Search

From its beginning, modern art has become a cultural expression widely theorised by critics and specialists. In most of these reflections there has been an imposition of an idea that centres its virtues in the supposedly "possession" of a certain autonomy related to the cultural field. Nonetheless, and in spite of the attempts to understand modern art as a symbolic process unattached from its immediate social context, the same intellectuals who supported that idea are the ones who finally yielded it to a high degree of moralisation, conceiving it as a vehicle of cultural redemption., Desde su aparición, el arte moderno ha sido una manifestación cultural ampliamente teorizada por críticos y especialistas contemporáneos. En la mayor parte de estas reflexiones que acompañaron a la aparición de este tipo de producción artística, se ha impuesto una idea que radica sus virtudes en la supuesta "posesión" de cierta autonomía relativa en el campo cultural. Sin embargo, y a pesar de los intentos por comprenderlo como un proceso simbólico desligado de su contexto social inmediato, han sido los mismos pensadores que lo apoyaron quienes terminaron sometiéndolo a un fuerte grado de moralización, al concebirlo como un vehículo de redención cultural.

El acercamiento al arte contemporáneo en nuestra sociedad se produce de manera muy desigual según los entornos. La mayor parte de la población no reconoce una utilidad ni un disfrute en la contemplación o experimentación del arte más actual, perdiendo así la posibilidad de acercarse a su propia cultura y de adentrarse en un rico medio de conocimiento y de su entorno y de sí mismo. La raíz del problema suele provenir de un concepto de arte cerrado y reacio a las novedades. La educación es el único medio que puede, de una manera generalizada y efectiva, acercar el arte de nuestros días a la mayoría delos ciudadanos y las asignaturas de educación artística en la Enseñanza Obligatoria son las que deben cumplir este cometido. Con este convencimiento hemos diseñado un aporte al currículum de la asignatura de Educación Plástica y Visual de manera que el debate sobre los procesos artísticos contemporáneos sea algo habitual en el aula y que se conviertan en la referencia de los contenidos de la asignatura. El método se ha aplicado en diferentes grupos de E.S.O., a lo largo de cinco cursos, recopIlando actividades y realizando un sondeo sobre el concepto que los alumnos tienen acerca de qué debe ser una obra de arte, tanto a principio como a final de curso. Tanto las actividades como los sondeos nos muestran la efectividad del método. Hemos comprobado cómo podemos hacer desaparecer prejuicios y propiciar un disfrute de las obras artísticas que, aunque en un principio resulten extrañas, pueden aportar experiencias constructivas, así como una mayor amplitud de miras y un mejor conocimiento de la cultura.

The current society is increasingly plural and more complex. The presence of people of different cultures is every time major and the needs of integration bind to confront new reality. Education is a piece key to obtain a harmonic and tolerant climate. It is necessary to speak about Interculturalism as a term that confronts this reality from a relation of enrichment among cultures, without establishing situations of authority and incorporating the positive of the cultural diversity in a society who is half-caste. This educational offer, from The Artistic Education, suggests activities that shoud help the discovery , to the reflection on the prejudices based on ignorance and to placing and to value the influences that of this cultural diversity are given in Modern Art., La sociedad actual es cada vez más plural y compleja. La presencia de gentes de diferentes culturas es cada vez mayor y las necesidades de integración obligan a afrontar las nuevas realidades. La Educación es una pieza clave para conseguir un clima armónico y tolerante. Es necesario hablar de Interculturalidad como término que afronta esta realidad desde una relación de enriquecimiento entre culturas, sin establecer situaciones de dominio e incorporando lo positivo de la diversidad cultural en una sociedad que es mestiza. Esta propuesta educativa, desde la Educación Artística, sugiere actividades que ayudan al descubrimiento, a la reflexión sobre prejuicios basados en el desconocimiento y a situar y valorar las influencias que de esa diversidad cultural se dan en el Arte Moderno.

No abstract availableRealidad: Revista de Ciencias Sociales y Humanidades No. 59, 1997: 543-551, No hay resúmenes disponiblesRealidad: Revista de Ciencias Sociales y Humanidades No. 59, 1997: 543-551

El estudio del arte contemporáneo puede ser considerado como una parcela virgen, no en el sentido de que no sea estudiada, dado que lo es y además de forma continua , sino con la idea de que a las conclusiones necesaria, y por ello de los acontecimientos más presentes sólo será posible lanzar ideas hipotéticas –muchas veces modificables-, y es en este sentido en el que apuntamos el término “virgen” –referido a las continuas mutaciones, la proximidad de los acontecimientos y a las variaciones que se producen. Creemos, por otra parte, que puede interesar en la medida que esté relacionado con un desarrollo artístico paralelo –a través de la obra que se practica, si hablamos de un artista-, o cuando las relaciones sean frecuentes con los acontecimientos diarios, mediante exposiciones, lecturas de libros y revistas especializadas –referidos al público más concretamente, aunque suponemos que éste aspecto debe de concernir, igualmente, a cualquier artista. No obstante, dicho estudio no debería de iniciarse y arrancar en los comienzos del siglo XX, menos aún en los albores de los cincuenta o en los inicios de los ochenta, porque cualquier presente tiene sus fundamentos en los pasados más o menos inmediatos.

Probablemente impreso en el S.XX

El presente texto busca profundizar en la situación de las revoluciones de género que se han venido desarrollando desde el campo artístico a través de una mirada local a nuestros referentes culturales. Entre estos, se muestra predominante, en la construcción de los roles e identidades de género locales, el símbolo de Santa Rosa de Lima. Se parte del análisis de dos de los proyectos más controversiales que utilizan la imagen de la santa limeña en el arte contemporáneo peruano: “Un cadáver ambulante” (2013-14) de Sergio Zevallos y Santa Rosa de Lima (1999) de Natalia Iguiñiz. Además, se analiza la censura y los contextos de cada uno de estos proyectos en relación a la representación del discurso de género en las obras de arte locales. Para esto, se toma como referencia la censura a la exposición “La migración de los santos” (2008) de Cristina Planas, buscando profundizar en la relevancia de la imagen de la santa limeña para las identidades de género locales y la importancia de nuevos enfoques de representación visual desde íconos propios Las conclusiones de esta investigación permiten dar nuevas miradas a los símbolos locales como influencias dominantes en la construcción de identidades de género latinoamericanas y la importancia de su reutilización en los nuevos discursos de género desde el arte. A la vez, permite evidenciar la precaria situación del terreno para que estos discursos se asienten y cobren fuerza debido a la predominancia de la mentalidad tradicional frente a las liberaciones del arte y de los feminismos., The purpose of this research is to dive into the situation of the developing gender revolutions of our local artistic field through a review of our cultural references. Among these, Saint Rose of Lima's symbol prevails on the construction of local gender roles, therefore, I begin analyzing two of the most controversial art projects of the peruvian contemporary scene which make use of the saint's image: “A wandering body” (2013-14) of Sergio Zevallos and Saint Rose of Lima (1999) of Natalia Iguiñiz. Then, I analyse the censorship each of these projects faced and their contexts in relation to the representation of gender speech in local artworks. As well as using the cancellation of the exposition “Migration of the saints” (2008) of Cristina Planas as a reference on the subject of censorship, in order to assess the relevance of Saint Rose's image in the construction of local gender identities and of new approaches of visual representation from our own icons. The outcome of this paper gives new insight at local symbols as dominant influences in the construction of Latin American gender identities and the importance of their insertion in artistic projects on gender speech. At the same time, it evidences the precarious situation of the art field in which these discourses take place due to the predominance of traditional mindset over the liberations of art and feminisms.

El presente proyecto es un acercamiento a la técnica de dirección escénica desarrollada por Jorge Guerra Castro para conocer cómo esta ha sido delimitada y afianzada con base en una serie de herramientas propias de la pintura. Estos elementos son tanto definiciones técnicas pictóricas (perspectiva, color y textura) como corrientes vanguardistas de la historia de la pintura europea. Dichos elementos se aplican en momentos indistintos de un proceso creativo, dependiendo de una serie de factores que la obra a realizar exige. Las principales influencias pictóricas de Jorge Guerra provienen de tres vertientes diferentes: el expresionismo alemán, el desarrollo del diseño escenográfico de Adolphe Appia y el legado de Erwin Piscator y Bertolt Brecht. Se logrará sistematizar la influencia de dichos principios estudiando cómo es que los aplica en la dirección de dos de las obras que ha realizado en Perú: La cura en Troya de Seamus Heaney y La cocina de Arnold Wesker. El análisis se dará a partir de apuntes y bocetos realizados por el propio artista. Todos los componentes pictóricos son filtrados por el director bajo el concepto brechtiano de gestus escénico, teniendo una percepción gráfica de dicha definición, tanto en el proceso creativo de los personajes como en la concepción general del montaje. Este es un estudio que surge de la necesidad de indagar en la técnica de un director peruano poco estudiado en el campo académico de las Artes Escénicas.

El presente proyecto es un acercamiento a la técnica de dirección escénica desarrollada por Jorge Guerra Castro para conocer cómo esta ha sido delimitada y afianzada con base en una serie de herramientas propias de la pintura. Estos elementos son tanto definiciones técnicas pictóricas (perspectiva, color y textura) como corrientes vanguardistas de la historia de la pintura europea. Dichos elementos se aplican en momentos indistintos de un proceso creativo, dependiendo de una serie de factores que la obra a realizar exige. Las principales influencias pictóricas de Jorge Guerra provienen de tres vertientes diferentes: el expresionismo alemán, el desarrollo del diseño escenográfico de Adolphe Appia y el legado de Erwin Piscator y Bertolt Brecht. Se logrará sistematizar la influencia de dichos principios estudiando cómo es que los aplica en la dirección de dos de las obras que ha realizado en Perú: La cura en Troya de Seamus Heaney y La cocina de Arnold Wesker. El análisis se dará a partir de apuntes y bocetos realizados por el propio artista. Todos los componentes pictóricos son filtrados por el director bajo el concepto brechtiano de gestus escénico, teniendo una percepción gráfica de dicha definición, tanto en el proceso creativo de los personajes como en la concepción general del montaje. Este es un estudio que surge de la necesidad de indagar en la técnica de un director peruano poco estudiado en el campo académico de las Artes Escénicas., Tesis

El presente texto busca profundizar en la situación de las revoluciones de género que se han venido desarrollando desde el campo artístico a través de una mirada local a nuestros referentes culturales. Entre estos, se muestra predominante, en la construcción de los roles e identidades de género locales, el símbolo de Santa Rosa de Lima. Se parte del análisis de dos de los proyectos más controversiales que utilizan la imagen de la santa limeña en el arte contemporáneo peruano: “Un cadáver ambulante” (2013-14) de Sergio Zevallos y Santa Rosa de Lima (1999) de Natalia Iguiñiz. Además, se analiza la censura y los contextos de cada uno de estos proyectos en relación a la representación del discurso de género en las obras de arte locales. Para esto, se toma como referencia la censura a la exposición “La migración de los santos” (2008) de Cristina Planas, buscando profundizar en la relevancia de la imagen de la santa limeña para las identidades de género locales y la importancia de nuevos enfoques de representación visual desde íconos propios Las conclusiones de esta investigación permiten dar nuevas miradas a los símbolos locales como influencias dominantes en la construcción de identidades de género latinoamericanas y la importancia de su reutilización en los nuevos discursos de género desde el arte. A la vez, permite evidenciar la precaria situación del terreno para que estos discursos se asienten y cobren fuerza debido a la predominancia de la mentalidad tradicional frente a las liberaciones del arte y de los feminismos., The purpose of this research is to dive into the situation of the developing gender revolutions of our local artistic field through a review of our cultural references. Among these, Saint Rose of Lima's symbol prevails on the construction of local gender roles, therefore, I begin analyzing two of the most controversial art projects of the peruvian contemporary scene which make use of the saint's image: “A wandering body” (2013-14) of Sergio Zevallos and Saint Rose of Lima (1999) of Natalia Iguiñiz. Then, I analyse the censorship each of these projects faced and their contexts in relation to the representation of gender speech in local artworks. As well as using the cancellation of the exposition “Migration of the saints” (2008) of Cristina Planas as a reference on the subject of censorship, in order to assess the relevance of Saint Rose's image in the construction of local gender identities and of new approaches of visual representation from our own icons. The outcome of this paper gives new insight at local symbols as dominant influences in the construction of Latin American gender identities and the importance of their insertion in artistic projects on gender speech. At the same time, it evidences the precarious situation of the art field in which these discourses take place due to the predominance of traditional mindset over the liberations of art and feminisms.

El presente texto busca profundizar en la situación de las revoluciones de género que se han venido desarrollando desde el campo artístico a través de una mirada local a nuestros referentes culturales. Entre estos, se muestra predominante, en la construcción de los roles e identidades de género locales, el símbolo de Santa Rosa de Lima. Se parte del análisis de dos de los proyectos más controversiales que utilizan la imagen de la santa limeña en el arte contemporáneo peruano: “Un cadáver ambulante” (2013-14) de Sergio Zevallos y Santa Rosa de Lima (1999) de Natalia Iguiñiz. Además, se analiza la censura y los contextos de cada uno de estos proyectos en relación a la representación del discurso de género en las obras de arte locales. Para esto, se toma como referencia la censura a la exposición “La migración de los santos” (2008) de Cristina Planas, buscando profundizar en la relevancia de la imagen de la santa limeña para las identidades de género locales y la importancia de nuevos enfoques de representación visual desde íconos propios Las conclusiones de esta investigación permiten dar nuevas miradas a los símbolos locales como influencias dominantes en la construcción de identidades de género latinoamericanas y la importancia de su reutilización en los nuevos discursos de género desde el arte. A la vez, permite evidenciar la precaria situación del terreno para que estos discursos se asienten y cobren fuerza debido a la predominancia de la mentalidad tradicional frente a las liberaciones del arte y de los feminismos., The purpose of this research is to dive into the situation of the developing gender revolutions of our local artistic field through a review of our cultural references. Among these, Saint Rose of Lima's symbol prevails on the construction of local gender roles, therefore, I begin analyzing two of the most controversial art projects of the peruvian contemporary scene which make use of the saint's image: “A wandering body” (2013-14) of Sergio Zevallos and Saint Rose of Lima (1999) of Natalia Iguiñiz. Then, I analyse the censorship each of these projects faced and their contexts in relation to the representation of gender speech in local artworks. As well as using the cancellation of the exposition “Migration of the saints” (2008) of Cristina Planas as a reference on the subject of censorship, in order to assess the relevance of Saint Rose's image in the construction of local gender identities and of new approaches of visual representation from our own icons. The outcome of this paper gives new insight at local symbols as dominant influences in the construction of Latin American gender identities and the importance of their insertion in artistic projects on gender speech. At the same time, it evidences the precarious situation of the art field in which these discourses take place due to the predominance of traditional mindset over the liberations of art and feminisms.

El presente proyecto es un acercamiento a la técnica de dirección escénica desarrollada por Jorge Guerra Castro para conocer cómo esta ha sido delimitada y afianzada con base en una serie de herramientas propias de la pintura. Estos elementos son tanto definiciones técnicas pictóricas (perspectiva, color y textura) como corrientes vanguardistas de la historia de la pintura europea. Dichos elementos se aplican en momentos indistintos de un proceso creativo, dependiendo de una serie de factores que la obra a realizar exige. Las principales influencias pictóricas de Jorge Guerra provienen de tres vertientes diferentes: el expresionismo alemán, el desarrollo del diseño escenográfico de Adolphe Appia y el legado de Erwin Piscator y Bertolt Brecht. Se logrará sistematizar la influencia de dichos principios estudiando cómo es que los aplica en la dirección de dos de las obras que ha realizado en Perú: La cura en Troya de Seamus Heaney y La cocina de Arnold Wesker. El análisis se dará a partir de apuntes y bocetos realizados por el propio artista. Todos los componentes pictóricos son filtrados por el director bajo el concepto brechtiano de gestus escénico, teniendo una percepción gráfica de dicha definición, tanto en el proceso creativo de los personajes como en la concepción general del montaje. Este es un estudio que surge de la necesidad de indagar en la técnica de un director peruano poco estudiado en el campo académico de las Artes Escénicas.

[Resumen] La renovación pastoral que el Concilio Vaticano II trajo a la liturgia se convirtió en un programa al que los arquitectos buscaron responder con nuevas formas y soluciones. En la Diócesis de Lisboa, este trabajo fue dirigido por el Secretariado de las Nuevas Iglesias del Patriarcado (SNIP), una pequeña oficina técnica creada por el Cardenal Cerejeira en 1961 para apoyar la planificación y construcción de las docenas de iglesias y capillas que se necesitaban construir en toda la diócesis. Pero su trabajo no se limitaría a los nuevos edificios. Como recordó el SNIP en 1968, en un momento de renovación también se hizo necesario remodelar las antiguas iglesias, adaptándolas a las necesidades y demandas desencadenadas por la Reforma litúrgica conciliar. A través de cinco trabajos realizados por SNIP entre 1965 y 1985, se pretende revelar las opciones formales y programáticas adoptadas por esta oficina en sus intervenciones en el patrimonio de la diócesis de Lisboa., [Abstract] The pastoral renovation that the Second Vatican Council brought to the liturgy became a program to which architects sought to respond with new forms and solutions. In the Diocese of Lisbon, this work was led by SNIP - Secretariat of the New Churches of the Patriarchate, a small technical office created by Cardinal Cerejeira in 1961 to support the planning and construction of the many dozens of churches and chapels needed to be built throughout the diocese. But its work would not be limited to the new buildings. As SNIP recalled in 1968, in a time of renovation it became also necessary to remodel the old churches, adapting them to the needs and demands triggered by the conciliar liturgical Reform. Through five works carried out by SNIP between 1965 and 1985, it is intended to reveal the formal and programmatic options adopted by this office in its interventions in the heritage of the diocese of Lisbon.