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El fenómeno de la aculturación artística, frecuente en numerosas épocas históricas, supone la adaptación del artista a una cultura diferente a la suya original y suele traducirse en un enriquecimiento personal. Sin embargo, cuando la aculturación es recíproca y se produce en un contexto de colaboración, suele optarse por buscar fórmulas nuevas que, de alguna manera, sinteticen o reinterpreten los rasgos esenciales de las dos culturas. El presente texto trata de poner de manifiesto la importancia del intercambio cultural y de género en el ámbito de la arquitectura contemporánea, en aras de poder verificar el beneficio recíproco que se obtiene de dicho intercambio. El análisis se realiza a partir de un estudio de casos previamente seleccionados en base a su relevancia o trascendencia. Así, un ejemplo emblemático sería la Bauhaus (Weimar-Dessau-Berlín), que consistió, inicialmente, en una colonia multicultural de prestigiosos artistas reunidos por Gropius para plantear una nueva idea de arte total. Así, esta pretensión fue compartida por artistas como Marcel Breuer, László Moholy-Nagy o Vassily Kandinsky. Por otro lado, a perspectiva de género aparecerá también en la Bauhaus, con artistas destacadas como Anni Albers, Gunta Stölzl o Lilly Reich. Dicha perspectiva se refuerza con el posterior cambio de escenario y el éxodo a América de algunos de los profesores, tal es el caso de Walter e Ise Gropius o Joseph y Anni Albers. Todo ello supuso, sin lugar a dudas, una oportunidad de intercambio y enriquecimiento mutuo entre los dos continentes. Este planteamiento intercultural y de género arraigó igualmente en el MIT, donde cabe mencionar el papel relevante de mujeres como Sophia Hayden, Marion Lucy Mahony o Neri Oxman. De lo anterior se deduce que la propia formación de cualquier artista, en un escenario cultural diferente al suyo original, se traduce en un mestizaje fructífero y de gran riqueza de matices. Es el caso del arquitecto Tadao Ando y sus viajes de formación por África, Europa y Estados Unidos, pero también el de Toyo Ito o su alumna Kazuyo Sejima. Sucede lo mismo tanto con arquitectas nacidas en Oriente Próximo, el caso de Amale Andraos, Zaha Hadid o Farshid Moussavi, como nacidas en África, por ejemplo, Mariam Kamara. Sin embargo, la inmersión del artista en una cultura diferente a la suya puede producirse en cualquier etapa de su trayectoria artística; así sucedió con Lina Bo Bardi en São Paulo, con Eileen Gray en Francia, con Denise Scott Brown en Filadelfia o con la alemana Anna Heringer en Bangladés y Marruecos. Por otro lado, los beneficios de la interculturalidad y la perspectiva de género afloran también en socios con diferente procedencia, como Louis Kahn y Anne Tyng, Enric Miralles y Benedetta Tagliabue o Ricardo Scofidio y Elizabeth Diller. The phenomenon of artistic acculturation, frequent in many historical periods, involves the adaptation of the artist to a culture different from his original one and usually translates into a personal enrichment. However, when acculturation is reciprocal and occurs in a context of collaboration, it is often decided to look for new formulas that, in some way, synthesize or reinterpret the essential features of the two cultures. This text seeks to highlight the importance of cultural and gender exchange in the field of contemporary architecture, in order to be able to verify the reciprocal benefit obtained from such exchange. The analysis is based on a case study previously selected based on their relevance or transcendence. Thus, an emblematic example would be the Bauhaus (Weimar-Dessau-Berlin), which consisted, initially, of a multicultural colony of prestigious artists gathered by Gropius to propose a new idea of total art. Thus, this claim was shared by artists such as Marcel Breuer, László Moholy-Nagy or Vassily Kandinsky. On the other hand, a gender perspective will also appear at the Bauhaus, with outstanding artists such as Anni Albers, Gunta Stölzl or Lilly Reich. This perspective is reinforced by the subsequent change of scenery and the exodus to America of some of the professors, such as Walter and Ise Gropius or Joseph and Anni Albers. All this was, without a doubt, an opportunity for exchange and mutual enrichment between the two continents. This intercultural and gender approach also took root at MIT, where it is worth mentioning the relevant role of women such as Sophia Hayden, Marion Lucy Mahony or Neri Oxman. From the above it follows that the very formation of any artist, in a cultural scenario different from his original, translates into a fruitful miscegenation and great richness of nuances. This is the case of the architect Tadao Ando and his training trips through Africa, Europe and the United States, but also that of Toyo Ito or his student Kazuyo Sejima. The same happens both with architects born in the Middle East, the case of Amale Andraos, Zaha Hadid or Farshid Moussavi, and born in Africa, for example, Mariam Kamara. However, the artist's immersion in a culture different from his own can occur at any stage of his artistic career; this happened with Lina Bo Bardi in São Paulo, with Eileen Gray in France, with Denise Scott Brown in Philadelphia or with the German Anna Heringer in Bangladesh and Morocco. On the other hand, the benefits of interculturality and the gender perspective also emerge in partners with different origins, such as Louis Kahn and Anne Tyng, Enric Miralles and Benedetta Tagliabue or Ricardo Scofidio and Elizabeth Diller.

El arte de la luz, que sin lugar a dudas se remonta a las vidrieras de las catedrales góticas, tiene como referentes, ya en la primera mitad del siglo XX, a artistas dadaístas como Man Ray, autor de fotogramas sin cámara denominados por él mismo rayógrafos. Dentro del Dadaísmo cabe mencionar también al propio Marcel Duchamp, con experimentos como sus placas de vidrio rotativas o rotorelieves, los cuales guardan una cierta afinidad material con El gran vídrio (1915-23). Otro de los precursores es artista húngaro László Moholy-Nagy con su obra Modulador luz-espacio (1922-30), una auténtica escultura cinética que producía efectos lumínicos variables. En el ámbito cinematográfico, si bien en la misma línea de experimentar con la luz a semejanza de Julio Le Parc, cabría citar al granadino José Val del Omar, quien acuñó conceptos tales como ‘visión táctil’ o ‘sonido diafónico’ en relación con su propuesta de una obra total de carácter Picto–Lumínica–Audio–Táctil (PLAT), materializada en producciones audiovisuales como Aguaespejo granadino (1953-55) o Fuego en Castilla (1958-60). Ya en la segunda mitad del siglo XX, Nam June Paik, fundador del videoarte y miembro del movimiento neo-dadaísta Fluxus, fue pionero en experimentar con medios electrónicos para distorsionar imágenes mediante circuitos cerrados de televisión. En relación con los orígenes oficiales del Light Art, estos se remontan a las instalaciones lumínicas minimalistas de Dan Flavin y James Turrell, enmarcadas dentro del arte conceptual. En una etapa posterior, la obra del propio Turrell o la de Robert Irwin, ambos miembros del grupo Light and Space, evolucionaría hacia una mayor autonomía estilística y con una vinculación más clara en relación con el escenario arquitectónico. Otros artistas destacados son Robert Irwin, Olafur Eliasson, Francois Morellet o Jim Campbell. Por otro lado, el artista mejicano Rafael Lozano-Hemmer, con su obra colaborativa Alzado Vectorial (1999), planteaba la participación por Internet para dirigir reflectores lumínicos situados en la Plaza Mayor de la ciudad de México en un evento interactivo a gran escala. En relación con la importancia de la tecnología light art en el futuro de la arquitectura, cabe mencionar a Toyo Ito, como su Torre de Vientos (Yokohama, 1986), que experimenta transformaciones a partir de cambios ambientales. Otros arquitectos y artistas que trabajan con la luz son Olafur Eliasson, United Visual Artist (UVA), grupo fundado por Matt Clark, Jenny Holzer o Jason Bruges Studio, Anne Patterson, Joanie Lemercier, o Nonotak, grupo formado por Takami Nakamoto y Noemi Schipfer The art of light, which undoubtedly goes back to the stained glass windows of Gothic cathedrals, has as references, already in the first half of the twentieth century, Dadaist artists such as Man Ray, author of frames without camera called rayographs by himself. Within Dadaism it is also worth mentioning Marcel Duchamp himself, with experiments such as his rotating glass plates or roto-reliefs, which keep a certain material affinity with The Great Glass (1915-23). Another of the precursors is the Hungarian artist László Moholy-Nagy with his work Light-space modulator (1922-30), an authentic kinetic sculpture that produced variable light effects. In the cinematographic field, although in the same line of experimenting with light in the likeness of Julio Le Parc, it would be worth mentioning the Granada José Val del Omar, who coined concepts such as 'tactile vision' or 'diaphonic sound' in relation to his proposal of a total work of Picto-Light-Audio-Tactile character (PLAT), materialized in audiovisual productions such as Aguaespejo granadino (1953-55) or Fuego en Castilla (1958-60). Already in the second half of the twentieth century, Nam June Paik, founder of video art and member of the neo-Dadaist movement Fluxus, was a pioneer in experimenting with electronic means to distort images through closed circuit television. In relation to the official origins of Light Art, these can be traced back to the minimalist light installations of Dan Flavin and James Turrell, framed within conceptual art. At a later stage, the work of Turrell himself or that of Robert Irwin, both members of the Light and Space group, would evolve towards greater stylistic autonomy and with a clearer link in relation to the architectural scenario. Other prominent artists are Robert Irwin, Olafur Eliasson, Francois Morellet or Jim Campbell. On the other hand, the Mexican artist Rafael Lozano-Hemmer, with his collaborative work Alzado Vectorial (1999), proposed Internet participation to direct light reflectors located in the Plaza Mayor of Mexico City in a large-scale interactive event. In relation to the importance of light art technology in the future of architecture, it is worth mentioning Toyo Ito, as his Wind Tower (Yokohama, 1986), which undergoes transformations from environmental changes. Other architects and artists who work with light are Olafur Eliasson, United Visual Artist (UVA), a group founded by Matt Clark, Jenny Holzer or Jason Bruges Studio, Anne Patterson, Joanie Lemercier, or Nonotak, a group formed by Takami Nakamoto and Noemi Schipfer.

El Minimalismo o Minimal Art es una corriente artística caracterizada por el empleo de un número reducido de elementos, mediante una extrema simplificación geométrica y desde un punto de vista material y cromático. En ese sentido, geometría, material y color pasan a ser las tres claves del lenguaje formal minimalista. Sin embargo, la componente intelectual es también fundamental, debido a la apuesta por una esencialidad que descarta lo innecesario. Por otro lado, en la primera mitad del siglo XX se produjo una tendencia hacia la abstracción, la cual se había iniciado con el Suprematismo de Malevich y su obra “Blanco sobre blanco” de 1917. Así, el Minimal Art fue un movimiento artístico heredero de movimientos artísticos como el Constructivismo ruso, el Neoplasticismo holandés o la Bauhaus alemana. En relación con la obra de Tadao Ando, los dos rasgos esenciales de la misma son, en palabras de Vittorio Gregotti, la voluntad de una arquitectura universal, mediante el lenguaje de la geometría, la simplicidad, la uniformidad material y la atemporalidad, así como la integración en el paisaje. Según este mismo autor, son además claras las influencias de dos artistas minimalistas, Carl Andre y Richard Serra. Se trata, por ello, de analizar y clarificar el potencial implícito de los recursos artísticos del Minimal Art en la obra de Tadao Ando. Así, cobran importancia cuestiones tales como la impresión sensorial, en relación con un reduccionismo formal, pero también su implicación conceptual, habida cuenta del papel de protagonismo del espectador. Minimalism or Minimal Art is an artistic current characterized by the use of a small number of elements, through an extreme geometric simplification and from a material and chromatic point of view. In that sense, geometry, material and color become the three keys to the minimalist formal language. However, the intellectual component is also fundamental, due to the commitment to an essentiality that discards the unnecessary. On the other hand, in the first half of the twentieth century there was a tendency towards abstraction, which had begun with Malevich's Suprematism and his work "White on White" of 1917. Thus, Minimal Art was an artistic movement heir to artistic movements such as Russian Constructivism, Dutch Neoplasticism or the German Bauhaus. In relation to the work of Tadao Ando, the two essential features of it are, in the words of Vittorio Gregotti, the will of a universal architecture, through the language of geometry, simplicity, material uniformity and timelessness, as well as integration into the landscape. According to this same author, the influences of two minimalist artists, Carl Andre and Richard Serra, are also clear. It is, therefore, to analyze and clarify the implicit potential of the artistic resources of Minimal Art in the work of Tadao Ando. Thus, issues such as sensory impression, in relation to a formal reductionism, but also its conceptual implication, take on importance, given the role of the viewer's protagonism.

https://www.dykinson.com/libros/la-transversalidad-de-la-investigacion-en-comunicacion/9788411223676/ https://dialnet.unirioja.es/servlet/libro?codigo=874306 CAPÍTULO: https://dialnet.unirioja.es/servlet/articulo?codigo=8664730 (libro completo) Para comprender la evolución de la arquitectura del nuevo milenio, es necesario considerar la puesta en escena de nuevos paradigmas, los cuales se debaten entre la tecnología, la naturaleza y el arte. Asistimos, así, a un cambio de perspectiva, sin duda impensable hace unas décadas, que tuvo su punto de inflexión en el Museo Guggenheim de Frank Gehry (Bilbao, 1997) y con una evolución progresiva hacia un modelo digital ideado con herramientas tecnológicas y basado en referentes biológicos. Este paradigma de morfogénesis digital y paramétrica, a mitad de camino entre lo tecnológico y lo biológico, requiere además una mayor innovación adaptativa e interacción con el entorno. Todo ello se traduce en la necesidad de grupos interdisciplinares, con una colaboración cada vez más estrecha y nuevas afinidades entre disciplinas tales como la arquitectura, la ingeniería, el arte o la biología. Sin embargo, el acercamiento de la arquitectura a la ingeniería y a la estética industrial ya se había producido en el Movimiento Moderno, como así lo demuestran la ‘máquina de habitar’ de Le Corbusier o las máximas respectivas ‘ornamento o delito’ de Adolf Loos y ‘la forma sigue a la función’ de Louis Sullivan. Este interés tecnológico reaparece, en los años sesenta y setenta, en el movimiento de arquitectura High-Tech, con nombres de arquitectos tan emblemáticos como Norman Foster o Richard Rogers y precedentes históricos como el Metabolismo japonés, encabezado por Kenzo Tange, o las propuestas utópicas del grupo Archigram. Existe, sin embargo, un contrapunto Low-Tech, quizás más híbrido, que plantea un mayor acercamiento tanto a lo vernáculo como a lo biológico o ecológico, con arquitectos tales como Moshe Safdie, Anna Heringer, Edward Cullinan, Tatiana Bilbao, Marco Vermeulen o Diébédo Francis Kéré. Por otro lado, en el ámbito arquitectónico se produce además un estrechamiento en sus relaciones con el arte. Aunque es cierto que pueden encontrarse, a lo largo de la historia, numerosos ejemplos de colaboración artística, no lo es menos que, de forma creciente, las fronteras entre géneros artísticos se diluyen. Así sucede con arquitectos y artistas diversos como Zaha Hadid, Vito Acconci, Dan Graham, Herzog & de Meuron, Donald Judd, Greg Lynn o Jeanne Gang. To understand the evolution of the architecture of the new millennium, it is necessary to consider the staging of new paradigms, which are debated between technology, nature and art. We are witnessing, thus, a change of perspective, undoubtedly unthinkable a few decades ago, which had its turning point in the Guggenheim Museum of Frank Gehry (Bilbao, 1997) and with a progressive evolution towards a digital model devised with technological tools and based on biological references. This paradigm of digital and parametric morphogenesis, halfway between the technological and the biological, also requires greater adaptive innovation and interaction with the environment. All this translates into the need for interdisciplinary groups, with increasingly close collaboration and new affinities between disciplines such as architecture, engineering, art or biology. However, the approach of architecture to engineering and industrial aesthetics had already occurred in the Modern Movement, as evidenced by Le Corbusier's 'living machine' or the respective maxims 'ornament or crime' of Adolf Loos and 'form follows function' by Louis Sullivan. This technological interest reappears, in the sixties and seventies, in the High-Tech architecture movement, with names of architects as emblematic as Norman Foster or Richard Rogers and historical precedents such as the Japanese Metabolism, headed by Kenzo Tange, or the utopian proposals of the Archigram group. There is, however, a Low-Tech counterpoint, perhaps more hybrid, which proposes a greater approach to both the vernacular and the biological or ecological, with architects such as Moshe Safdie, Anna Heringer, Edward Cullinan, Tatiana Bilbao, Marco Vermeulen or Diébédo Francis Kéré. On the other hand, in the architectural field there is also a strengthening in its relations with art. Although it is true that numerous examples of artistic collaboration can be found throughout history, it is no less true that, increasingly, the boundaries between artistic genres are diluted. This is the case with diverse architects and artists such as Zaha Hadid, Vito Acconci, Dan Graham, Herzog & de Meuron, Donald Judd, Greg Lynn or Jeanne Gang.

El arquitecto chileno y premio Pritzker en 2016 Alejandro Aravena, realizó su obra más emblemática de vivienda social, la Quinta Monroy, por encargo del gobierno chileno. Se trataba de un proyecto con una previsión de transformación dinámica por los propios habitantes. De esta forma, se posibilitaba un crecimiento de las viviendas tanto en horizontal como en vertical, pasando a ser las propias viviendas una auténtica inversión social. La propuesta tuvo desde sus inicios un carácter de proyecto piloto, con un novedoso enfoque basado en la valorización y la red de oportunidades de colectivos desfavorecidos. En este sentido, la auto-construcción o construcción espontánea era planteada como continuación del propio proyecto de arquitectura, en parte por una cuestión de presupuesto, si bien además para hacer partícipe a los propios inquilinos y evitar el deterioro urbano. La resolución de problemas complejos con la respuesta más simple supone con frecuencia compartir el problema, en muchos casos además para evitar licitaciones arquitectónicas desiertas. Esta creatividad de jugar en el límite, aplicada a la vivienda social, es una manera de poner de acuerdo a las personas desde diferentes ámbitos de actuación, con planteamientos y soluciones concretas y en relación con los problemas de la pobreza y la desigualdad. En la misma línea, con la Bioarquitectura se posibilitan también nuevos planteamientos y nuevas formas de construir, especialmente a partir de materiales locales, si bien utilizados con enfoques tecnológicos nuevos, como ocurre con arquitectos como Simón Vélez o Shigeru Ban. The Chilean architect and Pritzker Prize in 2016 Alejandro Aravena, made his most emblematic work of social housing, the Quinta Monroy, commissioned by the Chilean government. It was a project with a forecast of dynamic transformation by the inhabitants themselves. In this way, it was possible to grow housing both horizontally and vertically, becoming the homes themselves a real social investment. The proposal had from its inception a pilot project character, with a novel approach based on the valorization and network of opportunities for disadvantaged groups. In this sense, self-construction or spontaneous construction was proposed as a continuation of the architectural project itself, partly because of a matter of budget, but also to involve the tenants themselves and avoid urban deterioration. Solving complex problems with the simplest answer often involves sharing the problem, in many cases also to avoid deserted architectural tenders. This creativity of playing on the edge, applied to social housing, is a way of bringing people together from different areas of action, with concrete approaches and solutions and in relation to the problems of poverty and inequality. In the same vein, Bioarchitecture also enables new approaches and new ways of building, especially from local materials, although used with new technological approaches, as is the case with architects such as Simón Vélez or Shigeru Ban.

El net.art fue incluido por vez primera como arte en la red en la Documenta X de Kassel (1997). Así, artistas como Jodi o Alexej Shulgin trabajaban en proyectos exclusivos pensados para Internet. Se trataba pues, desde sus inicios, de un arte en la red, virtual y directo, que creaba mundos paralelos y que estaba abierto a un público ilimitado o imprevisible, siempre fluctuante y sin ningún tipo de mediación institucional. En este sentido, una de sus claves principales era su enorme potencial de difusión o distribución, eliminando barreras tradicionales, tanto económicas como culturales o artísticas. Esto supone que las viejas reglas entran en crisis para dejar paso a otras nuevas que nadie sabe cuáles son, si bien siempre a favor de un arte sin fin. Los primeros netartistas, al margen del género, trabajaron sobre todo con el potencial expresivo de los medios tecnológicos digitales y, frecuentemente, en producciones de carácter efímero y de difícil conservación. Inicialmente se trataba de obras no mercantilizables, si bien se buscaba influir en el espectador, el cual se convierte en miembro de un espacio social y virtual. En este sentido, la intención social primaría sobre la intención artística, ya que ésta última da prioridad a la investigación formal y a los recursos del propio medio. Esta colaboración de artistas se traduce, por ello, en la creación de obras abiertas y dinámicas, de ahí la importancia de estar interconectados. Otra de las claves del net.art es que el espectador se ve obligado a interactuar con la obra, en un feedback permanente en su navegación por la misma. Esto justifica el especial cuidado puesto en la maquetación del espacio virtual, así como en el diseño gráfico en su conjunto. Todo ello, con frecuencia supone la necesidad de un trabajo colaborativo entre especialistas o artistas, los cuales constituyen, por este motivo, comunidades virtuales de trabajo y discurso crítico al margen del ámbito institucional. Las imágenes electrónicas son puro espectro y poseen por ello idéntico carácter efímero que las imágenes mentales, si bien dotadas del atributo de ubicuidad o potestad de estar en todas partes mediante escenarios electrónicos. Se trata de un arte nuevo e intencionalmente híbrido, en el que confluyen tradición y contemporaneidad, realidad y virtualidad, cultura y contracultura. The net.art was first included as network art in Kassel's Documenta X (1997). Thus, artists such as Jodi or Alexej Shulgin worked on exclusive projects designed for the Internet. It was therefore, from the beginning, an art on the network, virtual and direct, that created parallel worlds and that was open to an unlimited or unpredictable audience, always fluctuating and without any institutional mediation. In this sense, one of its main keys was its enormous potential for dissemination or distribution, removing traditional barriers, both economic, cultural or artistic. This means that the old rules go into crisis to make way for new ones that no one knows what they are, although always in favor of endless art. The first netartists, regardless of gender, worked mainly with the expressive potential of digital technological media and, often, in productions of an ephemeral nature and difficult to conserve. Initially these were non-commodable works, although it was intended to influence the viewer, who becomes a member of a social and virtual space. In this sense, social intention would take precedence over artistic intention, since the latter gives priority to formal research and the resources of the medium itself. This collaboration of artists therefore translates into the creation of open and dynamic works, hence the importance of being interconnected. Another key to the net.art is that the viewer is forced to interact with the work, in a permanent feedback in his navigation through it. This justifies the special care placed in the layout of the virtual space, as well as in the graphic design as a whole. All this often implies the need for collaborative work between specialists or artists, which are, for this reason, virtual communities of work and critical discourse outside the institutional sphere. Electronic images are pure spectrum and therefore have the same ephemeral character as mental images, although they have the attribute of ubiquity or power to be everywhere through electronic scenarios. It is a new and intentionally hybrid art, in which tradition and contemporaneity, reality and virtuality, culture and counterculture converge.

Resumen: En el libro de 2002 Cradle to Cradle: Remaking the Way We Make Things, los autores, W. McDonough y M. Braungart, planteaban los beneficios sociales asociados con las economías circulares orientadas a la eliminación de residuos. Se proponía, con ello, una revisión radical del proceso de diseño a partir de tres principios basados en la propia naturaleza: la transformación de los residuos en materia prima, el uso de energías limpias y renovables y el compromiso con la diversidad natural y cultural. En este sentido, hoy el Certificado Cradle to Cradle (C2C) cuenta con un reconocimiento internacional en relación al diseño y la fabricación de productos que abogan por una Economía Circular. La revisión de la producción industrial se propuso así en una propuesta mejorada, dado que las tres R’s (reciclar, reutilizar y reducir) del ecologismo tradicional eran insuficientes para frenar el imparable deterioro del planeta. Por lo tanto, el factor novedoso era la gestión de los residuos y su reutilización como materia prima. El objetivo del trabajo es demostrar la existencia de prácticas relacionadas con este revisionismo en el campo de la arquitectura, aclarando las relaciones existentes entre vivienda sostenible y calidad de vida. Así, por ejemplo, cuestiones como el uso de la iluminación natural, la ventilación cruzada, no solo suponen un ahorro energético y de autosuficiencia, sino que también requieren un nuevo enfoque del edificio desde el principio. Todo ello desde una nueva concepción de la sostenibilidad ambiental que acerca la arquitectura a la industria y a las nuevas tecnologías, pero también con la reutilización de recursos y el uso de materiales locales, y sobre todo teniendo en cuenta a las personas y el lugar, con la participación comunitaria, los lazos comunitarios y la solidaridad. La principal conclusión es que este nuevo enfoque ecológico de la producción arquitectónica también es compatible con otros conceptos como la Bioarquitectura y su amplio abanico de posibilidades, como la bioluminiscencia o la construcción de bambú, pero también con el Internet de las Cosas (IOT), la impresión 3D o la robótica. Arquitectos como Shigeru Ban o Simon Vélez adoptan formas alternativas que abren nuevos caminos para la arquitectura mucho más respetuosos con la naturaleza y el paisaje. Abstract: In the 2002 book Cradle to Cradle: Remaking the Way We Make Things, the authors, W. McDonough and M. Braungart, raised the social benefits associated with circular economies geared towards waste disposal. This proposed a radical revision of the design process based on three principles based on nature itself: the transformation of waste into raw materials, the use of clean and renewable energies and the commitment to natural and cultural diversity. In this sense, today the Cradle to Cradle Certificate (C2C) has an international recognition in relation to the design and manufacture of products that advocate a Circular Economy. The revision of industrial production was thus proposed in an improved proposal, since the three Rs (recycle, reuse and reduce) of traditional environmentalism were insufficient to stop the unstoppable deterioration of the planet. Therefore, the novel factor was the management of waste and its reuse as raw material. The objective of the work is to demonstrate the existence of practices related to this revisionism in the field of architecture, clarifying the existing relationships between sustainable housing and quality of life. Thus, for example, issues such as the use of natural lighting, cross ventilation, not only mean energy savings and self-sufficiency, but also require a new approach to the building from the beginning. All this from a new conception of environmental sustainability that brings architecture closer to industry and new technologies, but also with reuse of resources and use of local materials, and above all considering people and place, with community participation, community ties and solidarity. The main conclusion is that this new ecological approach to architectural production is also compatible with other concepts such as Bioarchitecture and its wide range of possibilities, such as bioluminescence or bamboo construction, but also the Internet of Things (IOT), 3D printing or robotics. Architects such as Shigeru Ban or Simon Vélez adopt alternative forms that open new paths for architecture much more respectful of nature and landscape.

La arquitecta anglo-iraquí ha pasado a la Historia de la Arquitectura por la complejidad formal de sus edificios y propuestas artísticas de toda índole, con una intención clara de transversalidad y permeabilidad o flujo entre fronteras. Su genialidad y libertad creadora, unidas a su fuerte personalidad, además de su exquisita sensibilidad, son visibles en cualquiera de sus producciones. Todo ello se explica además por su educación universal y en relación con el favorable y privilegiado planteamiento de mestizaje oriente-occidente de dicha educación. Afortunadamente, sus dificultades iniciales para construir edificios con formas insólitas fueron desapareciendo, según sus propias declaraciones, a raíz de la construcción del Guggenheim de Bilbao, ya fue Frank O. Gehry, quien realmente abrió por vez primera las puertas a la utilización en arquitectura de herramientas proyectuales nuevas. Por otro lado, en el caso de Zaha Hadid, parece indiscutible la importancia del contexto de su propia formación. Así, tras realizar un master en matemática en Beirut, se formó como arquitecta en el seno de la Asociación de Arquitectura de Londres (Architectural Association School of Architecture), un centro que se caracteriza por la experimentación arquitectónica y la arquitectura del futuro, lo cual no resulta ni casual ni irrelevante. Otras de las reflexiones obligadas al hablar de Zaha Hadid es la influencia, tanto arquitectónica como artística, del Constructivismo ruso, con obras como los proyectos Proun de El Lissitzky, a caballo entre pintura y la arquitectura, las pinturas suprematistas de Malevich o el Monumento a la Tercera Internacional (1919-20) de Tatlin, helicoidal como el Guggenheim de Wright. Por otra parte, hay que mencionar su propia adscripción al Deconstructivismo, éste último un movimiento arquitectónico de los ’80 que apostó por las formas distorsionadas de la geometría no euclidiana y que debe su nombre a la exposición homónima, Deconstructivist Architecture, la cual tuvo lugar en Museo de Arte Moderno de Nueva York en el año 1988. Zaha Hadid participó en dicha exposición junto a Gehry, Koolhaas, Libeskind, Himmelb(l)au, Tschumi y Eisenman. Todo este sustrato cultural enmarca a Zaha Hadid en un panorama rico culturalmente y favorecedor del despliegue de una creatividad sin límites que se inicia con su emblemática primera obra construida, la Estación de Bomberos Vitra (1991-93) en Weil am Rhein, Alemania. En la misma ciudad, su libertad geométrica se sirve además de la topografía del terreno, tal y como sucede en el Pabellón Landgartenschau (1999), en el que se entrecruzan tres sendas. En otros casos, como en el Centro de Arte Contemporáneo Rosenthal (2003) en Cincinnati, sin duda existen influencias del lenguaje del constructivismo y de los Estribanubes de El Lissitzky; en el Museo MAXXI (2009) de Roma, aparece igualmente esta referencia. The Anglo-Iraqi architect has passed into the History of Architecture for the formal complexity of her buildings and artistic proposals of all kinds, with a clear intention of transversality and permeability or flow between borders. His genius and creative freedom, together with his strong personality, in addition to his exquisite sensitivity, are visible in any of his productions. All this is also explained by its universal education and in relation to the favorable and privileged approach of east-west miscegenation of this education. Fortunately, his initial difficulties in constructing buildings with unusual shapes were disappearing, according to his own statements, following the construction of the Guggenheim in Bilbao, it was already Frank O. Gehry, who really opened the doors for the first time to the use in architecture of new design tools. On the other hand, in the case of Zaha Hadid, the importance of the context of her own training seems indisputable. Thus, after completing a master's degree in mathematics in Beirut, she trained as an architect within the Architectural Association School of Architecture, a center that is characterized by architectural experimentation and the architecture of the future, which is neither casual nor irrelevant. Another of the obligatory reflections when talking about Zaha Hadid is the influence, both architectural and artistic, of Russian Constructivism, with works such as the Proun projects of El Lissitzky, halfway between painting and architecture, the suprematist paintings of Malevich or the Monument to the Third International (1919-20) by Tatlin, helical like Wright's Guggenheim. On the other hand, we must mention his own ascription to Deconstructivism, the latter an architectural movement of the '80s that opted for the distorted forms of non-Euclidean geometry and that owes its name to the homonymous exhibition, Deconstructivist Architecture, which took place at the Museum of Modern Art in New York in 1988. Zaha Hadid participated in this exhibition alongside Gehry, Koolhaas, Libeskind, Himmelb(l)au, Tschumi and Eisenman. All this cultural substratum frames Zaha Hadid in a culturally rich panorama and favoring the deployment of a creativity without limits that begins with her emblematic first work built, the Vitra Fire Station (1991-93) in Weil am Rhein, Germany. In the same city, its geometric freedom is also used by the topography of the land, as it happens in the Landgartenschau Pavilion (1999), in which three paths intersect. In other cases, such as at the Rosenthal Center for Contemporary Art (2003) in Cincinnati, there are undoubtedly influences from the language of constructivism and the Estribanubes of El Lissitzky; in the MAXXI Museum (2009) in Rome, this reference also appears.

Resumen: En el libro de 2002 Cradle to Cradle: Remaking the Way We Make Things, los autores, W. McDonough y M. Braungart, planteaban los beneficios sociales asociados con las economías circulares orientadas a la eliminación de residuos. Se proponía, con ello, una revisión radical del proceso de diseño a partir de tres principios basados en la propia naturaleza: la transformación de los residuos en materia prima, el uso de energías limpias y renovables y el compromiso con la diversidad natural y cultural. En este sentido, hoy el Certificado Cradle to Cradle (C2C) cuenta con un reconocimiento internacional en relación al diseño y la fabricación de productos que abogan por una Economía Circular. La revisión de la producción industrial se propuso así en una propuesta mejorada, dado que las tres R’s (reciclar, reutilizar y reducir) del ecologismo tradicional eran insuficientes para frenar el imparable deterioro del planeta. Por lo tanto, el factor novedoso era la gestión de los residuos y su reutilización como materia prima. El objetivo del trabajo es demostrar la existencia de prácticas relacionadas con este revisionismo en el campo de la arquitectura, aclarando las relaciones existentes entre vivienda sostenible y calidad de vida. Así, por ejemplo, cuestiones como el uso de la iluminación natural, la ventilación cruzada, no solo suponen un ahorro energético y de autosuficiencia, sino que también requieren un nuevo enfoque del edificio desde el principio. Todo ello desde una nueva concepción de la sostenibilidad ambiental que acerca la arquitectura a la industria y a las nuevas tecnologías, pero también con la reutilización de recursos y el uso de materiales locales, y sobre todo teniendo en cuenta a las personas y el lugar, con la participación comunitaria, los lazos comunitarios y la solidaridad. La principal conclusión es que este nuevo enfoque ecológico de la producción arquitectónica también es compatible con otros conceptos como la Bioarquitectura y su amplio abanico de posibilidades, como la bioluminiscencia o la construcción de bambú, pero también con el Internet de las Cosas (IOT), la impresión 3D o la robótica. Arquitectos como Shigeru Ban o Simon Vélez adoptan formas alternativas que abren nuevos caminos para la arquitectura mucho más respetuosos con la naturaleza y el paisaje. Abstract: In the 2002 book Cradle to Cradle: Remaking the Way We Make Things, the authors, W. McDonough and M. Braungart, raised the social benefits associated with circular economies geared towards waste disposal. This proposed a radical revision of the design process based on three principles based on nature itself: the transformation of waste into raw materials, the use of clean and renewable energies and the commitment to natural and cultural diversity. In this sense, today the Cradle to Cradle Certificate (C2C) has an international recognition in relation to the design and manufacture of products that advocate a Circular Economy. The revision of industrial production was thus proposed in an improved proposal, since the three Rs (recycle, reuse and reduce) of traditional environmentalism were insufficient to stop the unstoppable deterioration of the planet. Therefore, the novel factor was the management of waste and its reuse as raw material. The objective of the work is to demonstrate the existence of practices related to this revisionism in the field of architecture, clarifying the existing relationships between sustainable housing and quality of life. Thus, for example, issues such as the use of natural lighting, cross ventilation, not only mean energy savings and self-sufficiency, but also require a new approach to the building from the beginning. All this from a new conception of environmental sustainability that brings architecture closer to industry and new technologies, but also with reuse of resources and use of local materials, and above all considering people and place, with community participation, community ties and solidarity. The main conclusion is that this new ecological approach to architectural production is also compatible with other concepts such as Bioarchitecture and its wide range of possibilities, such as bioluminescence or bamboo construction, but also the Internet of Things (IOT), 3D printing or robotics. Architects such as Shigeru Ban or Simon Vélez adopt alternative forms that open new paths for architecture much more respectful of nature and landscape.

Esta publicación ha recibido una ayuda del VI Plan Propio de investigación y Transferencia de la Universidad de Sevilla. 2019. Resolución de la Comisión de Investigación de fecha 29 de abril de 2019 por la que se resuelve la convocatoria de Ayudas para Organizar Congre- sos y Reuniones Científicas con Proyección Internacional. (III.2). Referencia: VIPPIT-2019-III.2. RESUMEN Las posibilidades de la realidad virtual (VR) en relación con la metodología BIM aplicada al diseño y a la gestión del proyecto arquitectónico son cada vez más notorias. Estas relaciones entre VR y modelado BIM son especialmente evidentes con la visualización realista de modelos o maquetas virtuales a partir de recorridos dentro y fuera del edificio. En ese sentido, la apli- cación de la VR en BIM implica entender sus principios básicos, esencialmente en relación al trabajo de modelado 3D en diferentes etapas del proyecto. A partir de un análisis de casos, se pretende ilustrar el uso de VR en los entornos BIM mediante simulaciones y con la inmersión en el modelo virtual antes de la fase de construcción del edificio, facilitando así la comprensión del mismo y una mayor previsibilidad en la toma de decisiones. Se busca con ello una máxima eficiencia, calidad y reducción de costes. Por otro lado, también otras tecnologías aplicadas a la construcción conectan, cada vez más, con la metodología BIM y posibilitan una mayor in- teroperabilidad entre los diversos agentes que intervienen en el proyecto. Tal es el caso de la realidad aumentada, la impresión 3D, la robótica o los sistemas de información geográfica, por citar sólo unos cuantos, lo que conlleva una mejora creciente en la gestión y visualización de la información del proyecto. The possibilities of virtual reality (VR) in relation to the BIM methodology applied to the design and management of the architectural project are increasingly noticeable. These relationships between VR and BIM modeling are especially evident with the realistic display of virtual models or models from tours in and out of the building. In this sense, the application of VR in BIM involves understanding its basic principles, essentially in relation to the work of 3D modeling at different stages of the project. Based on a case analysis, it is intended to illustrate the use of VR in BIM environments through simulations and with immersion in the virtual model before the construction phase of the building, thus facilitating the understanding of the building and greater predictability in the taking of d ecisions. This seeks maximum efficiency, quality and cost reduction. On the other hand, other technologies applied to construction also connect, more and more, with the BIM methodology and allow greater in- teroperability among the various agents involved in the project. Such is the case with augmented reality, 3D printing, robotics or geographic information systems, to name just a few, which leads to a growing improvement in the management and visualization of project information. Universidad de Sevilla.VIPPIT-2019-III.2.

El paso lateral y con un único apoyo, en lugar de frontal, implica metafóricamente una actitud de cuestionamiento y riesgo al mismo tiempo. Las innovaciones tecnológicas en el ámbito de la expresión gráfico-plástica abren caminos nuevos y posibilidades insospechadas en épocas precedentes a la actual. Sin embargo, esta actitud de revisión de la tradición parece ser una constante histórica, necesaria para el avance del arte y el cono- cimiento humano. Así, el posicionamiento de búsqueda constante es común a artistas y arquitectos tan variopintos como Gaudí, Nieuwenhuys, Miralles, Acconci, Zaha Hadid o Karl Sims, éste último autor de la propuesta “Genetic Images”. Romper moldes implica una inmersión en lo incierto, buscar con el deseo y el convencimiento pleno de decir cosas nuevas, de crear obras vivas por su carácter experimental, con lecturas siempre personales y tecnológicamente contextualizadas. En este sentido, la producción artística pertenece, desde su génesis, al público al que se dirige, si bien la era de la convergencia mediática que nos ha tocado vivir posibilita unos canales de información y comunicación nuevos, también para el net.art. Se posibilita entonces que el público espectador pase a ser actor que se implique de lleno en el propio proceso artístico.

https://jornadasperiferiasurbanas.wordpress.com/ RESUMEN La idea de la arquitectura como pensamiento o producto cultural supone interpretar las nuevas soluciones experimentales como poseedoras de un substrato teórico que, con frecuencia, se anticipa a visiones futuras. Sin embargo, dichas soluciones suelen alimentarse además de cambios sociales y tecnológicos, lo que se traduce en una especie de crossover, cruce o mestizaje que viene a enriquecer el modus operandi convencional. El tema de la comunicación es la regeneración urbana a partir de propuestas arquitectónicas que apuestan por implementar arte y tecnología mediante el modelo de la startup, basada ésta última en el emprendimiento tecnológico con nuevos talentos para generar verdaderos aparatos de investigación y producción de nuevas arquitecturas. El objetivo es analizar los principios que subyacen en estas estrategias y métodos integrales que se sirven de ‘plataformas de conocimiento’, mediante redes interconectadas que proporcionan retroalimentación, para maximizar así la eficacia y mejora de las intervenciones, proporcionando innovación y crecimiento sostenible a partir de desarrollos programáticos, con programas de usos mixtos. Se busca realizar un análisis de varios ejemplos de intervención, tanto de low tech como de high tech. estas últimas con propuestas basadas en nuevas técnicas de diseño computacional, técnicas de diseño paramétrico y de información mediante conocimiento colaborativo aplicado a edificios cada vez más inteligentes, con nuevas formas y nuevos materiales que conducen la arquitectura hacia una escala más amplia. En este sentido, la posición de la arquitectura contemporánea frente al avance tecnológico es ambivalente, si bien asistimos a una auténtica transformación metodológica gracias a las tecnologías digitales aplicadas a diferentes niveles y no únicamente a nivel formal o estético. Esta actual revisión metodológica en la que estamos inmersos, da como resultado edificios cada vez más saludables y, al mismo tiempo, más próximos al arte, en una 'aesthetics of reception', tal y como lo plantean arquitectos como Ben van Berkel. Así, los espacios pasan a tener múltiples interpretaciones de la experiencia, a la vez que se potencia la creación de efectos que enriquecen la arquitectura con percepciones ilusorias, al modo de nuevos trampantojos cinéticos y tal y como sucederá en un futuro próximo. Se trata de una nueva arquitectura paramétrica, orgánica y adaptativa como los edificios de Zaha Hadid, planteada como una obra de arte con una pluralidad de significados y que es además cambiante o sujeta a variaciones, con propuestas a escala urbana como las de Rafael Lozano-Hemmer. En definitiva, una arquitectura cualitativamente cada vez más compleja y que, por ello, deja de ser un mero argumento tipológico. En definitiva, la nueva arquitectura depende en gran medida de la nueva manera de organizar el trabajo, una organización empresarial de tintes vanguardistas, inspiradora en muchos niveles de la nueva visión de la economía creativa o inventiva, sobre todo en el caso de las ‘arquitecturas colectivas’, como es el caso de Santiago Cirugeda. Por ello, parece esencial considerar la necesidad de la interacción de los seres humanos con un entorno construido a partir de nuevos enfoques interdisciplinarios y con una participación activa de los usuarios de estos nuevos espacios. ABSTRACT Resumen The idea of architecture as a cultural product or thought presupposes interpreting the new experimental solutions as possessing a theoretical substrate that often anticipates future visions. However, such solutions tend to be fed in addition to social and technological changes, which translates into a kind of crossover, crossbreeding or mestizaje that comes to enrich the conventional modus operandi. The theme of communication is the urban regeneration from architectural proposals that bet to implement art and technology through the startup model, based on the latter in technological entrepreneurship with new talents to generate real devices for research and production of new architectures. The objective is to analyze the principles underlying these strategies and comprehensive methods that use 'knowledge platforms', through interconnected networks that provide feedback, to maximize the effectiveness and improvement of the interventions, providing innovation and sustainable growth from Programmatic developments, with mixed use programs. We are looking for an analysis of several examples of intervention, both low tech and high tech. The latter with proposals based on new computational design techniques, parametric design techniques and information through collaborative knowledge applied to increasingly intelligent buildings, with new forms and new materials that lead the architecture to a wider scale. In this sense, the position of contemporary architecture in front of the technological advance is ambivalent, although we are witnessing a true methodological transformation thanks to the digital technologies applied at different levels and not only at the formal or aesthetic level. This current methodological review in which we are immersed results in increasingly healthier and at the same time closer to art, in an 'aesthetics of reception', as put forward by architects such as Ben van Berkel. Thus, the spaces have multiple interpretations of experience, while the creation of effects that enrich the architecture with illusory perceptions, in the way of new kinetic trompelets, and as it will happen in the near future, is enhanced. It is a new parametric, organic and adaptive architecture such as the buildings of Zaha Hadid, raised as a work of art with a plurality of meanings and that is also changing or subject to variations, with urban scale proposals such as Rafael Lozano- Hemmer. In short, an architecture that is qualitatively increasingly complex and, therefore, is no longer a mere typological argument. In short, the new architecture depends to a large extent on the new way of organizing work, an avant-garde business organization, inspiring at many levels the new vision of the creative or inventive economy, especially in the case of 'architectures Collective ', as is the case of Santiago Cirugeda. Therefore, it seems essential to consider the need for human interaction with an environment built on new interdisciplinary approaches and with the active participation of users of these new spaces.

Communication addresses the issue of 'The Digital Fabrication Revolution' postulated by Neil A. Gershenfeld. The objectives pursued are basically two: 1. Analyze the new 'teaching contents' of a Fablab, with such powerful tools like Arduino regarding prototyping as well as the practical application of them in sustainable architecture and 2. Analyze methodology of these new spaces and its impact on teaching Architecture. To do this, we reflect on the present and future potential of the growing network of laboratories scattered throughout the world digital manufacturing. It is reveal or clarify the success of a formula that involves building "almost everything" also sustainable architecture, technology base, and to establish relations with a current focus of Smart Cities. The main consideration is to analyze, in a special way, the impact of these new approaches in the formation of future architect associated such training both collective production, as educational resources come into play, given that it is a global phenomenon, with a network of about 60 official centers in the world. On the other hand, the research seeks to highlight the importance of machines in relation to the present and the future of sustainable societies, with the premise that cities of the future will be built primarily by machines, as a step in the prefabrication constructive. La comunicación aborda el tema de ‘The Digital Fabrication Revolution’ postulada por Neil A. Gershenfeld. Los objetivos que se persiguen son fundamentalmente dos: 1. Analizar los nuevos ‘contenidos docentes’ de un Fablab, con herramientas tan potentes como Arduino en relación con el prototipado, así como la aplicación práctica de los mismos en arquitectura sostenible y 2. Analizar la metodología de estos nuevos espacios y sus repercusiones en la docencia de Arquitectura. Para ello, se reflexiona sobre el potencial presente y futuro de la red creciente de laboratorios de fabricación digital dispersos por el mundo. Se trata de desvelar o clarificar el éxito de una fórmula que implica construir “casi todo”, también arquitectura sostenible, con tecnología de base, así como de establecer relaciones con un enfoque actual de Smart Cities. La reflexión principal consiste en analizar, de forma especial, las repercusiones de estos novedosos planteamientos en la formación del futuro arquitecto, asociada dicha formación tanto a la producción colectiva, como a los recursos educativos que entran en juego, habida cuenta de que se trata de un fenómeno mundial, con una red de alrededor de 60 centros oficiales en el mundo. Por otro lado, la investigación busca poner de manifiesto la importancia de las máquinas en relación con el presente y el futuro de las sociedades sostenibles, con la premisa de que las ciudades del futuro serán construidos esencialmente por máquinas, como un paso más en la prefabricación constructiva.

La investigación interdisciplinar en Arquitectura, de la mano del ACT (Arte, Ciencia y Tecnología) debe atender por igual a los aspectos técnicos y creativos, considerados ambos tanto desde un punto de vista práctico como a nivel teórico. En ese sentido, la comunicación trata de clarificar los múltiples planteamien- tos de colaboración entre diferentes especialistas en torno al hecho arquitectónico, contando además con el protagonismo de los propios usuarios en la gestación del proyecto mediante la Participatory Action Re- search (PAR) asociada a la Quality Assurance (QA) a partir de un proceso participativo y colaborativo. Se trata de nuevas propuestas de construcción de espacios que huyen de las fórmulas tecnocráticas conven- cionales y que por ello están más pendientes de las necesidades reales de los ciudadanos, planteando una revisión profunda de las metodologías proyectuales tradicionales. En otro orden de cosas, la arquitectura como hecho cultural se aproxima cada vez más a los conceptos de medialab y fablab, ya que no es ajena a los cambios operados por las nuevas tecnologías en relación a la manera de comunicar la arquitectura. Así, la modelización arquitectónica cobra importancia como estrategia de comunicación del proyecto, si bien al margen de la calidad conceptual del mismo. Interdisciplinary research in Architecture, in the hands of the ACT (Art, Science and Technology) must attend equally to technical and creative aspects, considered both from a practical and theoretical point of view. In this sense, the communication tries to clarify the multiple approaches of collaboration between different specialists around the architectural fact, counting also with the protagonism of the users themselves in the gestation of the project through the Participatory Action Research (PAR) associated with Quality Assurance (QA) from a participatory and collaborative process. These are new proposals for the construction of spaces that flee from the conventional technocratic formulas and which are therefore more open to the real needs of citizens, proposing an in-depth revision of traditional project methodologies. On the other hand, architecture as a cultural fact is increasingly approaching the concepts of medialab and fablab, since it is not alien to the changes undergone by the new technologies in relation to the way of communicating architecture. Thus, architectural modeling becomes important as a communication strategy for the project, albeit outside the conceptual quality of the Project.

Communication addresses the issue of 'The Digital Fabrication Revolution' postulated by Neil A. Gershenfeld. The objectives pursued are basically two: 1. Analyze the new 'teaching contents' of a Fablab, with such powerful tools like Arduino regarding prototyping as well as the practical application of them in sustainable architecture and 2. Analyze methodology of these new spaces and its impact on teaching Architecture. To do this, we reflect on the present and future potential of the growing network of laboratories scattered throughout the world digital manufacturing. It is reveal or clarify the success of a formula that involves building "almost everything" also sustainable architecture, technology base, and to establish relations with a current focus of Smart Cities. The main consideration is to analyze, in a special way, the impact of these new approaches in the formation of future architect associated such training both collective production, as educational resources come into play, given that it is a global phenomenon, with a network of about 60 official centers in the world. On the other hand, the research seeks to highlight the importance of machines in relation to the present and the future of sustainable societies, with the premise that cities of the future will be built primarily by machines, as a step in the prefabrication constructive. La comunicación aborda el tema de ‘The Digital Fabrication Revolution’ postulada por Neil A. Gershenfeld. Los objetivos que se persiguen son fundamentalmente dos: 1. Analizar los nuevos ‘contenidos docentes’ de un Fablab, con herramientas tan potentes como Arduino en relación con el prototipado, así como la aplicación práctica de los mismos en arquitectura sostenible y 2. Analizar la metodología de estos nuevos espacios y sus repercusiones en la docencia de Arquitectura. Para ello, se reflexiona sobre el potencial presente y futuro de la red creciente de laboratorios de fabricación digital dispersos por el mundo. Se trata de desvelar o clarificar el éxito de una fórmula que implica construir “casi todo”, también arquitectura sostenible, con tecnología de base, así como de establecer relaciones con un enfoque actual de Smart Cities. La reflexión principal consiste en analizar, de forma especial, las repercusiones de estos novedosos planteamientos en la formación del futuro arquitecto, asociada dicha formación tanto a la producción colectiva, como a los recursos educativos que entran en juego, habida cuenta de que se trata de un fenómeno mundial, con una red de alrededor de 60 centros oficiales en el mundo. Por otro lado, la investigación busca poner de manifiesto la importancia de las máquinas en relación con el presente y el futuro de las sociedades sostenibles, con la premisa de que las ciudades del futuro serán construidos esencialmente por máquinas, como un paso más en la prefabricación constructiva.

La triada arte-ciencia-tecnología tiene una larga trayectoria histórica. Así lo demuestran ejemplos conocidos como los dibujos genéricos de máquinas de Villard de Honnecourt en el s. XIII, o los más famosos aún de las máquinas de Leonardo da Vinci. En relación con la idea de colaboración artística, el músico y compositor Richard Wagner acuñó, hacia la segunda mitad del s. XIX, el término Gesamtkunstwerk, que puede traducirse como ‘Obra de arte total’, quería así plantear un novedoso modelo de ópera en el que pudiera hacerse realidad la síntesis de todas las artes. Por otro lado, en relación con las nuevas tecnologías, el informático y arquitecto Nicholas Negroponte fundó en 1967 junto a Leon Groisser el MIT’s Architecture Machine Group y posteriormente el MIT Media Lab (1985); este último está dedicado a proyectos de investigación en los que convergen la idea de diseño, internet y tecnología. En la misma línea, el Net-Art aboga por la hipertextualidad y sobre todo la interactividad en la red, mediante la utilización del soporte digital y con innumerables posibilidades, muchas de las cuales están aún por explorar. Un nuevo paradigma que viene a poner en cuestión el concepto de arte. The triad art-science-technology has a long historical trajectory. This is demonstrated by examples known as generic drawings of machines in Villard of Honnecourt s. XIII, or even the most famous machines of Leonardo da Vinci. Regarding the idea of artistic collaboration, the musician and composer Richard Wagner coined in the second half of the s. XIX, the term Gesamtkunstwerk, which translates as 'work of art', he wanted to raise a new model of opera in which it could come true synthesis of all the arts. On the other hand, in relation to new technologies, computer and architect Nicholas Negroponte founded in 1967 with Leon Groisser MIT's Architecture Machine Group and later the MIT Media Lab (1985); the latter is dedicated to research projects in which converge the design idea, internet and technology. In the same vein, the Net-Art advocates the hypertext and interactivity especially on the web, through the use of digital media and innumerable possibilities, many of which are still unexplored. A new paradigm is to question the concept of art.

The theme of communication in the urban regeneration from architectural proposals that bet to implement art and technology through the startup model, based on the latter in technological entrepreneurship with new talents to generate real devices for research and production of new architectures. The objective is to analyze the principles underlying these strategies and comprehensive methods that serve as "Knowledge plattforms", through interconnected networks to maximize the effectiveness and improvement of the interventios, providing innovation and sustainable growth from program developments, with Mixed-use programs. In this sense, the position of contemporary architecture in front of the technological advance is ambivalent, although we are witnessing a true methodological transformation thanks to the digital technologies applied at different levels and not only at the formal or aesthetic level. This current methodological review in which we are immersed results in increasingly healthier and at the same time closer to art, in an "aesthetic of reception", as put forward by architects such as Ben van Berkel. It is a new parametric, organic and adaptive architecture such as the buliding of Zaha Hadid, raised as a work of art with a plurality of meaning and that is also changing or subject to variations, with urban scale proposals such as Rafael Lozano-Hemmer. In short, an architecture that is qualitatively argument. In conclusion, the new architecture depends on a business and avant-garde organization, inspiring in many levels the new vision of the creative or intentive economy, especially with "collective architectures", as is the case of Santiago Cirugeda. El tema de la comunicación es la regeneración urbana a partir de propuestas arquitectónicas que apuestan por implementar arte y tecnología mediante el modelo de la startup, basada ésta última en el emprendimiento tecnológico con nuevos talentos para generar verdaderos aparatos de investigación y producción de nuevas arquitecturas. El objetivo es analizar los principios que subyacen en estas estrategias y métodos integrales que se sirven de "plataformas de conocimiento", mediante redes interconectadas para maximizar así la eficacia y mejora de las intervenciones, proporcionando innovación y crecimiento sostenible a partir de desarrollos programáticos, con programas de usos mixtos. En este sentido, la posición de la arquitectura contemporánea frente al avance tecnológico es ambivalente, si bien asistimos a una auténtica transformación metodológica gracias a las tecnologías digitales aplicadas a diferentes niveles y no únicamente a nivel formal o estético. Esta actual revisión metodológica en la que estamos inmersos, da como resultado edificios cada vez más saludables, y al mismo tiempo, mas próximos al arte, en una "aesthetics of reception", tal y como lo plantean arquitectos como Ben Van Berkel. Se trata de una nueva arquitectura, paramétrica, orgánica y adaptativa como los edificios de Zaha Hadid, planteada como una obra de arte con una pluralidad de significados y que es además cambiante o sujeta a variaciones, con propuestas a escala urbana como la de Rafael Lozano-Hemmer. En definitiva, una arquitectura cualitativamente cada vez más compleja y que, por ello, deja de ser un mero argumento tipológico. En conclusión, la nueva arquitectura depende de una organización empresarial y vanguardista, inspiradora en muchos niveles de la nueva visión de la economía creativa o inventiva, sobre todo con "arquitecturas colectivas", como es el caso de Santiago Cirugeda. Vicerrectorado de relaciones institucionales de la Universidad de Sevilla

The use of digital technology in architecture and art is associated often with the collaboration of interdisciplinary teams in participatory and experimental spaces, especially in the Media Lab model or its variants, such as the City Lab, Living Lab, the New Media Art and even the World Wide Lab. This is a model that combines the premises of the technological and innovation hand advanced users and whose clear precedents are, on the one hand, Russian Constructivism, and decades later the MIT hand Nicholas Negroponte. In the first case, in the Constructivism, there may be mentioned emblematic examples such as the Experimental Laboratory Building Kinetics of Proletkult in Moscow, Workshops Higher Education Arts and Techniques (VKHUTEMAS) founded in 1920, or the Group of Constructivists in Action the Institute of Artistic Culture (1921). The second case, the model Media Lab, Media Laboratory English acronym, translated as "Media Lab", originated in 1985 within the "Group of Architecture and Machines". The group has its immediate precedent in the draft Computer Aided Design (1959-1967), funded to maximize military power and whose director was Douglas T. Ross; it was addressing the man-machine complementary binding and design computationally, with a direct applicability of the technology. This model will be adopted by the architects of the Institute to raise new urban proposals based on component technology and social utopias. Also within the Media Lab, emerged in the late nineties, the term Living Lab hand WJ Mitchell and referred to urban planning using digital tools and with the involvement of the people themselves, albeit with different "degrees of citizen participation". This ever-closer union between man and machine is the direct consequence of the unstoppable digital revolution that is transforming the ways of city planning. Resumen: El uso de tecnología digital en arquitectura y arte va asociado, con frecuencia, a la colaboración de equipos interdisciplinares en espacios participativos y experimentales, especialmente en el modelo Media Lab o sus variantes, como el City Lab, el Living Lab, el New Media Art e incluso el World Wide Lab. Se trata de un modelo que aúna las premisas de lo tecnológico y la innovación, de la mano de usuarios avanzados y cuyos precedentes claros son, por un lado, el Constructivismo ruso, y décadas después el MIT de la mano de Nicholas Negroponte. En el primer caso, dentro del Constructivismo, pueden citarse ejemplos emblemáticos como el Laboratorio Experimental de Construcciones Cinéticas del Proletkult en Moscú, los Talleres de Enseñanza Superior de las Artes y las Técnicas (VKHUTEMAS) fundados en 1920, o el Grupo de Constructivistas en Acción del Instituto de Cultura Artística (1921). El segundo caso, el modelo Media Lab, acrónimo del inglés Media Laboratory, traducido como “Laboratorio de medios de comunicación”, tiene su origen en 1985 en el seno del “Grupo de Arquitectura y Máquinas”. Dicho grupo tiene su precedente inmediato en el Proyecto de Diseño Asistido por Computador (1959-67), financiado para maximizar el poderío bélico y cuyo director fue Douglas T. Ross; se trataba de abordar la unión complementaria hombre-máquina y el diseño en términos computacionales, con una aplicabilidad directa de la tecnología. Este modelo será adoptado por los arquitectos del Instituto para plantear nuevas propuestas urbanas basadas en la componente tecnológica y en utopías sociales. También en el seno del Media Lab, surge, a finales de los noventa, el término Living Lab de la mano de W. J. Mitchell y referido a planificación urbana mediante herramientas digitales y con la implicación de los propios habitantes, si bien con diferentes “grados de participación ciudadana”. Esta unión cada vez más estrecha entre hombre y máquina es la consecuencia directa de la imparable revolución digital que está transformando los modos de planificación de las ciudades. Universidad del País Vasco/Euskal Herriko Unibertsitatea.

Resumen: El modelado paramétrico integra tanto los diseños experimentales (CAD) como su materialización (CAM) y su verificación (CAE). Se trata de sistemas generativos susceptibles de variaciones y `mutaciones¿, a partir de parámetros que son traducidos en un lenguaje de programación mediante `algoritmos genéticos¿, tal y como los denominó John Holland en 1970. Se plantea así la posibilidad de operar, de forma simultánea, con soluciones múltiples, en aras de la ideación y posterior construcción de prototipos. Estos prototipos parametrizados mediante programación con Grasshopper, pueden llegar incluso a convertirse en objetos inteligentes con Arduino, un hardware microprocesador con programación de componentes electrónicos. Abstract: Parametric modeling integrates both experimental designs (CAD) as its materialization (CAM) and verification (CAE). It is susceptible generative systems variations and 'mutations', from parameters that are translated into a programming language through 'genetic algorithms', as the named John Holland in 1970. This raises the possibility to operate, simultaneously, with multiple solutions, for the sake of ideation and subsequent construction of prototypes. These prototypes programmatically parameterized with Grasshopper, may even become smart objects with Arduino hardware microprocessor programming electronic components.

The use of digital technology in architecture and art is associated often with the collaboration of interdisciplinary teams in participatory and experimental spaces, especially in the Media Lab model or its variants, such as the City Lab, Living Lab, the New Media Art and even the World Wide Lab. This is a model that combines the premises of the technological and innovation hand advanced users and whose clear precedents are, on the one hand, Russian Constructivism, and decades later the MIT hand Nicholas Negroponte. In the first case, in the Constructivism, there may be mentioned emblematic examples such as the Experimental Laboratory Building Kinetics of Proletkult in Moscow, Workshops Higher Education Arts and Techniques (VKHUTEMAS) founded in 1920, or the Group of Constructivists in Action the Institute of Artistic Culture (1921). The second case, the model Media Lab, Media Laboratory English acronym, translated as "Media Lab", originated in 1985 within the "Group of Architecture and Machines". The group has its immediate precedent in the draft Computer Aided Design (1959-1967), funded to maximize military power and whose director was Douglas T. Ross; it was addressing the man-machine complementary binding and design computationally, with a direct applicability of the technology. This model will be adopted by the architects of the Institute to raise new urban proposals based on component technology and social utopias. Also within the Media Lab, emerged in the late nineties, the term Living Lab hand WJ Mitchell and referred to urban planning using digital tools and with the involvement of the people themselves, albeit with different "degrees of citizen participation". This ever-closer union between man and machine is the direct consequence of the unstoppable digital revolution that is transforming the ways of city planning. Resumen: El uso de tecnología digital en arquitectura y arte va asociado, con frecuencia, a la colaboración de equipos interdisciplinares en espacios participativos y experimentales, especialmente en el modelo Media Lab o sus variantes, como el City Lab, el Living Lab, el New Media Art e incluso el World Wide Lab. Se trata de un modelo que aúna las premisas de lo tecnológico y la innovación, de la mano de usuarios avanzados y cuyos precedentes claros son, por un lado, el Constructivismo ruso, y décadas después el MIT de la mano de Nicholas Negroponte. En el primer caso, dentro del Constructivismo, pueden citarse ejemplos emblemáticos como el Laboratorio Experimental de Construcciones Cinéticas del Proletkult en Moscú, los Talleres de Enseñanza Superior de las Artes y las Técnicas (VKHUTEMAS) fundados en 1920, o el Grupo de Constructivistas en Acción del Instituto de Cultura Artística (1921). El segundo caso, el modelo Media Lab, acrónimo del inglés Media Laboratory, traducido como “Laboratorio de medios de comunicación”, tiene su origen en 1985 en el seno del “Grupo de Arquitectura y Máquinas”. Dicho grupo tiene su precedente inmediato en el Proyecto de Diseño Asistido por Computador (1959-67), financiado para maximizar el poderío bélico y cuyo director fue Douglas T. Ross; se trataba de abordar la unión complementaria hombre-máquina y el diseño en términos computacionales, con una aplicabilidad directa de la tecnología. Este modelo será adoptado por los arquitectos del Instituto para plantear nuevas propuestas urbanas basadas en la componente tecnológica y en utopías sociales. También en el seno del Media Lab, surge, a finales de los noventa, el término Living Lab de la mano de W. J. Mitchell y referido a planificación urbana mediante herramientas digitales y con la implicación de los propios habitantes, si bien con diferentes “grados de participación ciudadana”. Esta unión cada vez más estrecha entre hombre y máquina es la consecuencia directa de la imparable revolución digital que está transformando los modos de planificación de las ciudades. Universidad del País Vasco/Euskal Herriko Unibertsitatea.

Resumen Es una realidad incuestionable que el proceso de envejecimiento es un fenómeno global que afecta a todas las sociedades. En este sentido, las relaciones intergeneracionales se interpretan como un tipo de solidaridad que surge como deseable y necesaria, pero que indudablemente plantea una serie de dificultades asociadas a las nuevas formas de vida. Así por ejemplo, desde un punto de vista arquitectónico, los edificios de temática intergeneracional parecen relativamente novedosos, si bien están proliferando especialmente en los últimos años; con propuestas concretas sobre todo en lo relativo a compartir espacios comunes y experiencias, por lo que se trata de un enfoque diferente al tradicional y que parece presentar un enorme potencial futuro. Por otro lado, disciplinas como la Domótica e incluso la Robótica contribuyen a que las personas con necesidades especiales ganen en independencia y autoestima, pero especialmente en calidad de vida. Con idéntico enfoque tecnológico, determinadas propuestas de arte y terapia pueden sin duda jugar un papel relevante en relación con las Nuevas Tecnologías, especialmente aquellas relacionadas con prácticas o experiencias socio-relacionales, si bien también con otras propuestas orientadas hacia la seguridad psicológica y el bienestar personal y grupal. Abstract It is an undeniable reality that the process of aging is a global phenomenon that affects all societies. In this sense, intergenerational relationships are interpreted as a kind of solidarity that emerges as desirable and necessary, but certainly raises a number of difficulties associated with new life forms. For example, from an architectural point of view, inter-themed buildings seem relatively new, but are especially rampant in recent years; with concrete proposals in particular as regards common areas and share experiences, so it is a different from the traditional approach that seems to present an enormous future potential. On the other hand, disciplines such as robotics Automation and even help people with special needs gain in independence and self-esteem, but especially in quality of life. With the same technological approach, proposals of art and therapy can certainly play an important role in relation to new technologies, especially those related to socio-relational practices and experiences, but also with other proposals oriented safety and psychological well-being personal and group.