c1b720f0c0c72 (MD5) Made available in DSpace on 2020-09-10T17:33:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Camila_Gomes_2020.pdf: 1549930 bytes, checksum: 8738dc51f9a96a4a668c1b720f0c0c72 (MD5) Previous issue date: 2020-02-12 This dissertation thematizes one of the main categories of Emmanuel Levinas' (1906-1995) thought, namely, the phenomenon of alterity, having as a background the novel Vidas Secas (1938) by Graciliano Ramos (1892-1953). For this, inspired in the levinasian work Totality and Infinity (1961), the paper pursues to reconstitute the critique to the Cartesian rationalism and, in passing, to the husserlian phenomenological idealism through a resumption and deepening of the notions of subjectivity and intersubjectivity. This moment is articulated through two important records of the philosophical tradition in the West: one of them instituted by the Cartesian principle of the cogito as the ultimate foundation of which the presence of another is devoid of any more decisive ontological brio; and the second record is the husserlian theory which, while recognizing the phenomenon of Other, does not abdicate the same principle idealism. The second moment of the research deals more directly with the meaning and scope of the category of alterity within Levinas' reflection as the place, par excellence, of transcendence. It is therefore a matter of understanding the philosopher's critique to the category of totality in order to think Outro as Outrem through the ethico-phenomenological horizon of carnality. This aspect will be better illustrated in the third moment of the text from a convergence with the literature, especially Vidas Secas. The greater interest in this approach is due to the fact that, in the midst of the arid scenario, the gracilian characters reveal themselves "in flesh and blood", that is, in their too human condition, which confers a singular status of radical alterity. Finally, the work advocates the thesis that the work of Graciliano, so well portrayed in the series titled Os Retirantes (1944) by Portinari (1903-1962), problematizes the ideal of philosophical solipsism proposed by Husserl and radicalized, to the last consequences, by Levinas. A dissertação tematiza uma das categorias chave do pensamento de Emmanuel Levinas (1906-1995), a saber, o fenômeno da alteridade, tendo como pano de fundo o romance Vidas Secas (1938) de Graciliano Ramos (1892-1953). Para tanto, em um primeiro momento, o trabalho busca reconstituir, à luz da obra levinasiana Totalidade e Infinito (1961), a crítica ao racionalismo cartesiano e, de passagem, ao idealismo fenomenológico husserliano por meio de uma retomada e aprofundamento das noções de subjetividade e intersubjetividade. Esse momento se articula via dois importantes registros da tradição filosófica no Ocidente: um deles instituído pelo princípio cartesiano do cogito como fundamento último do qual a presença de outrem é desprovida de qualquer brio ontológico mais decisivo; o segundo registro é a teoria husserliana que, embora reconheça o fenômeno de outrem, não abdica do mesmo idealismo de princípio. O segundo momento da pesquisa aborda mais diretamente o sentido e alcance da categoria de alteridade no interior da reflexão de Levinas como lugar, por excelência, da transcendência. Trata-se, portanto, de compreender a crítica do filósofo à categoria de totalidade a fim de pensar o Outro enquanto Outrem mediante o horizonte ético-fenomenológico da carnalidade. Esse aspecto será, então, melhor ilustrado no terceiro momento do texto a partir de uma convergência com a literatura, em especial, Vidas Secas. O interesse maior nessa aproximação se deve ao fato de que, em meio ao cenário árido, as personagens gracilianas se revelam, “em carne e osso”, ou seja, em sua condição humana, demasiadamente humana, conferindo um estatuto singular da alteridade radical. Por fim, o trabalho advoga a tese de que a obra de Graciliano, tão bem retratada na série Os Retirantes (1944) por Portinari (1903-1962), problematiza o ideal do solipsismo filosófico posto por Husserl e radicalizado, até às últimas consequências, por Levinas.