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Las virreinas novohispanas estuvieron presentes en alegorías y jeroglíficos en los programas iconográficos de los arcos triunfales levantados para los virreyes en las ciudades de México y Puebla. Este texto analiza los personajes asignados por los ideólogos de los arcos, especialmente de la segunda mitad del siglo xvii, que utilizaron a menudo a figuras femeninas amantes o esposas de los héroes y dioses con los que se paragonaba al virrey. A estas mujeres y diosas de la mitología grecorromana se les atribuían una serie de virtudes acordes a lo que se esperaba de la virreina: piedad, sacrificio, armonía conyugal, fertilidad, belleza y, además, se encomiaba sus ilustres y elevados linajes.

Paula García-Orbaneja Amoroso, esposa de Carlos de Beranger, gobernador de Chiloé entre 1768 y 1773, es apenas un nombre en la biografía de su marido. Ambos deben sobrellevar su estancia en el confín meridional del continente americano en un momento crucial. Las tensiones internacionales lo convierten en un punto estratégico del paso entre océanos, susceptible de ser ocupado por los ingleses. La nueva política defensiva implica la fortificación y reorganización de los efectivos militares, a lo que se une la fundación de la ciudad de San Carlos. La expatriación de los jesuitas, a su vez, pone en crisis la cohesión del territorio y tensiona los poderes eclesiásticos y civiles. En un contexto geográfico extremo, indios, criollos y españoles integran una sociedad dispersa y masculinizada en exceso por el aparato militar. El presente artículo construye, a partir de la consulta de archivos y bibliografía especializada, qué papel juega en este contexto una presencia femenina anulada por las fuentes.

The tomb TT 100, belonging to the vizier Rekhmire, in the Theban necropolis (Luxor, Egypt), one of the best examples of funerary architecture of the Egyptian New Kingdom, has been widely studied since the beginning of the 20th century from the iconographic, historical and archaeological points of view. However, it has an anomalous structural feature for the classic Theban tomb typology of this period: a longitudinal corridor with a sloping ceiling ending in a combination of false stela and niche for a funerary statue. The anomaly, widely noted in classical literature, has been vaguely explained and often forgotten due to the celebrated decorative program that occupies the tomb. This study aims to offer a reinterpretation of this architectural feature of the tomb based on a landscape archaeology approach. According to this methodology, the ancestral landscape of the necropolis, and the architectural and artistic features of the tomb of his relative and predecessor in the vizierate Useramun are significant elements for the interpretation of this element. The main result is Rekhmire’s clear intention to emulate and replicate Useramun’s double funerary structure, not only from the artistic point of view (already demonstrated in previous studies) but also from the spatial point of view, copying the phenomenological experience of space and landscape in the architectural development of his tomb. An example of how landscape archaeology can be useful in the study of the art of this ancient culture.

Este artículo presenta y analiza una serie de autorretratos de la artista Rosa Valverde (1953-2015). Pretende, en primer lugar, dar a conocer a esta interesante artista apenas investigada. Para ello, se centra en su autorrepresentación como pintora para intentar comprender el modo en que la utilizó para reivindicarse como artista profesional. Este análisis se realiza desde la teoría de los afectos, proponiendo que la artista utilizó la estrategia translúcida, una forma de mostrar sin exponerse como cuerpo de mujer, como respuesta al sentimiento de vergüenza provocado por ser mujer en un sistema del arte patriarcal que la rechazaba. Esta estrategia se presenta como femenina, resignificando el término para definir el conjunto de experiencias compartidas atravesadas por el género que vivieron las artistas del último cuarto del siglo XX y que pudo llevarlas a utilizar estrategias de respuesta similares.

El objetivo de este artículo es conocer la trayectoria artística de los principales bordadores durante el reinado de Carlos IV y María Luisa de Parma. Partiendo de los estudios previos iniciados por María Luisa Barreno Sevillano y Pilar Benito García, haremos un breve repaso acerca de la organización de los artífices de la confección y las distinciones entre aquellos que trabajaban para casa y cámara, ya que se diferencian en ocupación, sueldo y posición dentro de la jerarquía palatina. Analizaremos qué bordados de vestidos se diseñaron para la reina, además de una de las obras más trascendentales, el álbum de diseños realizado entre 1800 y 1808 atribuido a Robredo. Por último, presentaremos el entorno de ambos bordadores, que habían aprendido su oficio a través de sus respectivas familias Los clanes Robredo y Pandeavenas se conocían muy bien, puesto que los cabezas de familia habían trabajado para Carlos III. Las fuentes primarias consultadas revelan datos inéditos hasta el momento, que permiten estudiar las familias artesanas y su producción de obras textiles para la monarquía.

Este trabajo tiene por objetivo analizar la sección artística de las Cristalerías Rigolleau, así como la actividad de Lucrecia Moyano que dirigió esta área entre 1934 y 1962. El interés de la familia Rigolleau en las artes resultó un punto de partida fundamental que motivó la presencia de Moyano en la fábrica, quien se destacó a lo largo de su carrera por la producción de vidrios artísticos. Esta investigación también busca poner el foco en el lugar de esta mujer entre el mundo de las artes y el de la fábrica, junto con las dificultades que eso conllevó, a la vez que se espera proponer una nueva lectura respecto de su rol como «diseñadora ». De este modo, se reflexiona sobre el uso de esta categoría a la luz de su contexto histórico en el que por mucho tiempo predominó el uso de términos como «artes aplicadas» o «artistas decoradores».

Tämä artikkeli käsittelee suomalaista kaupunkitilaa 1960- ja 1970-lukujen modernistisen kaupunkiuudistuksen eli niin kutsutun saneerauksen keskellä. Tutkimuksen tapausesimerkkinä toimii Tampereen Amurin kaupunginosa, jonka muutosta tarkastellaan sotien jälkeistä modernismia kriittisesti käsitelleiden tekstien rinnalla. Kaupunkitila nähdään sosiaalisesti tuotettuna, tilallisten käytäntöjen, suunnitteluprosessissa muotoutuneiden käsitysten ja tiloihin erityisesti muistoissa liitettyjen merkitysten vuorovaikutteisena kokonaisuutena, kulttuureja tuottavana rakennettuna ympäristönä. Tutkimuksen primääriaineistoa ovat amurilaisten haastattelut. Lisäksi käytetään aikalaislähteitä, kuten journalistista kirjoittelua, muutosta kuvaavia kuvallisia dokumentteja sekä kaupunkisuunnitteluaineistoa. Tutkimusaineistosta esiin nousevat teemat eli muutos, julkinen ja yksityinen, liikenne ja liikkuminen sekä ihmisten kaupungin arjen toiminnot toimivat näkökulmina muuttuvan tilan tarkasteluun. Amurin esimerkin avulla avautuu laajempi näkymä suomalaisen kaupunkitilan saneeraamalla tuotettuun modernisuuteen ja keinoihin, jolla sitä tuotettiin. Tutkimus osoittaa kuinka saneeraus modernisoi kaupunkitilaa vähitellen ja pala kerrallaan ja kuinka kaupunkilaiset asettuivat kodiksi tähän muutokseen. Vuosikymmeniä jatkuneen prosessin keskellä olleesta kaupungista, erityisesti sen julkisesta katutilasta tuli alusta, jossa uusi ja vanha, moderni ja perinteinen sekoittuivat aineellisissa ja aineettomissa puitteissa sekä arjen käytännöissä. Lopputulos, moderni, saneerattu kaupunki ei ollut historiaton, vaan muodosti yhden lenkin kaupungin ja sen kulttuurien pitkään ketjuun.

This article aims to explore the discourse construction through the institutional apparatus and technologies within Pyhä-Luosto National Park, one of the first two national parks established in Finland, by analysing visitors’ reviews. This article investigates the causes behind the differing levels of emphasis that tourists of various languages (Finnish and other languages) and cultural backgrounds place on environmental values or physical activities during their visits. By employing a mixed-methods approach, merging quantitative (frequency analysis) and qualitative (discourse analysis) methodologies, the analysis reveals a distinct divergence in the visitor experiences of the national park based on the background of visitors. Finnish-speaking visitors exhibit a stronger preference for landscape, while international visitors empha- size the experiences derived from physical activities. Through a closer field study in Pyhä- Luosto National Park, it is proposed that these differences originate from distinct cultural contexts and environmental engagements that shape each visitor’s interaction with the natural landscape.

Lectio praecursoria: Hilja Roivaisen taidehistorian väitöskirja ”Utooppisten maisematyyppien jatkumo 2000-luvulla. Kuusi pohjoismaalaista taidemaalaria” tarkastettiin Turun yliopistossa 2.12.2023. Vastaväittäjänä toimi professori emerita Tuija Hautala-Hirvioja (Lapin yliopisto) ja kustoksena professori Tutta Palin (Turun yliopisto).

This article examines the video game Plasticity as a compelling narrative medium that represents and critiques the ecological ramifications of plastic consumption in the Anthropocene era. The game’s dystopian setting, where players navigate through environments devastated by plastic waste, serves as a metaphor for the real-world issues of waste management and environmental neglect. By integrating theories from material ecocriticism and close gaming methodologies, this paper analyses Plasticity both as a piece of eco-fiction and as an interactive experience that challenges players to reflect on their own consumption habits. The game’s design and player agency are highlighted as tools that expose the often invisible consequences of waste disposal practices. I argue that Plasticity utilizes the concept of Chthulucene aesthetics, which I define as an approach that embraces ecological entanglement and multispecies perspectives, challenging traditional views of beauty by finding harmony in environmental disturbances and the interconnectedness of all life forms, to illuminate the strategic invisibility of plastic waste. The analysis reveals the game’s potential to open a space for interpretation of what remains in the dark by practices dictated as normal in terms of plastic waste disposal practices in the Anthropocene.

Artikkelissa tarkastelen Magnus von Wrightin keskeneräiseksi jäänyttä luonnontieteellistä kuvitusta Nuori harmaalokki; keskeneräinen (1836) posthumanistisen tulkintakehyksen kautta erityisesti sukupuuton tutkimuksen kontekstissa. Artikkelissani tarkastelen, millä tavoin 1800-luvulla valmistunut teos näyttäytyy, kun se altistetaan posthumanistiselle luennalle ja liitetään osaksi keskustelua sukupuutosta. Artikkelin viimeisessä luvussa liitän tulkintani osaksi keskustelua institutionaalisesta vallankäytöstä ja pohdin, kuinka taidehistoria, taiteentutkimus ja museoissa toteutettava kuratoriaalinen toiminta voivat vaikuttaa yhteiskunnalliseen keskusteluun lajikadosta.

In this article, I examine human–animal encounters in Instagram selfies with seagulls. I ask how human–seagull relations are visualised, narrated and negotiated in Instagram posts with the hashtag “seagullselfie”. While my total data consist of 814 Instagram posts from before 2020 with #seagullselfie, I have chosen six photographs that represent different types of human–animal interactions for more detailed analysis, as they make visible human ambivalence towards non-human animals. For example, humans sometimes call seagulls “friends”, or even “cuties”, but at other times portray them as hungry, dirty and annoying – as “trash birds”. Drawing on Stacy Alaimo’s concept of trans-corporeal interactions, I focus on the embodied agencies, both human and non-human, and the multispecies sharing of spaces considered “urban” or “natural”. My method of studying the photographs of seagulls and humans is inspired by new materialist “ways of following” art, being moved by photographs and seeing where they take me. I argue that seagulls cross the hierarchical dichotomies of nature and culture and contest the anthropocentric ideals of nature as something that should be accessible on human terms. I claim that there is no beautiful and passive “nature” in the seagull selfies that remains as a background for human action. Instead, in these six photographs, seagulls stalk humans, take their food, photobomb them, refuse to pose for their photographs and ignore their clumsy attempts at friendship.

Pääkirjoitus

I artikeln granskas konstnärsgruppen Salong 3+ konstnärliga arbete och verk genom begreppen rum, kropp och identitet. Det här är den första summeringen av gruppens arbete som gjorts inom akademisk konsthistoria. Gruppen verkade med bas i Åbo under åren 1989–1995 och deras verksamhetsförutsättningar diskuteras utifrån en ännu relativt oskriven historia av den finländska konstens kontext i ingången till 1990-talet. Analysen använder sig metaforiskt av de konsthistoriska salongstraditionerna och delar upp dem i en feminin och en maskulin tradition. I genomgången av Salong 3+ centrala konstnärliga taktiker och konkreta serier av verk betonas hur gruppen dels ifrågasatte vedertagna uppfattningar av kvinnorollen, dels de vedertagna uppfattningarna av konstnärsrollen.

Katsauksen kohteena on suomalaisten 1700-luvulta 1800-luvun puoliväliin rakennettujen puisten keskeiskirkkojen tilanmuodostus. Tyypit, joita käsitellään ovat sisäviisteinen ristikirkko, “pyörökirkko” eli 12-kulmainen kirkko ja kaksoisristikirkko eli kahtamoinen. Esimerkkeinä ovat pohjalaisten Rijfien “rakennusyrityksen” 12-kulmaiset kirkot ja Johan ja Matthias Salosen sekä David Rahikaisen Kaakkois-Suomeen rakentamat kahtamoiset. Nämä kirkkotyypit edustavat suunnilleen samanaikaisia puurakennustaidon paikallisia innovaatioita. Niiden tausta on Ruotsin 1600-luvun arkkitehtien (Jean de la Vallée, Nicodemus Tessin vanhempi ja Nicodemus Tessin nuorempi) keskeiskirkkokokeilut. Sisäviisteinen ristikirkko, joka myös palautuu 1600-luvulle - esimerkkinä Kungsörin kirkko - oli rakennushallinnon Suomessa suosima tyyppi. Tilaa katsotaan tässä sen rajoja tukevista rakenteista käsin, ja esitetään, että näiden puukirkkojen rakentajat kehittivät niitä tarkoituksella luoda vaikuttavia kirkkotiloja.

Lectio praecursoria: Lorella Scacco’s art history dis­sertation “A Phenomenological Approach to Media Art Environments: The Immersive Art Experience and the Finnish Art Scene” was examined at the University of Turku on the 13th May 2023. The opponent was Dr, Museum Director Leevi Haapala (Museum of Contemporary Art Kiasma / Finnish National Gallery) and the custos was Professor Tutta Palin (University of Turku).

La moneda romana presenta una gran variedad de mensajes iconográficos que muestran la gran relación que hubo entre la religión tradicional, la transmisión de mensajes por parte del Estado y la moneda. En este artículo se analizan algunos de estos mensajes y la vinculación existente entre la moneda y el sacrilegio. Para ello se han seleccionado piezas clave dentro de la amonedación romana tardorrepublicana y altoimperial, abarcando un marco cronológico que data, de manera aproximada entre el 133 a.C. y el 192 d.C. y se ha estudiado la vinculación existente entre los tipos expuestos y su contexto sociopolítico.

Reseña de la obra de Pazos-López, Ángel. Imágenes de la liturgia medieval. Planteamientos teóricos, temas visuales y programas iconográficos. Valencia: Tirant Humanidades, 2023. 355 pp. [ISBN 978-8-419-47164-2]

El denominado Mosaico Nilótico de Mérida (nº 9 del corpus de MRH-MRM) fue encontrado antes de mediados del siglo XIX. Desde su hallazgo era evidente el carácter extraordinario de su diseño, aunque, lamentablemente, la superstición popular destrozó en gran medida el pavimento, no sin que antes se lograra dibujar un boceto de su contenido, además de conservarse numerosos restos, de forma que ha podido ser reconstruido y se encuentra expuesto en el Museo Nacional de Arte Romano de Mérida. En el mosaico se combinan elementos exóticos, culturales y sobre el ciclo anual, sin que se haya logrado postular hasta el momento una interpretación de conjunto. No obstante, parece posible llevar a cabo una lectura integradora a partir del mito de la contienda entre Musas y Piérides relatado en las Metamorfosis ovidianas. Dicha lectura confiere unidad a la amalgama de motivos iconográficos e incluso puede explicar la opción por una técnica predominantemente dicromática acorde con los colores de las urracas en que fueron transformadas las Piérides y acorde también con un precepto de la creación literaria que precave contra la hybris.

En la actualidad las imágenes son omnipresentes: estamos rodeados de ellas, vivimos por ellas, habitamos en ellas e, incluso, devenimos imágenes. Es por ello que resulta imperativo aproximarnos a la Historia del Arte con una mirada inclusiva que nos permita repensar sus roles y añadir nuevos medios, entre los que destacan los videojuegos. Así, nos hemos aproximado a su análisis a partir de los Estudios Visuales y nos hemos interrogado acerca de la intermedialidad y transmedialidad de una de las entregas de la saga Assassin’s Creed, Unity (Ubisoft, 2014), especialmente relevante para acercarnos a la tecnocultura, a la concreción del espacio en un lugar y como se despliega en los videojuegos, las estrategias que desarrolla este título para apelar a la autenticidad apostando por la verosimilitud y el re-conocimiento en vez de la exactitud, la relevancia del anacronismo, cómo explora las conexiones entre la historia y la memoria, y cómo se sitúa en relación a los géneros. Como se evidencia en el artículo, en los videojuegos se ponen en tensión todas estas cuestiones y se advierte el peso de nuestra memoria visual y el rol que desempeña en cómo percibimos las imágenes y la importancia que les damos.

Reseña de la obra de Beresford, Andrew M. Sacred Skin: The Legend of St. Bartholomew in Spanish Art and Literature. Brill, 2020. [ISBN: 978-90-04-40780-0]

El presente trabajo de investigación está enfocado al análisis iconológico de la alegoría de la muerte, identificando los elementos mexicanos de tradición popular que figuran en dicha representación, con el objetivo de precisar los contenidos ideológicos que se vehiculan en la película Macario (1960) de Roberto Gavaldón. Este estudio se realiza a partir de la metodología iconográfica de Erwin Panofsky que enfatiza la vinculación entre los elementos visuales de una época y contexto específicos. Desde el inicio de la narración fílmica podemos advertir que, en Macario, la muerte es subvertida dando un significado diferente al que originalmente tenía este personaje en El ahijado de la muerte (1815) de los hermanos Grimm y del propio texto de B. Traven; Emilio Carballido y Roberto Gavaldón manipulan una ideología, donde la muerte se humaniza, perdiendo su carácter de hecho ineludible. Otra disonancia entre las versiones del cuento original es que la muerte es representada como mujer, mientras que en Macario es personificada como hombre y no lo apadrina, lo hace compadre, le da un trato de amistad y cercanía, tal como lo sugiere el compadrazgo; dándole un carácter amistoso, democrático y sin distinción, un trato de iguales.

El presente texto parte del estado actual de la reflexión en torno al arte de la animación y aledaños para proponer un pensamiento anterior a lo visual, un marco desde el que mirar y pensar el objeto artístico animado antes de que podamos profundizar en su complejidad estratigráfica. Ese mirador son las imágenes ofrecidas por el filósofo francés Gilles Deleuze, quien nos desgaja a través de imágenes históricas y estéticas del cine los conceptos constituyentes tanto del arte animado como del pensamiento capaz de pensarlo en toda su envergadura. El quid de la cuestión reside en la lenticularidad de estas imágenes que trazan las líneas de inteligibilidad precisas para articular las relaciones que van desde la percepción y el aparato sensorial hasta la reconducción intersubjetiva. Esto hace que la expresión de la obra vuelva una y otra vez diferente. Y en medio de todo ello está la noción casi inocente del movimiento, puesto que en las artes cinematográficas y de la imagen animada lo que encontramos es puro cambio, devenir, pasar, movimiento, esto es, imágenes en movimiento.

En el presente artículo se pretende cuestionar una gran parte de la literatura que la Historia del arte ha producido en torno al valor y significado de las dos torres de Babel de Pieter Bruegel el Viejo. Dicho cuestionamiento deriva de la advertencia de que los resultados son críticos e insuficientes cuando, en primer lugar, se someten a crisis los conceptos de semanticidad, autoría, tradición e intencionalidad; conceptos harto habituales en la disciplina de la Historia el arte y especialmente débiles cuando ésta intersecciona con metodologías propias de los Estudios Visuales o Culturales. En segundo lugar, cuando dichas torres se estudian en paralelo a otras imágenes consideradas tradicionalmente menores. Es decir, cuando se advierte que la historiografía ha considerado a Bruegel artífice de novedades en detrimento de otros artistas y medios de un aparente rango menor. Y, finalmente, cuando se reformula la perspectiva desde donde deberían estudiarse estas imágenes y, en consecuencia, las preguntas.

Reseña de la obra de Pazos-López, Ángel y Cuesta Sánchez, Ana María, eds. Las imágenes de los animales fantásticos en la Edad Media. Gijón: Trea, 2022 [ISBN: 978-8-419-52521-5]

El artículo analiza un corpus de obras contemporáneas que desde las convergencias del arte y las tecnologías exploran el terreno de la inteligencia artificial, a través de la confluencia de diferentes clases de materialidades, tanto físicas como virtuales. Sin embargo, las capacidades cognitivas de los sistemas computacionales implicados en estos proyectos no quedan circunscritas al rol de complicidad con respecto al fenómeno de gubernamentalidad algorítmica, sino que implementan diferentes tácticas de desvío de los usos instrumentales de las tecnologías, dirigidas a desarticular sus funciones hegemónicas de control sobre cuerpos y afectos, o bien a transgredir la eficiencia esperada de las inteligencias artificiales. Mediante la perspectiva del neomaterialismo, argumentamos que las obras relevadas cristalizan determinadas tensiones identificadas aquí como disputa autoral, condición generativa y transgresiones hacia la materialidad física, las cuales asimismo se encuentran presentes en otros proyectos desarrollados desde mediados del siglo pasado ajenos a la inteligencia artificial. El artículo concluye que aquellas categorías permiten desmitificar la novedad radical que la inteligencia artificial supone para la historia del arte, a su vez que incitan relecturas críticas de sus narrativas a los fines de enlazar la historia del arte contemporáneo canónico con los devenires del arte tecnológico.

El presente artículo parte del hecho de que la propuesta de sustituir la historia del arte por una historia/antropología de las imágenes ha sido coincidente, y se ha apoyado, en la disolución de la narrativa moderna sobre el arte y su apelación al medium específico. Pretendemos en este texto dar cuenta de tres propuestas, las de Michael Fried, Rosalind E. Krauss y Peter Osborne, en las que se establece un diálogo con la herencia de Greenberg. En ellas, se apuesta por una salida del final de la narrativa moderna que difiere de la abrazada por del giro icónico. Finalmente, indicamos algunas de las limitaciones con que tal herencia greenbergiana las impregna, particularmente la dificultad para enfrentar la implejidad que conforman imágenes y emociones.

Este artículo propone la noción de imaginación iconoclasta a partir de las imágenes como intersticios. Para hacerlo, en primer lugar, se plantea una revisión histórica de la iconoclasia no como mera destrucción sino como disputa sostenida por la visualidad y el poder, a partir de la economía de lo (in)visible, según Marie-José Mondzain. En segundo lugar, desde esa perspectiva de la administración política a partir de las imágenes, se recurre a la categoría conceptual del intersticio en la filosofía de Gilles Deleuze para explicar la iconoclasia como una práctica de entrecruzamientos y yuxtaposiciones desde donde proliferan nuevas imágenes. Por último, se propone la noción de imaginación iconoclasta, recurriendo a la performatividad de las imágenes planteada por Andrea Soto Calderón, para sostener que a través de ella podemos articular otras formas de relación con las imágenes y con las potencias políticas que en ellas habitan. Este artículo contribuye a los debates sobre la incidencia de las imágenes desde el cruce interdisciplinar entre los estudios de la cultura visual y la filosofía política de la imagen, y desborda la perspectiva patrimonialista desde la que la historia del arte ha estudiado la iconoclasia, para reivindicarla como práctica de intervención crítica en nuestros imaginarios.

The present article illustrates the advantages of digital humanities to unearth new understandings, in this case of the Pre-Modern Japanese visual culture. Precisely, this article serves three purposes. Firstly, it is a guide to digital methods for size analysis in visual studies. Secondly, this study proposes a survey of the collection of nara-ehon manuscripts of yoko-hon format from the “Digital Collections of the Keio University Libraries”. Thirdly, I present my study of perspective in Pre-Modern Japanese images, which have been puzzling scholars. Indeed, the size of characters painted on the images varies greatly. Yet, these fluctuations in measurements are not used to illusorily transform a two-dimensional space into a three-dimensional one. The image composition and the varying sizes of characters do not create any spatial depth. Unfortunately, creating a systematic study of this visual conundrum was difficult prior to the rise of digital humanities, leaving researchers only with hypothesises. With these new creative methods, and the measurements of 1040 characters extracted from 244 images, the system of perspective within Japanese images is now clearer. Pre-Modern Japanese images use a psychological perspective intricately informed by a play on social norms restricted by the materiality of the manuscripts.

La presente investigación tiene como objetivo de estudio la iconografía del llanto de Isis y Neftis en conjunción con la literatura funeraria de época ptolemaica y romana donde se nos habla del duelo de las Dos Hermanas. Aunque el dolor de ambas diosas por la muerte de Osiris no quedó restringido a la literatura funeraria del periodo ptolemaico, parece que fue entonces cuando este tema se desarrolló con mayor detalle. Para realizar este estudio se han tenido en cuenta los textos de Las glorificaciones, entre los cuales se hallan los conocidos como Las lamentaciones de Isis y Neftis, al mismo tiempo que las representaciones de Isis y Neftis en diferentes soportes hallados en contexto funerario. La iconografía de las dos diosas nos muestra alusiones a los textos funerarios, la utilización del llanto como un elemento ritual para garantizar la pervivencia de la persona difunta en el Más Allá. Acentúa, además, la identificación del muerto con Osiris a través del arte pictórico y los rituales funerarios.

This article is situated within the context of exploring transnationality, circulation, and mobility as methodological devices/operational concepts in analyzing artistic artifacts, artists, and knowledge in motion. It delves into the interaction between art history and the global configuration of the contemporary age, reflecting on the application of methodological proposals from the global turn in the social sciences to the analysis of artistic mobility during the early modern period. Within this broader exploration, the article delves into the multifaceted nature of the genesis of reflections that have led to the emergence of global art history as a constellated phenomenon. It argues that the questioning of paradigms and the introduction of new terminology into the discipline cannot be solely attributed to art history itself. Instead, it emphasizes the need to examine the close association between this approach and broader movements of thought and historiography. At its core, the article highlights the crucial need for reevaluating language, lexicon, and research practices within historiographical movements. It advocates for the deconstruction of existing narratives and the creation of counter-narratives through a reconsideration of the terminology employed. This process fosters imaginative exploration bringing artistic analysis closer to current debates and ongoing reformulations of research practices.

Este artículo propone una revisión de las teorías de la imagen desde el giro visual, tanto en el contexto anglosajón (el giro pictorial de W.J.T. Mitchell) como en el alemán (el giro icónico de Gottfried Boehm). No obstante, también se atienden a otras perspectivas, como las que provienen de la fenomenología (Emmanuel Alloa). Se abordan las coincidencias y diferencias entre ambas aproximaciones, sobre todo en lo que toca a cómo las imágenes producen sentido y a sus formas de acción y agencia. También se repasan las objeciones que desde disciplinas como la de la Historia del Arte se hicieron a los Estudios visuales. Una de las cuestiones clave es la del objeto de estos estudios, relacionada con la de la interdisciplinariedad, así como con la definición del concepto de visualidad, que incluye a las imágenes y los modos de ver en su especificad social e histórica. Los debates entre posiciones perceptualistas y semióticas están ligados a la concepción de la imagen como aparición y mediación, presencia y representación. El artículo defiende mantener las aporías y ambigüedades de la imagen, pues son ellas las que retienen su potencial crítico, especialmente urgente en la época de las imágenes maquínicas interconectadas y la visión artificial.

Reseña de la obra de Salvador González, José María. Ianua Coeli. María Mediadora de la Humanidad. Explicación doctrinal e iconografía. Valencia: Tirant lo Blanch, Humanidades, 2023, 232 p. [ISBN: 978-84-19588-88-3]

El auge de la imprenta durante la primera mitad del Quinientos transcurrió en paralelo al desarrollo de técnicas reprográficas que, no sólo facilitaron la multiplicidad y la difusión de imágenes, sino también el recurso a éstas como eje vertebrador de cualquier sistema propagandístico, favorable o contrario al poder civil o eclesiástico. Todo, además, agudizado por un sistema heterogéneo de organización político-territorial, el imperio, donde la transversalidad de la imagen gozaría de una potencia y capacidad aglutinadora de la que aún se mantenía alejada la esfera de la lecto-escritura. En estas páginas se reflexiona sobre el uso que la dinastía Habsburgo hizo, a lo largo de este periodo, de técnicas de grabado como la xilografía o el aguafuerte, analizando asimismo cómo la difusión de una serie de láminas, la de Nikolas Hogenberg sobre la cabalgata posterior a la coronación de Carlos V en Bolonia (1530), permitió que este acontecimiento histórico se viese reflejado en materiales y espacios diversos, tanto en España como en Italia. El imagocentrismo, por las razones expuestas, adquirió un fuerte impulso en esta modernidad incipiente.

La Basílica de Nuestra Señora del Pilar ha suscitado a lo largo de su historia la reiterada atención del mundo académico. A pesar de la proliferación de estudios sobre el templo pilarista, aún quedan cuestiones por resolver. Este es el caso de las puertas de la Sala de Oración de la Basílica del Pilar de Zaragoza, apenas estudiadas por los investigadores. El presente artículo tiene por objeto reivindicar el valor artístico de este conjunto escultórico, a través de la revisión de las fuentes documentales, bibliográficas, y en especial iconográficas, para comprender su ejecución y contexto en torno al dogma de la Inmaculada Concepción.

Reseña de la obra de Cascelli, Antonio and Denis Condon, eds. Experiencing Music and Visual Cultures: Threshold, Intermediality, Synchresis. London and New York: Routledge, 2021 [ISBN: 978-0-367-18804-7].

El debate desarrollado en torno a la personalidad creadora de Teresa Díez, a partir de la inscripción con su nombre que se conservó en los frescos góticos del convento de clarisas de Toro, da prueba del interés que han venido despertando las firmas medievales en la historia del arte. La relevancia de esta decisión epigráfica por parte de la dama toresana trasciende, empero, el estudio de tal documento como fuente para la mera atestación del rol de Teresa como autora o comitente de los ciclos pictóricos. Aspectos tales como la carga simbólica que posee desde antiguo la palabra en su condición de signo visual, o la ubicación de las grafías dentro de un espacio de clausura femenina permiten profundizar en algunos de los usos dados a esta inscripción en su calidad de imagen. Desde tal punto de vista, su revisión permite aseverar, para este me fecit, una función ligada al ejercicio de la memoria personal e institucional a través de la enunciación del nombre de la dama, del recuerdo de su linaje y de una intención de vinculación atemporal con la obra.

La película soviética Los Marinos de Kronstadt (1936) fue proyectada en Madrid por primera vez el 18 de octubre de 1936, a pocos meses de comenzar la guerra civil española (1936-1939). Los medios de masas pronto instrumentalizaron sus valores ideológicos textuales y subtextuales para explicar la realidad española de la guerra. Analizando su impacto a la luz de la teoría de la producción visual ideologizada y de las posibilidades del realismo que construye Josep Renau (1907-1982) durante los mismos años comprobaremos la capacidad significante de la película en una realidad social en conflicto. Un contexto en el que la producción visual se explotó hasta el punto de conformar un verdadero imaginario (ideológico, bélico, revolucionario) cuyas representaciones se sometieron a un proceso constante de redefinición y revisión. En los años que duró la contienda se reflexionó continuamente sobre las posibilidades morfológicas y las capacidades ideológicas de la imagen, desdibujando las fronteras entre las categorías convencionales que separan la imagen artística de otros tipos de representaciones visuales. Como integrante de dicho fenómeno, en cuya construcción se fueron superponiendo las consideraciones sobre los usos y alcances de toda clase de imágenes, la película presenta un caso de estudio ejemplar.

Este artículo aborda la emergencia de los modelos generativos de creación de imágenes basados en inteligencia artificial (IA) y su modo de funcionamiento mediante la conversión de descripciones de lenguaje natural (prompts) en imágenes. Se hace especial hincapié aquí en la problemática suscitada en torno a los aspectos éticos implicados en los procesos de entrenamiento de estos sistemas. Los riesgos de que estos modelos generativos catalicen una desvalorización de la creatividad humana en diversas dimensiones y de que la generalización de su uso promueva una cultura visual cada vez más derivativa e inauténtica son puntos centrales de este artículo. Asimismo, en la parte final, se describen algunas vías de la creación visual actual centradas en la tematización crítica de la inteligencia artificial, que sitúan la relación entre arte e IA no tanto en el aprovechamiento de la capacidad creativa (combinatoria, derivativa) de esta como en la indagación poética y crítica sobre sus efectos en la producción de nuestra subjetividad.

Analisar, descrever e classificar as realizações do homem consideradas cultural e socialmente arte é refletir sobre as experiências e os efeitos estéticos em diversos contextos ao longo da história e, principalmente, sobre os juízos de valores e imagem culturais. Nesse sentido, este artigo aborda a consciência histórica como um fenômeno coletivo desenvolvido pela cultura ocidental moderna ao encontro de um novo contexto, atual e decolonial. Por meio de uma revisão da literatura sobre a formação das disciplinas Estética e História da Arte, objetiva-se interpretar o significado da arte como imagem formadora dos ideais contemporâneos para um mundo sustentável, valorizando as diferenças como proposta de revisão do conhecimento estabelecido pelo ocidente, considerando novas narrativas com foco nos estudos da cultura visual para a formação de uma história inclusiva da arte. Para isso, os efeitos desse novo contexto são discutidos mediante a experiência estética sobre os desafios da construção de conhecimento ao se reverem os principais valores da cultura ocidental. Assim, conclui-se por meio desta análise que é necessário interpretar as transformações culturais pelas artes em relação às mudanças materiais, éticas e estéticas que envolvem a consciência histórica e novos desenvolvimentos para conhecimento em humanidades nos ambientes ocidentais e não ocidentais.

La inteligencia artificial es la última frontera de nuestro desquiciado humanismo y, en su marco, aparecen sistemas de producción artificial de imágenes que nos obligan a reconsiderar los conceptos de imaginación y creatividad, a la vez que establecen un corte profundo con respecto a la historia del arte en general y la de las imágenes en particular, una cesura o disrupción que tiene mucho que ver con el desequilibrado estado del sujeto contemporáneo. Este artículo se propone analizar el nuevo tipo de imágenes artificiales, así como el panorama de la cultura visual en el que se producen, haciendo hincapié en la fenomenología general de la imagen contemporánea y su relación con el pensamiento.

Dentro de los objetivos del presente artículo tenemos la tarea de exponer una comparación de algunas estampas de Francisco de Goya con imágenes disponibles del arte sacro en la época del artista que ofrecen poses muy similares de los personajes centrales respectivamente. Se va a realizar la descripción iconográfica de las estampas a comparar para encontrar los detalles que nos hablan en algunos casos de posibles relaciones directas, o en otros, de estilos comunes presentes en las representaciones del arte religioso en general y su presencia en la obra de Goya. La metodología se centra en los planteamientos para los estudios en tres etapas de Erwin Panofsky y con ello nos referimos a las etapas pre-iconográfica, iconográfica y la iconológica. Se consideran en este análisis elementos que mantienen posibilidades de asociación en el terreno interpretativo de acuerdo al contexto histórico y social de producción de las obras. La recuperación de elementos propios de una tradición iconográfica religiosa no siempre se realiza desde una sola perspectiva, sino de varias.

This study considers the practice of shared heraldry as an instrument of affirmation of late-medieval monarchies, examining the case study of King João I of Portugal. The study of how this sovereign’s heraldry was shared with those close to him illustrates how heraldry was understood as an instrument of propaganda for the cause of independence, in the context of the 1383-1385 dynastic crisis, and subsequently in building the imagery of the King and the dynasty he founded. The transposition of this heraldry to the Monastery of Batalha, erected to commemorate the victory at Aljubarrota and later a dynastic necropolis, established a privileged relationship with this monument’s architecture and iconography, expanding the same theme of shared heraldry (now in a dynastic context) as an expression of the royal power’s legitimacy.

Book review of Rossi, Maria Alessia and Alice Isabella Sullivan, eds. Eclecticism in Late Medieval Visual Culture at the Crossroads of the Latin, Greek, and Slavic Traditions (Sense, Matter, and Medium 6). Berlin, Boston: De Gruyter, 2022 [ISBN: 9783110693164]

En la actualidad los estudios de joyería están cobrando cada vez más importancia. Las alhajas no solo servían para mostrar el poder que tenía su dueño, sino que contenían información acerca de los intereses y la personalidad de quien lo llevaba. Estas fueron utilizadas como un instrumento de prestigio por las élites. Desde fechas tempranas las mujeres comenzaron a usarlas para subrayar sus cualidades, apareciendo en estos pequeños objetos preciosos alusiones al carácter de su dueña. Uno de los motivos que comenzó a cobrar fuerza en las alhajas fue la representación de una virtud: la Prudencia. Aunque los tipos iconográficos de la Prudencia han variado con el paso del tiempo, su presencia en joyeles, pinjantes o insignias de sombrero aluden a la virtud de su portadora. Así, mediante las piezas que han llegado hasta la actualidad podremos analizar el papel que cumplieron.

Reseña bibliográfica del volumen colectivo Marías. Entre la adoración y el estigma (Valencia: Tirant Humanidades, 2022 [ISBN: 978-84-19071-69-9]), coordinado por la profesora Mª Ángeles Martí Bonafé.