Search

Susanne Bieri, Leiterin der Graphischen Sammlung der Schweizerischen Nationalbibliothek, führt in ihrem Buch durch die wechselvolle Geschichte dieser Institution, von der Neugründung im Jahr 1895 bis in die Gegenwart. Bilder wurden stets als originäres Element eines helvetischen Bibliotheksbestandes aufgefasst - das zeigt die Vorgeschichte der Nationalbibliothek, die geprägt ist durch ihre ideellen Wegbereiter Gottlieb Emanuel von Haller und Philipp Albert Stapfer. Sowohl die authentische bildliche Wiedergabe eines Gegenstands oder Sachverhalts als auch die künstlerische Ausführung waren wichtige Sammelkriterien. Entsprechend wurden in der Nationalbibliothek'mit Einschluss artistischer Darstellungen'explizit nicht nur'schweizerische Bilder, Portraits und Stiche', sondern auch'Aufrüfe, Flugblätter und ähnliche Drucksachen'gesammelt, also sämtliche visuelle Bildmedien, die über Land und Leute Auskunft geben. Das Sammelkonzept, das hier sichtbar wird, verweist auf das traditionelle Kunstkammer-Prinzip und sollte sowohl dokumentarischen als auch künstlerisch orientierten Ambitionen genügen - und das Jahrzehnte, bevor der avantgardistische Kunstbegriff die Kategorien'high and low'einführte. Dieser Ansatz liess die Schweizerische Nationalbibliothek zu einer illustrierten Enzyklopädie der Schweiz im Leibniz'schen Sinne werden, zu einem Gedächtnisspeicher, in dem sich die Komplexität des schweizerischen Staatengefüges erst wirklich zu einem'Bild der Nation'zusammenfügt, das nationale Identität stiftet.

Bevor sich für die Vervielfältigung von Kunstwerken im Druck der Begriff der „Reproduktion“ durchsetzte, dominierte lange Zeit eine metaphorische Wendung: Die Umsetzung von Farbe in Linie betrachtete man als „Übersetzung“. Besonders im Frankreich der Aufklärung debattierten Kupferstecher, Kunstkritiker und Dichtungstheoretiker, darunter auch Denis Diderot, über die Analogie zur Übersetzung in der Literatur. Mit ihr als Modell ließen sich zentrale Streitfragen zur grafischen Reproduktion von Kunstwerken verhandeln: Welche Freiheiten dürfen sich Kupferstecher herausnehmen? Schaffen sie lediglich Ersatz für das Original – oder ein Werk von eigener Qualität? Welchen Einfluss haben sie auf die Rezeption? Die prägende Rolle der Übersetzungsmetapher beschränkt sich indes nicht auf den französischen Kupferstichdiskurs des 18. Jahrhunderts. Vielmehr wurden zur Mitte des 19. Jahrhunderts auch fotografische Reproduktionen als Übersetzungsmedien diskutiert – mit Folgen für deren urheberrechtlichen Status.

1918 bricht das alte Europa krachend zusammen: Die Vielvölkerreiche zerfallen, neue Staaten entstehen auf der Landkarte, die ihre Identität, ihr politisches System erst noch erlernen müssen, und Nationalismus und ethnischer Chauvinismus erheben ihr Haupt. Wie viel dies mit uns heute zu tun hat, wird uns nach 100 Jahren erst allmählich bewusst. Kersten Knipp liefert die große historische Erzählung zu den dramatischen Umbrüchen des Weltkriegsendes. Er schildert den Tag, an dem die Waffen nach vier Jahren schwiegen, verfolgt die Pariser Friedenskonferenz, auf der neue Grenzen gezogen werden, und begleitet die Geburt Polens oder auch Tschechiens. Eindrücklich werden die großen Hoffnungen aufgezeigt, die sich mit dem Kriegsende verbanden – Wilsons 14 Punkte oder der Völkerbund –, aber auch die heftigen Verwerfungen, die aus neuen Grenzziehungen, Staatsgründungen und aufkeimendem Nationalismus erwuchsen. Aus dem Taumel von 1918 ist das entstanden, was unseren Kontinent heute ausmacht.

Die erste Reise in die Schweiz, die Fürstin Louise von Anhalt-Dessau zwischen Juli und Oktober 1770 als Begleiterin ihres Gemahls Leopold III. Friedrich Franz unternahm, hat sie in einem Tagebuch festgehalten, das hier erstmals ediert wird. Es liefert nicht nur einzigartige Information zum alltäglichen Leben der Oberschicht im letzten Drittel des 18. Jahrhunderts, sondern gewährt einen wertvollen Einblick in eine Zeit, die für die Fürstin zum Schlüsselerlebnis wurde, da sie während ihrer Reise nicht nur die Faszination für die Berge, sondern auch das Schreiben als Refugium entdeckte.

Weshalb gibt es eine Geschichte der Fotografie, jedoch keine des Fotogramms? Ausgehend von einer Analyse der Fotografie-Historiografie, die Fotogrammarbeiten in eine'Vorgeschichte'verlagert, widmet sich die Publikation insbesondere dem Ausschluss von Frauen als Produzentinnen kameraloser Fotografien: technizistisch wie kunsthistorisch geprägte Fotografie-Geschichten rückten'männlich'kodierte'Meisterwerke'in den Vordergrund. Mithilfe der Geschlechtergeschichte und feministischen Wissenschaftskritik bricht die Untersuchung solch'objektivierende'Meister-Erzählungen jedoch auf und macht'blinde Flecken'sichtbar. Unter Einbeziehung zahlreicher Fallstudien arbeitet sie abseits gängiger Historisierungsweisen die historische Relevanz dieses bisher vernachlässigten Mediums heraus.

Mit diesem Band wird die Abteilung III des Editionsprojektes Quellen zur Geschichte des Deutschen Bundes, die den Zeitraum von 1850 bis 1866 umfasst, abgeschlossen. Im Mittelpunkt steht zum einen der Frankfurter Fürstentag von 1863, auf dem ein letzter großer Versuch zu einer umfassenden Bundesreform unternommen wurde. Den zweiten Schwerpunkt bilden die bundespolitischen Auswirkungen des Schleswig-Holstein-Konflikts, der seit 1863 zum politischen Zerfall des Deutschen Bundes und schließlich zu seiner gewaltsamen Zerstörung im Krieg von 1866 führte. Neben den diplomatischen Verhandlungen werden die Debatten in der deutschen Öffentlichkeit durch zahlreiche Quellen dokumentiert. Des Weiteren erschließt der Band durch die Berücksichtigung von mittel- und kleinstaatlichen Stimmen die föderative Vielfalt in der praktischen Bundespolitik. Die Edition geht damit weit über das Bild hinaus, das die bisherigen Quellensammlungen aus einzelstaatlicher Perspektive ergeben.

Vor allem in der Antike und der Frühen Neuzeit hat die Rhetorik maßgeblichen Einfluss auf die bildenden Künste ausgeübt. Als eine allgemeine Kommunikationslehre stellte sie ein höchst differenziertes Theoriemodell dar, dem die Kunsttheorie zahlreiche Begriffe und Theoreme entlehnte, nicht zuletzt um auf diesem Wege die künstlerische Arbeit als eine intellektuelle, den artes liberales ebenbürtige Tätigkeit auszweisen. Doch auch die künstlerische Praxis orientierte sich in vielfältiger Weise an der Rhetorik, z.B. an ihrer Lehre der Gattungen und Stilhöhen und an den Wirkungsfunktionen des docere, delectare und movere. Auf der Grundlage eines sprachanalogen Bildverständnisses wurden insbesondere die Malerei als Schwesterkunst der Dichtung und Rhetorik und ihre Werke als intentionale, der moralischen Unterweisung dienende Gebilde aufgefasst. Erst mit der Autonomie-Ästhetik der Aufklärung büßte die Rhetorik ihre Bedeutung als Referenzsystem der bildenden Künste ein, wobei sich weiterhin bestimmte Gattungen wie das Denkmal und die Karikatur rhetorischer Mittel bedienten. Das vorliegende Handbuch behandelt diese Zusammenhänge zwischen Rhetorik und bildender Kunst erstmals auf systematische Weise von der Antike bis zur Gegenwart.

Württemberg war ein Musterbeispiel von Reformpolitik zwischen Französischer Revolution und Wiener Kongress – kein Sonderfall. Seit dem Landtag der Jahre 1797 bis 1799 entbrannten heftige Debatten um die Umgestaltung des württembergischen Staates. Weit über die massiven Gebietszuwächse der napoleonischen Zeit und die damit verbundenen Integrationsmaßnahmen hinaus hielten solche Debatten und wechselvolle politische Auseinandersetzungen an, in denen sich Reformer und Traditionalisten nur scheinbar gegenüberstanden. Homogen, gar festgefügt waren weder Loyalitäten noch politische Ideen, weder bei den erst herzoglichen, dann königlichen Beamten noch bei den zwischen 1806 und 1815 suspendierten Ständen. Der langwierige Verfassungsstreit der Jahre 1815 bis 1819, Teil der Frühgeschichte des deutschen Konstitutionalismus, betraf auch und gerade das Pathos der Modernisierer: Ständevertreter, die eine Restitution des Ancien Régime befürworteten, konnten sich ebenso wenig durchsetzen wie radikale Verfechter einer Herrschaft von Spezialisten, zu denen etwa Friedrich List gehörte – unter Moderation der ersten beiden württembergischen Könige, die sich Forderungen nach Expertokratie ebenso zunutze zu machen verstanden wie ehrgeizige Beamte und solche, die ihre Interessen längst nicht mehr bei der Landschaft gewahrt sahen. Überhaupt trieb das theoretische Pathos der Reformer die praktischen Reformen zwar vor sich her, passte seinen Anspruch aber einer Wirklichkeit voller tagtäglicher administrativer Unwägbarkeiten an.

Modern Art on Display: The Legacies of Six Collectors is structured as a sequence of case studies that pair collectors of modern art with artists they particularly favored: Duncan Phillips and Augustus Vincent Tack; Albert Barnes and Chaim Soutine; Albert Eugene Gallatin and Juan Gris; Lillie Bliss and Paul Cézanne; Etta Cone and Henri Matisse; G. David Thompson and Paul Klee. The case studies are linked by a thematic focus on the integral relationship between the collectors'acquired knowledge about the work they amassed and their innovative display models. This focus brings a new perspective to the history of collecting and interpreting modern art in America for nearly half a century (1915-1960). By examining the books the collectors themselves read and analyzing archival photographs of their displays, the author makes a case for the historical significance of how the collectors presented the art they acquired before their collections were institutionalized.

Massenmedien sind immer auch Technologien, die bei der Sinneswahrnehmung ansetzen. Das ist für die Kultursoziologie doppelt interessant: Einerseits sind diese heute selbstverständlichen Technologien der Sinneswahrnehmung im Bereich der Künste entstanden, deren Stellung sich durch die technische Vervielfältigung ihrer Werke tiefgreifend verändert. Andererseits aber wandelt sich mit der massenhaften Verfügbarkeit von Bildern, Schrift und Klängen auch die menschliche Wahrnehmung selbst. Unter dieser kultursoziologischen Fragestellung verbindet dieser Band kunstgeschichtliche, medien- und literaturwissenschaftliche Perspektiven miteinander.

Paul Klee (1879–1940) gehört zu den beliebtesten Künstlern der klassischen Moderne. Christian Rümelin stellt das faszinierende Werk sowie die wichtigsten Lebensstationen des Malers vor: von der Zugehörigkeit Klees zu der Künstlergruppe „Der Blaue Reiter“ über die Mitarbeit am Bauhaus bis zum Exil in Bern.

Containing over 6,000 entries from Aalto to Zwinger and written in a clear and concise style, this authoritative dictionary covers architectural history in detail, from ancient times to the present day. It also includes concise biographies of hundreds of architects from history (excluding living persons), from Sir Francis Bacon and Imhotep to Liang Ssu-ch'eng and Francis Inigo Thomas. The text is complemented by over 260 beautiful and meticulous line drawings, labelled cross-sections, and diagrams. These include precise drawings of typical building features, making it easy for readers to identify particular period styles. This third edition of The Oxford Dictionary of Architecture has been extensively revised and expanded, with over 900 new entries including hundreds of definitions of garden and landscape terms such as Baroque garden, floral clock, hortus conclusus, and Zen garden-design. Each entry is followed by a mini-bibliography, with suggestions for further reading. The full bibliography to the first edition (previously only available online) has also been fully updated and expanded, and incorporated into this new edition. This is an essential work of reference for anyone with an interest in architectural and garden history. With clear descriptions providing in-depth analysis, it is invaluable for students, professional architects, art historians, and anyone interested in architecture and garden design, and provides a fascinating wealth of information for the general reader.

Ce livre révèle les richesses et les secrets d'ouvrages phares de la Réforme et de la Contre-Réforme puisés dans des collections montréalaises. Il tire de l'oubli des livres anciens des xve et xvie siècles, dont des éditions de la Bible tant catholiques que protestantes, des éditions lyonnaises des grands imprimeurs humanistes et des témoins de l'hagiographie catholique et protestante.

Im 17. und 18. Jahrhundert entwickelte sich der freie Kunstmarkt und ­stellte die Künstler vor neue, merkantile Herausforderungen. Das Motiv der Prostituierten wurde dabei gezielt für die Vermarktung neuer Genres der Druckgrafik eingesetzt, da die Darstellung der Hure als begehrenswerte Frau den Wunsch erwecken sollte, das Werk zu besitzen. ­Gleichzeitig wurden durch sie die Mechanismen des Marketings vom Ver­sprechen der Werbung bis hin zum Angebot des Konsums in den Stichen selbst reflektiert. Auf diese Weise waren Hure und Grafik bildtheoretisch und ökonomisch verbunden. Anhand von Fallbeispielen verfolgt das Buch das Thema der Hure von Italien über die holländische Grafik des 17. Jahrhunderts zur englischen visuellen Kultur des 18. Jahrhunderts.

Im 19. Jahrhundert pilgerten Hunderte von jungen Kunstschülern aus dem deutschsprachigen Raum nach Paris, um an der École des beaux-arts und in den Lehrateliers von Malerstars wie Jacques-Louis David, Paul Delaroche oder Thomas Couture zu studieren. Das zweibändige Lexikon Pariser Lehrjahre (1793-1870) macht bislang weitgehend unbekannte Daten und Fakten der Ausbildung junger Maler zugänglich und liefert wichtige Erkenntnisse über die Bedeutung von Paris als Ausbildungsort, den Werdegang mehrerer Malergenerationen und die transnationale Kunstproduktion im 19. Jahrhundert. Der erste Band befasst sich mit den Jahren unmittelbar nach der Französischen Revolution und endet mit der Schließung des beliebten Ateliers von Paul Delaroche 1843. Die Beschäftigung mit den Pariser Lehrjahren deutscher Malerinnen und Maler zwischen 1793 und 1870 eröffnet weitreichende Perspektiven. Der Ansatz, transnationale Künstlermobilität gegen nationale Kategorien des kunsthistorischen Diskurses auszuspielen, zeigt Möglichkeiten auf, wie Kunstgeschichte anders geschrieben werden könnte. Einen Künstler kurzerhand mit einem nationalen Etikett zu versehen, erweist sich häufig als willkürliche Zuschreibung, die die Komplexität des Kunstschaffens vereinfacht und vereinheitlicht. Einige deutsche Maler, die in Paris studiert hatten, wurden später von der deutschen Kunstkritik als'Franzosen'angesehen und dafür oft gescholten. Die - meist ideologisch motivierte - Vorstellung nationaler Schulen, die die Kunstgeschichte größtenteils unkritisch fortführt, wird hier anhand der differenzierten Darstellung transnationaler Erfahrungen in ein neues Licht gestellt und hinterfragt. Darüber hinaus gewährt die Untersuchung der Pariser Lehrjahre einen einzigartigen Einblick in die Existenzfragen der jungen Künstlergenerationen. Wie wird man Künstler? Welche beruflichen Entscheidungen werden gefällt und mit welchen Folgen? Gesellschaftliche, moralische, ideologische und ästhetische Überlegungen treten zu Tage - sowie ein Bewusstsein für die Macht des Zufalls -, die die Bedingungen des Kunstschaffens greifbar machen. Sie zeichnet ein ganz neues Bild der künstlerischen Jugend des 19. Jahrhunderts zwischen grandiosen Erfolgsgeschichten und unverwirklichten Künstlerträumen. Im Gegensatz zur üblichen Kunstgeschichte, die sich meist nur mit arrivierten Künstlern auseinandersetzt, tauchen hier bekannte wie in Vergessenheit geratene Existenzen auf, die die Vielschichtigkeit und Komplexität der Kunstproduktion in dieser Zeit deutlich machen. In diesem Zusammenhang gewinnt das Fazit von Eduard Magnus eine neue Schärfe: In der Fremde, unter dem Einfluss der zahlreichen, heftigen und vielfältigen Impulse der französischen Hauptstadt, konnten junge Maler den Weg zu sich selbst finden.

Mit der Kinderzeichnung wird zum ersten Mal ein zentrales Thema der Kunstpädagogik systemtheoretisch beschrieben.Woher kommt die Dynamik und Typik der Entwicklung? Wie verstehen wir gezeichnete Mitteilungen? Von welchen psychischen Prozessen und Effekten ist auszugehen, wenn Kinder zeichnen? Und welche Rolle spielt dabei der Körper? Die Antworten orientieren sich an der Eigenständigkeit psychischer, motorischer und sozialer Prozesse. Das eröffnet eine neue Sicht auf das vermeintlich'ganzheitliche'Phänomen und die Bedingungen seiner pädagogischen Förderung.

Im Juni 2011 fand die erste Konferenz des Reformation Research Consortium (RefoRC) am Institut für Schweizerische Reformgeschichte an der Theologischen Fakultät Zürich statt. Der Titel »Mythos der Reformation« ermutigte kritische Perspektiven auf herkömmliche Vorstellungen über die Reformation des 16. Jahrhunderts. Peter Opitz bietet eine Auswahl von dort gehaltenen Vorträgen und versammelt facettenreiche Aspekte und Perspektiven zur Thematik. Dadurch gelingt es Opitz zumindest einen Mythos zu widerlegen, nämlich dass die Reformationszeit eine langweilige Periode war, in der es nicht viel mehr außer den herkömmlichen Mythen zu entdecken gäbe.

Ihrem Lehrer zu Ehren, verfolgen Schüler Dietrich Schuberts in dieser persönlichen Festgabe auf über 300 Seiten Fragen zur Kunst. Der Bogen spannt sich von politischen und existenzialistischen Themen bis hin zu Betrachtungen von künstlerischen Selbstdarstellungen. Arbeiten von Rembrandt und Odilon Redon werden einer Werkanalyse unterzogen, das Schaffen von Otto Dix, Alfred Hrdlicka, Karl Hofer, Ernst Ludwig Kirchner, Edward Kienholz u. a. wird im Fokus von Abstraktion und Realismus betrachtet. Daneben finden sich Überlegungen zupolitischen Denkmalskonzepten und Sammlungsstrategien im20. Jahrhundert.Mit ihren Beiträgen stellen die Autoren ein breites Spektrumrealistischen Kunstschaffens zusammen und zeigen kritisch, dassjede Zeit ihre eigene Modernität hatte. Den Schwerpunkt bildethierbei das 20. Jahrhundert. Überzeitliche Gehaltaussagen derbehandelten Werke werden künstlerischen Konzeptionen undder politischen Vereinnahmung von Realismus und Abstraktionin Ost und West während des Kalten Krieges gegenübergestellt.Damit spiegeln die Beiträge exemplarisch das Nebeneinanderzweier umkämpfter Strömungen, wobei der Blick abweichend derüblichen Sicht auf das realistische Schaffen dieser Zeit gerichtet ist.

Das Ortsregister der DBE listet in alphabetischer Reihenfolge die in den Artikeln der Bände 1 bis 10 erwähnten Orte auf. Die Fundstellen werden in folgender Form angegeben: Stichwort, Hinweis auf Geburtsort (•), Wirkungsort (~) bzw. Sterbeort (†), Band/Seitenzahl. Orte gleichen Namens werden durch Zusätze wie die Kreiszugehörigkeit gekennzeichnet. Bei Orten in ehemals deutschen oder österreichischen Gebieten wird der Name in der jetzigen Landessprache hinzugefügt.

Das Personenregister der DBE verzeichnet in alphabetischer Reihenfolge alle Namen von historisch fassbaren Personen, die in den Bänden 1 bis 10 einen eigenen Artikel haben oder im Text genannt sind. Beim Registerstichwort werden neben dem vollen Namen der Beruf sowie Geburts- und Sterbejahr genannt. Namensvarianten, Geburtsnamen, Pseudonyme etc. werden durch ein Verweissystem aufgeschlüsselt; verwiesen wird auf den Namen, unter dem der Artikel in der DBE zu finden ist.

Fürstbischof Johann Philipp Franz von Schönborn leitete 1719 in Würzburg einen umfassenden Stadtumbau ein. Am Beispiel dieser einen, bedeutenden Neugestaltung - sie bildete den (heute verschwundenen) Kontext der Würzburger Residenz - fragt der Autor nach dem Sinn fürstlichen Bauens in jener Epoche überhaupt. Die Studie führt vor Augen, daß Bauen veritable Politik sein konnte mit dem Ziel, die Ständegesellschaft in eine société absolutiste umzubauen. In zwei Abschnitten sucht Johannes Süßmann zu erklären, wie eine derart radikale Politik zustandekam. Dafür analysiert er die Krise der Stiftsherrschaft um 1700, auf die das Bauen antwortete. Darüber hinaus legt der Autor den Familienhabitus der Schönborn frei, die als Protagonisten jener Politik gelten dürfen.

First scholarly monograph devoted to Klee's poetry illuminates the reciprocity of poetry and painting in Klee's creative world and in early modernism.It is no coincidence that most of the artists at the vanguard of early 20th-century modernist art were poets as well as painters. Paul Klee (1879-1940) was among them. Known today almost exclusively as a visual artist, he was alsoa poet who experimented across a range of poetic forms. In 1901, while still vacillating between a career as a painter and one as a poet, Klee predicted he would end up expressing himself through the word,'the highest form of art.'This first scholarly monograph devoted to Klee's poetry proposes that he lived up to that prediction. It considers poems he identified as such and visual images that are poetic in their compositional techniques, metaphorical imagery, and linear structures. It provides selected examples of Klee's poetry along with English translations that capture the spirit and literal meaning of the German originals. It places the poems and related images within the spectrum of contemporary poetic practice, revealing that Klee matched wits with Christian Morgenstern, rose to the provocations of Kurt Schwitters, and gave new form to the Surrealists''exquisite corpses.'Paul Klee, Poet/Painter is a case study in the reciprocity of poetry and painting in early modernist practice. It introduces a little-known facet of Klee's creative activity and re-evaluates his contributions to a modernist aesthetic. Kathryn Porter Aichele is Associate Professor in the Art Department at the University of North Carolina at Greensboro.

No detailed description available for'Plett - Schmidseder'.

Die Augsburger'Allgemeine Zeitung'war bis 1866 die bedeutendste Tageszeitung in Deutschland. Sie ist eine erstrangige Quelle für politische, wirtschaftliche und allgemeine Nachrichten aus dieser Zeit. Namhafte Publizisten, Schriftsteller, Historiker und Politiker des 19. Jahrhunderts haben Beiträge in der Augsburger'Allgemeinen Zeitung'geschrieben. Das Register der Beiträger / Mitteiler beruht auf dem Redaktionsexemplar, in dem die anonymen Autoren zur Honorarermittlung handschriftlich festgehalten wurden. Das Register stellt somit ein einmaliges Erschließungsinstrument dar.

Keine ausführliche Beschreibung für'Ortsregister / Berufsregister'verfügbar.