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The present dissertation investigates the integration of Virtual Reality into the design process and its impact on industrial design. By conducting five design studies, impacts such as fostered divergent and convergent thinking, shifted roles of the involved designers, and increased efficiency in terms of cost and time are proven. Implications are derived on different levels, such as the potential of Virtual Reality as game changer for industrial design and its integration into design education., Die vorliegende Dissertation untersucht die Integration von Virtual Reality in den Designprozess und ihre Auswirkungen auf das Industriedesign. Mittels fünf Designstudien werden Auswirkungen wie gefördertes divergentes und konvergentes Denken, veränderte Rollen der beteiligten Designer und erhöhte Zeit- und Kosteneffizienz nachgewiesen. Die Implikationen deuten auf das Potenzial von Virtual Reality als Paradigmenwechsel für Industriedesign und die Integration in die Designausbildung hin.

This dissertation is a study of the experimental artistic practice of the group called Dvizhenie (The Movement) that was active in Moscow between 1964 and 1976 and associated with the Kinetic movement. The period of the group’s activity coincided with a political transition in the USSR from later stages of The Khrushchev’s Thaw characterised by cultural liberation and political reforms into The Stagnation era already defined by Leonid Brezhnev’s rule and subsequently a more conservative and stricter governmental attitude towards artistic production. In this period of a little more than a decade, The Movement group was a single experimental union in the USSR that enjoyed public success and achieved a rapid transformation of their activities from small-scale exhibitions into public state commissions. In the course of this transition, the members of the group formed an entirely new artistic language that was neither similar to Socialist Realism nor to the tendencies of Abstract painting, which gained importance in the circles of experimental Soviet artists at the time. Instead, they turned to the aesthetics of Kinetic art, science- fiction and design and found inspiration in a dialogue with Russian Avant-garde tradition. The narrative of the dissertation follows the specificity of the experimental group’s development in the defined stages and analyses how the group met with the challenges of censorship and opportunities of ideological collaborations. On a broader scale, the dissertation offers an investigation into the functions of experimental thinking in the USSR in the 1960s and evaluates the role of futuristic planning and artists’ dialogue with the restored tradition of the 1920s Avant-garde projects.:Table of Contents List of illustrations...............................................................................................5 Acknowledgements...........................................................................................13 Introduction.........

Das Feld der diskursiven und auch normativen Bestimmungen des Archivbegriffes ist in den letzten Jahren in Bewegung geraten. Das betrifft auch Fragen nach dem Zugang zu Geschichten der Aufführungskünste und die Praxis von Archivprozessen und Sammeltätigkeiten in künstlerischen und kuratorischen Kontexten. Dieses Arbeitsbuch fasst Ergebnisse des Forschungsprojekts „Verzeichnungen. Medien und konstitutive Ordnungen von Archivprozessen der Aufführungskünste“ zusammen. Es wurde zwischen 2012 und 2017, gefördert von der DFG, in Leipzig und Berlin durchgeführt. Enthält: Performance im Museum als Historisierung; Performance der Institution Museum; Performancekunst an der Schnittstelle von visueller und darstellender Kunst; Sammeln und Archivieren als Themen der Kunst; US-amerikanische Performancekunst; Performa New York; Rituals of Rented Island New York; Radical Presence/ Black Performance; Karneval und Performance; Performancekunst in/aus Osteuropa; Reenactment und Re-Staging; MUMOK Factory und Tanzquartier Wien; dispositive Konstellationen Museum und Theater, The discursive and normative field of archivalities has considerably shifted in recent years. This shift also concerns questions of access to histories of performance-based arts as well as archival practices both in artistic and curatorial contexts. This workbook presents results of the research project “Records and Representations. Media and constitutive systems of archiving performance-based arts” conducted between 2012 and 2017 in Leipzig and Berlin with funding by DFG (German Research Foundation).

This dissertation is a study of the experimental artistic practice of the group called Dvizhenie (The Movement) that was active in Moscow between 1964 and 1976 and associated with the Kinetic movement. The period of the group’s activity coincided with a political transition in the USSR from later stages of The Khrushchev’s Thaw characterised by cultural liberation and political reforms into The Stagnation era already defined by Leonid Brezhnev’s rule and subsequently a more conservative and stricter governmental attitude towards artistic production. In this period of a little more than a decade, The Movement group was a single experimental union in the USSR that enjoyed public success and achieved a rapid transformation of their activities from small-scale exhibitions into public state commissions. In the course of this transition, the members of the group formed an entirely new artistic language that was neither similar to Socialist Realism nor to the tendencies of Abstract painting, which gained importance in the circles of experimental Soviet artists at the time. Instead, they turned to the aesthetics of Kinetic art, science- fiction and design and found inspiration in a dialogue with Russian Avant-garde tradition. The narrative of the dissertation follows the specificity of the experimental group’s development in the defined stages and analyses how the group met with the challenges of censorship and opportunities of ideological collaborations. On a broader scale, the dissertation offers an investigation into the functions of experimental thinking in the USSR in the 1960s and evaluates the role of futuristic planning and artists’ dialogue with the restored tradition of the 1920s Avant-garde projects.:Table of Contents List of illustrations...............................................................................................5 Acknowledgements...........................................................................................13 Introduction.........

My project “Behind the Digital Image: Public Photographs on Community Platforms and Twitter as Repositories for Machine Learning and Journalistic Publications” investigates the specificities of social media and photo-sharing platforms as public image repositories, daily media practices and legal practices, and considers ethical questions relating to the digital image as both a research tool and a research object. I pursue two sub-projects, both of which are relevant to understanding the commodification and monetization of vernacular digital images. Nuclear investigations of these projects refer to the relationship of amateur photographers, also referred to as citizen photojournalists, para photojournalists or accidental journalists, and professional stakeholders within the global image market. Since the digital world is quickly changing, field work is needed to understand processes and procedures as they happen. Therefore, I use multidimensional methods, including media ethnography; digital methods; qualitative approaches, such as in-depths interviews and participatory observation, and social media analytic tools. This paper presents an overview of the proposed project and sheds light on both the preliminary results and possible areas of future research.

“You Can’t Keep a Black Woman Down” is a collection of short stories by Alice Walker from 1971, tackling issues Black women face every day in a sexist and racist society. They are stories about oppression, fear and anger; yet Walker ends them on a hopeful note, providing points of departure for a Black female subjectivity. Part of Black women’s oppression stems from the distorted representations across all media – art, film, literature. Alice Walker is among a generation of Black feminists that set out to create corrective images of Black womanhood in the 1970s. Working in a different medium but with the same intentions, photographer Carrie Mae Weems’s body of work likewise tackles issues of Black women’s oppressions while also offering empowering, counterhegemonic images of Black female resistance. In 1973, Carrie Mae Weems received her first camera as a birthday gift and began photographing herself in order to also create images that work against the hegemonic images of Black people, especially women. Her photographs have since been displayed in museums nationally and internationally, providing counter-images for Black women in the United States, whose images, for centuries, have been created for them, not by them. In the 2018 exhibition “We Wanted a Revolution: Black Radical Women, 1965–85” in Buffalo, New York (originally from the Brooklyn Museum), I first encountered the works of Carrie Mae Weems. Her photographs subvert the stereotypical depictions of Black women in media and depict the Black woman, Weems herself, as the complex subject of her works. Instead of falling into the trappings of the “positive” stereotype depictions of the “strong Black woman”, Weems’s works display vulnerable women with complex sets of emotions that encapsulate Black womanhood while at the same time, presenting experiences universal to all women. In an interview, Weems said that there is “still sort of a dearth, a lack of representational images of women. And not, you know, like st

Die Dissertation untersucht Obst und Gemüse als lebendige Produkte aus den beiden Perspektiven der Designforschung und der Science and Technology Studies. Der Produktionsprozess von Obst- und Gemüseerzeugnissen wird dabei als Designprozess verstanden und im Hinblick auf seine Bedingungen und Zielsetzungen beleuchtet. Schwerpunkte der Arbeit sind demnach einerseits die Vorstellungen von Produktqualität, die der Gestaltung zugrunde liegen, andererseits die Eigenschaften des Lebendigen, die die Gestaltung bedingen., This study investigates fruit and vegetables as living products from the two perspectives of Design Research and Science and Technology Studies. The process of production of fruit and vegetables is looked at as a design process and is analyzed with respect to its underlying conditions and its objectives. One main focus therefore lies on the notions of product quality that inform the design process; the second emphasis asks for the characteristics of living things that condition and shape the human design efforts.

Eine Gruppe junger Sportwissenschaftler*innen und Sportstudent*innen bringt im Jahr 2005 zusammen mit einem Sportverein in Chemnitz ein Kindersportprogramm auf den Weg. Zu dieser Zeit sind die Medien bereits voller Schlagzeilen zu Bewegungsmangel und Fitnessdefiziten von Kindern. Das Ziel dieses Programms namens Kindersportschule ist, breitensportliche und sportartunspezifische Bewegungsangebote für möglichst viele junge Kinder in Chemnitz zu schaffen. 16 Jahre nach der erfolgreichen Implementierung dieses ursprünglich baden-württembergischen Sportvereinsmodells in Chemnitz, werden in diesem Sammelband praxiserprobte Ideen, Gestaltungsformen und einfach anwendbare Kurskonzepte für vielfältige Bewegungsstunden mit Babys und ihren Eltern sowie Krippen-, Kindergarten- und Vorschulkindern präsentiert. Sie sind für die praktische Anwendung konzipiert, basieren zugleich aber auf Erkenntnissen wissenschaftlicher Forschung. So gelangen auch spezifische Themen mit hoher Relevanz, wie z.B. Naturerleben, Vielfalt und Integration, Übergang Kindergarten-Schule, in den Fokus. Auf Grundlage eigener Studien in der Kindersportschule Chemnitz liefert der Sammelband Antworten auf spannende Fragen zu Bewegung, Spiel und Sport im Kinderalltag. Das Besondere an diesem Sammelband ist die Erfahrungsgrundlage der Autorenschaft: Aus der Verbindung von Forschung und Praxis sind Bewegungs- und Gestaltungsideen für all diejenigen entstanden, die in der Praxis mit Kindern bewegungsaktiv tätig sind.:I EINFÜHRUNG II METHODIK, DIDAKTIK UND ORGANISATION IM KINDERSPORT III BEWEGUNGSIDEEN FÜR KRIPPEN- UND KINDERGARTENKINDER IV BEWEGEN UND SPIELEN IN DER NATUR V KURSKONZEPTE FÜR KINDERGARTENKINDER VI UMGANG MIT VIELFALT IM KINDERSPORT VII BEWEGUNG IM ÜBERGANG VOM KINDERGARTEN ZUR SCHULE

The microblogging service Twitter has gained importance as an exchange platform for news photos that, in collaboration with renowned media, might trigger immediate reactions from photo editors. Twitter conversations among photo editors and photo creators – produsers, citizen photojournalists, para-photojournalists – show that photo editors turn to (amateur) photographers to request permission to use their eyewitness material in journalistic publications. Reviewing the contested space of digital visual journalism between produsers, photo editors, and the commodification of networked images, I present three scenarios which exhibit how terms of use are negotiated online – hence publicly visible – between creators of Twitpics and editors of newspapers or photo agencies. The paper concludes with five results of the relation between photo editors and para-photojournalists on Twitter: fairness, efficiency, the value of digital images, effects of image sharing practices on visual journalism, and produsers’ daily media practices.

The microblogging service Twitter has gained importance as an exchange platform for news photos that, in collaboration with renowned media, trigger immediate reactions from photo editors. Uploaded eyewit-ness material from terrorist attacks such as in Brussels (2016), Nice (2016), and Munich (2016), as well as from natural disasters such as the fires in Australia (2020), were the starting-point for my investigati-on: Twitter conversations show that photo editors from all over the world turn to (amateur) photogra-phers (hence, citizen- or para-photojournalists) to request permission to use the pictures in journalistic publications. Some even send a special “social media release form” in which they declare that they recog-nize the copyright holder, but will not pay for the use of the images – although they want to reserve the full rights to further distribution of the respective images over time, space and medium. One of my goals is to investigate the extent to which copyright and terms of use are shaped by social-me-dia companies and journalistic needs, as well as by the ignorance of ‘produsers’ (which is the term coi-ned by Axel Bruns to denote the hybridization of producer and user). My hypothesis is that the distinction between professionals and amateurs in the photojournalism industry is declining. The normalization of unpaid work carried out by produsers in journalism and the creative industries also affects professional standards and ethics. My CAIS working paper shows the preliminary results of my ongoing project.

Die vorliegende Dissertation untersucht das Verhältnis Collage – Differenzerfahrungen – Künstler:Innen. Dabei wird die (Kunst-)Geschichte der Collage sowie die Perspektive auf Collage als künstlerisches, methodisches, epistemologisches und biographisches Prinzip erforscht. Ebenso wird – unter subjektivierungstheoretischem Fokus – der These nachgegangen, dass sich Differenzerfahrungen künstlerisch wie biographisch materialisieren und sich in Text- und Bild-material auffinden lassen. Differenzerfahrungen werden in dieser Forschungsarbeit verstanden als Reflexionen von Diskriminierungserfahrungen und von Othering/Veranderung (Prozessen des Gemacht-Werdens zu vermeintlich Anderen).Die vorliegende Subjektivierungsforschung – in deren Zentrum Leben und Werk Hannah Höchs (1889-1978) stehen – vollzieht sich zum einen anhand einer diskursanalytischen Untersuchung biographischer Textdokumente der Künstlerin; zum anderen wird ebendiese Textanalyse mit einer Bildanalyse der höch’schen Collage „Lebensbild“ aus dem Jahr 1972/1973 in Bezug gesetzt. Das Bild- und Textmaterial wird auf die (De-)Thematisierung der vier Differenzkategorien Geschlecht, Klasse, Körper/Behinderung, Herkunft/race sowie deren intersektionaler Verschränkung befragt und in einer mikrosprachlichen Feinanalyse anhand der drei Analyseheuristiken Anrufung, Selbstaussagen, biographische Erfahrungen auf die sprachliche (Re-)Produktion möglicher Differenz(-Erfahrungen) untersucht. Eingebettet in und in Auseinandersetzung mit zeitgenössischen Diskursen von Kunst- und Sonderpädagogik verfolgt diese Arbeit das Ziel, Forschungsergebnisse zu Differenzerfahrungen/Collage/Künstler:Innen für ebenjene Disziplinen zu transformieren. Die Perspektivierung der Künstlerin Hannah Höch stellte unter dem vertieften Analysefokus von Körper/Behinderung und Geschlecht bislang ein Forschungsdesiderat dar; die vorliegende Untersuchung bespielt ebendieses und zeigt sich hierdurch zusätzlich transdisziplinär anschlussfähig an die Gender, This dissertation examines the relationship between collage – experiences of difference – artists. It explores the (art) history of collage as well as the perspective on collage as an artistic, methodological, epistemological and biographical principle. Likewise, the thesis that experiences of difference materialize artistically as well as biographically and can be found in textual and pictorial material will be pursued – with a focus on subjectification theory. Experiences of difference are understood in this research as reflections of experiences of discrimination and of othering (processes of being made into supposed others).The present research on subjectification – which centers on the life and work of Hannah Höch (1889-1978) – is carried out, on the one hand, on the basis of a discourse-analytical examination of biographical text documents of the artist; on the other hand, this very text analysis is related to an image analysis of the höch collage “Lebensbild” from 1972/1973. The pictorial and textual material will be interrogated for the (de-)thematization of the four categories of difference: gender, class, body/disability, race as well as their intersectional entanglement. In a micro-linguistic fine analysis, the linguistic (re-)production of possible experiences of difference will be examined on the basis of the three analysis heuristics: invocation, self-statements, biographical experiences. Embedded in and engaging with contemporary discourses of art and special education, this work aims to transform research findings on experiences of difference/collage/artists for those same disciplines. The perspective of Hannah Höch as an artist has so far been a research desideratum with a deeper focus on the analysis of body/disability and gender; the present study addresses this very issue and thus also shows transdisciplinary connectivity to Gender and Disability Studies.

Diese Publikation erscheint anlässlich der 13. Internationalen Ausstellung zeitgenössischer Künste, der 3. OSTRALE Biennale, stattfindend vom 1. Juli bis 3. Oktober 2021 in Dresden., This book is published on the occasion of the 13th International Exhibition of Contemporary Arts, the 3rd OSTRALE Biennale, from July 1st to October 3rd, 2021 in Dresden.

Den 23. TDKT haben wir das Motto »Heimat« gegeben. In der gesamten Euroregion Elbe/Labe spielt die Identifikation der Bevölkerung mit ihrer Region – und zwar auf beiden Seiten der Grenze – eine große Rolle. Diese hat sehr viel mit dem individuellen Gefühl und Verständnis von Heimat zu tun, mit der Verortung sowohl in räumlicher Hinsicht als auch im übertragenen Sinne, z. B. im politischen, historischen, sozialen oder künstlerischen Raum. Diese Verortung bestimmt die Identität von Menschen, ihr Fehlen oder Verlust werden meist als große Verunsicherung empfunden. Eine besondere Brisanz hat das Thema Heimat in der sächsisch-tschechischen Grenzregion aufgrund der Vertreibung der deutschsprachigen Bevölkerung nach dem Zweiten Weltkrieg. Mehrere Millionen Menschen mussten ihre Heimat verlassen und beschäftigen sich oft über Generationen hinweg noch heute mit diesem Thema. Andererseits zogen Menschen in die entvölkerten Gebiete, zu denen sie meist keinen Bezug hatten und nur langsam einen heimatlichen herstellen konnten. Die Nachwirkungen dessen spürt man bis heute in vielerlei Hinsicht.

Die gesellschaftliche Relevanz visueller Kommunikation nimmt immer weiter zu. Postmoderne Bildparodien sind Teil dieser Kultur. Dabei erschöpfen sie sich nicht im Aspekt des Komischen. Johanna Hornauer erläutert am Beispiel ausgewählter Werke von Sigmar Polke, dass Bildparodien eine kritische Auseinandersetzung mit Geschichte als autoritativer Instanz darstellen. Ihre Untersuchung von postmodernen Bildparodien als ästhetischer Praxis und Intervention in bestehende (Herrschafts-)Diskurse entwickelt neue Analysestrategien und fördert damit unter medienkritischer Perspektive ein generelles »Lesenlernen« von Bildern, das im Museum ebenso nützlich ist wie auf Social Media.

Im Rahmen des Forschungsprojekts 'Verzeichnungen. Medien und konstitutive Ordnungen von Archivprozessen der Aufführungskünste' interessierten wir uns für die Archivierungsprozesse von Rimini Protokoll. Wie dokumentiert die medial-technisch versierte Künstler:innengruppe ihre Arbeit? Gibt es so etwas wie ein kontinuierlich betriebenes Archiv? Dieser Bericht bildet den dritten Teil der Reihe Archiv-Analysen. Er basiert auf einem Gespräch, das wir bereits 2016 führten und ist in insofern auch ein Griff ins Archiv des Forschungsprojekts. Archiv-Analysen richten sich auf die Praktiken des Sammelns und die Prozesse des Erschließens und Nutzens verschiedener Akteur:innen und Institutionen im Bereich Performancekunst/Freie Theater- und Tanzszene. Teil 1 beschäftigte sich mit dem HAU Hebbel am Ufer, Berlin (MAP #8) und Teil 2 mit dem Haus der Kunst, München und dem steirischen herbst, Graz (MAP #9).

Von März 2019 bis März 2020 zeigte die Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig das Projekt „Bewußtes Unvermögen – Das Archiv Gabriele Stötzer“. Dem vorangegangen waren Überlegungen zur gegenwärtigen Sammelpraxis am Museum. Diskutiert wurden Sammel- und Archivpraktiken, die eine Aktivierung der Bestände in der Gegenwart ermöglichen und die Sammlung als ‚Archiv für eine künstlerische Erfahrung’ (Suely Rolnik) begreifen. Für eine Reihe von künstlerischen Praktiken – etwa performativen, zeitbasierten, partizipativen, kollaborativen – erweisen sich bisherige Sammelkonzepte als inadäquat. Das Archiv Gabriele Stötzer war vor dem Hintergrund dieser Auseinandersetzungen als ein Ausstellungs-, Vermittlungs- und Forschungsraum angelegt. In 3 Teilen zeigte es die künstlerische Praxis Stötzers (vornehmlich aus den 1980er Jahren) zusammen mit dokumentarischem Material, das die Künstlerin selbst zusammengestellt hat. Für das begehbare Archiv entwickelte die Künstlerin Paula Gehrmann wechselnde Rauminstallationen, die in einen Dialog mit dem Material Stötzers traten.

Akira Takayamas Theaterprojekt „J Art Call Center“ entstand im Herbst 2019 als unmittelbare Reaktion auf die temporäre Schließung der Ausstellung After ‚Freedom of Expression‘? bei der Aichi Triennale 2019. Die Ausstellung versammelte über zwanzig künstlerische Positionen, welche in staatlichen japanischen Museen nicht gezeigt werden konnten bzw. aus laufenden Ausstellungen entfernt worden waren. Aufgrund von aggressiven Protesten von Bürger*innen musste sie nach nur drei Tagen Laufzeit aus Sicherheitsgründen schließen. Eine Gruppe von Künstler*innen rief daraufhin die Kampagne „Re:Freedom Aichi“ ins Leben. Akira Takayamas J Art Call Center entstand im Kontext von „Re:Freedom Aichi“ und setzte in einer Situation der Konfrontation und Eskalation auf eine direkte Form des Dialogs. Die zentrale Idee des J Art Call Center: Beschwerdeanrufe von Bürger*innen wurden nicht mehr von Angestellten der Präfektur Aichi entgegengenommen, sondern von den beteiligten Künstler*innen und Künstlern selbst. Der Artikel reflektiert Takayamas Projekt als Antwort auf eine zunehmende Vereinnahmung der künstlerischen Sphäre durch politische Repräsentationskämpfe. Die Autorin beschreibt, wie Takayama im Rekurs auf die griechische Tragödie Strategien entwickelt, Theater vor dem Hintergrund der Radikalisierung des öffentlichen Diskurses als sozialen Raum neu zu aktivieren.

Sommersemester

Wintersemester

Die Bedeutung von materiellen Artefakten, die in ihrer Form unverändert bleiben, kann sich durch räumliche Bezüge und durch den Wechsel des Kontexts verändern. Durch die räumliche Zuordnung inszeniert, können Artefakte inhaltlich festgelegt oder akzentuiert werden bzw. eine neue Bedeutung erlangen. Inhaltlich festgelegte Artefakte können durch ihre Aufstellung einen Raum, manchmal eine ganze Landschaft, neu und spezifisch deuten. Dabei lassen sich verschiedene Ausprägungen von Kontextwechseln finden. In diesem Band werden räumliche, historische, topographische und diskursive Kontextwechsel in Fallbeispielen analysiert und deren Bedeutungen und Überschneidungen kritisch reflektiert. So zeigen Artefakte der Antike, wie Bildwerke gezielt aus ihren ursprünglichen Aufstellungskontexten herausgelöst und neu integriert worden sind, wobei dies entsprechend oder entgegen der älteren Verwendung geschehen konnte. Für die Neuzeit lässt sich zeigen, dass sich durch die Sammlung und die Anordnung von Artefakten Wissenssysteme etablieren und stabilisieren lassen. Hier schließen sich Fragen an: etwa nach der Verwendung von Gegenständen, die eigens für Reisen und den Transfer in andere kulturelle Bereiche geschaffen worden sind; oder nach der Rolle von durch Migrant*innen mitgebrachten Objekten als Identitätsmarker.

Den 23. TDKT haben wir das Motto »Heimat« gegeben. In der gesamten Euroregion Elbe/Labe spielt die Identifikation der Bevölkerung mit ihrer Region – und zwar auf beiden Seiten der Grenze – eine große Rolle. Diese hat sehr viel mit dem individuellen Gefühl und Verständnis von Heimat zu tun, mit der Verortung sowohl in räumlicher Hinsicht als auch im übertragenen Sinne, z. B. im politischen, historischen, sozialen oder künstlerischen Raum. Diese Verortung bestimmt die Identität von Menschen, ihr Fehlen oder Verlust werden meist als große Verunsicherung empfunden. Eine besondere Brisanz hat das Thema Heimat in der sächsisch-tschechischen Grenzregion aufgrund der Vertreibung der deutschsprachigen Bevölkerung nach dem Zweiten Weltkrieg. Mehrere Millionen Menschen mussten ihre Heimat verlassen und beschäftigen sich oft über Generationen hinweg noch heute mit diesem Thema. Andererseits zogen Menschen in die entvölkerten Gebiete, zu denen sie meist keinen Bezug hatten und nur langsam einen heimatlichen herstellen konnten. Die Nachwirkungen dessen spürt man bis heute in vielerlei Hinsicht.

Geheimagent Traum – Träume gestalten die Entwürfe unserer Welt und unserer Kultur. The Missing Link

Hermann K. Ehmers Analyse einer Doornkaatwerbung – 50 Jahre danach mit Original-Text von 1970

Im dritten und letzten Teil dieser Artikelreihe, widmet sich Serkan Gören den beiden philosophischen Größen Martin Heidegger und Walter Benjamin zwei philosophischen Größen, die uns die Theorie der Readymades verständlicher machen sollen. Dazu verlassen wir die New Yorker Kunstszene und damit Duchamps Atelier zu Beginn des 20. Jahrhunderts und begeben uns in einen theoretischen Raum.