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Praia do Futuro é uma espacialidade que remonta projetos múltiplos, sobressaltando o comercializado pelo city marketing aos turistas; e os partilhados pela população que habita a capital cearense. Entendendo que estas perspectivas coexistem, confrontam-se e conferem potência diante da produção de imagens como expressão de imaginários, este trabalho se faz em ação de campo orientada em vínculos de proximidade e de afetividade durante os períodos de maio a julho de 2014, de 2016 e de 2019 a fim de refletir sobre as dinâmicas de inscrição com imagens – realizada por mim e por outros sujeitos que conosco praticavam o espaço – constituídas com as entramações ali possíveis. Para, assim, discutir a tessitura de imaginários a partir das práticas narrativas com fotografias que, em meio aos regimes de temporalidades, disputam rumos para a cidade.

Este artículo analiza el fotolibro Monsanto®: a Photographic Investigation del fotógrafo documental Mathieu Asselin. En primer lugar, se abordan los fotolibros desde una perspectiva semiótica, especialmente empleando las funciones de Roman Jakobson, y después, en este caso, se entiende parcialmente la diferencia entre fotolibros y fotoperiodismo como una cuestión de tiempo, ya que los fotolibros suelen informar sobre hechos que no están de actualidad. Después, se considera Monsanto® en relación con la tradición de los fotolibros bélicos, especialmente Agent Orange: «Collateral Damage» in Viet Nam, de Philip Jones Griffiths, y War against War!, de Ernst Friedrich. Asselin relaciona a las víctimas de la guerra con las víctimas de las corporaciones capitalistas, superando la diferencia colonial entre los soldados occidentales y las víctimas orientales, y profundizando en las causas del capitalismo bélico. Monsanto® también toma decisiones sobre los límites de la fotografía para presentar el mundo y, por ende, sobre la visibilidad. A diferencia de Friedrich, Asselin asume que la fotografía no tiene que representar visualmente todo lo que se cuenta en el libro, además, los pies de foto brindan información esencial y algunas fotografías solo pretenden mostrar lo que Asselin presenció. Finalmente, se utilizan las consideraciones de Nassim Nicholas Taleb sobre evidencias para comprender cómo la fotografía se destina a ser evidencia de hechos, lo que podría llevar a que las imágenes precedan y creen el evento relatado por ellas.

El objetivo de este artículo es analizar la huella indeleble que Luis Cernuda deja en la obra de Juan Luis Panero tanto en relación con el enigma del tiempo, cuanto en relación con la presencia de las imágenes que permiten rescatar el pasado en la poesía de ambos. Como el mismo Panero afirma en Luis Cernuda (su poema homenaje al autor de La realidad y el deseo), los dos se conciben como “fantasma de un fantasma”. La poesía es el lugar en el que ambos fantasmas pueden seguir dialogando y mirando más allá de la muerte, entre espejos y fotografías

La representación de los conflictos armados en los medios de comunicación ha mostrado a los hombres como sujetos activos y protectores, mientras que a las mujeres se les ha reservado un rol subordinado que remarca su vulnerabilidad y su identificación a roles tradicionales. Esta investigación analiza 201 fotografías de portada sobre la guerra en Ucrania publicadas en seis diarios de referencia internacionales, con el objetivo de comprobar la presencia de las mujeres en la cobertura mediática y los roles que se les han atribuido. Los resultados muestran que, a pesar de que la presencia es cuantitativamente equilibrada, cualitativamente la guerra sigue siendo una práctica profundamente marcada por el género. Así, a pesar de que las mujeres figuran en el 47,3% de las imágenes, tienen una presencia mucho menor como sujetos activos de la guerra, y son representadas en mayor proporción acompañando a menores o como refugiadas. En la narrativa visual que las fotografías de portada de la prensa internacional realizan de la guerra en Ucrania, las mujeres tienen una fuerte presencia, pero su rol es subordinado, y aparecen como personajes secundarios y silentes, anclados en los roles de víctima, de personas a las que hay que proteger y salvar.

En este artículo, proponemos una lectura crítica de la obra de César Calvo Las tres mitades de Ino Moxo y otros brujos de la Amazonía a partir de la confluencia entre literatura y visualidades en tanto principio constructivo de una proliferación de soportes y de materiales al interior de la obra, como es el caso de la pintura de César Calvo de Araújo, los grabados de Francisco Mariotti o las fotografías de Augusto Falconi. La práctica aglutinante, tanto de la crítica a la especificidad como vector fundamental de la autonomía estética así como también exposición del archivo amazónico, se trata del estado de trance promovido por la ingesta de ayahuasca. Se obtiene así una forma literaria ligada a la construcción de un régimen de lo visual basado en los desarreglos de la percepción alrededor de la cual orbitan las prácticas visuales incorporadas a la ficción.

El present treball pretén ser una lectura dels autoretrats de Francesca Woodman. En concret, Self-Deceit I, House 3, i About Being My Model. L’eix vertebrador de la lectura serà una anàlisi de com la representació d’un cos en constant desplaçament —que, a partir de Foucault, anomenarem utòpic— problematitza, a l’obra de Woodman, la noció d’autoretrat tradicional i resisteix als límits del medi fotogràfic. En la lectura, estructurada en tres parts, s’estudiaran els recursos principals que empra la fotògrafa per a representar un cos utòpic: el mirall, el camuflatge i la màscara.

RESUMO: O estudo versa sobre a relação entre a cultura da mídia e o território escolar, colocando em debate as compreensões e aptidões que os/as docentes possuem em relação às didáticas voltadas para a Alfabetização Midiática-Visual dentro de seus contextos escolares de atuação. Em termos metodológicos, trata-se de uma abordagem quanti-qualitativa, que tem como estratégia central a pesquisa-ação (THIOLLENT, 1986). Para isso, articula-se teórico-metodologicamente através de alguns conceitos, tais como: Direitos Humanos (MARTIN-BARBERO, 2011), Alfabetismo Visual (KELLNER, 1995) e Educação Midiática (BACCEGA, 2001). Noções essas que nortearam a pesquisa empírica desenvolvida com um grupo de docentes da rede municipal de uma cidade no Rio Grande do Sul/Brasil. O trabalho é oriundo de um processo investigativo de sondagem introdutória, que seguiu com uma abordagem focal. Entre os resultados da pesquisa-ação, verificou-se nos/as professores/as uma ausência de amparo no que se refere ao trabalho com mecanismos e sistemas de imagens midiáticas, ocasionando inseguranças. Contudo, na intervenção realizada junto a um número reduzido de pedagogos/as, foi possível ressignificar alguns desses temores, apresentando outras perspectivas e proporcionando reflexões. Houve, ainda, a construção conjunta de saberes, viabilizando outros olhares quanto ao consumo crítico das manifestações midiáticas e à importância do uso consciente das tecnologias. Destaca-se particularmente a criação do Guia da Alfabetização Midiática-Visual, documento pautado no estudo e no uso da linguagem fotográfica na escola, o qual acredita-se, assim como esta pesquisa, que oportunize novas formas de se pensar e planejar os processos de ensino-aprendizagem.

Imersos num contexto de emergência social, o conceito de jornalismo humanitário (Bunce et al., 2019, 2022) reveste-se, na atualidade, de novos contornos que lhe conferem uma pertinência e vitalidade até agora negligenciadas. Neste artigo analisamos o seu significado, indagando a influência da emoção na construção da informação humanitária, o que fazemos através de um inquérito aplicado junto de um conjunto de 12 fotojornalistas portugueses, enviados à Ucrânia, nos primeiros meses do conflito, entre fevereiro e abril de 2022, e que, aquando do seu regresso, expuseram parte do seu trabalho na iniciativa Diakuyu— Obrigado, promovida pela Sociedade Portuguesa de Autores e pela associação cultural, CC11. A exposição foi aberta ao público a 20 de maio na Galeria Carlos Paredes, com a curadoria de Alexandre Almeida, a partir de uma seleção de fotografias de Adriano Miranda, André Luís Alves, Daniel Rodrigues, Eduardo Leal, João Porfírio, Miguel A. Lopes, Miguel Manso, Nuno Veiga, Paulo Nunes dos Santos, Rui Caria, Rui Duarte Silva e Tiago Miranda. Partindo da premissa que a emoção desempenha um papel controverso e labiríntico no jornalismo, o estudo reflete a complexidade em torno do lugar que deverá assumir a emoção no contexto da reportagem jornalística, bem como a admissibilidade do fotojornalista reconhecer o seu ponto de vista perante a realidade observada.

Como seres humanos somos inevitablemente sociales, pues dependemos de los demás para el bienestar físico y emocional. El problema actual es la dificultad de encontrar momentos de desvinculación grupal. No podemos eludir el factor adictivo de las redes sociales, ya que la necesidad humana de ser aceptados y validados concluye en una excesiva dependencia hacia la aprobación externa. Por ello es importante reflexionar sobre la veracidad de las imágenes compartidas y lo que está ocurriendo en realidad. Expondremos referentes y fotógrafos tratan estas cuestiones, como Gregory Crewdson y Jeff Wall.

Internet fue disruptiva en lo social porque cambió las concepciones que tenemos sobre espacio y vida pública, privada e intimidad. Las redes sociales consolidaron esa ruptura, creando nuevas formas de construir la identidad, proyectando una narración continua de nuestras vidas y nuestra socialidad, así como también dar cuenta del contexto histórico a partir de las fotografías que tomamos. Instagram, una de las herramientas digitales preponderantes de la cultura visual, se tornó de suma importancia en la construcción identitaria juvenil, a partir de fotografías que son publicadas y responden a la necesidad de hacer visibles las experiencias, conseguir interacción social y con ella, validación y sentido de pertenencia. Por eso, se seleccionaron a usuarios comodorenses (gentilicio de las personas nacidas en Comodoro Rivadavia, Chubut, Argentina) de 18 a 34 años, para analizar las fotografías presentes en sus perfiles públicos, sumado a la realización de entrevistas a algunos de ellos. Se logró determinar que Instagram se construye para estas personas, como un espacio juvenil e íntimo, y a su vez, que ejercen mecanismos de control para gestionar quiénes reciben la información que comparten dentro del medio social y poder lograr sentirse resguardados.

La representación fotográfica del espectadortanto dentro como fuera del encuadre de las instantáneas de los atentados de ETA insertas en la prensa española desde finales de la década de los 60 hasta nuestros días atraviesa por diversas etapas. En cada una de éstas se responderá a tres cuestiones: la distancia espacial y temporal a la que se encuentra del lugar de los hechos, los contenidos que ve y cuál es el papel que desempeña.

Este artigo visa analisar a fotografia como signo ideológico, considerando os recursos utilizados para a construção do sentido das fotografias veiculadas pela imprensa sobre a difícil situação vivida pelos Yanomami. Tal abordagem mobiliza os recursos utilizados para a construção do sentido, tendo em vista que fotos não podem criar uma posição moral, mas podem reforçá-la e podem ajudar a fortalecer uma posição moral ainda embrionária. As fotografias se constituem em documento histórico para o registro de acontecimentos. Embora esse documento histórico traga menos informações do que, de fato, contém a realidade, a fotografia como signo ideológico é concomitantemente reflexo da realidade e fragmento material dessa realidade. Todas as manifestações de criação ideológica e os signos não verbais produzem não apenas discursos, como também práticas sociais. A partir de uma abordagem qualitativo-interpretativista, e ancorada na revisão bibliográfica de autores como Susan Sontag (2003/2004), John Berger (2017) e Volóchinov (2021), a análise evidenciou que o signo ideológico das fotografias Yanomami é marcado por seu horizonte histórico e social. Os elementos que constituem as imagens evidenciam o descaso, a miséria e o abandono desse povo. Os signos ideológicos das fotografias, nesse cenário, possuem significação interindividual e valor social.

Analizamos la serie fotográfica “Madres e hijas” de Adriana Lestido, desde la perspectiva del giro afectivo, como tendencia tanto filosófica como estética. Mediante una lectura crítica trazamos la relación con la teoría matricial de Ettinger y de coexistencia esférica de Sloterdijk. A través de la interpretación de las fotografías exploramos cómo Lestido consigue desvelar la complicidad íntima entre estas madres e hijas a través de la representación del espacio de co-existencia y co-habitación íntima. Un espacio que para Ettinger es matricial, en tanto para Sloterdijk esférico y que para ambos conforma la experiencia primaria del existir en comunidad, previa a la existencia y al lenguaje. La estrategia visual de Lestido está en captar las complejidades de los espacios de convivencia producidos por ellas mismas, compartidos y transformados por el tiempo, desde un primer espacio arcaico. La presente lectura de “Madres e hijas” relaciona las teorías filosóficas de las dimensiones social-afectivas con las espacio-temporales, teniendo en cuenta las estrategias de la representación fotográfica. Mostramos que estas fotografías son un aporte a las vigentes demandas feministas contra los estereotipos sobre la maternidad al esquivar las normas teóricas-estéticas referidas a la clase social y el comportamiento de la “buena madre” como construcción social.

Autor artykułu omawia pojęcie asyndetonu jako problem relacji fotografii i literatury. Główny kontekst rozważań stanowią dwie propozycje teoretyczne. Pierwszą z nich jest fotoliteratura François Soulages’a – przedmiot współdziałania obrazu fotograficznego i tekstu. Drugą stanowią praktyki miejskie Michela de Certeau i związana z nimi funkcja asyndetonu jako figury retorycznej, która wyznacza przestrzenny porządek i nadaje znaczenie podmiotowym czynnościom chodzenia. Zdaniem autora obie te teorie łączy semiotyczny proces wytwarzania obrazów. W szerszym znaczeniu artykuł odnosi termin de Certeau do poetyckiego doświadczenia podróży. Przykładami tak rozumianego asyndetonu w zakresie jego funkcji kompozycyjnych i obrazowych są utwory z fotopoetyckich zbiorów Andrzeja Kramarza i Jacka Podsiadły (2022) oraz Marcina Świetlickiego i Wojciecha Wilczyka (1996). Na podstawie omówionych przykładów autor przyjmuje, że rozszerzone na obraz fotograficzny retoryczne znaczenie asyndetonu pozwala widzieć tę figurę jako reprezentację metafory podróży i zabieg kompozycyjny związany z zagadnieniem obrazu poetyckiego.

Resumo O impacto sensorial e afetivo de uma fotografia em uma matéria jornalística pode mitigar a mensagem da lide e até mesmo o conteúdo da reportagem como um todo, com potencial para conduzir o leitor a um sem-número de histórias paralelas. Essas histórias podem se imbricar no tema explorado pela mídia, mas também podem se expandir para várias outras questões, memórias, eventos, autores, desvelando para o leitor outras camadas situacionais que transcendem a esfera da simples leitura conduzindo à reflexividade. Este texto tem, portanto, a pretensão de refletir detidamente acerca das iniquidades em saúde, em especial em relação à distribuição de vacinas contra a Covid-19 no planeta, por meio de uma imagem publicada pela France Presse em uma matéria sobre um dia com recorde de aplicação de doses dessa vacina na Índia.

Este artigo tem como fonte histórica o filme “Pelo Paraná maior”, produzido pelo governo do Paraná em 1927, que divulgou o estado, a economia e parte da instrução pública e de alguns estabelecimentos de ensino da época. Aborda aspectos da cultura material escolar explorando alguns elementos visuais como o mobiliário, os uniformes, a arquitetura, a organização da escola e os ritos, propondo relações com a retórica da modernidade, da educação, bem como com o movimento da Escola Nova. Para análise, são utilizadas referências teóricas vinculadas à perspectiva crítica da modernidade de Marshall Berman; da cultura escolar, com Dominique Julia; da cultura material escolar, com Eliane Peres e Gizele de Souza e Agustín Escolano Benito; e da Escola Nova, com Diana Gonçalves Vidal. Discute-se ainda a história cultural a partir de Roger Chartier e a história transnacional com Martin Lawn.

En el marco del proyecto de investigación “Dinámicas Contemporáneas de Comunicación en Arte y Arquitectura”, el grupo de investigación HUM183 y la plataforma SOBRELab, con la colaboración de la ETSAM y la ETSAG, organizaron el seminario Dinámicas contemporáneas de comunicación en arquitectura, los días 8 y 9 de septiembre de 2022 en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. Desde el diálogo y el debate, partiendo de una mirada abierta, en el seminario se analizaron los cambios de paradigma en cuanto a la forma de comunicar las cuestiones disciplinares, profesionales y sociales que atañen a la arquitectura. Se presentan a continuación un conjunto de fichas que recogen inquietudes, ideas, problemas y enfoques que los participantes en este seminario plantean en relación con su actividad de comunicación en las redes sociales. En el seminario participaron, y así se recoge en las fichas, profesionales que respondían a varios perfiles: estudios de arquitectura que comunican su producción profesional en las redes; fotógrafas de arquitectura; arquitectos y arquitectas que desarrollan entornos virtuales; instituciones dedicadas a la divulgación, investigación o archivo de la arquitectura; así como profesionales que se dedican a la comunicación de la arquitectura, algunos dirigidos a públicos más generalistas y otros a los más especialistas en la materia

Tal y como apunta Vinciane Despret, los nuevos medios han permitido que los animales se hayan convertido en estrellas mediáticas, son los nuevos protagonistas de fotos y vídeos en las redes sociales. En paralelo, Beatriz Colomina expone que estos medios también han conseguido que los estudios de arquitectura se preocupen en mostrar fotografías de sus proyectos para obtener un like, una interacción. Ante esta doble situación, el artículo analiza cómo los animales no humanos han tomado presencia en la fotografía de arquitectura que se encuentra en los nuevos medios. Para ello, hace uso de un acopio de fotografías mostradas en Instagram en tres plataformas y de un estado del arte de los animal studies, aterrizado en el campo de la arquitectura. Estos dos frentes permiten definir los roles o sentidos que toman los animales y la obra arquitectónica ante esta situación, un marco crítico para la lectura del presente.

El siguiente artículo se configura como un capítulo de una investigación mayor en curso, sobre el empleo fotográfico en la prensa asturiana y su capacidad de trasmitir, desde un punto de vista social, los sucesos más destacados de la historia de Asturias, desde 1930 hasta nuestros días. Este amplio marco cronológico se debe a un vacío bibliográfico, donde no existe un estudio unificado del fotoperiodismo asturiano del S. XX y que coloca un aparente punto final a su historia entre la segunda y tercera década del siglo. A partir de aquí, este artículo se centra en el Diario Región, que también carece de una investigación individual en la actualidad. Tras sesenta años de trabajo, su redacción fue un gran apoyo para la fotografía, defensora de su capacidad como medio de comunicación y trasmisión de ideas. De esta forma, gracias a este diario, obtenemos una de las mejores memorias visuales del siglo XX asturiano. [1] Este artículo se trata de un capítulo relativo a una Tesis doctoral en curso, dentro del Programa de Doctorado de Historia del Arte y Musicología de la Universidad de Oviedo, y sufragada gracias al Sistema de Ayudas y Becas Severo Ochoa del Principado de Asturias, actualmente disfrutada.

O estudo buscou compreender o momento da TAN para mães atendidas em uma clínica-escola de fonoaudiologia. De cunho descritivo, qualitativo, parecer - 5.240.496, a pesquisa ocorreu em três momentos na TAN, no primeiro efetuou-se a caracterização das mães e seus bebês por meio de questões objetivas. No segundo momento, durante a captação das emissões otoacústicas, foi realizado o registro de uma fotografia, que foi disparadora de uma entrevista no terceiro momento. Participaram cinco mães, com faixa etária média de 30,6 anos. Houve a predominância da escolaridade ensino médio completo e a atividade laboral no setor de comércio. Todos os bebês foram a termo, com idade média atual de 30 dias. Não houve presença de Indicadores de Risco para a Deficiência Auditiva (IRDA) e nenhum bebê “Falhou” no teste. A compreensão das mães sobre o momento da TAN evidenciou antagonismos de sentimentos, como o cuidado, afetividade, satisfação pela realização do teste, conhecimento sobre a audição do bebê, tal como insegurança pelo procedimento e possíveis resultados. O momento do teste constitui-se da vivência de expectativas singulares, e as experiências anteriores com intervenções provocaram impactos sobre este momento, assim como a redução do sofrimento pelo já conhecimento existente. As mães relataram que a fotografia foi um importante registro do cuidado auditivo de seus filhos. Conclui-se que a intervenção realizada no momento da TAN promoveu uma pluralidade de sentimentos, que demandam a necessidade de se promover ações voltadas para a humanização dos cuidados em saúde auditiva.

O presente trabalho se debruça sobre o fotógrafo francês Jacques-André Boiffard (1902 - 1961) e sua primeira publicação na revista “Documents” (1929 - 1930), na qual contribuiu com três fotografias de pés humanos em diálogo com um texto de Georges Bataille, diretor geral do periódico. Este artigo tem como objetivo realizar uma leitura visual dessas imagens, relacionando-as com o contexto do surrealismo francês em seu surgimento, e com a arte moderna e a literatura romântico-simbolista produzida na França desde o século XIX. Tratando-se de uma produção fotográfica na qual a anatomia fragmentada ganha destaque, no decorrer da discussão são apresentadas análises mais recentes sobre o trabalho de Boiffard, empreendidas por historiadores e teóricos da arte como Georges Didi-Huberman, Roland Barthes, Briony Fer e Eliane Robert Moraes, nos quais se discorre sobre a relação entre fotografia e fetichismo, expondo também sobre como a agressiva linguagem visual empregada por Boiffard, após sua aproximação de Georges Bataille, representaria uma ruptura com o imagético surrealista, mais idealizante, produzido pela vertente do grupo ligada a André Breton.

O Grotesco tem seu lugar nas categorias estéticas. Este lugar se intensificou quando artistas se afastaram da ideia do Belo como referência tradicional e hegemônica da Arte Visual e passaram a produzir obras que assumiam posições intencionalmente contrárias à concepção tradicional de Beleza Idealizada, investindo no Feio como atitude opositiva ou expressiva, especialmente a partir do momento em que as proposições experimentais e contestatórias foram adotadas no caminho para o Modernismo. A oposição dicotômica entre Belo e Feio possibilitou o desdobramento para o Grotesco na medida em que ele, o Grotesco, ao surgir da fealdade, levou alguns artistas a recorrerem ao uso de formas densas, intensas e até mesmo agressivas num segmento estético que passou a tematizar aspectos escatológicos, mórbidos e grotescos. Este é o motivo que levou ao desenvolvimento deste trabalho cujo objetivo é explanar as relações entre o atavismo que envolve as relações humanas com a morte e a morbidez usando imagens fotográficas e a aproximação com a semiótica discursiva para refletir sobre o Grotesco a partir de um núcleo opositivo fundamental: Beleza versus Feiura ou Grotesco como estratégia metodológica para análise da produção de sentido.

El descubrimiento del poder de las imágenes abre un debate en nuestra sociedad, tanto pasada, como presente y futura. ¿Qué fue primero, nuestra capacidad icónica o nuestro temor a la misma? Cada medio visual ha tenido (y tiene) cierto dominio sobre el espectador, en el que influye irremediablemente de la manera deseada por su creador. En otras palabras, el carácter ideológico es algo innato a la imagen. Por ello, la aparición de la fotografía como medio de trasmisión de la realidad supone un punto y aparte, al establecerse como el sistema de representación más veraz, propio y semejante al propio ojo humano. A partir de aquí, el siguiente artículo pretende reflexionar acerca del empleo ideológico de las fotografías bélicas en la prensa española, concretamente asturiana, así como su aprovechamiento propagandístico por parte de ambos bandos.

La rappresentazione della città dell’Aquila, nel Gonfalone dipinto nel 1579 da Giovan Paolo Cardone, è la più antica veduta a noi nota del centro storico. Al contrario di quanto in genere avviene nei disegni devozionali, per lo più simbolici, il Gonfalone dà un’immagine sorprendentemente dettagliata, dove i numerosi elementi ancora oggi riconoscibili appaiono fortemente corrispondenti. La presenza di rilievi montuosi proprio a ridosso del territorio cittadino, consentono di avere dei punti di vista dall’alto del nucleo urbano che offrono vedute simili a quella rappresentata. Il contributo, sulla base della ricostruzione del contesto storico e culturale, nonché attraverso una dettagliata analisi del manufatto e la comparazione critica con l’attuale panorama, propone che sia stata impiegata una camera obscura per realizzare la vista raffigurata nel Gonfalone.

L’esperienza del volo in aereo all’inizio del secolo scorso favorisce lo sviluppo di una nuova sensibilità verso la città e il territorio che trascende le visioni statiche dalla mongolfiera e introduce una accezione dinamica e, per certi versi, anti-prospettica, anche nella rappresentazione urbana. Questo articolo si concentra sul ventennio fascista e sul caso di Roma, che per varie ragioni storiche diviene un centro di sviluppo per la neonata aeronautica; indaga il rapporto tra l’opera degli artisti futuristi, che realizzano nell’aeropittura nuove modalità figurative, e quella degli architetti, sempre più spesso impegnati a fornire delle vedute a volo d’uccello di grandi progetti urbani; individua in alcuni architetti e disegni i segnali di un nuovo modo di rappresentare la città e di interpretare l’architettura dall’alto, in connessione col territorio circostante, che testimoniano l’esperienza dell’aereo sia in modo diretto che mediato dalla fotografia e dal cinema; mette infine in evidenza la resistenza dei modelli grafici architettonici convenzionali e una generale incapacità di cogliere i suggerimenti offerti dagli artisti da parte degli architetti.

É possível criar devires-outros através da deformação da imagem do sujeito? Explorando a mistura entre as linguagens da pintura e da fotografia, investigamos essa possibilidade artisticamente através de criações de deformações em transparências. A deformação é aqui entendida enquanto potência pictórica disruptiva – meio potente de suspensão do sujeito em favor do devir, a partir da Lógica da Sensação proposta por Gilles Deleuze em seu livro sobre o pintor Francis Bacon. Como processo, são criadas deformações em folhas de acetatos transparentes e em vidros, experimentando seus desdobramentos fotográficos através de sobreposições em diferentes e múltiplos sujeitos. A fotografia é proposta aqui como poesia, segue os rastros de Adolfo Montejo Navas, tensionando as fronteiras entre realidade e ficção, aproximando arte e vida assim como o fez a artista Helena de Almeida. Esses atravessamentos entre diferentes linguagens artísticas e entre diferentes sujeitos perseguem o movimento de devir-outro através da imagem. Filosofia e arte se articulam nessa busca por pensamentos e sensações que nos desloquem de nós mesmos, busca que não tem um fim em si, pois está sempre em processo de transformação.

Las fotografías son un importante documento y testimonio histórico, así como indicios de un pasado en común vinculante, creadoras de realidades y constructoras de imaginarios y representaciones sociales. Bajo estas premisas, se analiza la trayectoria como fotorreportero de Víctor Eduardo Prado Delgado, a través del estudio biográfico e historiográfico de sus fotografías, en el marco de un proyecto político-comunicativo que se desarrolló en Colombia, denominado los Corresponsales de Guerra. Esta iniciativa marcó un importante hito periodístico en la cobertura de hechos relacionados con el accionar de la Fuerza Pública, en un periodo complejo en materia de orden público para el país, de 1963 a 1966.

Through a literature/newspaper inquiry, this research seeks to answer the question: How to offer a synthetic elementary definition of Vernacular Photography that includes commonalities in concepts by specialized authors, galleries, and museums interested in this iconographic genre? Twenty-five definitions of Vernacular Photography were analyzed to answer this question, choosing 13 from the last ten years that were issued by prestigious academics interested in this genre, such as Geoffrey Batchen and Clément Chéroux, or institutions with Vernacular Photography collections, such as the Museum of Modern Art in New York or the Swann Galleries. Studying these definitions has allowed us to find convergent and divergent elements to propose an integrating defining concept. The conclusions section highlights the challenges of finding a synthetic elementary definition of Vernacular Photography. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Many followers of the socialist Kurdish liberation movement surround themselves with photographs of fallen militants who they respect and celebrate as martyrs. These images hold considerable power: they are able to direct speech, shape bodily comportment, and command the everyday lives of their spectators. This paper asks where this potency stems from and what effects it has. Based on ethnographic fieldwork with Kurdish communities in Turkey and Europe, it argues that displays of martyrs' photographs project a Kurdish body politic in the making, enrolling both those whom they depict and those who handle them into an alternative project of sovereignty that remains under acute assault. Key to this effect is how the photographs make the dead latent in the present. On the one hand, this makes the images immensely powerful media of political mobilization. Embodying the sacrifice of lifetime made by the fallen, the images become powerful vectors for feelings of indebtedness, commitment, and dedication that make distinct demands on the disposable time of those who contemplate them. On the other hand, photography's capacity to make the absent present and thereby upset linear emplotments of time also makes it a potentially unsettling medium. As a result, photographs of martyrs become crucial sites where political belonging and commitment are fashioned, consolidated, and potentially rebelled against. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Still images and their production models have evolved significantly in recent years. With today's technology, images can be produced by artificial intelligences (AIs) and with techniques such as algorithm creation and machine learning. This article attempts to investigate the understanding of this phenomenon, analysing the role of the image today and its methods of capture and representation for different purposes (graphics) and trying to contribute to establish a model that would lead us to the concept of algorithmography as a milestone in the production of images. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

O livro Caderno de memórias coloniais (2018), da escritora portuguesa Isabela Figueiredo, potencializa um exemplo da escrita como matriz estranha, pois sua gênese passa por uma construção digital, a partir do formato do blogue, até sua edição impressa no ano de 2009 pela editora portuguesa Angelus Novus. Trata-se de um caderno-romance que narra, por meio de técnicas ficcionais, a experiência da infância e parte da adolescência da escritora no passado colonial moçambicano. O objetivo deste artigo é propor maneiras de leitura que atravessem a categoria de caderno como inacabamento. À obra se adicionam fotografias e capítulos em edições posteriores, criando gestos que reforçam a narrativa das imagens como representação do passado colonial. Assim sendo, no avanço da curadoria editorial, as fotografias vão tomando existência material na história como elementos ficcionais, permitindo um ludismo metarreflexivo e metanarrativo. Para a análise, me refiro ao diálogo formado entre o suporte do blogue e o texto impresso, além da organização fotográfica nas edições de Angelus Novus e da editora Todavia -- a primeira, publicada no ano de 2009 em Portugal, e a segunda, no Brasil no ano de 2018 --, centrando-me, sobretudo, nesta última. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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En los últimos años se han publicado en castellano no pocos libros, ensayos o novelas, crónicas o breviarios, que directa o indirectamente se han ocupado de las circunstancias de la transparencia y sus injerencias en la arquitectura contemporánea. De entre las novedades literarias, en este texto se indaga en algunas de las hipótesis que acerca de las relaciones entre el concepto de transparencia y la noción de arquitectura están presentes en, entre otros: El gran misterio (Aira); Ventana a la nada (Cioran) y Cada día es un árbol que cae (Wittkop), además de en Arquitectura de rayos X (Colomina) y Escritos sobre la invisibilidad (Muñoz). De su análisis pormenorizado y comparatista se deduce que el interés por estudiar los vínculos íntimos entre la fenomenología de la arquitectura y las condiciones de lo transparente no solo no ha perdido vigencia sino que está en pleno auge, y que es un asunto cuya resolución y abordaje disciplinar aún está pendiente de ser llevado a cabo por la teoría arquitectónica.

This paper deals with archives that preserve different types of artists’ materialities and their relationships with creative processes in light of the genetic criticism assumptions. Initially, aspects of the archives are presented as process documents. Afterwards, case studies will be dealt based on the collections of Mário de Andrade (IEB-USP) and Otto Stupakoff (IMS), in order to understand what the collection reveals for the study of creative processes. Finally, the main aspects of archives are discussed, emphasizing the conflicts that involve their very existence and organization.

Buscou-se neste trabalho discutir com base em uma pesquisa de caráter qualitativo e nos estudos de os estudos de Kossoy, Rüsen e Barca, a utilização da fotografia como fonte documental aliada a ideia de cognição histórica e de aprendizagem histórica. Assim, foi possível primeiramente investigar, as origens do âmbito histórico, no qual a fotografia aos poucos se insere até ganhar seu espaço como uma fonte documental de relevância. Após, o conceito de fonte fotográfica foi ressaltado, para então ser possível delinear os processos de inserção da fonte fotográfica no ensino de história. Nesse sentido, foi admissível compreender que o ensino-aprendizagem no âmbito da História, como processo de construção da consciência histórica, juntamente com a elaboração de problematizações, que as fotografias empregadas no ensino como fontes históricas, podem ser apropriados recursos para favorecer o processo mental e a formação histórico-cultural para a vida prática dos estudantes e professores envolvidos no processo educacional.

Toda memoria está sujeta a imágenes que la sociedad evoca, son imágenes que producen sentidos, sostienen el recuerdo y participan en la transmisión de lo sucedido potenciando la palabra en la narración de los hechos. Pensamos con imágenes, nos comunicamos a través de ellas. Las imágenes se revelan como poderosos instrumentos no solo para conocer el pasado, sino también para hacer inteligibles los complejos mecanismos de la memoria social. Dentro del universo icónico, la fotografía, concebida como dispositivo de resistencia, se convirtió en un poderoso recurso para hacer presente la ausencia forzada de Santiago Maldonado. Su rostro fotografiado funcionó como estrategia para individualizarlo, exigir su aparición y combatir públicamente las políticas de despersonalización utilizadas por el Estado represivo de ese momento. Estas líneas son un intento de leer a través de su rostro, instalado en el espacio público, la pervivencia de aquellas memorias indómitas que históricamente se rebelaron contra el orden establecido.

Resumo Theodore Roosevelt viajou ao noroeste brasileiro em 1913 e 1914. Um dos seus objetivos era o de recolher informações sobre a fauna amazônica, especialmente a onça-pintada. Aliando fotografia e caça esportiva, Roosevelt desejava criar um repertório visual desse animal, mesclando-o à memória de suas conquistas. Entretanto, o terreno inóspito da floresta, o caráter furtivo e a rapidez dos movimentos das onças, assim como as limitações técnicas da fotografia, desafiaram suas pretensões. Examinaremos fotografias de animais produzidas por Roosevelt durante a viagem, assim como os retratos do Señor Lopez, famosa onça do Zoológico do Bronx, cujo registro, incorporado à narrativa da expedição, tornou-se relevante na memória da conquista, numa curiosa “representação do ausente”.

O Exército Brasileiro lança anualmente editais públicos para o preenchimento de vagas para diversas áreas profissionais. Um deles é o concurso para a Escola Preparatória de Cadetes do Exército (EsPCEx). Este artigo tem por objetivo investigar o uso do gênero discursivo fotografia publicitária como ferramenta de informação e seu efetivo alcance. Pretende-se ainda verificar a visão do receptor desse enunciado, ou seja, como a fotografia dialoga com os leitores. O estudo foi elaborado sob a ótica do Círculo de Mikhail Bakhtin utilizando uma perspectiva dialógica. Participaram da pesquisa 370 cadetes dos sexos masculino e feminino, com idades entre 18 e 24 anos, oriundos do Curso Básico (primeiro ano) da Academia Militar das Agulhas Negras (AMAN). Duas peças de propaganda foram apresentadas e, como instrumento de coleta de dados, foi utilizado um formulário Google com 13 perguntas fechadas e abertas contemplando as seguintes variáveis: tema, forma composicional, tom valorativo e leitor presumido. Identificou-se que os elementos verbo-visuais são importantes para a composição do sentido, de tal maneira que a alteração da figura de um homem pela de uma mulher desencadeou percepções que foram além dos gêneros masculino ou feminino.