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L’article étudie la présence de procédés réflexifs dans la série Les Cités obscures, en particulier à travers une comparaison entre les deux versions du premier album, Les Murailles de Samaris. Dans ces albums de bandes dessinées qui privilégient dès leur titre, en tant que facteur de cohésion, des espaces urbains plutôt que les aventures de personnages, l’exhibition spectaculaire du monde tend à primer sur le récit. L’auteur montre comment la démarche réflexive de Schuiten et Peeters demeure solidaire de la construction mondaine. Même si certains motifs qui imbriquent texte et image renvoient à des caractéristiques du langage de la bande dessinée et sont traités de telle sorte qu’ils produisent un discours sur les possibilités du médium, l’immersion dans la fiction n’y est pas pour autant atténuée; elle s’y voit même paradoxalement renforcée grâce à un jeu subtil avec la frontière entre le monde réel et le monde de la fiction qui confère à ce dernier un fascinant pouvoir d’absorption., The article examines the presence of reflexive processes in the series Obscure Cities, in particular through a comparison between the two versions of the first album, Samaris. In these comic books, which already in their title give priority to urban spaces rather than to the adventures of characters, the spectacular exhibition of the world tends to prevail over the story. The author shows how Schuiten and Peeters’ reflexive approach is not in contradiction with an emphasis on worldbuilding. Even if some motifs that intertwine text and image refer to characteristics of the language of comic books and are treated in such a way that they produce a discourse on the possibilities of the medium, immersion into the fiction is not attenuated; it is paradoxically reinforced by a subtle interplay between real world and the world of fiction, which gives the latter a fascinating power of absorption.

En 1980, lorsque sort le film Mon oncle d’Amérique qui obtient la même année le Grand Prix du jury au festival de Cannes, on pouvait penser qu’Alain Resnais avait pris ses distances avec les préoccupations emblématiques d’une certaine «modernité» dont témoignaient ses premières fictions qui, contemporaines de la Nouvelle Vague, prenaient à bras le corps, en l’intégrant de manière novatrice dans la matière sonore du film, la profération d’un texte ostensiblement littéraire auquel Duras, Robbe-...

Cet essai, traduction revue et augmentée de l’ouvrage d’Alain Boillat intitulé Cinéma, machine à monde, examine la primauté de la construction du monde à l’ère de l’image de synthèse, des pratiques transmédia et de la fiction « high concept » en étudiant les principes qui régissent la création d’un multivers dans un large éventail de productions cinématographiques et télévisuelles. L’accent est mis sur les films de science-fiction hollywoodiens et leur représentation à l’écran de machines imaginaires qui reflètent le médium cinématographique, dans la tradition des écrits de Philip K. Dick et de la culture cyberpunk. Une typologie des mondes est établie, ainsi qu’un certain nombre d’outils analytiques permettant d’évaluer l’impact de la coexistence de deux ou plusieurs mondes sur la structure narrative, le style (utilisation de la couleur, pratiques de montage), l’affiliation générique (ou l’hybridité), la sérialité et le discours produit par un film donné (en particulier dans les fictions liées aux fantasmes de l’après-11 septembre). Parmi les différents titres examinés, le lecteur se voit proposer une analyse détaillée de la série de films Resident Evil, de Total Recall et son remake, de Dark City, de la trilogie Matrix, d’Avatar, de Source Code et autres films à boucle temporelle, de TRON et sa suite, de Tenet de Christopher Nolan, et de plusieurs séries télévisées – notamment Westworld de HBO, mais aussi Sliders, Lost, Fringe et Counterpart.

Cet article est un compte-rendu du livre : Francis Vanoye, L’Adaptation littéraire au cinéma, Paris, Armand Colin, 2019 [2011], EAN : 9782200625559.

Compte rendu de la monographie de Jean-Pierre Bleys consacree au realisateur Claude Autant-Lara

Heritier des dime novels et des Wild West Shows – pratiques populaires de la fin du xixe siecle qui exacerbent autant la narration a travers des recits feuilletonesques palpitants que l’attraction grâce a des mises en scene spectaculaires –, le western cinematographique s’institutionnalise au cours des annees 1910-1920 et s’impose comme un genre majeur de l’industrie hollywoodienne a partir de la toute fin des annees 1930. Au milieu des annees 1950, le western a pu ainsi etre considere en Fra...

À l’occasion de la parution, dans la collection « Serial » des Presses universitaires François-Rabelais, d’un ouvrage signé Florent Favard dont le titre Écrire une série TV. La promesse d’un dénouement peut laisser présager une approche d’obédience génétique susceptible d’intéresser la présente revue, nous proposons de nous interroger de manière plus générale sur la place de ladite approche dans le champ des études cinématographiques ainsi que dans les écrits consacrés au cinéma ou, à l’insta...

Le present article entend esquisser une reflexion pour une etude de l’usage du chapitrage dans le domaine de l’edition de films en DVD, un support certes aujourd’hui sur le declin mais qui a connu une diffusion massive, et qui a largement contribue a introduire et a populariser un changement radical par rapport au defilement continu que proposait avant lui la VHS. Le chapitrage, qui oriente la lecture du film dans le cas de re-visionnages, peut etre plus ou moins valorise et presente de differentes manieres par l’editeur, avec des effets qui sont discutes ici, a partir d’exemples varies, en tenant compte de la discontinuite fonciere du medium cinematographique. Une approche comparative est egalement pronee qui envisage le decoupage en chapitres du DVD en fonction de l’eventuelle segmentation explicite du film en partie, voire du roman dont le film est une adaptation. A l’image des couches du support, on peut observer comment ces differentes configurations chapitrales coexistent dans certains cas en une forme de palimpseste.

This article focuses on the relatively little-known editorial context of children’s French-language comics serials at a time when they constituted the main distribution channel of the bande dessinée medium (before the album became the dominant format), from the immediate post-war years to the mid-1950s. I examine the importance given to the adaptation of films into bande dessinée by studying the editorial strategy to which this practice of adaptation contributes (focusing on the magazine L’Intrépide [The daredevil], which, at the time, specialised in adaptation) and the narrative and figurative aspects of the adapters’ approaches. I show in particular how bandes dessinées are inscribed in genres that structure the periodical publications, where these were previously established in the cinematographic domain such as the swashbuckler and the western. The processes of condensation or amplification of the narrative, as well as the use of the feuilleton, are at the centre of the case studies.

Cette étude examine la manière dont le film Kafka de Soderbergh (1991) procède à une « projection » du romancier tchèque dans le monde même de son œuvre. Cette étude ne s'appuie pas sur le repérage systématique des diverses citations convoquées, mais interroge plus fondamentalement la démarche post-moderne qui sous-tend une telle pratique du pastiche. Celle-ci est en l'occurence nourrie de références au genre du film noir et à l’expressionnisme allemand.

A pioneering figure in film studies, Christian Metz proposed countless new concepts for reflecting on cinema, rooted in his phenomenological structuralism. He also played a key role in establishing film studies as a scholarly discipline, making major contributions to its institutionalisation in universities worldwide. This book brings together a stellar roster of contributors to present a close analysis of Metz's writings, their theoretical and epistemological positions, and their ongoing influence today.

Les dispositifs de prise de vues induits par les satellites de télésurveillance et les drones s’inscrivent dans la filiation d’un imaginaire fantasmatique de la machine comme prothèse perceptive –l’œil de l’appareil permettant d’aller au-delà des capacités sensorielles humaines, qu’il s’agisse d’une vision microscopique ou macroscopique– dans le cadre duquel le cinéma a également été envisagé, en particulier au cours de la première période de légitimation du médium en tant qu’art et de valori...

La presente etude entend inscrire le film A nous la liberte ! (1931) dans le contexte des premieres annees de la generalisation du parlant en montrant, a partir de l'analyse d'une sequence cle mettant en scene un appareil phonographique, comment le realisateur Rene Clair procede pour contester la preseance de la parole parlee synchrone sur les autres types de son. La representation des « machines parlantes » dans le film est correlee au positionnement du cineaste face a la nouvelle donne technologique : cette posture est abordee ici grâce a la prise en compte de variantes du film jusqu'a sa ressortie en 1950, de details degages d'une etude des annotations du scenario relatives a deux sequences non retenues dans le montage final, et de discours emis sur le film dans le cadre de sa promotion et de sa reception.

Cette étude examine dans une perspective narratologique le fonctionnement de la sérialité dans les planches de la bande dessinée Little Nemo in Slumberland, qui sont tiraillées entre l’autonomisation de l’épisode et l’inscription dans un récit plus vaste. Les implications du rythme hebdomadaire de parution y sont envisagées du point de vue des niveaux de temporalité ainsi que des principes de segmentation en épisodes et de liage entre ceux-ci. Des seuils sont repérés dans cette série dont le traitement varie sur le plan de la narrativité et des relations instaurées entre le texte des récitatifs et les images. La diversité de ces régimes fait la richesse de cette œuvre, et montre comment McCay a su exploiter les possibilités de son moyen d’expression, notamment en privilégiant pour ses représentations oniriques et spectaculaires une logique mondaine qui, comme on l’explique ici, n’est pas sans parenté avec les univers des jeux vidéo.

Realise au debut du mois de janvier 2013, le present entretien s’inscrit dans le prolongement de la thematique du doublage abordee dans ce numero. Cedric Bourquard nous y fait part de l’experience qu’il a acquise dans les deux domaines de la filiere cinematographique qui concernent le plus directement cette problematique, soit l’exploitation et la distribution. En effet, apres avoir ete responsable de la programmation chez Metrocine a Lausanne des 1996, puis chez Pathe Suisse a partir de 2001...

Accrocher le lecteur occasionnel ou fidéliser l'abonné en suscitant son désir de lire les pages intérieures, telle est la fonction « marketing » des couvertures de périodiques de bandes dessinées. Dans le cadre de cet article, nous proposons d'analyser cet objet central de la production sérielle bédéique en examinant deux magazines franco-belges emblématiques : Tintin (dans sa version belge) et Le Journal de Spirou. Notre objectif consiste à étudier la composition des pages de couverture, le rôle que celles-ci jouent dans l'exercice d'une pratique sérielle ainsi que la nature des liens qu'elles entretiennent avec le contenu des planches intérieures.

Dans le paysage de la production hollywoodienne, Terrence Malick est une figure singulière. Avec seulement quatre longs métrages réalisés sur une période de plus de trente ans, il pourrait passer pour un « génie méticuleux » à la Kubrick si l’on pouvait plus aisément asseoir son statut d’auteur et si ses deux derniers films ne comportaient pas une démesure qui en fait des œuvres « problématiques » (au sens positif du terme). En dépit de sa réserve (il ne se livre qu’exceptionnellement à l’exe...

Afin d’en savoir plus sur les conditions pratiques de la traduction audiovisuelle, nous avons realise un entretien avec deux professionnels de ce domaine : Isabelle Audinot, traductrice et adaptatrice de l’audiovisuel free-lance de l’anglais et de l’italien vers le francais ainsi que Sylvestre Meininger, qui s’est oriente vers cette profession apres un doctorat en etudes cinematographiques. Ces deux cinephiles, engages dans la defense des interets de ce metier en tant que membres actifs de l’...

Les programmateurs des Journees de Soleure ont eu l’intelligence de regrouper, au sein d’une meme seance, deux documentaires traitant de facon antinomique d’un sujet similaire : un soulevement populaire qui, dans un pays de l’Est, a recemment permis d’imposer des changements majeurs sans effusion de sang. Il s’agit d’une part de la « Revolution des roses » qui a fait suite aux elections truquees de Chevardnadze en Georgie (novembre 2003), d’autre part de la « Revolution orange » ukrainienne d...

Le dernier film d’Ursula Meier a ete largement couvert par la critique francophone a sa sortie, tant suisse que francaise. Cet article passe en revue quelques motifs de la critique, comme le lien frequemment releve avec l’œuvre des freres Dardenne ou encore la forme du conte (dit social) que semble avoir voulu privilegier la realisatrice pour ce film. Suit un entretien avec Antoine Jaccoud, co-scenariste du film, qui revient sur la genese du scenario, ses questionnements et plus largement sur sa methode de travail avec la cineaste franco-suisse, tant avant que pendant le tournage.

Dans le riche programme de la 61e édition du Festival international du film de Locarno qui s’est déroulée du 6 au 16 août 2008 (plus de 400 films), nous avons sélectionné, au gré de l’intérêt de nos collaborateurs, quelques films sur lesquels nous proposons de revenir. La rétrospective intégrale consacrée à l’œuvre de Nanni Moretti ayant permis de découvrir les réalisations de jeunesse du cinéaste italien qui ont très peu circulé dans l’espace francophone, nous mettrons l’accent sur la premiè...

Cette etude envisage le film de Gus Van Sant a partir des theories de l’enonciation narrative, rediscutees a travers cet exemple singulier ou le spectateur est convie – du moins en apparence – a adopter successivement, grâce a une « camera subjective » dont on sonde toute l’ambiguite, le point de vue de differents personnages. Ce contexte theorique permet de devoiler certains mecanismes de l’organisation du film et les raisons de l’enraiement de l’identification aux figures de l’ecran, fantomes qui semblent s’effacer devant une presence appuyee de la camera rappelant qu’il s’agit avant tout d’un regard porte sur un fait divers, non d’une explication basee sur des phenomenes d’interiorisation psychologique. Elephant occupe a cet egard, comme l’auteur le montre ici, une position intermediaire entre le film homonyme realise par Alan Clarke en 1989 pour la BBC et Bowling for Columbine de Michael Moore (2002). On y envisage la demarche du cineaste de facon concrete, comme une maniere d’arpenter un espace en prenant des personnages en « filature ».

Le dernier moyen metrage de la documentariste Jacqueline Veuve est consacre a Lucienne Schnegg, octogenaire attachante qui entretient une relation presque maternelle avec la salle de cinema qu’elle gere depuis plus de cinquante ans. Petite dame dans un grand navire dont elle tente de maintenir la barre de gouvernail (ainsi qu’elle le dit en manipulant la chaufferie archaique du lieu) contre les vents et marees des (deux) grands groupes qui, quasi monopolistiques, menacent de le faire chavirer...

La dizaine de plans qui constituent le pre-generique du premier long metrage fort remarque de la cineaste Andrea Staka – un Leopard d’or a ete decerne a cette coproduction helvetico-germanique lors de la 59eme edition du Festival de Locarno – nous montrent un bucheron sciant les branches d’un arbre. Or ce n’est pas tant l’individu qui est mis en evidence que les ramures elles-memes qui, decontextualisees grâce a des plans rapproches, symbolisent et annoncent le statut des trois emigrees dont ...

Ainsi que l’ont montre les articles de ce dossier, il apparait que Star Wars est particulierement interessant pour aborder des questions d’intermedialite. Or le merchandising suscite par ces films, quoique souvent signale en passant, n’est que tres rarement pris en compte dans les rapports qu’il instaure avec l’univers diegetique de l’hexalogie, comme si ses fondements economiques invalidaient la pertinence d’une telle analyse paratextuelle. C’est pourquoi je tenterai d’ebaucher quelques axes...

1967 Six Figures (court metrage) 1968 The Alphabet (court metrage) 1970 Grandmother (court metrage) Grandmother, produit grâce a une aide de l’American Film Institute, met en scene un huis clos familial en alternant breves sequences d’animation et plans colorises : l’artificialite des scenes d’animation (exhibant un contour naif et un trace primitiviste), il faut le remarquer, contamine les plans naturalistes qui sont fortement stylises. Un jeune garcon incontinent, au centre du processus de ...

Une marche de deux semaines est organisee a travers le Sahara tunisien ; treize hommes y participent, invites a mediter sur la question de la virilite, sur leur statut de fils, de pere et de mari. Ceux qui participent a ce periple a la fois physique et interieur se livrent avec authenticite et examinent leur existence avec une acuite qui conferent a leur temoignage un veritable interet, permettant de developper, grâce a la multiplication des points de vue, une reflexion apparemment universell...

A n’en pas douter, ce documentaire donne a la question de son titre une reponse fouillee et sensible qui correle la vie de l’ecrivain avec la ville natale qu’il n’a presque jamais quittee. Ce parcours a travers les rues de Prague est notamment accompagne de la prose kafkaienne (les textes biographiques comme le crucial Brief an den Vater) dont Dindo saisit la musicalite par un jeu savant de repetitions, de fragmentations et d’echos qui tissent un reseau complexe de liens avec les images. Le f...

Diffusé avec l’accord des Éditions Amsterdam University Press, détentrices des droits d’auteur sur ce texte.

Comme l’exposition « Game Story. Une histoire du jeu video » qui s’est tenue au Grand Palais a Paris du 10 novembre 2011 au 9 janvier 2012 proposait un discours historique sur un « nouveau media » ainsi qu’une optique intermediale portant notamment sur le cinema, elle a souleve certaines interrogations qu’il nous semble interessant d’envisager a partir du champ de l’histoire et de la theorie du cinema – nous laissons le soin aux specialistes des etudes videoludiques d’estimer la place specifi...