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El presente trabajo de grado se realizó a través de un programa de musicotepia para intervenir los niveles de estrés de los empleados del departamento de producción de la empresa MECO SAS de la ciudad de Bogotá. La Musicoterapia es una modalidad terapéutica novedosa y llamativa para la sociedad actual en el manejo del estrés laboral, entre otros aspectos. Además, la música en sí misma es una herramienta que permite observar el estado emocional y psicológico de la persona. Esta es la razón por la cual se propone un programa de musicoterapia cuyo objetivo general es observar su efecto en cuanto a la modificación o no de dichos niveles. En el marco teórico se abordan diferentes temas que permiten hacer un acercamiento a la problemática del estrés y su relación con la musicoterapia. Dichos temas corresponden al abordaje del estrés, síntomas y fases del estrés, estrés laboral, musicoterapia, terapia de grupo y métodos musicoterapéuticos. Los métodos musicoterapéuticos utilizados en la intervención fueron los mencionados por Bruscia (1993) tales como: recreativo, improvisación musical, trabajo con canciones y receptivo. Se realizó una investigación con diseño pre experimental con medidas pre y post de tipo cuantitativo con cualidades cualitativas. El tratamiento musicoterapeutico se aplicó a ocho participantes, trabajadores de ambos géneros cuyas edades promedian entre los 20 y 60 años, con escolaridad de educación media. Una vez seleccionada la muestra, se programaron 18 sesiones de una hora de duración, tres veces por semana, aplicando los diversos métodos y técnicas musicoterapéuticas antes mencionados. Finalmente se hace un análisis de los resultados y su discusión. Y se termina con unas conclusiones y recomendaciones como resultado de las reflexiones de esta investigación. La afectación del tratamiento musicoterapeutico en los niveles de estrés laboral mostró cambios significativos en aspectos tales como la socialización y la libre expresión. el contacto con la música como medio de terapia apoyo la verbalización de emociones y el control emocional de situaciones estresantes. Abstract: The present degree work was carried out through a music therapy program to intervene the levels of stress of the employees of the production department of the company MECO SAS of the city of Bogotá. Music therapy is a novel and striking therapeutic modality for today's society in the management of work stress, among other aspects. Music itself is a tool that allows you to observe the emotional and psychological state of the person. This is the reason why a music therapy program is proposed whose general objective is to observe its effect as regards the modification or not of said levels. In the theoretical framework, the approach focussed on different topics that allowed address the problems caused by stress through music therapy. The referenced concepts focussed on the triggers of stress, stress symptoms and stress phases, work stress, music therapy, group therapy and music therapy methods. The music therapy methods used in this intervention were those mentioned by Kenneth Bruscia (1993) such as: the recreational method, therapeutic musical improvisation, the expressive-receptive method, work with songs and the receptive method. Other methods of referential, non-referential and group improvisation were also used. An investigation with pre experimental design was carried out with pre and post measurements in a quantitative kind with qualitative qualities. The music therapy treatment was applied to eight participants. All employees of both genders whose ages average between 20 and 60 years and with a high school education. Once the sample was selected, 18 one-hour sessions were scheduled three times a week, applying various music therapy methods and techniques mentioned above. Finally, analysis, results and discussion were made, through the collection of data and all the information that the music therapy intervention yields based on the observation protocols. It ends with some conclusions and recommendations as a result of the reflections of this research. The effect of the music therapy treatment in the levels of work stress showed significant changes in aspects such as socialization and free expression. The contact with music as a means of therapy supports the verbalization of emotions and the emotional control of stressful situations. Maestría

Este trabajo de grado se presenta como requisito parcial para optar al título de Magíster en Interpretación y pedagogía instrumental con énfasis en piano del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, el cual tiene como eje central el análisis histórico e interpretativo de la Partita N°2 en Do menor del compositor alemán Johann Sebastián Bach, escrita en el año 1726, como parte importante de su repertorio para teclado. De esta manera, es importante resaltar que a lo largo de los años, la obra de Bach, se ha constituido como referente académico, artístico e intelectual dentro de los conservatorios de música alrededor del mundo, debido a la complejidad técnica y a la profundidad de su pensamiento musical. Así pues, en el programa de piano del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, los estudiantes a lo largo de su carrera, se ven enfrentados al estudio y aprendizaje de diferentes obras para teclado del autor, con diversos niveles de dificultad, por lo tanto, en este contexto radica la importancia de este trabajo, que pretende ofrecer al estudiante una herramienta para el aprendizaje y conocimiento de esta Partita en específico, y tal vez, de otras obras para teclado del mismo compositor. Maestría

La presente investigación describe el proceso musicoterapéutico desarrollado con un grupo de once jóvenes con discapacidad intelectual (DI), diseñado con el fin de favorecer la calidad de vida basado en el modelo de Schalock y Verdugo en los términos autodeterminación, inclusión social, desarrollo personal y relaciones interpersonales. Se fundamenta en el modelo cualitativo de investigación Investigación-Acción (IA) y se utilizaron como técnicas de recolección de datos: protocolos de seguimiento, indicadores psicosonoros de grados de conexión vincular de Pellizzari y una matriz de análisis. El proceso tuvo una duración de diecisiete sesiones, desarrollado en tres etapas: fase inicial, fase de intervención y fase de cierre. Se fundamentó en los cuatro métodos de la musicoterapia y basado desde los paradigmas de la Musicoterapia en Educación. De los principales hallazgos del proceso investigativo se resalta que la musicoterapia promueve la participación de los y las jóvenes con discapacidad intelectual permitiendo demostrar sus habilidades personales de manera autónoma para crear vínculos e interacciones con el grupo. Abstract: This research describs the music therapy process developed with a group of eleven young people who had intellectual disability (ID), it was designed to promote quality of life based on the Schalock and Verdugo model in the terms of self-determination, social inclusion, personal development and relationships. It is based on the qualitative action research model and the data collection techniques were: follow-up protocols, psychosounds indicators of Pellizzari and analysis matrix. This process lasted seventeen sessions, developed in three stages: initial phase, intervention phase and closing phase. It was based on the four methods of music therapy besides the paradigms of Music Therapy in Education. The main finding of this research process highlight that music therapy promotes the participation of young people with intellectual disabilities, allowing them to demonstrate their personal skills autonomously to create links and interactions with others. Maestría

Este trabajo de investigación describe el proceso musicoterapéutico realizado en el Colegio Mayor de San Bartolomé sede preescolar y primaria con niños y niñas del grado tercero, realizado con el objetivo de contribuir al fortalecimiento de las habilidades sociales y emocionales de esta población a través de la intervención musicoterapéutica como estrategia de prevención del acoso escolar. Hay que mencionar, además, que es una investigación cualitativa y como diseño investigativo, se basa en la teoría fundamentada. Los instrumentos para la recolección de datos utilizados fueron: entrevistas semiestructuradas iniciales y finales con las docentes encargadas de los niños, protocolos, evaluaciones sonoro musicales de los participantes, grabaciones y análisis por categorías. Las entrevistas fueron analizadas con el programa QDA MINER LITE v2.0.5, determinando categorías y subcategorías. Para la intervención musicoterapéutica se realizaron 20 sesiones de 50 minutos cada una aproximadamente, utilizando los cuatro métodos musicoterapéuticos. Como resultado se encontró que la musicoterapia es una disciplina que promueve habilidades socioemocionales como lo son la asertividad, la empatía, la autoconciencia y el autocontrol, necesarias para la prevención del acoso escolar. Se considera importante continuar realizando investigaciones desde la prevención y promoción, especialmente enfocadas en la problemática del acoso escolar. Abstract: The present work describes the musictherapeutic process that took place at the Colegio Mayor de San Bartolomé preschool and primary school section with children from the third grade, with the objective of contributing to strengthening the children’s social and emotional abilities through musictherapy intervention as a strategy for bullying prevention. This is a qualitative investigation based in grounded theory, the tools used for data collection where: semi-structured interviews at the beginning and end of the intervention with the teachers in charge of the participants, protocols, musical appraisal, recordings and analysis by categories. The interviews where analyzed with QDA MINER LITE v2.0.5 software, defining categories and sub-categories. Twenty sessions, 50 minutes each, where conducted for the musictherapeutic intervention, using the four methods from this discipline. As a result, it was found that musictherapy promotes social and emotional abilities such as assertiveness, empathy, self-awareness and self-control, all of which are needed in bullying prevention. It is important to continue researching from prevention and promotion, specially focusing on this issue Maestría

El presente trabajo de grado está escrito en varias partes agrupadas en tres capítulos y dos secciones, siendo los tres primeros, “El Ser Tocado”, “El Juego” y la “Imitación”, el resultado de haber problematizado la desmotivación en el aprendizaje con la guitarra, que entendí como el desánimo y desaliento que algunos estudiantes sienten cuando están aprendiendo guitarra. En la parte final de la tesis hay dos secciones que permiten una mirada que complementaria de la totalidad del trabajo. Inicia con “Lo que nos pasa”, frase “re-significada” de la autoría del filósofo Jorge Larrosa (2006) en la que resume magistralmente lo que es experiencia, es una sección escrita a manera de cuento, desde diversas tensiones que como profesores y músicos considero vivimos, y que nos motivan o desmotivan de diferentes maneras, pero cuyo génesis es la contingencia, que nos lleva como profesores, estudiantes y músicos (sin importar tiempos y épocas diferentes alrededor del mundo), a encontrarnos con frecuencia en condiciones y preguntas similares. En otras palabras, atender a la llamada de la contingencia es una cuestión que no solo pertenece a la esfera de la vocación, sino que es además una reunión que nos encuentra con preguntas que han trascendido el tiempo y que suceden de manera similar en los procesos de enseñanza y aprendizaje. Finalmente, con el título de “Tesis”, esta sección busca dar un aspecto de cierre a mi trabajo, sección conclusiva pero no final, pues el conocimiento logrado en la Maestría en Educación Artística es un conocimiento no estático, en movimiento y ajuste en mi vida cotidiana. Dentro de estas cinco secciones hay diversas categorías que se basan en el estímulo como primer impulso, que puede transformar la energía potencial de la persona en energías del hacer. Esto es fundamental para alentar o socavar el interés de la persona que se acerca a aprender con la guitarra, pues este primer impulso por un lado es seminal ya que contiene el potencial para dar continuidad a la experiencia (Dewey, J. 2010) iniciada con la guitarra, y por otro, es el que logrará desarrollar interés, o incluso más importante: mostrarnos el camino que la persona puede empezar con este instrumento musical para aprender según sus deseos y expectativas, y según estos, desarrollar su propio método de aprendizaje, desarrollando así, su talento con la guitarra. Cada una de las secciones interactúan entre sí desde el laboratorio de mi experiencia, que es la guitarra. Este punto de encuentro es un lugar de comunidad y de comunión, pero también de tensiones, opuestos, búsqueda de conocimiento, contingencias que atañen al profesor, estudiante y músico. Abstract: The actual thesis has been written in three chapters and two sections. The first three chapters, “El Ser Tocado”(Being Touched), “El Juego” (The Game), and “Imitación” (Imitation), are the result of the problematization of demotivation, which I understood like the discouragement that some students feel while learning guitar. Next, in the final part of this thesis, are two sections that allow a complementary view of the whole work. “Lo que nos pasa” (What happens to us) is a sentence in which the philosopher Jorge Larrosa (2006) masterfully summarizes the concept of experience. It is a section written like a tale, which reports several tensions based on what I consider life-experiences. Even though we live them in a different way as teachers and musicians, either encouraging or discouraging us, its genesis is the contingency, that leads us —as students, teachers, and musicians (in different times and locations around the world), to be gathered in front of similar questions and conditions. In other words, caring on the call of contingency is not only vocation, but also a meeting that usually finds us with questions that overstepped time, and befall with similarity in the teaching-learning process. Finally, entitled like “Tesis” (Thesis), the section that encloses all the work, has not the intention to be conclusive due to the fact that the knowledge acquired during the present Mastery of Arts and Art Education is non-static, and is being adjusted in my daily life with some frequency. Through the thesis, there are several categories concerning the stimulus, which work like the first drive regarding a specific action that can transform the potential energy of the human being into doing energies. This is a crucial fact that may either encourage or undermine the interest in learning guitar. On one hand, since it contains the power that will allow continuity in experience (Dewey, J. 2010) whit the guitar, it is a fact that is seminal, and because of this feature, it will help particular interest to be fostered. Beyond, paying attention to this fact while acting with tact with the student, may unveil and display his/her inner learning method, a method that can be nurtured and followed in unique ways, in order to develop his/her talent regarding guitar. Each of the sections and chapters interacts among them from the laboratory of my experience, which is the guitar. This is not only a place of assembly, of community, of communion, it is also a place of tension, opposition, the pursuit of knowledge, and contingencies that concern to the teacher and student, as well as to the musician. Maestría

Esta tesis denominada uso de las TIC para fomentar el aprendizaje significativo del inglés a través de canciones, es una investigación acción práctica, en la que se realizaron dos ciclos investigativos para determinar, de qué manera se puede utilizar la tecnología para aprender y compartir conocimiento sobre una lengua extranjera, iniciando desde el aula de clase. Igualmente, como trabajar las destrezas lingüísticas por medio de una herramienta pedagógica basada en canciones, para motivar y fortalecer los aprendizajes, disminuyendo la tensión que se genera cuando se aprende una lengua extranjera. Se llevó a cabo en la institución educativa Concentración de Desarrollo Rural, de San José del Guaviare- Guaviare, con los estudiantes del grado octavo A. fue necesario ahondar sobre las causas que conllevan a la apatía hacia el área del inglés, el rol de los padres de familia y el papel que juega la música en la vida cotidiana de los estudiantes. Por medio de esta investigación se pudo concluir que el uso de canciones escogidas, ayuda a los alumnos a mejorar sus habilidades para escuchar y su pronunciación; también pueden ser útiles para enseñar vocabulario y estructuras de oraciones. Además, haber utilizado las TIC, en el proceso, me sirvió para crear espacios virtuales reales, lo cual multiplicó el aprendizaje y aumentó la sensibilidad por la lengua y su cultura. Las TIC, abrieron una puerta hacia el aprendizaje individual y personal, gracias a que los estudiantes continúan haciendo uso de ellas, fuera del contexto educativo, lo que se convierte en auto aprendizaje. Abstract: This thesis named the use of ICT to promote meaningful English learning through songs, is an action research, in which two research cycles were conducted to determine, how can technology be used to learn and share knowledge about a foreign language, starting from the classroom. Likewise, how to improve linguistic skills through a pedagogical tool based on songs, to motivate and strengthen learning, reducing the tension generated when learning a foreign language. It was carried out in a public educative institution called Concentración de Desarrollo Rural, from San José del Guaviare-Guaviare, with the students of the eighth grade A. It was necessary to delve into the causes that bring about apathy towards the subject of English as a foreign language, the role of parents and the impact that music plays in students' daily lives. Through this research it was possible to conclude that the use of chosen songs helps students to develop their listening and pronunciation skills; They can also be useful for teaching vocabulary and sentence structures. In addition, having used the ICT in the process, it helped me to create real virtual experiences, which multiplied the learning and increased the sensitivity for the language and its culture. The ICT opened a door to individual and personal learning, thanks to the fact that students continue using them outside the educational context, which becomes self-learning Maestría

Esta investigación describe cómo un proceso musicoterapéutico puede fomentar tres factores del bienestar -capital social, emociones positivas y fluir- con un grupo de docentes de un colegio de Bogotá, Colombia. Basado en un diseño mixto de investigación, se realizó un proceso musicoterapéutico con dos grupos de enfoque -3 y 7 participantes- a lo largo de 11 sesiones por grupo. Luego de la inmersión en el campo, se definieron los factores relaciones positivas, emociones positivas y fluir como ejes del proceso. El análisis de la información partió de la técnica de observación cuantitativa (datos corporo-sonoro-musicales) y la construcción de categorías de análisis cualitativo desde un enfoque fenomenológico-hermenéutico. Los resultados arrojaron la identificación de procesos psicológicos y sociales específicos asociados al capital social -participación, vínculo, proactividad, aceptación a la diversidad y confianza-, las emociones positivas -interés, alegría, serenidad y diversión-, y fluir -motivación intrínseca, sentimientos de libertad, reconocimiento de fortalezas, concentración y unión con la acción al musicar. Dichos procesos fueron asociados a hallazgos musicoterapéuticos observados en la improvisación vocal e instrumental, la re-creación con canciones preferidas y juegos musicales, la composición -parodia y collage de canciones- y el método receptivo. Este estudio permitió observar cómo los constructos capital social, emociones positivas y fluir pueden ser observados y descritos en profundidad desde la práctica musicoterapéutica. Se presenta una propuesta explicativa sobre cómo la relación de dichos procesos contribuyen al fortalecimiento de recursos asociados al bienestar desde una perspectiva salutogénica e integral -bienestar hedónico y eudamónico-. Abstract: This research describes how a music therapy process, with a group of teachers from a school in Bogotá, Colombia, promotes three wellbeing factors: social capital, positive emotions and flow. A music therapy process was carried out with two groups -3 and 7 participants- throughout 11 sessions per group, based on a mixed research design. After a field observation process, positive relationships, positive emotions and flow, were defined as the main wellbeing components. The information analysis used a quantitative observation technique and a qualitative approach to build a set of categories from a phenomenological-hermeneutic perspective. The results showed the psychological and social processes related to social capital -participation, attachtment, proactivity, acceptance of diversity and trust-, positive emotions -interest, joy, serenity and fun-, and flow - intrinsic motivation, freedom feelings, strengths and habilities recognition, concentration and music action union. These processes were related with music therapy findings observed in vocal and instrumental improvisation, re-creation with favorite songs and musical games, composition - parody and collage of songs- and the receptive method. This study shows evidence on how social capital, positive emotions and flow can be observed and described in depth in music therapy practice. From a salutogenic and integral perspective of wellbeing, the study discusses on how music therapy and welfare factors are related to each other. Maestría

La Promoción de relaciones sociales en el adulto mayor institucionalizado a través de la Musicoterapia Comunitaria, es una investigación realizada entre el 28 de febrero y el 20 de noviembre de 2018 en el Centro de Protección Social Bosque Popular (Bogotá, Colombia). Tomando en consideración los recursos y necesidades de la comunidad de adultos mayores con edades entre 63 y 93 años, el concepto relacional de la salud, y una integración de conceptos y metodologías (Stige, Ruud, Ansdell, Pavlicevic, Pellizzari y Siccardi), para implementar un espacio abierto a toda la comunidad, con el objetivo de promover las relaciones sociales a partir de la construcción de recursos desde del musicar, la communitas musical y la creación de proyectos. El diseño metodológico del proceso terapéutico se basó en la Investigación Acción Participativa en Musicoterapia, conformado por una serie de ciclos (reflexión, diagnóstico, planeación, acción y evaluación), donde cada paso interactúa y retroalimenta a los demás. La investigación se desarrolló en tres etapas (exploración, implementación y observación final), empleó un proceso de integración metodológica dentro del paradigma de la investigación cualitativa, tomando como criterio fundamental, la aproximación sistémica al fenómeno de estudio; se emplearon: el diseño sistemático de Teoría Fundamentada, aspectos de la Investigación Acción Participativa, el Método Fenomenológico, la fenomenología hermenéutica, el método de comparación constante y la circularidad en el proceso de investigación cualitativa. Finalmente, se concluye que se promovieron las relaciones sociales y el empoderamiento de los participantes, conformando una pequeña comunidad en torno a la experiencia de hacer música. Abstract: The Promotion of social relationships in institutionalized elderly through Community Music Therapy is a research carried out between February 28 and November 20 of 2018 at Bosque Popular Social Protection Center (Bogotá, Colombia). The research arises from the resources and needs of the elderly community between 63 and 93 years old, the relational concept of health, and an integrative model based on concepts and methodologies (Stige, Ruud, Ansdell, Pavlicevic, Pellizzari and Siccardi), for the implementation of an space opened to the entire community, with the aim of promoting the social relationships starting from the construction of resources, the engagement in musicking, the musical communitas and the creation of projects. The methodological design of the therapeutic process was based on the Participatory Action Research model in Music Therapy, with of a series of cycles (reflection, diagnosis, planning, action and evaluation), where each one interacts and provides feedback to others. The research had three stages (exploration, implementation and final observation) and was carried out using a methodological integration process within the qualitative research methodology taking as a fundamental criterion, the systemic approach in order to study the phenomenon. The following methodologies were used: Grounded Theory, aspects of the Participatory Action Research, the Phenomenological Method, a hermeneutic phenomenology approach, the constant comparative method and the circularity in the qualitative research process. Finally, it was concluded that social relationships and empowerment were promoted between participants, creating a small community around the experience of musicking together. Maestría

El presente trabajo de investigación se desarrolló en la Fundación Cinda de Bogotá, tiene como título: Musicoterapia para el Fortalecimiento del Vínculo Emocional entre Niños y Niñas con Implante Coclear y su Cuidador Primario. Se trata de un estudio cualitativo que busca describir el impacto que tiene la musicoterapia para contribuir al proceso de rehabilitación de la población infantil con implante coclear a través del fortalecimiento del vínculo emocional entre la díada. La intervención musicoterapéutica se realizó de forma grupal con 7 infantes implantados y cada uno de estos con su cuidador primario, para una totalidad de 14 participantes. Se realizaron un total de 18 sesiones, cada una de 45 minutos de duración, utilizando los 4 métodos de musicoterapia. En el análisis cualitativo se plantea el vínculo emocional como categoría principal de análisis y 3 subcategorías: comunicación, autonomía y empatía. Los instrumentos de evaluación que aborda la presente investigación fueron: las entrevistas semiestructuradas, el análisis de los protocolos de seguimiento y la herramienta indicadores psicosonoros de grados de conexión vincular de la musicoterapeuta Patricia Pellizzari. La investigación, expone como resultado que la musicoterapia es una herramienta valiosa y eficaz para potenciar el vínculo emocional entre el infante implantado y su cuidador primario y que a través de esta intervención musicoterapéutica favorece y contribuye al proceso de rehabilitación auditiva del infante con implante coclear. Abstract: The present research work was developed in the Cinda Foundation of Bogota, it has the title: Music Therapy for the Strengthening of the Emotional Link between Children with Cochlear Implant and Their Primary Caregiver. This is a qualitative study that seeks to describe the impact that music therapy has to contribute to the rehabilitation process of the child population with a cochlear implant through the strengthening of the emotional bond between the dyad. The music therapy intervention was carried out in a group with 7 implanted infants and each of them with their primary caregiver, for a total of 14 participants. A total of 18 sessions were performed, each lasting 45 minutes, using the 4 methods of music therapy. In the qualitative analysis, the emotional link is considered as the main category of analysis and 3 subcategories: communication, autonomy and empathy. The assessment instruments that this research addresses were: the semi-structured interviews, the analysis of the follow-up protocols and the psychosocial indicators tool of linking degrees of the music therapist Patricia Pellizzari. The research exposes as a result that music therapy is a valuable and effective tool to enhance the emotional bond between the implanted infant and its primary caregiver and through this music therapy intervention favors and contributes to the auditory rehabilitation process of the infant with a cochlear implant. Maestría

Este estudio describe un proceso musicoterapéutico cuyo objetivo apuntó a evaluar el impacto de la musicoterapia en la percepción del dolor crónico, en un grupo de nueve adultos mayores pertenecientes a la Casa de Salud Madre Mazzarello de la Comunidad Religiosa Hijas de María Auxiliadora en Bogotá. La investigación se basó metodológicamente en un diseño mixto explicativo secuencial y tuvo en cuenta el enfoque psicoterapéutico Cognitivo Conductual desde las Terapias de Tercera Generación (Aceptación y Compromiso – Mindfulness). En el campo musicoterapéutico se realizaron veinte sesiones basadas en los cuatro métodos de musicoterapia. Los instrumentos de recolección de datos empleados desde lo cuantitativo fueron: El Inventario de ansiedad estado-rasgo (test Stai-S), La Escala de depresión Geriátrica (GDS)-test de Yesavage, El Inventario de Depresión de Beck (BDI-2), Philadelphia Mindfullness Scale (PHLMS), La Escala visual Análoga (EVA). Desde lo cualitativo se empleó la diadema Emotiv Epoc, y los registros de sesión. Los resultados obtenidos evidencian el impacto de la música en la percepción del dolor crónico. Abstract: This study describes a music therapy process whose objective is to evaluate the impact of music on the perception of chronic pain in a group of nine older adults that belong to the Mother Mazzarello Health House of the Religious Community of Hijas de María Auxiliadora in Bogotá. The research was based methodologically on a mixed sequential explanatory design and considered the cognitive-behavioral psychotherapeutic approach from the Third Generation Therapies (Acceptance and Commitment - Mindfulness). In the music therapy field, twenty sessions were conducted based on the four methods of music therapy. The quantitative data collection instruments used were Condition-Trait Anxiety Inventory (Stai-S test), Geriatric Depression Scale (GDS)-Yesavage test, Beck Depression Inventory (BDI-2), Philadelphia Mindfullness (PHLMS), The Analog Visual Scale (EVA). From the qualitative, the Emotiv Epoc diadem was used, as well as the session records. The results show the impact of music on the perception of chronic pain. Maestría

El presente trabajo, tiene como objetivo, describir el efecto de la musicoterapia en la reducción de sobrecarga física y emocional en un grupo de cuidadores que asisten a la Fundación Alzheimer en la ciudad de Bogotá, por medio de los cuatro métodos musicoterapéuticos para generar bienestar en los cuidadores; para ello, se plantea una investigación de tipo mixto con diseño explicativo secuencial, como la variable independiente se tomó la musicoterapia y como variables intervinientes de ésta, el autoconocimiento, el manejo de las emociones y las estrategias de afrontamiento, teniendo como base un enfoque cognitivo conductual. En total se realizaron 20 sesiones y una muestra final, los instrumentos utilizados fueron la ficha de historia musical, Escala Zarit, Escala Visual Análoga (EVA) y el test de APGAR familiar, además, se utilizaron durante el proceso grabaciones, protocolos y análisis de producciones musicales de cada sesión para confirmar los avances y al finalizar, se aplicaron los mismos instrumentos y se realizaron encuestas de satisfacción. Los resultados cuantitativos mostraron cambios significativos en la prueba EVA, con reducción en la percepción de dolor, también, hubo resultados cualitativos evidenciados en cambios positivos en las variables intervinientes, demostrando que la musicoterapia tiene un efecto positivo en la reducción de la sobrecarga física y emocional en cuidadores, por tanto, es una disciplina adecuada para trabajar con este tipo de problemáticas, tanto como prevención como tratamiento. Abstract: The objective of this work is to describe the effect of music therapy on the reduction of physical and emotional overload in a group of caregivers attending the Alzheimer Foundation in the city of Bogotá, through the four music therapy methods to generate well-being in caregivers; for this, a mixed type research with sequential explanatory design is proposed, as the independent variable was taken as music therapy and as intervening variables of this, self-knowledge, the management of emotions and coping strategies, based on a cognitive behavioral approach . A total of 20 sessions and a final sample were carried out, the instruments used were the musical history card, Zarit Scale, Visual Analogue Scale (EVA) and the APGAR family test, and recordings, protocols and analysis were used during the process. musical productions of each session to confirm the progress and at the end, the same instruments were applied and satisfaction surveys were carried out. The quantitative results showed significant changes in the EVA test, with reduction in the perception of pain, also, there were qualitative results evidenced in positive changes in the intervening variables, demonstrating that music therapy has a positive effect in reducing the physical and emotional overload in caregivers, therefore, is an appropriate discipline to work with this type of problems, both as prevention and treatment. Maestría

El cáncer de seno es una patología que afecta a gran parte de la población femenina mundial, en Colombia, se ha convertido en un problema que genera alertas de salud pública, cobrando la vida de al menos 2.649 mujeres cada año. Dentro de las opciones de tratamiento para la patología está la mastectomía radical, teniendo esto un efecto negativo en la percepción de imagen corporal del paciente. La muestra fue de 12 pacientes supervivientes a cáncer de mama sometidas a mastectomía divididas en dos grupos experimentales, que recibieron un tratamiento musicoterapéutico basado en terapia de aceptación y compromiso y Mindfullness. La data se recogió con la prueba de imagen corporal en discapacidad fisica (PICDF) y la evaluación vincular sonora en musicoterapia. La evaluación pre-post intervención muestran cambios en los tres items (atractivo, funcionalidad y satisfacción) en las participantes, siendo los cambios más evidentes en el factor satisfacción. Este estudio muestra como el uso de musicoterapia genera cambios en la percepción de la imagen corporal en mujeres supervivientes al cáncer de mama, en este caso particular el trabajo de la musicoterapia a través de los 4 métodos aplicando algunas técnicas de la terapia de aceptación y compromiso y Mindfullness. Abstract: Breast cancer is an illness who affects feminine population across the world. In Colombia, it became a problem of public health, killing 2.649 women per year. One of their options for treatment is surgery known as radical mastectomies that have a negative effect in the perception of body image of the patients. Sample was conformed to 12 patients that survive breast cancer, who have radical mastectomy as treatment, in two separate experimental groups. Participants got musictherapy treatment based in acceptance and commitment therapy and Mindfullness. Data was granted with the Body image for physical disability test (PICDF) and the sound vincular test in musictherapy Mean score in pre-post test shows changes in all three factors of the test (attractiveness, functionality, and satisfaction) in patients, the most important changes in the satisfaction factor. This study shows how musictherapy achieve changes in body image perception in women with breast cancer, in this particular case, working with 4 methods for musictherapy and the application of techniques of acceptance and commitment therapy and Mindfullness. Maestría

El fin de este texto es generar conciencia y pensamiento sobre el lenguaje del cuerpo, en el que se genere confianza de transmitir una imagen, de lograr plasmar en un sonido la manera de cómo nos movemos en nuestro quehacer cotidiano, basándonos en experiencias pasadas y presentes, y en el que dejamos que la imagen sea la base fundamental para nuestro quehacer pedagógico. Abstract: The ultimate goal of my work is to create consciousness and thought about body language that generates confidence to transmit an image, to be able to reflect into a sound the way we move through daily routine, based in past and present experiences, and to make that image a fundamental part of our pedagogic work. Maestría

A partir de algunas interpretaciones acerca de mi experiencia, lo que percibo como realidad, lo que interpreto de los demás y mis perspectivas con respecto a la educación y el arte, pretendo dar a entender una postura y un punto de vista del mundo que me rodea problematizando varios aspectos desde las tensiones que aparecen en mi contexto. Un instrumentista, que utiliza el arte como una herramienta para la vida, que pretende hacer visible la función pedagógica de la música. Un sujeto que ha pasado por una educación y una disciplina artística, y que al cuestionarse y al intentar hacer consciencia propia, confronta unos interrogantes acerca de cómo se constituyeron sus propias formas de pensar, hablar, hacer y comunicar. Somos interpretaciones de la realidad que suceden dentro y fuera de nosotros, inmersas de nuestro cotidiano y en nuestro quehacer. Este es un territorio que trata de fundarse desde una perspectiva consciente para compartir una experiencia de construcción artística atravesada por la interpretación de diferentes tipos de sujetos, diferentes puntos de vista y diferentes realidades. Querido intérprete, este es el acto de compartir de una historia escrita desde los sonidos y la inter-subjetividad. El sonido se desglosa en armónicos y este, va constituyendo lo que podemos percibir. Espero que mis armónicos lleguen hasta ti y resuenen Maestría

El trabajo plantea la noción de “Encuentro musical”, el cual lo concibo como un espacio en donde nos reunimos para hacer música, como intérpretes o auditorio, con el propósito de conocernos, ser fraternos y dejarnos atravesar por el compartir en la música como posibilidad de lenguaje común. Para ello realizo una revisión crítica de mi proceso de aprendizaje para encontrar cuáles son las didácticas inscritas en las prácticas cotidianas de los músicos que fuimos formados desde la tradición oral y en la práctica a partir de las agrupaciones musicales que he conformado, de los maestros que heredan su amor por el quehacer musical y modelan una forma de enseñar. A partir de estas herencias, mi aula de clase se convierte en un laboratorio para recrear espacios de conocimiento donde pretendo poner en práctica las lógicas, necesidades y características de las músicas tradicionales desde donde fui formado y encontrar en la música y didáctica la potencia para establecer un diálogo entre los elementos constitutivos de la tradición con la búsqueda de una identidad que nos permita reconocernos habitantes de un territorio emocional. ¿Cómo la música tradicional puede desplegar una metodología que tiene como gesto político la restitución de un territorio emocional? ¿Cómo resignificar una didáctica musical propia basada en las características del ser colombiano, latinoamericano, para el encuentro con repertorios tradicionales? ¿Cómo se aprende música desde la oralidad, de forma natural, espontánea? ¿Cuál es la metodología para el encuentro con el otro, con su música? Maestría

El presente documento hace parte del requisito para optar al título de Maestría en Dirección Sinfónica de la Universidad Nacional de Colombia. En él, se podrán encontrar apartados técnicos, históricos, análisis estructural que componen la forma de la obra, descripciones de personajes y lugares importantes del libro “El Señor de los Anillos” de J.R.R. Tolkien; que ayuden a entender la construcción melódica – armónica en la que se basa la Sinfonía del mismo nombre, compuesta por Johan de Meij y original para Banda Sinfónica. Además, hacer mención de aspectos musicales que ayuden a forjar un criterio técnico para la interpretación de la obra con la Banda Sinfónica del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Abstract: This document is part of the requirement for the degree of Master on Symphonic Conducting at the National University of Colombia. In it, you can find technical, historical sections, structural analysis that compose the form of the piece, descriptions of characters and important places in the book "The Lord of the Rings" by J.R.R. Tolkien; To help understand the melodic - harmonic construction on which the Symphony of the same name is based, composed by Johan de Meij and original for Symphonic Band. Also, make mention of musical aspects that help to forge a technical criterion for the interpretation of the piece with the Banda Sinfónica del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Maestría

La presente investigación buscó describir y analizar los efectos de la implementación de un programa de musicoterapia basado en la composición de canciones en los niveles de depresión de un grupo de adultos mayores institucionalizados. Se emplearon herramientas teóricas de la composición de canciones de Baker y Wigram (2005) así como del Abordaje Plurimodal diseñado por Diego Shapira (2007). Se escogió un diseño de estudio de caso de grupo cualitativo descriptivo, con seis personas participantes pertenecientes al centro de atención integral para el adulto mayor Ancestros de la ciudad de Bogotá. A partir de los diarios de campo, de los resultados de las pruebas estandarizadas y del análisis de las composiciones se presentan los resultados y su análisis a partir de 3 categorías: Depresión, Grupo Musicoterapéutico y Expresión Emocional, con 3 subcategorias: expresión emocional verbal, expresión emocional no verbal y expresión emocional musical- composición. Se concluyó que el programa de musicoterapia implementado a partir de la composición de canciones favoreció la expresión emocional de los usuarios generando efectos positivos especialmente en los síntomas afectivos presentes en los episodios depresivos, y cambios relacionados con la frecuencia de síntomas como llanto, decaimiento, infelicidad, anhedonia, percepción de vacío, entre otros indicadores de depresión, evidenciados en la disminución de los puntajes de depresión posteriores a la implementación del programa. Abstract: The present research sought to describe and analyze the effects of the implementation of a music therapy program based on songwriting in the depression levels of a group of institutionalized older adults. Theoretical tools of Songwriting by Baker and Wigram (2005) were used, as well as the Plurimodal Approach designed by Diego Shapira (2007). A descriptive qualitative group case study design was chosen, with six participants from the integral center for the elderly “Ancestros” of the city of Bogotá. From the field journals, the results of the standardized tests and the analysis of the compositi ons, the results and their analysis are presented from 3 categories: Depression, Music Therapy Group and Emotional Expression, with 3 subcategories: verbal emotional expression, non - verbal emotional expression and musical emotional expression - composition . It was concluded that the music therapy program implemented from songwriting favored the emotional expression of the users generating positive effects especially in the affective symptoms present in the depressive episodes, and changes related to the fre quency of symptoms such as crying, decay, unhappiness, anhedonia, perception of emptiness, among other depression indicators, evidenced in the decrease of depression scores after the implementation of the program. Maestría

Este trabajo presenta un análisis de Tres danzas para orquesta, op. 21, compuestas por Guillermo Uribe Holguín, entre 1926 y 1940, con especial atención a los elementos tradicionales del folklor colombiano presentes en la obra, como los ritmos del joropo, el pasillo y el bambuco, de los que se tratan sus antecedentes y elementos característicos, así como los elementos propios de la música europea que son evidentes en la obra. Además de contextualizar el periodo de composición de esta obra sinfónica, tanto en el ámbito latinoamericano, como en el nacional y local, esta monografía propone un análisis estructural, así como sugerencias de interpretación desde el punto de vista de la dirección sinfónica. Uribe Holguín, uno de los más importantes compositores colombianos del siglo XX, supo integrar estos elementos tradicionales y fusionarlos con sus propias ideas musicales, construyendo así un lenguaje musical propio. Abstract: This work offers an analysis of Tres danzas para orquesta, op. 21, composed by Guillermo Uribe Holguín, between 1926 and 1940. It pays special attention to traditional elements of Colombian folklore, which conform the play: traditional rhythms like joropo, pasillo and bambuco. This work recovers precedents, typical elements of these rhythms, and those from the European tradition which are part of the play. Moreover, this work give context to this symphonic play, its composition time in Latin American, Colombian and local spaces. This monograph also proposes a structural analysis, as well as suggestions for interpretation from the point of view of symphonic conduction. Uribe Holguín, one of the most important Colombian composers of the 20th century, knew how to integrate these traditional elements and merge them with his own musical ideas, thus building his own musical language. Maestría

Las escuelas de formación musical son espacios de gran importancia en el panorama lúdico-educativo de Colombia, han tomado fuerza y arraigo en los municipios gracias al tejido social que desarrollan al interior de las comunidades, introduciendo dinámicas sociales y culturales que permiten la articulación y el reconocimiento de los diferentes contextos que vive cada persona y que se unen a través del arte, buscando mejorar la calidad de vida de los niños, jóvenes y adultos que participan de ellas. Sin embargo el objetivo de las escuelas no es únicamente social, se persigue alcanzar una alta calidad formativa en los procesos, que en determinados casos adquieren una transcendencia nacional y otros aún más exitosos a lo internacional. Una de las prácticas más fomentadas y representativas en estos espacios son las bandas sinfónicas, que se han encargado de abrir camino para otras agrupaciones, además de apalancar a otras escuelas como las artes de gráficas y de artes escénicas. Alrededor de las bandas sinfónicas se han generado planes nacionales que evolucionaron hasta llegar al Plan Nacional de Música para la Convivencia, en el cual se integran políticas que amparan a todas las prácticas instrumentales del país y estrategias para su fortalecimiento y difusión. Como parte de esta investigación se pretende documentar las metodologías usadas por este tipo de agrupaciones para impulsar y visibilizar los procesos orquestales que se vienen desarrollando de manera paralela a las bandas desde las Escuelas de Música, además de reconocer las similitudes y dificultades que enfrentan los dos formatos para generar una estrategia que pueda ser implementada en los montajes de las orquestas en nivel de iniciación, para facilitar este proceso, tomando como referencia a cuatro de los procesos más importantes de Cundinamarca, como lo son los de Cajicá, Tocancipá, Sopó y Zipaquirá, los cuales vienen adelantando desde hace varios años la conformación de agrupaciones orquestales que vinculan a niños de la región desde la etapa de iniciación. Con base en la investigación de tipo cualitativo, etnográfico y artístico, específico en música, sumado al trabajo de campo realizado por el autor para la documentación de dichas experiencias, se buscó plantear unas estrategias metodológicas y un modelo formativo para los ensayos y montajes de repertorio de estas agrupaciones en nivel de iniciación, y se proponen dos composiciones y un arreglo para el formato de orquesta realizados por el autor de este trabajo. Este documento plantea una propuesta metodológica del cómo realizar el ensayo, calentamiento, afinación y montaje del repertorio con los procesos orquestales en proceso de formación, esto con el objetivo de contribuir al crecimiento de este tipo de agrupaciones instrumentales, diseñando una propuesta de trabajo y de la mano de esto, enriquecer el repertorio para estos formatos en etapa de iniciación. Abstract: The music training schools are very important spaces in the educational-ludic panorama of Colombia, they have taken root and strength in the municipalities thanks to the social fabric they develop within the communities, introducing social and cultural dynamics that allow the articulation and recognition of the different contexts that each person lives and that unite through art, seeking improve the quality of life of children, youth and adults who participate in them. But nevertheless, the goal of music schools is not only social, the aim is to achieve a high quality of training in the processes, which in certain cases acquire a national significance and others even more successful internationally. One of the most encouraged and representative practices in these spaces is the symphonic bands, which have been opening the way for other groups, as well as leveraging other schools such as graphic arts and performing arts. Around the symphonic bands have been generated national plans that evolved until arriving at the National Plan of Music for the Coexistence, which integrates policies that cover all the instrumental practices of the country and strategies for their strengthening and dissemination. As part of this research, we intend to document the methodologies used by this type of groups to promote and make visible the orchestral processes that are being developed in parallel to the bands from the Music Schools, in addition to recognizing the similarities and difficulties faced by the two formats to generate a strategy that can be implemented in the assemblies of the orchestras at the level of initiation, to facilitate this process, taking as reference four of the most important processes in Cundinamarca, such as those of Cajicá, Tocancipá, Sopó and Zipaquirá, which have been advancing for several years the formation of orchestral groups that link children in the region since the initiation stage. Based on the research of qualitative, ethnographic and artistic type, specific in music, added to the field work carried out by the author for the documentation of said experiences to document these experiences, we sought to propose methodological strategies and a training model for the rehearsal trials and assemblies of these groups at the initiation level, and two compositions and one arrangement for the orchestra format made by the author of this work. This document presents a methodological proposal of how to perform the rehearsal, warm-up, tuning and assembly of the repertoire with the orchestral processes in the process of formation, this with the aim of contributing to the growth of this type of instrumental groups, designing a proposal for work and the hand of this, enrich the repertoire for these formats in the initiation stage. Maestría

El vacío existencial es una de las problemáticas que más alta demanda tiene actualmente la población, especialmente los adolescentes , donde la falta de sentido de vida conlleva a desmotivación hacia el futuro y su mundo, generando consecuencias como son suicidios, dependencias y adicciones, por tanto se convierte en un factor de riesgo . El presente trabajo buscó contribuir en la construcción del sentido de vida de un grupo de mujeres adolescentes de 12 a 15 años de edad de la Fundación Nuestra Señora de las Mercedes en Bogotá , a través de diferentes métodos musicoterapéuticos aportando al desarrollo de su proyecto de vida, desde la potencialización de los recursos noéticos como el autodis tanciamiento, la autotrascendencia y la autoproyección. Es una inves tigación de tipo cualitativo con diseño de estudios de casos , en la cual se utilizaron como instrumentos entrevistas iniciales y finales semiestructuradas, evaluación vincular sonora musical, historias musicales, observaciones, grabaciones , protocolos, diarios de campo , análisis de la producción musical, análisis por categorías y encuestas de satisfacción. Las entrevistas fueron analizadas con el programa QDA MINER LITE v2.0.5 donde se asignaron categorías y subcategorías . En total se realizaron 20 sesiones con una duración entre 40 a 60 minutos cada una y una sesión más como muestra final del proceso en donde las participantes re - crearon sus composiciones frente a familiares y directivas de la fundación. Como resultados se encontró que l a musicoterapia es una disciplina adecuada para trabajar con adolescentes en la construcción de sentido de vida, teniendo como base un enfoque logoterapeútico centrado en el sentido, el cual contribuye a la potencialización de los recursos noéticos primordiales para el d espliegue de la dimensión espiritual. Es importante continuar realizando más estudios de musicoterapia a partir de este enfoque. Abstract: The existential vacuum is one of the problematics that has the highest demand the population currently, especially teenagers, where the lack of meaning of life leads to demotivation towards the future and their world, generating consequences such as suicid es, dependencies and addictions, therefore it becomes a risk factor. The present work sought to contribute in the construction of the sense of life of a group of adolescent women from 12 to 15 years old of the Fundación Nuestra Señora de las Mercedes in Bogotá, through different music therapy methods contributing to the development of your life project, from the potentialization of the noetic resources such as self - distance, self - transcendence and self - projectio n. It is a qualitative research with design of studies cases, in which were used as instruments interviews semi - structured initial and final, Vincular S onora M usical evaluation , musical histories, observations, recordings, protocols, field diaries, analysi s of musical production, analysis by categories and satisfaction surveys. The interviews were analyzed with the program QDA MINER LITE v2.0.5 where categories and subcategories were assigned. In total were held 20 sessions with duration between 40 to 60 mi nutes each and one session additional as final sample of the process in which the participants re - created their compositions in front of family members and directors of the foundation. As result was found that music therapy is an appropriate discipline to work with adolescents in the construction of a sense of life, based on approach logotherapeutic focused on the sense, which contributes to the potentialization of the noetic s resources primordial for the unfolding of the spiritual dimension. It is importa nt to continue doing more music therapy studies based on this approach. Maestría

El presente trabajo describe un proceso musicoterapéutico trazado para la casa hogar Fundamil desde un enfoque cualitativo. Se aborda la violencia de género en mujeres que hacen parte del contexto de violencia de pareja el cual logra transmutar su identidad y rol femenino en el curso de los estadios de su ciclo vital. Al hacer parte de un equipo terapéutico interdisciplinario se definió, el cómo desde su condición trascienden hacia la categoría de cosificación -producto convergente del consumismo-, donde el aspecto sociocultural enfatiza un comportamiento machista concibiéndolas a manera de reservorios de violencia los cuales son impuestos por la sociedad y devenidos también por sus propios núcleos familiares disfuncionales. Coartando así la aplicación de estrategias para el abordaje terapéutico en aquellas mujeres vulneradas. Con base en ello, se decidió asumir una intervención desde la musicoterapia comunitaria, haciendo uso del tambor como medio expresivo y catalizador de las experiencias a partir del afrontamiento de eventos traumáticos acontecidos específicamente en esta problemática social; se escogió una muestra de cinco mujeres a quienes se les aplicaron instrumentos de seguimiento y evaluación entre ellos: historia musical, protocolos de sesión y perfiles de valoración. Se desarrollaron 17 intervenciones durante la temporalidad determinada para la ejecución del proceso las cuales estuvieron sujetas a situaciones emergentes. El proceso evidenció el empoderamiento, construcción de la autoestima y productividad humana entendida como la capacidad laboral con fines de autosostenimiento y generador de calidad de vida dignificando su condición de mujer al interior de sus propios colectivos. Abstract: The present work describes a music therapy process designed for the Fundamil home from a qualitative approach. It addresses gender violence in women who are part of the context of intimate partner violence which transmutes their identity and female role in the course of the stages of their life cycle. By being part of an interdisciplinary therapeutic team it was defined, how from their condition they transcend to the category of reification -converging product of consumerism-, where the sociocultural aspect emphasizes a macho behavior conceiving them as reservoirs of violence which are imposed by the society and also become their dysfunctional family nuclei. In this way, the application of strategies for the therapeutic approach in those women who are harmed is curtailed. Based on this, it was decided to assume an intervention from the community music therapy, making use of the drum as an expressive medium and catalyst of the experiences from the confrontation of traumatic events that occurred specifically in this social problematic; a sample of five women was chosen, to whom monitoring and evaluation instruments were applied among them: musical history, session protocols and assessment profiles. 17 interventions were developed during the time period determined for the execution of the process, which were subject to emerging situations. The process evidenced the empowerment, construction of self-esteem and human productivity understood as the capacity for self-sustaining work and generating quality of life dignifying their status as women within their own groups. Maestría

Este trabajo se propuso analizar y caracterizar musicológicamente un género musical bailable surgido en la ciudad de Bogotá a mediados de la década de 1930; la rumba criolla. Se ubicaron, recopilaron y estudiaron un total de 58 obras representativas del género y de la actividad musical de las tres principales orquestas bogotanas durante el periodo seleccionado, además de 22 obras de otros géneros, pero de las mismas orquestas y compositores, que circularon simultáneamente y permitieron ampliar el panorama de la producción, circulación y apropiación de este tipo de música bailable en la ciudad y época. La consulta de variadas fuentes secundarias permitió detectar una serie de imaginarios en conflicto, reconocer las principales tendencias con que ha sido asociada y estudiada la rumba criolla, con sus aciertos y equivocaciones, y llenar algunos vacíos en la poca producción académica sobre el género. Lo anterior condujo a proponer una tipología, con base en la documentación hallada, pero especialmente teniendo en cuenta las diferentes maneras en que sonó la rumba criolla, es decir, basándose en el estilo de su interpretación. Abdstract: This work was to analyze and characterize, from musicology, a dance genre emerged in Bogota in the mid-1930: the Creole rumba. There were collected and studied a total of 58 works representative of the genre and of the musical activity of the three main bogotan orchestras during the selected period, as well as 22 works from other genres, but the same orchestras and composers, than circulated simultaneously and allowed to expand the landscape of production, circulation and appropriation of this type of dance music in the city and period of time. Consultation of various secondary sources, allowed to detect a series of imaginary in conflict, to recognize the main trends that has been associated with and has studied Creole rumba, with its successes and mistakes, and to fill in some gaps in the little academic work on gender. This led to propose a typology, based on documentation found, but especially taking into account the different ways in which sounded the Creole rumba, i.e. based on its performance style. Maestría

El presente trabajo se genera con el propósito de brindar a los músicos de todas partes del mundo y especialmente a los músicos latinoamericanos, un acercamiento a la música nacional Colombiana por medio de los pasillos de gala de Jesús Pinzón Urrea, una obra tonal donde se examinan sus elementos pedagógicos y musicales, para así, apreciar de una mejor manera la música colombiana, ver la importancia que puede tener en la educación musical y que además se vuelva a interpretar en los auditorios de una manera más seguida y darla a conocer al resto del mundo. De esta manera cuando más músicos estén interesados en la música latinoamericana podrán hallar en este trabajo un material de apoyo que sea útil para su contextualización histórica e interpretativa de la música Colombiana, por medio de uno de los más importantes compositores Colombianos. Maestría

Sergei Prokofiev fue unos de los compositores más representativos del siglo XX y de la unión soviética. Logro encontrar un lenguaje musical propio y característico, mesclando la tradición clásica con las nuevas sonoridades modernas. El presente análisis pretende brindar una visión general del estilo musical característico de Prokofiev, aproximando a los estudiantes o al público en general a sus obras y en particular a la sonata número 3 op. 28 desde un punto de vista histórico estructural e interpretativo. Abstract: Sergei Prokofiev was one of the most representative composers of the 20th century and of the Soviet Union. I have managed to find my own and characteristic musical language by mixing the classical tradition with the new modern sounds. The present analysis aims to provide an overview of the musical style characteristic of Prokofiev, approaching students or the general public to his works and in particular to sonata number 3 op. 28 from a structural and interpretative historical point of view Maestría

La creación de un programa de estudios para piano dividido en 5 ciclos o años de estudio para el Colegio Artístico Musical Pentagrama, comprende una selección de obras de distintos compositores que permiten a los profesores contar con una guía sugerida para la organización de sus clases y la proyección pianística de sus alumnos. La selección de las obras de cada uno de los cinco ciclos se realizó basado en el contexto regional de la institución, las habilidades técnicas y la proyección al desarrollo interpretativo, artístico y musical de los estudiantes. Todas las obras seleccionadas se obtuvieron de diferentes bibliotecas públicas, privadas y de material publicado en el internet. Abstract: A program for the piano, which is divided into 5 cycles corresponding to 5 years ́ study at Artistico Musical Pentagrama School. Each cycle includes a selection of musical works of different composers, this enables teachers to have a guide to the organization of their classes and their students ́major goals. The musical works ́ selection of each cycle was made based on the i nstitution ́s regional context, students ́ technical skills and the clear goal to provide interpretative and artistic qualities in the students. All the musical works can be found in public and private libraries or internet. Maestría

RESUMEN El objetivo del presente estudio es contribuir al conocimiento de la obra del compositor colombiano Blas Emilio Atehortúa, uno de los artistas más importantes en la historia de nuestro país, y aumentar el material de referencia existente sobre su trabajo. El análisis de la pieza Musica d'Orchestra per Bela Bartok, Op. 135 (1985) del compositor colombiano aborda aspectos técnicos formales, armónicos, rítmicos, orquestales y compositivos, y contextualiza la obra y la vida del compositor en sus respectivos espacios y tiempos. Desde la dirección orquestal se hace una mirada a los retos que presenta la partitura, considerando además las anotaciones y guías que, como director, Atehortúa dejó en su propio manuscrito. Abstract: The aim of the present study is to contribute to the knowledge of the work of the Colombian composer Blas Emilio Atehortúa, one of the most important artists in the history of our country, and to increase the existing reference material on his work. The analysis of the piece Musica d'Orchestra per Bela Bartok, Op. 135 (1985) by the Colombian composer addresses formal, harmonic, rhythmic, orchestral and compositional technical aspects, while contextualizing the composer's work and life in their respective spaces and times. From the orchestral conducting a glance is made at the challenges that the score presents, further considering the annotations and guides, that as conductor, Atehortúa left in his own manuscript. Maestría

Este documento presenta la investigación en Musicoterapia cuyo objetivo es fortalecer las habilidades resilientes de 9 niños - niñas entre los 6 y 8 años de edad, miembros de la Fundación Buena Semilla, ubicada en el barrio Egipto, Bogotá, Colombia; a través de la articulación de los métodos Musicoterapeuticos y el Movimiento Creativo, como diseño terapéutico. La investigación es de carácter cualitativo y enfoque fenomenológico – hermeneútico, con elementos de la Teoría Fundamentada y toma como concepción del ser humano, el enfoque sistémico. Después de un proceso de intervención de 20 sesiones musicoterapeuticas, se analizaron los datos obtenidos, a través del “formato de valoración sonoro-musical – movimiento creativo – habilidades resilientes”, formato que ha sido tomado y ampliado del modelo de improvisación musicoterapeutica Riordon-Bruscia. Tres categorías centrales, fueron estudiadas: “Confianza”, “Comunicación – creatividad” y “Autonomía – proyección” del ser humano, las cuales a través del método de comparación e interrelación constante, permitieron hallar tres subcategorías de análisis: “Confianza - cuidado de sí mismo y el otro”, “Habilidad de expresar lo que siente – piensa” y “Habilidad de decidir, ensoñar, creer y crear el futuro”. El análisis de los resultados en cada una de las categorías con sus propiedades y dimensiones, demuestra que el grupo incrementó sus habilidades resilientes. Abstract: This paper presents a Music Therapy research which aim is to strengthen the resilient abilities of 9 children between 6 and 8 years of age, through the articulation of Music Therapy and Creative Movement. The children belong to a non-profit organization: Fundación Buena Semilla, located at a district known as Egipto in Bogotá, the capital city of Colombia. The paper is a qualitative research with a phenomenological, hermeneutic approach using elements of Grounded Theory. The conception of human being is the systemic approach. After completing 20 music therapy sessions, the data was analyzed through the chart: “sound and music – creative movement – resilient abilities assessment”. It has been taken and broaded from the “Riordon-Bruscia experimental improvisation music therapeutic model”. The three main categories of analysis are: “Thrust”, “Communication – creativity” and “Autonomy – future projection” in the human being. The three subcategories of analysis found through the method of constant comparison and inter-relation, are: “Thrust – self-care and other’s care”, “Ability to express what is felt and thought” and “Ability to decide, dream, believe, and create the future”. As a conclusion, the data analysis including the categories’ dimensions and properties indicates that children increased their resilient abilities. Maestría

La presente investigación describe el proceso musicoterapéutico que se desarrolló con un grupo de 10 niños: estudiantes del colegio distrital Antonio Baraya, los cuales recibían clase de música en el Clan Rafael Uribe Uribe. La investigación fue diseñada para implementar una intervención musicoterapéutica que beneficiara el desarrollo de las habilidades sociales y la promoción de la sana convivencia. El trabajo se realizó, bajo las bases del modelo de investigación cualitativa: Investigación-Acción, el cual abordó dos categorías de las habilidades sociales: la competencia social y el autoconcepto, correlacionadas directamente con las propiedades empatía, comunicación asertiva y expresión emocional. La intervención, tuvo una duración de 16 sesiones grupales; y se desarrolló en tres etapas: fase inicial, fase de intervención y fase de cierre. El enfoque musicoterapéutico empleado: fue el Abordaje Plurimodal de Diego Schapira, tomando dos ejes de acción: la improvisación y el trabajo con canciones; en conjunto con tres técnicas de Songwriting. Los instrumentos que se utilizaron fueron: entrevistas semiestructuradas pre y post, protocolos de seguimiento individual y grupal y los indicadores psicosonoros de integración vincular de Patricia Pellizzari. Cada una de las herramientas: permitió obtener cambios satisfactorios en las habilidades sociales de los participantes; y por medio de la interpretación cualitativa se reflejan tendencias de comportamientos satisfactorios sobre las habilidades sociales y la convivencia. Abstract This research describes the music therapeutic process that was created with a group of 10 children: students of the Antonio Baraya district school, who received music classes in the Rafael Uribe Uribe Clan. The research was designed to implement a music therapy intervention that will benefit the development of social skills and the promotion of healthy coexistence. The work was carried out, based on the qualitative research model: ResearchAction, which addressed the categories of social skills: social competence and self-concept, directly correlated with the properties of empathy, assertive communication and emotional expression. The intervention lasted 16 group sessions; and in three stages: initial phase, intervention phase and closing phase. The music therapy approach used was the Plurimodal Approach by Diego Schapira, taking two axes of action: improvisation and work with songs; in conjunction with three Songwriting techniques. The instruments used were: semistructured pre and post interviews, individual and group follow-up protocols and the psychosocial indicators of link integration of Patricia Pellizzari. Each of the tools: the elimination of satisfactory results in the social skills of the participants; and through qualitative interpretation shows trends of satisfactory behaviors on social skills and coexistence Maestría

Esta investigación realizó un estudio sobre el impacto de una intervención musicoterapéutica en adolescentes pertenecientes a contextos desfavorables, en situación de calle, en riesgo de habitarla o en condiciones de fragilidad social; además, brindó herramientas al individuo para clarificar su proyecto de vida y fortalecer su identidad en miras hacia el mismo por medio de la música. El alcance del objetivo central estuvo dirigido a que el individuo se reconociera, se empoderara a sí mismo utilizando sus recursos y posibilidades, siendo consciente de su proceso de cambio y transformación propio de esta etapa de la vida. Se realizó una investigación cualitativa con una población de jóvenes entre 16 y 20 años a partir de una fundamentación teórica general revisada sobre dinámicas del adolescente e investigaciones en musicoterapia para esta población. En este sentido, la intervención musicoterapéutica se llevó a cabo con base en la corriente psicoterapéutica propuesta por Víctor Frankl, “Logoterapia”, dando una mirada humanista desde el campo de la terapia de posibilidades de O´hallon. Desde el campo de la musicoterapia, se tomó el abordaje plurimodal de Diego Schapira caracterizado desde un enfoque cualitativo donde el proceso de categorización que se manejaba en la intervención musicoterapéutica fue un elemento esencial de análisis Abstract This research carried out a study on the impact of a music therapy intervention in adolescents belonging to unfavorable contexts. In a street situation, at risk of living in it or in conditions of social fragility; besides, through a method that provided tools to the individual to clarify his life project and strengthen his identity towards the same, through music. The scope of the central objective was aimed at the individual recognizing and empowering himself, using his resources and possibilities, being aware of his process of change and transformation of this stage of life. A qualitative research was carried out, with a population of youngsters between 16 and 20 years old, based on a general theoretical foundation reviewed on adolescent dynamics and research in music therapy for this population, also, the intervention was carried out based on the current psychotherapy proposed by Víctor Frankl "Logotherapy", giving a humanistic look from the field of O’hallon’s possibilities therapy. From the field of music therapy the plurimodal approach of Diego Schapira was taken, characterized from a qualitative approach where the categorization process that was handled in the intervention music therapy was an essential element of analysis. Maestría

No cabe la menor duda que desde un principio tuve inconvenientes para encontrar un tema que me apasionara, un tema de investigación que sacara lo mejor de mí, que quisiera hacer realmente por convicción y no un trabajo que tuviera que hacer por hacer. Maestría

El presente texto está compuesto, en primera medida, por la recolección de ciertas experiencias personales que surgen luego de haber sido estudiante por muchos años del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional, que dan cuenta de la predominancia del “deber ser” en el paradigma pedagógico de dicha institución (hipótesis que se trabajará a lo largo del trabajo), “deber ser” que implica la imposición de algo ajeno que no se relaciona con la experiencia de quien aprende. En segundo lugar, se procurará enriquecer la historia sobre la fundación del Conservatorio y en especial en lo relacionado con Guillermo Uribe Holguín su fundador, por dos razones, la primera, para rastrear la historia del mencionado “deber ser” y darle así un fundamento más amplio a esta hipótesis que lo personalmente experienciado, y la segunda, para comprender mejor lo que me constituye como el profesor y músico que soy. Por último, se presentará una propuesta pedagógica producto de la presente reflexión la cual corresponderá entonces a una alternativa a la imposición del “deber ser”, que procure la experiencia como base del acto pedagógico y artístico. Quiero añadir, además, que todo el trabajo aquí expuesto fue pensado en varios momentos al cursar la maestría en “Educación Artística” y por tanto no es un trabajo que surja ajeno a los procesos que se llevaron a cabo allí. Abstract: This text is composed, first, by the collection of certain personal experiences that arise after having been a student for many years at the Conservatory of Music of the National University. These experiences account for the predominance of the "must be" in the pedagogical paradigm of this institution (hypothesis that will be worked throughout this work), aspect that implies the imposition of something alien that is not related to the experience of the learner. Secondly, I will endeavor to enrich the history of the founding of the Conservatory, especially in relation to Guillermo Uribe Holguín, its founder, for two reasons: first, to trace the history of the aforementioned "must be" and thus give it a wider fundament than what the personal experience could. Second, for having a better understanding of what constitutes me as the teacher and musician I am. Finally, a pedagogical proposal will be presented as a product of the present reflection, which will correspond to an alternative to the imposition of the "must be", which seeks experience as the basis of the pedagogical and artistic act. I would also like to add that all of the work presented here was developed at various moments during the Master's degree in "Art Education" , and therefore, it is not a job that arises apart from the processes that took place there. Maestría

Pedagogía de la serenata: conversaciones entre el profesor y el músico presenta el trasegar de una persona que ejecuta estos dos roles y como esta dualidad le permite extraer conocimientos y habilidades propias de cada uno para utilizarlos en la otra, beneficiando según el escenario -aula/tarima- a las personas con las que interactúa: estudiantes y espectadores. Como parte del ejercicio, se identificó que las conversaciones entre profesor y músico que habitan un mismo cuerpo -trashumancia-: Al profesor: le permite enriquecer la metodología de enseñanza, promover una relación entre la academia y la música popular, posibilitar al estudiante adquirir habilidades y retomar saberes utilizando nuevas herramientas en el aula e incentivar el interés en diversos géneros. Asimismo, él se nutre con lo que vive el músico en la serenata y logra sobresalir en el cuerpo del artista. Al músico: las presencias del profesor causan ausencias que son suplidas por su quehacer artístico. En tanto, los conocimientos y habilidades adquiridos por el maestro en la academia le brindan rigurosidad, reconocimiento y herramientas propias de la docencia como el liderazgo para su quehacer artístico. Lo anterior, permite generar la pedagogía de la serenata, vista como el punto de encuentro entre profesor y músico que les permite una transmisión de saberes que enriquecen el mutuo quehacer cotidiano. En el último apartado del documento se presentan los hallazgos y conclusiones que rodean la implementación de la pedagogía de la serenata y recomendaciones en torno a las posibilidades de mejora identificadas en relación con la labor docente del músico y su ejercicio artístico como serenatero. Abstract: Pedagogy of serenade: conversations between the teacher and the musician presents the passing of a person who performs these two roles and how this duality allows to extract kno wledge and skills of each to use them in the other, benefiting, according to the scenario classroom / stage, to the people with whom he interacts: students and spectators. As part of the exercise, it was identified that the conversations between professor and musician who inhabit the same body - transhumance - : The teacher: allows him to enrich the teaching methodology, promote a relationship between the academy and popular music, enable the student to acquire skills and resume knowledge using new tools in th e classroom and encourage interest in various genres. Likewise, the student is nourished by what the musician lives in the serenade and it gets to stand out in the body of the artist. To the musician: the presences of the teacher cause absences that are re placed by his artistic work. Meanwhile, the knowledge and skills acquired by the teacher in the academy provide rigor, recognition and teaching tools such as leadership for their artistic work. The above, allows to generate the pedagogy of serenade, seen a s the meeting point between teacher and musician that allows a transmission of knowledge that enrich the mutual daily activities. The final section of the document presents the findings and conclusions surrounding the implementation of serenade pedagogy an d recommendations regarding the improvement possibilities identified in relation to the musician's teaching and his artistic practice as a serenader. Maestría

En esta investigación explicamos el radioteatro en Colombia como fenómeno estético, histórico, social y cultural, y lo estudiamos como parte importante del proceso de formación y afianzamiento del campo cultural en Colombia. En este proceso tuvimos en cuenta las preocupaciones esbozadas por Fernando González Cajiao en su Historia del teatro en Colombia. Con ello en mente, buscamos llenar parte de vacíos que aún persisten en la historia del teatro colombiano. Con base en presupuestos de la sociología de la literatura y la cultura, abordamos el radioteatro inicialmente como un fenómeno estético que desarrolla sus propias estrategias artísticas y luego como un fenómeno cultural que participa de la complejidad histórica y social de la Colombia del siglo XX. En este sentido, el radioteatro, además de contribuir en la ampliación del público radioescucha, como medio de difusión de valores para el gran público, aparece como un espacio de confrontaciones entre diversas ideologías e intereses políticos, éticos, estéticos, institucionales. Este tipo de aproximación implica entender las relaciones que se establecen entre la radio como fenómeno técnico y sus relaciones con la cultura y el arte en general. Abstract: In this investigation we explained the radio-theater like a sthetics, historic, social and cultural phenomenon, and we studied it like part of a process of formation and consolidation of Colombia’s cultural field. In this process we took into account the preoccupations sketched out by Fernando González Cajiao in his book Historia del teatro en Colombia. With this in mind, we searched to cover some empty aspects Colombian theater´s history, current yet them. Based on literary and cultural sociology specifications, we approach to the radio-theater, initially, like a sthetics phenomenon that developments itself artistic strategies and we approach to the radio-theater, then, like a cultural phenomenon that participates of the Colombia historical and social complexity in the Twentieth century. In this sense, the radio-theater, in addition to contribute to extension radio listener public, like media of values diffusion for public massive, appears like a space of confrontations between several ethics, politics, sthetics institutional ideologies and interests. This kind approach implies to understand the relationship stablished between the radio like technical phenomenon and its relationship with the general art and culture. Maestría

Pequeña ruta deslocalizadora A la presumida, lectora u observadora, lector, lectores, observadores, presumido, o quizá sencillo, o quizá enamorado o enamorada... y asi como es el caos de quien puede acercarse a este texto, así mismo ha de ser la locura de la ser director coral... o de existir... Maestría

¿Es en el deslizamiento y en el propiciar espacios de escucha, entre canales rotos y restablecidos, que puedo reconstruir el sentido y un sentido que me esencie como músico y profesor? Se cree que la legitimación del artista se determina, exclusivamente, por su quehacer artístico, pues bien, la legitimación del profesor de música no está dada por su quehacer artístico sino más bien por su quehacer pedagógico, en otras palabras, el verdadero escenario de legitimación del artista es el escenario de lo pedagógico y no necesariamente el artístico, es por esto que he podido identificar la tensión entre profesor de música y artista formador en los colegios distritales de Bogotá, en un contexto muy particular, el Proyecto Filarmónico Escolar de la Orquesta Filarmónica de Bogotá (antes llamado Proyecto Músicas de la OFB para la Jornada Completa). Este ha sido mi entorno laboral en los últimos seis años en donde podría pensarse que estos roles son totalmente opuestos, ¿lo son realmente? Los “Estadios del Simular y el Evadir” no solo como la manera de nombrar mi problema con el rol de músico y profesor sino como la denuncia de unos asuntos que tienen que ver con la academia y su responsabilidad, que creo evade, en la formación del músico en el contexto colombiano. En el entorno musical, durante el ejercicio de mi profesión, no he percibido una detención, una toma de conciencia acerca de la realidad pedagógica del músico, más bien vislumbro lo que yo llamaría una “cortina de humo” que creo se forma desde la formación en la educación superior, considero que se evade una responsabilidad social de acuerdo a lo que se le proporciona al estudiante de música y su realidad, se le construye un imaginario o modelo de músico que chocará claramente, en la mayoría de los casos, con la experiencia. Desde esta perspectiva se gestó una tensión que demando una atención para construir una intensión. Esta atención significo hacer el ejercicio de detenerme, pensar y reflexionar, la intención significó reaccionar, significo crear y escribir una reflexión sonora. Simultáneamente, “Sonidos al Margen de lo Institucional” como una forma de plasmar mi postura política, como la respuesta en forma de impulso creativo suscitada por los “Estadios del Simular y el Evadir”, la obra artística como proceso de investigación y denuncia de mi experiencia, en la cual, otros podrían encontrar eco. Maestría

El Accidente Cerebro Vascular ACV es una enfermedad que afecta la circulación cerebral y que causa discapacidad y dependencia parcial o total a corto, mediano o largo plazo y tiene un alto impacto en los sistemas de salud por el elevado costo, prolongados tiempos de recuperación y dificultad en el manejo del paciente. El objetivo de este proyecto fue evaluar el efecto de la Musicoterapia en la rehabilitación de 4 pacientes con ACV Isquémico Izquierdo, que se encontraban en el proceso interdisciplinario de rehabilitación PIR® en la Clínica de la Universidad de la Sabana. El diseño del estudio se realizó haciendo un análisis fenológico a través de 4 estudios de caso. La intervención musicoterapéutica se realizó en forma individual e incluyó una evaluación inicial de 45 minutos para establecer el vínculo paciente terapeuta y una línea de base para los procesos de la intervención. Posteriormente, se realizaron 8 sesiones, cada una de 30 minutos utilizando los métodos musicoterapéuticos de improvisación, re-creación y receptivo y las técnicas de musicoterapia neurológica Rhytmic Auditory Stimulation (RAS) para la estimulación de la marcha, Therapeutical Instrumental Music Performance (TIMP) para estimular las funciones motoras, Music in Psychosocial Training and Counseling (MPC) para la motivación desde lo emocional y autoconcepto, y Therapeutic Singing (TS) para estimular el habla; TS se aplicó solamente a 3 pacientes que tenían problemas del habla. Se finalizó con una sesión de 45 minutos para el cierre de la intervención y la evaluación final. Los avances de cada paciente se relacionaron con lecturas electroencefalográficas para demostrar la neuroplasticidad y generación de mayor actividad neuronal, a partir del estímulo musicoterapéutico. En todos los pacientes, se pudo demostrar que hay mejoría en las respuestas motoras; los tres pacientes con problemas de habla, presentaron mejoría durante las sesiones. Pacientes y cuidadores manifestaron sentimientos de comodidad, alegría, tranquilidad y amor al finalizar cada sesión y motivación para continuar su proceso de rehabilitación. Se concluye, que la Musicoterapia es un complemento terapéutico efectivo para coadyuvar en la rehabilitación de pacientes con ACV Isquémico y podría hacer parte de las terapias que actualmente conforman el Proceso Interdisciplinario de Rehabilitación PIR®. Maestría

El objetivo de este estudio es fortalecer la regulación emocional en un grupo de tres adolescentes y una preadolescente institucionalizadas de la Asociación Jireh “Provisión de amor” del Municipio de Cota Cundinamarca. Se empleó un diseño metodológico mixto utilizando dos enfoques musicoterapéuticos: El abordaje plurimodal (Schapira 2007), y la terapia vibroacústica (Zain, 2014). Los instrumentos utilizados fueron: La escala de regulación emocional en español DERS-E (Marin, 2012), Escala Análoga Visual (Zain, 2017) y el análisis de los protocolos de cada sesión. Los resultados reflejan los aportes de la musicoterapia sobre la regulación emocional de las participantes, en aspectos como conciencia, expresión emocional, estrategias de afrontamiento y el autogenerarse emociones positivas. Abstract: The objective of this study is to strengthen emotional regulation in a group of three adolescents and an institutionalized preadolescent of the Jireh Association "Provisión de amor" of the Municipality of Cota Cundinamarca. A mixed methodological design was used using two music therapy approaches: the plurimodal approach (Schapira 2007), and vibroacoustic therapy (Zain, 2014). The instruments used were: The scale of emotional regulation in Spanish DERS-E (Marin, 2012), Visual Analogue Scale (Zain, 2017) and the analysis of the protocols of each session. The results reflect the contributions of music therapy on the emotional regulation of the participants, in aspects such as awareness, emotional expression, coping strategies and self-generate positive emotions. Maestría

Los procesos de formación musical en Colombia han tenido un impulso importante en las dos últimas décadas, sin embargo, hay mucho por aprender, muchos lugares a donde llegar, y muchas perspectivas de transformación social que abarcar, siendo el modelo pedagógico Orquesta - Escuela una herramienta fundamental con fines de democratización del conocimiento, que contribuye al desarrollo de comunidad, identidad y reconstrucción del tejido social. El presente trabajo de investigación realiza una exploración y análisis al modelo pedagógico Orquesta - Escuela, desde sus inicios, evolución, expansión, así como las adaptaciones del modelo en los diferentes lugares del mundo, en los cuales su contexto geográfico, político, administrativo y académico, incide en la configuración de programas distantes del pionero. Para el desarrollo de la investigación se realiza una prueba piloto aplicando el modelo pedagógico Orquesta - Escuela a 480 estudiantes aproximadamente entre los 7 y 14 años de edad, como trabajo de campo en el marco del programa “Proyecto Escolar” de la Orquesta Filarmónica de Bogotá para la Secretaría Distrital de Educación de Bogotá D.C. El análisis de la información recolectada de las diferentes adaptaciones del modelo pedagógico en conjunto con los resultados del trabajo de campo, genera unas conclusiones y recomendaciones, tales como: - El Repertorio, como línea pedagógica base. - La necesidad de Maestros con perfiles adecuados y de aplicar el hacer música como razón de ser. - La organización del montaje Abstract: The processes of musical formation in Colombia have had an important impulse in the last two decades, however, there is much to learn, many places to go, and many perspectives of social transformation to include, being the pedagogical model Orchestra - School a tool fundamental for the purpose of democratization of knowledge, which contributes to the development of community, identity and reconstruction of the social material. The present work of investigation realizes an exploration and analysis to the pedagogical model Orchestra - School, from its beginnings, evolution, expansion, as well as the adaptations of the model in the different places of the world, in which its geographic, political, administrative and academic context , affects the configuration of programs distant from the pioneer. For the development of the research a pilot test is carried out applying the pedagogical model Orchestra - School to 480 students approximately between 7 and 14 years of age, as field work within the framework of the "Project Escolar" program of the Philharmonic Orchestra of Bogotá for the District Department of Education of Bogotá D.C. The analysis of the information collected from the different adaptations of the pedagogical model in conjunction with the results of the field work generates conclusions and recommendations, such as: - The Repertory, as a basic pedagogical line. The need of having teachers with appropriate profiles, and to apply music as a reason of being. - The organization of the assembly around stages (initiation, technical consolidation, assembly, etc.), in accordance with the session types vii (row, section, general), enhances the musical results. - The need for constant evaluation in order to strengthen musical training processes. - The musical preparation in the choral area before starting the symphonic program as a way to enhance future results. The research aims to raise awareness of the virtues of the Orchestra - School pedagogical model and its benefits at the academic, musical, artistic, cultural and community levels. Maestría

El presente trabajo de investigación tiene como título: Musicoterapia y desarrollo integral en niños con estancias prolongadas de hospitalización en contexto de aula hospitalaria y se desarrolló en el servicio de pediatría de la Clínica las Américas de la ciudad de Medellín. Se identificó la necesidad de crear e implementar estrategias especiales para la atención integral a los niños hospitalizados, como complemento a la oferta brindada desde las aulas hospitalarias. Por eso se planteó como objetivo evaluar el impacto de la intervención musicoterapéutica en el desarrollo integral de niños en un hospital de la ciudad de Medellín. A nivel investigativo se recurrió al enfoque cualitativo por medio de estudio único de caso, contando con herramientas como: Observación participante, registro de procesos, protocolos y entrevistas semiestructuradas. La propuesta musicoterapéutica se dio desde el enfoque humanista recurriendo a los cuatro métodos de musicoterapia (método receptivo, de composición, improvisación y re-creación), para el desarrollo de la propuesta, que tuvo una intensidad de 12 sesiones individuales, que pudo mostrar como resultado que la musicoterapia es una herramienta valiosa para potenciar el desarrollo integral del niño con estancia prolongada de hospitalización que se encuentra en procesos en aula hospitalaria en aspectos cognitivos, emocionales, comunicativos, motrices, favoreciendo además la adherencia al tratamiento. Palabras clave: musicoterapia, aula hospitalaria, desarrollo integral, segunda infancia. Abstract: The present research work is titled: Music therapy and integral development in children with prolonged stays of hospitalization in the context of hospitaller classroom and was developed in the pediatric service of the Clinic Las Americas of the city of Medellín. The need to create and implement special strategies for integral care for hospitalized children was identified as a complement to the offer provided by hospital classrooms. For that reason, the objective was to evaluate the impact of the intervention with music therapy in the integral development of children in a hospital in the city of Medellín. At an investigative level, the qualitative approach was used through a single case study, with tools such as: Participant observation, process registration, protocols and semi-structured interviews. The music therapy proposal was made from the humanistic approach using the four methods of music therapy (receptive method, composition, improvisation and re-creation), for the development of the proposal, which had an intensity of 12 individual sessions, showed as a result that music therapy is a valuable tool to promote the integral development of the child with prolonged hospital stay that is in hospital classroom process, in diferents aspects such as cognitive, emotional, communicative, motor, also favoring adherence to treatment. Maestría

Este trabajo de carácter histórico busca ubicar los orígenes del movimiento de música antigua (Early Music) en Colombia dentro de los presupuestos en los que se desarrolló en Europa y Estados Unidos desde las primeras décadas del siglo XX. El estudio se enfoca principalmente en Medellín y Bogotá entre los años 1951 y 1973, período en el cuál se fundan y consolidan los grupos representativos y precursores de esta tendencia interpretativa. Se busca analizar el impacto que tuvieron estos grupos en el contexto social, musical y cultural de cada ciudad y establecer la importancia de la Música Antigua como movimiento interpretativo dentro de la historia de la música en Colombia por medio de la reconstrucción, descripción y análisis del desarrollo histórico del surgimiento, circulación, apropiación y adaptación de dicho movimiento interpretativo al medio colombiano y del estudio detallado de aspectos determinantes dentro de este proceso como: influencias internas y externas, caracterización de los grupos pioneros, diferentes aproximaciones al repertorio, adquisición de instrumentos y audiencias. Abstract: This historically intended dissertation aims at locating the roots of the Early Music movement in Colombia among the preconceptions in which it was developed in Europe and the United States from the early decades in the 20th century. It focuses on the period from 1951 to 1973 in Bogota and Medellin, time span in which groundbreaking and relevant groups of this performing trend were established. It seeks to analyze the effect of these groups on the social, cultural and musical context from each city and establish the relevance of the Early music as a performing movement within the history of Colombian music by means of reassembly, description and analysis of historical description of emergence, adoption and adaptation of such performing trend to the Colombian setting as well as the in-depth study of crucial aspects within this process, namely: internal and external influence, depiction of pioneering groups, different approaches to the repertoire, instruments purchasing and audience gain. Maestría

En el siglo XX, Industria Cultura (Adorno) fue uno de los conceptos claves y más potentes del análisis comunicativo y sociológico. Este daba cuenta de los modos como los medios de comunicación afectaban a la Cultura al convertirla en masiva y mercancía, su intencionalidad era crítica frente al papel de los medios de comunicación en la sociedad y su valor analítico estuvo en que describió acertadamente el papel de los medios y el mercado en la cultura. En el siglo XXI, pasamos de una Industria Cultural a una Cultura del Espectáculo donde todos los ámbitos de la vida se han convertido en objeto de intervención del mercado a través de la promesa y la producción del entretenimiento como sinónimo de la felicidad contemporánea. El entretenimiento es percibido como un pecado por la derecha al establecer que promueve valores facilistas y frívolos, por la izquierda que considera que es una conspiración del imperio contra los valores e identidades propias y por los intelectuales que ven en él una superficialidad que hace imposible el pensar complejo. Esta investigación quiere diluir los dualismos moralistas para pasar a reflexionar sobre las tensiones y dialécticas múltiples que habitan a la sociedad del entretenimiento y la cultura del espectáculo. La propuesta está en hacernos cargo de todo lo que está mutando con los saberes y experiencias del entretenimiento en nuestra cultura y sociedad. En la primera parte se desarrolla una teoría del entretenimiento como forma global mainstream a partir de tres categorías: la experiencia, las estructuras de sentir y los sentidos. En la segunda parte se proponen a las categorías las culturas bastardas y las ciudadanías celebrities como nuevos modos de comprender y explicar la forma entretenimiento. Y finalmente, a partir de casos concretos, se comprende las tensiones y bastardías existentes en la cultura mainstream (coolture) desde las músicas y sus mixturas, las televisiones y sus irreverencias y los modos de gozar de las identidades ancestrales. Abstract. In the 20st century, Cultural Industry (Adorno) was key and powerful concept for communicative and sociological analysis. Its awareness on the ways in which the media affected culture by turning it into mass and commodity was powerful. At the same time, its critical look to the role of the media in society was a great turn on to thinking culture in the market scenario. In the 21st century, society and market move from a Cultural Industry landscape to a spectacle culture (coolture), where all areas of life have become the object of entertainment intervention through the promise and production of contemporary happiness. Meanwhile, entertainment is perceived as a sin by the right for promoting easy and frivolous values, by the left for considering that it is a conspiracy of the empire against the local values and identities, and by the intellectuals for its superficiality that makes impossible to think rational and on complexity. This research wants to dilute moralistic dualisms to go to reflect on the tensions and multiple dialectics that inhabit the entertainment society and the spectacle culture. The argument is that we, scholars, must account that everything is mutating in the symbolic world and the modes we produce sense, and that entertainment experience is a primary and powerful way to produce our culture and society. The first part develops a theory of entertainment as a mainstream global form from three categories: experience, structures of feeling and the ways of meaning. In the second part, it is proposed two categories (bastard cultures and citizenship celebrities) as new way to understand and explain the entertainment world. And finally, from concrete cases, intervening the mainstream coolture from the music and their mixtures, the televisions and their irreverence, and the ways how ancestral identities enjoying life. Doctorado

El aprendizaje de la técnica de dirección sinfónica se adquiere mediante la práctica de ejercicios con base a gestos de control y coordinación de las extremidades superiores del cuerpo. También es necesaria la inclusión de un repertorio para que el estudiante de dirección afiance el dominio de la técnica teniendo en cuenta el aspecto expresivo e interpretativo de una obra. Por lo general este repertorio que los docentes seleccionan para estudio y apropiación técnica de sus alumnos son obras de la época clásica y romántica de la historia de la música. Así, los docentes de dirección sinfónica utilizan las obras de compositores como Mozart, Beethoven, Schubert, Berlioz, Tchaikovsky, Mahler, Stravinsky entre otros, para convertirlas en un método de aprendizaje y dominio de la técnica. Entonces, como director y docente de dirección me surge una inquietud: ¿Es posible que la música colombiana que contiene riqueza estética y académica, pueda aportar algunos recursos técnicos de dirección al estudiante de esta especialidad? Este estudio plantea la posibilidad de incluir repertorio nacional a la cátedra de dirección como material complementario y consonante culturalmente con el estudiante de dirección colombiano. Con un proceso de análisis, de acuerdo a la metodología seleccionada para esta investigación, se determina un conjunto de obras colombianas que permitan desarrollar habilidades gestuales para el director sinfónico. De esta lista se seleccionan dos obras con variables técnicas específicas, que son sometidas a un detallado estudio que argumenta su pertinencia en la clase de dirección. Sin embargo, uno de los principales problemas para incluir este material alternativo es la carencia de versiones de obras sinfónicas colombianas para piano a cuatro manos o dos pianos que permitan el estudio de la obra antes de dirigir el formato orquestal. De esta manera, el resultado de este proceso investigativo es el de producir las versiones para piano a cuatro manos y dos pianos de las dos obras colombianas seleccionadas para que el estudiante de dirección sinfónica pueda apropiar gestos técnicos con repertorio y géneros musicales nacionales en su espacio académico de técnica de dirección. Otro producto del estudio es la transcripción de una de éstas obras original para banda sinfónica a la versión orquestal. Finalmente, como docente de dirección, propongo algunas posibilidades técnicas para aplicar en pasajes extraídos de estas obras sinfónicas colombianas. Abstract. The learning of the technique of orchestral conducting is acquired through the practice of exercises based on gestures of control and coordination of the arms. It is also necessary to include a repertoire for the student of conducting to strengthen the mastery of the technique taking into account the expressive and interpretive aspect of a musical work. Often, this repertoire that teachers select for study and technical appropriation of their students are works of the classical and romantic period of the history. Thus, teachers of orchestral conducting use the works of composers like Mozart, Beethoven, Schubert, Berlioz, Tchaikovsky, Mahler, Stravinsky among others, to turn them into a method of learning and mastering the technique. Then, I as orchestral conductor and teacher question myself: Is it possible that Colombian music that contains aesthetic and academic wealths, can provide some technical resources of direction to the student of this specialty? This study raises the possibility of including Colombia music to the address class as complementary material and culturally consonant with the Colombian student of orchestral conducting. With a process of analysis, according to the methodology selected for this research, a set of Colombian works is determined to develop gestural skills for the symphonic conductor. From this list, two works with specific technical variables are selected, which are submitted to a detailed study that argues their relevance in the class of symphonic conducting. However, one of the main problems to include this alternative material is the lack of versions of Colombian symphonic works for four-hand piano or two pianos that allow the study of the work before conducting the orchestral format. In this way, the result of this investigative process is to produce the versions for piano to four hands and two pianos of the two Colombian musical works selected so that the student of symphonic conducting can appropriate technical gestures with national repertoire and rhythms in their space academic conductor symphonic technique. Another product of the study is the transcription of one of these original works for symphonic band to the orchestral version. Finally, as a conductor teacher, I propose some technical possibilities to apply in passages extracted from these Colombian symphonic works. Maestría

Este documento presenta un análisis estructural e interpretativo de la sinfonía No. 4 del compositor Ruso P.I. Tchaikovsky. Presenta la parte de contextualización de la obra y de la vida del compositor. Además hace un análisis musical por cada uno de sus movimientos, mostrando un esquema que evidencia su forma, partes, y armonía. También un análisis de la interpretación de la obra con la banda sinfónica del conservatorio de música de la Universidad Nacional de Colombia. Todo esto con el fin de que el documento sirva para estudiar más a fondo esta sinfonía y conocer una manera de interpretarla en un formato instrumental diferente al original. Abstract: This document presents a structural and interpretative analysis of the symphony No. 4 of the Russian composer P.I. Tchaikovsky. Presents the part of contextualization of the work and the composer´s life. It also makes a musical analysis for each one of his movements, showing a scheme that evidences his form, parts, and harmony. Also an analysis of the interpretation of the work with the Banda Sinfónica del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. All this in order that the document serves to further study this symphony and know a way to interpret it in an instrumental format different from the original Maestría

El siguiente documento es resultado de la implementación de un programa musicoterapéutico de intervención para usuarios con conductas adictivas, el cual fue realizado en el Centro de Atención a Drogadicción del Hospital Santa Clara en la ciudad de Bogotá. Esta intervención contó con una duración total de 19 sesiones y tuvo como objetivo identificar los aportes del trabajo musicoterapéutico, en la adherencia al tratamiento de pacientes con diagnóstico de adicciones. La investigación contó con un diseño metodológico de investigación cuantitativo-exploratorio desarrollado mediante aplicación de la escala de Relaciones Intermusicales CIM(2013) y el cuestionario de Variables Predictoras de Abandono de tratamientos VPA (2015). Dicha intervención se realizó en un grupo de 10 usuarios, con alto riesgo de recaída. En cuanto a los resultados se destacaron las producciones sonoro-musicales, consecuencia del proceso terapéutico, junto al análisis sonoro-vincular, realizado a nivel individual y grupal, según los modos predominantes de interacción musical en los participantes. Lo anterior se sustentó en la intención de implementar los 4 métodos musicoterapéuticos, prestando especial atención a la improvisación clínica musicoterapéutica, junto al concepto de analogía y metáfora. Abstract: The following document is the result of the implementation of a Music Therapy program of intervention for users with addictive behaviors, which was carried out in the Drug Addiction Center of the Santa Clara Hospital in the city of Bogotá. This intervention had a total duration of 19 sessions and aimed to identify the contributions of the music therapy work in adherence to the treatment of patients diagnosed with addictions. The research had a methodological design of quantitative-exploratory research, developed by applying the CIM Intermusical Relations scale (2013) and the VPA (2015) Abandonment Predictor Variables questionnaire. This intervention was performed in a group of 10 users, with a high risk of relapse. Regarding the results, sonorous-musical productions were highlighted, as a consequence of the therapeutic process, together with the sound-linking analysis, carried out at the individual and group level, according to the predominant modes of musical interaction in the participants. The foregoing was based on the intention to implement the 4 music therapy methods, paying special attention to clinical music therapy improvisation, together with the concept of analogy and metaphor. Maestría

Se abordará este trabajo desde la propia vivencia durante el tiempo que llevo en la música, desde la primera vez que supe qué era un oratorio. A partir de esta experiencia, se darán a conocer los retos que usualmente conllevan a realizar obras como estas. La primera vez que tuve la oportunidad de escuchar de cerca un oratorio (aunque con textos profanos) fue con el oratorio “Carmina Burana” de Carl Orff, quedando altamente sorprendido cuando escuché la imponente introducción con una gran masa orquestal y coral. Esto fue en la sede arrendada de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia en noviembre del año 1984, la cual quedaba ubicada en la calle 69 con carrera 16. Seguido a esto solo recuerdo las intervenciones de la soprano Marina Tafur, con una excelente y dulce voz quien marcó una pauta importante en mis registros sonoros, pues anteriormente había escuchado voces de sopranos líricas que me molestaban al oído con sus altos volúmenes y sus vibratos demasiado amplios. Cabe destacar que inicié mis estudios de fagot en la Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia, fundada por el maestro Ernesto Díaz Alméciga, hermano de mi madre, quien me convenció de estudiar el fagot pues había muchos flautistas y pocos fagotistas en la orquesta. Mi madre me inició, en la flauta y el canto rondaba en mis memorias por el coro que hacíamos en algunas ocasiones con mis padres y todos mis seis hermanos. Mi madre flautista y violoncelista y contralto, y mi padre violinista y tenor. Unos años después tuve la oportunidad de tocar el oratorio “El Mesías” de G. F. Häendel en su totalidad y luego lo canté como tenor del coro. En este punto había entendido que un oratorio tenía unas partes obligadas y otras añadidas que venían de las misas tradicionales, o de las obras musicales que fueron incluidas en la Eucaristía, principalmente en la religión católica, relacionando esto con los recuerdos que tenía de niño y adolescente cuando mi madre nos enseñó a tocar misas dominicales, de difuntos, matrimonios, bautizos, entre otras, época en la cual se interpretaban casi todas las partes originales de las mismas. Abstract: I will approach this work from my own experience in the time I have in music, from the first time I learned that it was an oratorio. From that experience I will show the challenges that usually entails doing works like these. The first time I had the opportunity to listen to an oratory (albeit with profane texts) was with Carl Orff's "Carmina Burana" oratory. I was very surprised when I heard the imposing introduction with a great orchestral and choral mass. This was at the leased venue of the Youth Symphony Orchestra of Colombia in November 1984, which was located at 69th street with race 16. Following this I only remember the interventions of the soprano Marina Tafur, with an excellent and sweet voice that marked an important pattern in my sound records, since previously I had heard voices of lyrical sopranos that annoyed me in the ear with its strong decibels and their vibratos too spacious It is noteworthy that I started my bassoon studies in the Youth Symphony Orchestra of Colombia, founded by the teacher Ernesto Díaz Alméciga, brother of my mother, who convinced me to study the bassoon because there were many flutists and few bassoon players in the orchestra. My mother started me on the flute and the song was hovering in my memories for the choir we did sometimes with my parents and all my six brothers. My mother flutist and cellist and contralto, and my father violinist and tenor. A few years later I had the opportunity to play the oratory "The Messiah" by G. F. Häendel in its entirety and then I sang it as a tenor of the choir. At this point I had understood that an oratorio had obligatory parts and other additions that came from the traditional Masses, or musical works that were included in the Eucharist, mainly in the Catholic religion, relating this to the memories that I had as a child and when my mother taught us to play Masses, Sunday, the deceased, marriages, baptisms, etc. At the time that in these masses were interpreted almost all the original parts of the same ones. Maestría

Este documento es parte del requisito para optar al título de Magister en Dirección Sinfónica de la Universidad Nacional de Colombia. Contiene elementos históricos acerca de la vida y obra del compositor Yasuhide Ito, así como la contextualización del momento en el cual se basó el argumento del poema Sinfónico Gloriosa, se efectúa un análisis de la historia que se describe a través de las notas musicales y de los elementos estructurales que componen la forma de la obra, así como se hace mención de los aspectos musicales más relevantes para tener un conocimiento y criterio técnico para la interpretación de la obra Abstract: This document is part of the requirements for the degree of Master on Symphonic Conducting at the National University of Colombia. It contains historical elements about the life and the work of the composer Yasuhide Ito, as the contextualization of the moment which the argument of the Symphonic Poem Gloriosa is based, it make an analysis de la story that describes behind of the musical notes and the structural elements that compose the form of the piece, as it make a mention of the most relevant musical issues in order to have a knowledge y and a technical thinking in order to make the performance of the piece. Maestría

El Muro de Sonido (en inglés ‘Wall of Sound’) es la invención por la que se conoce al músico, productor, y compositor estadounidense Phil Spector. Entre 1960 y 1966, años en los que desarrolló hasta el culmen su invención, produjo una amplia lista de éxitos y se afirmó como referencia para generaciones contemporáneas y posteriores en la música pop. De igual modo, el Muro era una práctica extendida fuera de sus límites geográficos, incluso sin la influencia cultural norteamericana, y al margen del rock ‘n roll, es decir, en el género de la balada pop. Para este estudio se abordan casos concretos en España, Francia, Chile, Colombia y los Estados Unidos, entre 1960 y 1967 Se toman como casos de estudio, los discos de Spector en los años mencionados; en España, los primeros años de carrera del cantante Raphael, de la mano del compositor y productor Manuel Alejandro, en Francia Hervé Vilard, en Chile Antonio Prieto y en Colombia, Lyda Zamora. Como principal herramienta de análisis de discos se usan conceptos y se describen procedimientos pertenecientes a las disciplinas de la ingeniería de sonido y de la producción musical – todas al servicio de la musicología- Abstract: The Wall of Sound is an invention that makes well - known the name of Phil Spector (b.1939). Between 1960 - 1966 he developed his technique through the production of a wide list of radio ‘hits’, that turned him into a reference for contemporary and further generations of pop music. Likewise, the Wall was a practice extended abroad, even out of the direct influence of the north - american culture and the rock ‘n roll itself, actually in the genre called ‘balada pop’ (pop b allads in english ) in the s panish and latin - american world . This case of study is focused on Spain, France, Chile Colombia, and the United States, between 1960 - 1967. The specific examples are the records produced by Phil Spector during the years mentioned above, the early success stage of the spanish singer Raphael (under Manuel Alejandro’s production), Hervé Vilard in France, Antonio Prieto in Chile, and Lyda Zamora in Colombia. Procedures belonging to the disciplines of Sound Engineering and Musical Prod uction – at service of Musicology - are used as the main methodology for the analysis of the records. Maestría

Este trabajo investigativo se enfoca en las canciones del cantautor Máximo Jiménez y en el contexto socio-histórico donde se desarrollaron, a fin de caracterizar el término “vallenato de protesta” desde una perspectiva musicológica y etnomusicológica. Realizamos análisis musicales y textuales y otro tipo de análisis comparativos con vallenatos “no políticos”; miramos el proceso compositivo de Máximo describiendo de modo general sus grabaciones y asociándolas con el momento político que se vivía en cada año de su lanzamiento. Con esto queremos generar aportes al problema de la relación entre política y música en el contexto específico de Colombia, desde la propia lógica de los elementos culturales y sociales que contextualizaron a este género musical. Abstract: This research focuses on songs by singer - songwriter Máximo Jiménez and the socio - historical context in which they were developed, in order to characterize the term “protest vallenato” from the musicological and ethno musicological perspective. We will carry out musical and textual analysis and other types of comparative and generic analysis with other “non - political” vallenatos; we will look at the compositional process of Máximo by describing in general his records an d associating them with the political ambiance of the times in which it was released to the public, with this we want to generate contributions to the problem of the relationship between politics and music of the specific context of Colombia, from the logi c of the cultural and social elements that contextualized this musical genre. Maestría

El presente trabajo de grado busca familiarizar al estudiante de piano con la obra de Enrique Granados, tomando como punto de referencia la colección de piezas titulada seis piezas sobre cantos populares españoles. En la primera sección se relata a manera de revisión biográfica la vida del compositor así como sus principales aportes al piano, en la segunda se analizan cada una de las obras que componen la suite y en la última parte se explica, de forma breve, concisa y pedagógica como abordar la obra tanto técnica como interpretativamente. Abstract. The following work aims to get the piano student familiar with Enrique Granado’s works, taking as main subject the collection of pieces titled seis piezas sobre cantos populares españoles. In the first section it is shown, in a manner of Biographic research the composer’s life as well as his main contributions to the piano, in the second all pieces that are within the suite are analyzed and in the last section, it is explained, in a Pedagogical and straight forward way how to approach the piece technically and interpretatively. Maestría

Este trabajo, si bien se titula Análisis del Scherzo Núm.4 Op. 54 de Frédéric Chopin, es en esencia y forma una guía metodológica con la finalidad de orientar a los intérpretes interesados en la obra en cuestión a superar los obstáculos técnicos e interpretativos que puedan llegar presentarse en la misma; esta situación puede lograrse con la creación de ejercicios que faciliten la realización de un procedimiento eficaz a la hora de toparse con dichos obstáculos Adicionalmente, se le ha otorgado una breve contextualización a la obra, es decir, el momento específico al momento de la composición y el estado de ánimo de Chopin; comparativas breves con sus obras análogas, los otros 3 Scherzos que puedan animar a los pianistas en cuestión a conocer aún más acerca de esta obra; y finalmente el uso distintivo que realiza el compositor polaco sobre otras forma estructurales anteriores a él y el tratamiento armónico. Por último, este trabajo ha surgido entre otros motivos, por la diferencia clara que existe entre este Scherzo y los otros 3, por su unicidad y el carácter alegre que posee. Abstract. In this paper, although it is entitled as 4th Scherzo Analysis, Op. 54 of Frédéric Chopin, is in its essence and form a methodological guide with the goal to orientate to the interested performers in the same to overcome the technical and interpretative obstacles that might present in the same; this situation can be achieved by the creation of exercises that ease the accomplishment of an efficient procedure at the time to face with those obstacles. In addition, it has been given a contextual picture to the piece, meaning, ath the specific momento of the compositioin and Chopin’s state of mind; brief comparisons with its analogue Works, the other 3 Scherzos that might encourage the pianists to know more about this workpiece; and finally the distinctive use of previous structural forms and its harmonic treatment. Lastly, this paper has been created, among other motives by the clear difference that exists between this Scherzo and the other 3, by its uniqueness and the joy that possesses this workpiece. Maestría