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Retrato de Rapaz (2013) é uma obra fascinante, escrita por Mário Cláudio, onde se observa a relação tantas vezes conturbada como harmoniosa entre mestre e discípulo. A novela conta a história de Gian Giacomo, um aprendiz do célebre e renomado Leonardo da Vinci, que o artista acolhe no seu estúdio, rebatizando-o com o nome de Salai, nome deveras grotesco, que significa “pequeno diabo”, e o seu percurso com o génio da pintura ao longo dos seus anos de crescimento e amadurecimento. O tema do retrato literário, associado à representação grotesca, é a base do presente trabalho, onde vão ser apresentadas reflexões sobre o modo como a atmosfera macabra está presente nos diversos espaços e personagens da trama, influenciando a própria representação que o artista, Leonardo, quer fazer do seu jovem aprendiz, Giacomo.

La sátira se expresó genuinamente como la potencia disruptiva e irritante contra el status quo de la sociedad medieval y renacentista. Un elemento retorico y poético único, cargado de expresiones criticas de talante político, moral y pedagógico, asociados a una visión hedonista e impulsiva de la vitalidad. Por consecuencia, relacionada al sentido común y feliz del vulgo, la plebe "estulta" o "necia" frente a la ascética, la reflexión y la vivencia mortificada y racionalista del sabio o erudito solitario. Una bíblica sentencia lo ilustra: Stultorum infinitus est numerus ("El número de los necios es infinito"). La sátira nos presenta el mundo al revés, la sociedad boca abajo, el mundo revolucionado, la felicidad como necedad. En fin, nos muestra otra perspectiva en la que el placer y la expresión hedonista del cuerpo tienen su lugar privilegiado frente a la regla y la normativa moral monástica y eclesiástica. Los escritos Elogio de la Locura de Erasmo de Rotterdam y Gargantúa y Pantagruel de François Rabelais (siglo XVI), marcan antecedentes importantes de la sátira (y su derivación grotesca) en la filosofía y en la literatura, en donde se expresa en la primera obra una recuperación de la filosofía epicúrea y en la segunda el hedonismo extremo en su carácter grotesco. El fin de nuestro trabajo es indicar la visión carnavalesca- hedonista y la crítica moral que se expresan en tales obras. Satire was genuinely expressed as the disruptive and irritating power against the status quo of medieval and Renaissance society. A unique rhetorical and poetic element, loaded with critical expressions of a political, moral and pedagogical nature, associated with a hedonistic and impulsive vision of vitality. Consequently, related to the common and happy sense of the vulgar, the plebe "estulta" or "foolish" in front of the ascetic, the reflection and the mortified and rationalistic experience of the wise or solitary scholar. A biblical sentence illustrates it: Stultorum infinitus est numerus ("The number of fools is infinite"). Satire presents the world upside down, society upside down, the world revolutionized, happiness as foolishness. Finally, it shows us another perspective in which the pleasure and the hedonistic expression of the body have their privileged place in front of the rule and the monastic and ecclesiastical moral regulations. The writings Praise of the Madness of Erasmus of Rotterdam and Gargantúa and Pantagruel by François Rabelais (sixteenth century), mark important antecedents of satire (and its grotesque derivation) in philosophy and literature, where it is expressed in the first work a recovery of the epicurean philosophy and in the second the extreme hedonism in its grotesque character. The aim of our work is to indicate the carnivalesque-hedonistic vision and moral criticism expressed in such works.

An analysis of the limits of humanity in Indra Sinha's novel Animal's People, Un análisis de los límites de la humanidad en la novela Animal's People de Indra Sinha

Los siete locos y Los lanzallamas han sido consideradas como las novelas más importantes de la producción narrativa de Roberto Arlt. Por medio del delito y la simulación, los personajes pretenden llevar a cabo una revolución e instaurar un nuevo orden social. En este artículo, propongo que, mediante la reapropiación discursiva de la locura, la obra se erige como una forma de resistencia a los sistemas de poder. Consecuentemente, los personajes, al constituirse como sujetos marginales desde su propio discurso, desestabilizan los conceptos de crimen y revolución que se representan en ambos textos. Los siete locos i Los lanzallamas han estat considerades com les novel·les més importants de la producció narrativa de Roberto Arlt. Per mitjà del delicte i la simulació, els personatges pretenen dur a terme una revolució i instaurar un nou ordre social. En aquest article, proposo que, mitjançant la reapropiació discursiva de la bogeria, l'obra s'erigeix com una forma de resistència als sistemes de poder. Conseqüentment, els personatges, en constituir-se com a subjectes marginals des del seu propi discurs, desestabilitzen els conceptes de crim i revolució que es representen en ambdós textos. Los siete locos and Los lanzallamas have been considered as the most important novels of the narrative production of Roberto Arlt. Through crime and simulation, the characters intend to carry out a revolution and establish a new social order. This article aims to establish that, by means of the discursive reappropriation of madness, both novels stand as a form of resistance to the power systems. Thereby the characters destabilize the concepts of crime and revolution that are represented in the texts since they characterize themselves as marginal subjects through their own discourse.

In 1967, García Pavón publishes the volume of short stories La guerra de los dos mil años, in which he moves away from the realism that characterize all his previous (and later) production. In this book, Garcia Pavón chooses the fantastic, the dystopia and the grotesque as a means to denounce the Spanish reality of the moment and the recent past –especially the Civil War–. The objective of this article is to analyze the main formal and thematic resources of this book, as well as its contextualization and its clear intention of social and political criticism of the endemic problems of Spanish society and, above all, the abuses of the Franco dictatorship. These aspects have been barely mentioned or altogether ignored in the few studies devoted to La guerra de los dos mil años. This will allow not only to broaden the interpretations of García Pavón’s book held up to now, but also to show his dissident stance regarding the Franco regime manifested through various non-mimetic means of expression. En 1967, García Pavón publica el volumen de cuentos La guerra de los dos mil años, en el que se aleja del realismo que caracteriza toda su producción anterior (y posterior) y se interna por los caminos de lo fantástico, la ciencia ficción y lo grotesco con una clara voluntad de denuncia de la realidad española del momento y del pasado reciente –en especial, la Guerra Civil–. El objetivo de este artículo es analizar los principales recursos formales y temáticos de esta obra, así como su contextualización y su clara intención de crítica social y política de los males endémicos de la sociedad española y, sobre todo, de los abusos de la dictadura franquista, aspectos que los escasos trabajos dedicados a La guerra de los dos mil años no habían estudiado o apenas habían destacado. Ello permitirá no solo ampliar las interpretaciones del libro de García Pavón hasta ahora sostenidas, sino evidenciar su postura disidente respecto al régimen de Franco manifestada a través de diversas vías de expresión no miméticas.

La present investigació neix de la voluntat d’estudiar la categoria estètica del grotesc en la literatura rioplatense al segle XX. En aquest sentit, iniciem el nostre recorregut amb un estudi històric i teòric que pretén donar compte dels molts significats que ha adoptat el grotesc; fet que ha dificultat, en ocasions, la seva distinció amb altres categories. Aplicarem les nostres conclusions teòriques a l’anàlisi pràctic de dos autors que, si bé semblen no compartir molt entre ells, sí dibuixen les dues línies del grotesc al segle XX: el «grotesc social» i el «grotesc fantàstic». Del primer autor, Roberto Arlt, ens interessarem pel discurs de la violència (posant molta atenció al paper dels narradors), l’interès per la tècnica i la creació (així com el treball) i l’escenificació teatral (principalment a través de la mentida i l’engany). Del segon, Silvina Ocampo, ens preguntarem per la participació del grotesc en la relació nen-adult (dues esferes que es rebutgen mútuament), en la inclusió del sobrenatural en els seus relats (fet que provoca un punt de contacte amb el fantàstic) i la carnavalització (màscares, disfresses, bojos ...). Són pocs els estudis que connecten directament a aquests autors amb el grotesc i creiem que aquest és un discurs polifacètic capaç d’explicar nombrosos elements que caracteritzen, ja no només les seves narracions, sinó el desenvolupament d’una estètica transgressora. La presente investigación nace de la voluntad de estudiar la categoría estética de lo grotesco en la literatura rioplatense en el siglo XX. Para ello, partimos de un estudio histórico y teórico que pretende dar cuenta de los muchos significados que ha adoptado lo grotesco; hecho que ha dificultado, en ocasiones, su distinción con otras categorías. Aplicaremos nuestras conclusiones teóricas al análisis práctico de dos autores que, si bien parecen no compartir mucho entre ellos, sí dibujan las dos líneas del grotesco en el siglo XX: el «grotesco social» y el «grotesco fantástico». Del primer autor, Roberto Arlt, nos interesaremos por el discurso de la violencia (prestando mucha atención al rol de los narradores), el interés por la técnica y la creación (así como el trabajo) y la escenificación teatral (principalmente, a través de la mentira y el engaño). Del segundo, Silvina Ocampo, nos preguntaremos por la participación de lo grotesco en la relación niño-adulto (dos esferas que se rechazan mutuamente), en la inclusión de lo sobrenatural en sus relatos (hecho que provoca un punto de contacto con lo fantástico) y la carnavalización (máscaras, disfraces, locos…). Son pocos los estudios que conecten directamente a estos autores con el grotesco y creemos que este es un discurso polifacético capaz de explicar numerosos elementos que caracterizan, ya no solo sus narraciones, sino el desarrollo de una estética transgresora.

En este artículo se analiza el modelo del retrato grotesco en el marco de una acumulación de géneros y fórmulas burlescas de la Historia de las cuevas de Salamanca, de Botello de Moraes, comentando los principales ejemplos y mecanismos de composición caricaturesca, como la hipérbole, anima - lización, cosificación, desintegración de la figura humana o degradación satírica. Analisa-se neste artigo o modelo do retrato grotesco no contexto de uma acumulação de géneros e fórmulas burlescas na Historia de las cuevas de Salamanca, de Botello de Moraes, comentando os principais exemplos e mecanismos de composição caricaturesca, como a hipérbole, a animalização, a coisificação, a desintegração da figura humana ou a degradação satírica. This article analyzes the grotesque portrait model within the context of an accumulation of genres and burlesque formulas of the Historia de las Cue- vas de Salamanca by Botello de Moraes. The main examples and mecha - nisms of caricature are further commented on – hyperbole, animalization, reification, disintegration of the human figure or satirical degradation. Burlesque

Beatriz FERNÁNDEZ RUIZ, De Rabelais a Dalí. La imagen grotesca del cuerpo

Derivado da palavra italiana grotta (ou gruta, no português), a manifestação estética do grotesco remonta à Antiga Roma. Mais precisamente, enquanto objeto de atenção, ao Domus Aurea, a casa dourada do imperador Nero[1]. As escavações arqueológicas ocorridas no Domus Aurea a partir do século XIV intentavam resgatar o passado romano, motivo posterior de grande interesse dos renascentistas. Durante as escavações, foram encontrados elementos decorativos incomuns que no início do século XVI causaram admiração e fascínio nos renascentistas. Era uma decoração fantasiosa, ornamental, com motivos naturais misturados, tais como aves, animais, plantas e frutas, que não guardava semelhança com o estilo clássico predominante em Roma. A beleza ornamental do grotesco acabaria sendo absorvida, sem abrir mão de seu caráter de estranhamento, muitas vezes metamórfico, às vezes cômico, às vezes fantástico, às vezes bizarro, pela arte decorativa do pintor Rafaello.

Dissertação (Mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Artes, Programa de Pós- Graduação em Artes Visuais, Brasília, 2020. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES). A presente dissertação discorre sobre as visualidades e conceitos do corpo grotesco no desenho figurativo, investigando suas manifestações no campo ficcional das imagens, fazendo referência a obras que correspondem à pintura, gravura, desenho e histórias em quadrinhos. O estudo adentra e analisa os elementos que estruturam e denominam esse tipo de corpo ficcional para esmiuçar os seus aspectos visuais e teóricos, baseando-se especialmente nos apontamentos do crítico literário russo Mikhail Bakhtin. Assim, visa compreender e potencializar essas manifestações corpóreas por meio da experimentação como método na etapa prática, de modo a descrever, ponderar e analisar as nuances obtidas nos conjuntos das obras produzidas pelo autor. This dissertation discusses the visualities and concepts of the grotesque body in figurative drawing and investigates its manifestations in the fictional field of images. It makes references to works that correspond to painting, printmaking, drawing and comic books. This study analyzes elements that structure and name this type of fictional body to detail its visual and theoretical aspects, based on the notes of literary critic Mikhail Bakhtin. This dissertation searchs for understanding and enhancing these bodily manifestations through experimentation as a method in the practical stage, in order to describe, consider and analyze the nuances obtained in the sets of work of art produced by the author.

EnglishFrom a theological perspective, this article traces relations between two works by the writer Hilda Hilst in the play O Rato no Muro (1967) and the no-vel Com os Meus Olhos de Cao (1986), locating the understanding of the divi-ne presented in these narratives under the premise of manifestations linked to the grotesque. With the initial basis in theories of Kayser (2003) and Bakhtin (1979), regarding this aesthetic concept, this reflection deepens its analysis through the phenomenology of religion by Rudolph Otto (2007) and the cate-gory of Mysterium Tremendum. Through literary experience, Hilda Hilst offers a deep understanding of the numinous, in the way it reveals itself to humanity, awakening the feeling of a creature and expanding perception with a desire to see beyond what immediate reality allows. These are interpretations that aim to enrich the theopoetics studies in Brazilian literature, as well as the critical fortune surrounding the work of Hilda Hilst portuguesA partir de uma perspectiva teopoetica, este artigo traca relacoes entre duas obras da escritora Hilda Hilst, a peca teatral O Rato no Muro (1967) e a novela Com os Meus Olhos de Cao (1986), localizando a compreensao do divino apresentada nestas narrativas sob a premissa de manifestacoes ligadas ao grotesco. Com a base inicial em teorias de Kayser (2003) e Bakhtin (1979), a respeito deste conceito estetico, esta reflexao aprofunda sua analise por meio da teologia de Rudolph Otto (2007) e a categoria do Mysterium Tremendum. Por meio da experiencia literaria, Hilda Hilst oferta uma profunda compreensao do numinoso, na maneira como este se revela a humanidade, despertando o sentimento de criatura e ampliando a percepcao com um desejo de ver alem do que a realidade imediata permite. Sao interpretacoes que visam enriquecer os estudos teopoeticos na literatura brasileira, assim como a fortuna critica em torno da obra de Hilda Hilst.

Submitted by Eliana CEH/B (liliprata2000@gmail.com) on 2021-09-15T19:20:07Z No. of bitstreams: 1 Tese - Isabelle Godinho Weber - 2020 - Completo.pdf: 2678148 bytes, checksum: 391fb0d3734f35e61cd5f2dd0b1702b0 (MD5) Made available in DSpace on 2021-09-15T19:20:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese - Isabelle Godinho Weber - 2020 - Completo.pdf: 2678148 bytes, checksum: 391fb0d3734f35e61cd5f2dd0b1702b0 (MD5) Previous issue date: 2020-03-16 Fundação Carlos Chagas Filho de Amparo à Pesquisa do Estado do Rio de Janeiro - FAPERJ Afin de réfléchir sur les nouvelles expressions fictionnelles du corps dans la littérature française du XXème siècle, nous nous proposons d’analyser le rôle essentiel accordé à l’imagerie du corps dans la production littéraire de deux auteurs français: André Pieyre de Mandiargues, auteur surréaliste des années 1950 dont les contes narrent des métamorphoses à connotation sexuelle, et Sylvie Germain, auteure de la seconde moitié du siècle dont les romans sont caractérisés par l’incorporation insolite d’événements historiques. Étant donné que la poétique des ces écrivains présente des caractéristiques héritées d’un long passé littéraire, nous soulignons les relations architextuelles que leurs oeuvres articulent avec des catégories reconnues par la critique littéraire – notamment celles concernant l’insolite, telles que “fantastique”, “merveilleux” et “réalisme merveilleux”. Suite à la délimitation des aspects formels qui contribuent à la constitution de l’iconographie insolite du corps, nous analysons les processus de subjectivation qui l’engendre. Soutenant l’hypothèse que ces oeuvres manifestent, à partir du thème de la métamorphose, la dimension inconsciente du sujet, nous employons comme fondement théorique des concepts créés par Sigmund Freud. Finalement, nous proposons l’examen des représentations du corps selon la notion de « grotesque », fondamentale à la compréhension des téchniques de figuration et des sens attribués à l’imagerie du corps, dialoguant avec des réflexions proposées par Victor Hugo, Wolfgang Kayser et Mikhail Bakhtin Com o intuito de refletir sobre as novas expressões ficcionais do corpo na literatura francesa do século XX, a tese propõe uma análise do papel crucial que as imagens de corpos metamorfoseados assumem na produção literária de dois autores franceses: André Pieyre de Mandiargues, autor surrealista da década de 1950 cujos contos narram experiências de caráter sexual, e Sylvie Germain, autora da segunda metade do século cujos romances são caracterizados pela incorporação insólita de acontecimentos históricos. Considerando que a poética dos dois autores apresenta características que se inscrevem em um longo passado literário, salientamos as relações arquitextuais que suas obras articulam com categorias empregadas pela literatura crítica – especialmente com a gama de conceitos pertencentes ao terreno do insólito ficcional, como “fantástico”, “maravilhoso” e “realismo maravilhoso”. Após a delimitação dos aspectos formais que contribuem para a constituição da iconografia insólita do corpo, analisamos os processos de subjetivação que engendram tais imagens nos textos dos dois autores. Sustentando a hipótese de que tais obras manifestam, pelo viés da metamorfose, a dimensão inconsciente do sujeito, adotamos como eixo teórico algumas das categorias analíticas que constituem o universo conceitual de Sigmund Freud. Por fim, propomos o exame de tais representações do corpo à luz do conceito de “grotesco”, fundamental à compreensão das técnicas de figuração ficcional e dos sentidos conferidos à iconografia do corpo na obra dos dois autores, dialogando com reflexões propostas por Victor Hugo, Wolfgang Kayser e Mikhail Bakhtin

Huellas de existencia es un proyecto que propone el registro de una vida expresada en distintos recorridos que se bifurcan y se pierden entre múltiples vivencias. Recorridos que han sufrido alteraciones a lo largo del tiempo, desdibujándose en la búsqueda de una visión personal y provocando con ello una abducción plástica de la realidad. Los mapas utilizados son señalizadores de etapas y espacios muy concretas, cartografías vivas que abarcan distintos apartados, los cuales forman parte de la identidad. Todo ello es recogido en un Libro de artista. En esta memoria explico la metodología de trabajo del proceso creativo seguido en la construcción de la obra, dando lugar a las decisiones tomadas durante su desarrollo, así como los referentes utilizados que han servido como objeto y base en la indagación creativa. Traces of existence is a project that proposes the recording of a life expressed in different branched paths that get lost in multiple experiences. Paths that have suffered disruption over time, blurring in the search for a personal vision and, thus, causing the plastic abduction from reality. Maps are used as indications of very concrete periods of time and spaces, living mappings that cover different sections, which are part of my identity. All of this is included in an Artist book. In this report, I explain the project’s work methodology of the creative process, followed by the construction of the artwork, giving rise to taken decisions during its development, as well as the referents used, serving as the object and basis of the creative investigation.

La teoría de lo grotesco propone la historia de la idea estética de lo grotesco en cinco grandes etapas: en su imposibilidad en las poéticas y tratados de la Clasicidad, en la polémica de la tragicomedia del Barroco del Siglo de Oro, en el advenimiento de la Estética y la Crítica del siglo de las Luces y en las tres irrupciones que sitúan lo grotesco en el primer plano de la teoría en los siglos XIX y en los siglos XX y XXI. La evolución de lo grotesco se estudia principalmente en los teóricos de referencia de cada etapa en los cuales influye poderosamente aunque no haya expresión directa de su idea sino reformulaciones entreveradas bajo la designación de otros términos en cada una de las etapas estudiadas. De entre todos los términos bajo los que se oculta el influjo de lo grotesco destaca el de lo barroco como idea constante omnipresente en todas las épocas y sobre todo en los límites de transición de una a otra cuando estalla la querelle entre antiguos y modernos.

La straordinaria fortuna di Dante nella cultura britannica fra la fine del Settecento e il primo trentennio dell'Ottocento - vista attraverso le lenti di Henry Francis Cary, autore di una traduzione canonica della Commedia in lingua inglese, e quelle di William Blake, il poeta-illustratore di Dante per antonomasia - getta un fascio di luce sulle idee religiose, politiche ed estetiche dominanti in quel periodo. I romantici britannici modernizzano l'escatologia medievale della Commedia, alcuni di essi deteologizzano in toto la visione dantesca. Notevole è la forza attrattiva dell'anticlericalismo dantesco, inteso come segno di proto-protestantesimo. Il paradigma romantico è ambivalente: viene riconosciuta la genialità di Dante, ma il suo peculiare plurilinguismo con forti accenti realistici è ritenuto dissonante nell'epica religiosa. Il realismo figurativo, reputato grottesco, contraddice i dettami del sublime-patetico elaborati da Burke. Eloquente la comparazione fra la rappresentazione dantesca di Lucifero e le sue metamorfosi in epoca romantica, il cui archetipo è il Satana eroico di Milton. H. F. Cary e W. Blake, nel tradurre Dante, dialogano con due testi originali, La Commedia e il Paradise Lost, talché il Satana eroico di Milton si sovrappone al Lucifero bestiale del Canto XXXIV dell'Inferno. Il Satana blakeano - emblema di un'umanità decaduta a causa di un'immaginazione poetica rattrappita - modernizza ma non offusca il sostrato concettuale del male assoluto espresso dalla metafisica cristiana. L'extraordinària popularitat de Dante en la cultura britànica entre finals del segle XVIII i principis dels anys del segle XIX - vista a través dels ulls d'Henry Francis Cary, autor d'una traducció canònica de la Comèdia en anglès, i de William Blake, el poeta-il·lustrador de Dante per excel·lència - llança llum sobre les idees religioses, polítiques i estètiques dominants en aquest període. La comparació entre el Llucifer de Dante, una figura bestial, i la seva metamorfosi en l'heroic Satán de Milton, mostra interessants conclusions. Atès que els romàntics consideraven a Milton com un model, tant Cary com Blake entren en diàleg amb dos textos originals, la Comèdia i el Paradís Perdut, en traduir a Dante. El Satanàs de Blake és l'epítom d'una humanitat la caiguda de la qual prové d'una imaginació poètica marcida. Aquesta visió modernitza, no enterboleix però, la noció de maldat absoluta que sustenta la metafísica cristiana. Dante's extraordinary popularity in British culture between the late eighteenth and early nineteeth century - viewed through the lenses of Henry Francis Cary, who produced a canonical translation of the Comedy, and William Blake, possibily the most renowned poet-illustrator of Dante - throws light on the religious, political and aesthetic ideas holding sway during that period of time. The comparison between Dante's Lucifer, a beastly figure, and its metamorphosis into Milton's heroic Satan, yields interesting insights. Since the Romantics looked up to Milton as a model, both Cary and Blake enter into a dialogue with two original texts, The Comedy and Paradise Lost, as they translate Dante. Blake's Satan is the epitome of a humanity whose fall from grace stems from a withered poetic imagination. This view modernizes, but does not cloud, the notion of absolute evil underpinning Christian metaphysics. La extraordinaria popularidad de Dante en la cultura británica entre finales del siglo XVIII y principios de los años del siglo XIX - vista a través de los ojos de Henry Francis Cary, autor de una traducción canónica de la Comedia en inglés, y de William Blake, el poeta-ilustrador de Dante por excelencia - arroja luz sobre las ideas religiosas, políticas y estéticas dominantes en ese período. La comparación entre el Lucifer de Dante, una figura bestial, y su metamorfosis en el heroico Satán de Milton, arroja interesantes conclusiones. Dado que los románticos consideraban a Milton como un modelo, tanto Cary como Blake entran en diálogo con dos textos originales, la Comedia y el Paraíso Perdido, al traducir a Dante. El Satán de Blake es el epítome de una humanidad cuya caída proviene de una imaginación poética marchitada. Esta visión moderniza, pero no enturbia, la noción de maldad absoluta que sustenta la metafísica cristiana.

Retrato de Rapaz (2013) é uma obra fascinante, escrita por Mário Cláudio, onde se observa a relação tantas vezes conturbada como harmoniosa entre mestre e discípulo. A novela conta a história de Gian Giacomo, um aprendiz do célebre e renomado Leonardo da Vinci, que o artista acolhe no seu estúdio, rebatizando-o com o nome de Salai, nome deveras grotesco, que significa “pequeno diabo”, e o seu percurso com o génio da pintura ao longo dos seus anos de crescimento e amadurecimento. O tema do retrato literário, associado à representação grotesca, é a base do presente trabalho, onde vão ser apresentadas reflexões sobre o modo como a atmosfera macabra está presente nos diversos espaços e personagens da trama, influenciando a própria representação que o artista, Leonardo, quer fazer do seu jovem aprendiz, Giacomo., Retrato de Rapaz (2013) is a fascinating work, written by Mário Cláudio, which shows the often troubled and harmonious relationship between master and disciple. The novel tells the story of Gian Giacomo, an apprentice from the famous and renowned Leonardo da Vinci, whom the artist welcomes in his studio, renaming it with the name of Salai, a very grotesque name, which means "little devil", and his journey with the genius of painting throughout its years of growth and maturation. The theme of the literary portrait, associated with the grotesque representation, is the basis of this work, where reflections will be presented on how the macabre atmosphere is present in the different spaces and characters of the plot, influencing the very representation that the artist, Leonardo, wants to make his young apprentice, Giacomo.

As linguagens da commedia dell’arte e do clown, em diálogo com o conceito de grotesco, no Barracão Teatro (Campinas - SP). Parte-se das observações e vivências destas linguagens - e das entrevistas com Tiche Vianna e Ésio Magalhães, que abordam especialmente a montagem da comédia “Zabobrim: O rei vagabundo” - para as influências e atravessamentos no trabalho de uma das autoras enquanto atriz, palhaça e pesquisadora da comicidade de cunho popular. Conclusão da análise da linguagem do cômico do Barracão Teatro feito por receptora, i.e., público - e outra autora do presente artigo.

Virgil’s Georgics, on 4. 281-314, describes a method for the restoration of a swarm lost of bees, namely, the bugonia: a cattle putrefied carcass would give rise to a new swarm. A grotesque method that explores the borders of the body as an universal principle to strengthen the ambivalences (BAKHTIN, 1987, p. 265-322). Beside grotesque features, the bugonia is problematic concerning their applicability; the grotesque method can be read as a scene of social and political restoration of the Rome from mid-1st century b.C. Os versos 281-314 do livro 4 das Geórgicas de Virgílio descrevem um método para a restauração de um enxame de abelhas perdido, a saber, a bugonia: a carcaça putrefata de um animal serviria para dar origem a um novo enxame. Um método grotesco que explora os limites do corpo enquanto elemento universal para potencializar possíveis ambivalências (BAKHTIN, 1987, p. 265-322). Além de grotesca, a bugonia é problemática quanto à aplicação, o que parece sugerir que a descrição do método grotesco desvela uma cena de restauração social e política da Roma do séc. I a.C. Abstract Virgil’s Georgics, on 4. 281-314, describes a method for the restoration of a swarm lost of bees, namely, the bugonia: a cattle putrefied carcass would give rise to a new swarm. A grotesque method that explores the borders of the body as an universal principle to strengthen the ambivalences (BAKHTIN, 1987, p. 265-322). Beside grotesque features, the bugonia is problematic concerning their applicability; the grotesque method can be read as a scene of social and political restoration of the Rome from mid-1st century b.C. Keywords: bugonia; grotesque; bees; scene; restoration &nbsp

Se comentan dos largos textos unidos por rasgos comunes de tipo disparatado que generan un peculiar ludismo alucinante basado en la animización de lo inerte y la desrealización a través de las palabras. This paper analyses two poems by Quevedo that share many common aspects such as the animation of vegetables and fruits through words.