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Recension d'articles pour la revue "Recherche-création : savoir ou savoir-faire?" Éditions de L'Entretemps, ouvrage sous la direction de Sylvie Roques et Isabelle Starkier

APPROCHES SENSIBLES ET CONCEPTUELLES DES FORMES DU VIVANTLe biomorphisme renferme en lui-même une complexité remarquable. Pour commencer, le terme « biomorphisme » porte, en un seul mot, trois notions que sont le vivant (du grec ancien : bíos), la forme (morphê) et la pensée (ismós). Si son appartenance au champ de la science semble évidente au premier abord, son inscription dans le champ artistique peut surprendre. Le radical « biomorph » apparaît pour la première fois à la fin du XIX e siècle, dans l'ouvrage d'Alfred Cort Haddon, anthropologue, biologiste et zoologue anglais. Dans son livre, Evolution of Art, le scientifique qualifie de biomorphique les « modes d'expressions qui se réfèrent aux formes du vivant ou à des états naturels premiers ». Ainsi, le biomorphisme serait d'emblée traversé par les sciences dites exactes et les sciences humaines. Néanmoins, ce n'est qu'à partir des années 1930 que le terme biomorphisme fera partie intégrante du vocabulaire artistique, lorsque la critique d'art l'emploie pour qualifier les oeuvres qui portent en elles la référence au vivant, sans se conformer aux catégories historicisées de l'art figuratif et de l'art abstrait. Qu'en est-il du biomorphisme à notre époque Depuis 2016, le collectif de recherche Biomorphisme-Approches sensibles et conceptuelles des formes du vivant vise à émanciper la notion qu'il portait de son contexte initial d'énonciation au XX e siècle. Les artistes et théoriciens qui composent ce collectif veulent penser le biomorphisme dans un cadre élargi, au coeur des enjeux esthétiques, politiques et écologiques contemporains de notre rapport au vivant. Le collectif Biomorphisme propose de dépasser l'image sensible immédiate du vivant, en passant par le détour, le déplacement et l'expérimentation. Ce projet se développe au sein du centre Gilles Gaston Granger (université Aix-Marseille) en lien avec la fondation IMéRA (Institut Méditerranéen de la Recherche Avancée), le LESA (Laboratoire d'Études en Sciences de l'Art) et la Friche la Belle de Mai. Les sciences humaines et les sciences dites exactes se rencontrent ici dans un projet interdisciplinaire. Cette rencontre est aussi celle de leurs tensions internes. Penser le rapport du vivant à l'art nécessite de nouvelles dynamiques de recherche pour l'émergence de savoirs, où raison et sensibilité se mêlent.-Amaryce Bourgade-BIOMORPHISME

Profitant d’un projet de traduction de texte poétique militant, nous avons appliqué une approche de recherche-création en vue d’étudier les particularités du processus de traduction, notamment en ce qui concerne des considérations éthiques et la manifestation concrète de concepts traductologiques, à savoir la déverbalisation et la réexpression comme l’entendent Seleskovitch et Lederer (2014)., Using the translation of a militant and poetic text as a springboard, we applied a research-creation approach to the project in order to study the distinctive features of the translation process, including ethical considerations and the tangible manifestation of concepts born in the field of translation studies – namely the notions of deverbalization and reexpression as proposed by Seleskovitch and Lederer (2014).

International audience; Les Dronards est un collectif d’artistes pluridisciplinaire fondé en 2014. Il est rejoint par deux socio-anthropologues lorsqu’il « atterrit » à Villeurbanne, en juillet 2017. L’épisode villeurbannais s’articule autour de la dérive urbaine de Jules, un rover (engin roulant télécommandé) équipé d’une caméra légère, dans deux quartiers de la ville, Grand Clément et Bel-Air-Les-Brosses.Le matériau produit durant l’été 2017,- soit de courtes pastilles vidéos retraçant les pérégrinations de Jules et ses acolytes, jour après jour -, nous servira de base ou tremplin pour dégager les multiples enjeux du projet. Chaque intervenant, artiste ou chercheur, ouvrira un ou deux axes de réflexion qui lui semble prépondérant sur la base d’un extrait projeté. Où il sera question des modalités spécifiques de l’enquête, des modes de rencontre et d’interaction, de différents « points de vue filmiques », de l’interaction homme-machine, etc. Ce retour d’expérience s’ouvrira sur un échange autour et en présence de Jules.

Pour la biennale internationale d'art contemporain Dream City (Tunis), la frontière entre l’artiste et la population disparaît, grâce à un long travail relationnel d’élaboration de l’œuvre in situ. Observé sous l’angle des frontières, ce festival se révèle riche de mécanismes d’effacement des lignes de démarcation. Pourtant, ce gommage des limites n’est pas un objectif, mais un effet de la recherche d’espaces qui permettent d’être disponible à l’autre, d’interstices d’urbanité. Dans cette optique, la méthodologie Dream City oriente les travaux vers la recherche-création, et l’œuvre se présente comme un tissage de plusieurs champs de savoir et de questionnement ; il n’y a plus vraiment de frontière entre la recherche et la création. Vu sous un autre angle, c’est la frontière entre l’art et le politique qui disparaît, et ceci nous renvoie vers la notion de dissensus développée par Jacques Rancière (Rancière, 2004).

International audience; extrait de l'Introduction : "Grazia Giacco débute son article par une traversée sonore en nous renvoyant à la pièce pour piano de Maurice Ravel, Une barque sur l’océan.Par cette entrée, elle pose un cadre dans cet ouvrage, celui d’une combinaison kaléidoscopique des termes culture/création. C’est par la création, et la méthodologie de la création, qu’elle déploie le sens actif de la culture qui permet de basculer du savoir, de la tradition, vers la création. Aussi, il convient de mettre en relation l’acte esthétique avec l’action poïétique (le faire). L’approche didactique qui est proposée s’irrigue des pratiques de création associées aux axes de la recherche-création pour favoriser la production de savoirs par les pratiques artistiques et par l’expérimentation. Dans cette perspective, elle met en évidence la reliance (Le Moigne, 2008 ; Morin, 2004) qui permet d’articuler complexité et transdisciplinarité et qui amène à rechercher dans, entre, à travers, les différentes disciplines. La création devient, dès lors, une pratique de la reliance invitant l’apprenant à faire pour comprendre. En réhabilitant la portée universalisante contenuedans la culture, l’auteur préconise une pratique musicale qui réaffirme le réel de l’intuition, de l’imaginaire, de la sensibilité et du corps dans lamobilisation des connaissances." (p. 19)

Initiated by an artist-photographer and a researcher, Ax3 is a research-creation project that explores the contemporary relationship between urban geographies and creative processes. One of the contemporary dimension of the studio identified by the authors is the « post post-studio », that is to say the persistent need for space to create in an increasingly dematerialised world where urban territories are gentrifying. Researchers will deploy an experimental design in order to explore this dimension of studio practice. It will rely on studios' visits, interviews and architectural performances. The project will take place in three phases, in three geographies, each chosen according to their territorial representations. This communication aims to present the approach, research questions and preliminary results., Initié par une artiste-photographe et une chercheuse, Ax3 est un projet de recherche-création qui explore la relation entre les territoires urbains et le développement de pratiques artistiques. Une dimension contemporaine de l'atelier identifiée par les auteures est le « post post-studio », c'est-à-dire le besoin persistant d'un espace pour créer dans un monde de plus en plus dématérialisé où les territoires urbains se gentrifient. Les chercheuses déploient un protocole expérimental pour étudier cette dimension de la pratique de l'atelier à partir de trois géographies distinctes choisies pour explorer des variables associées à leurs représentations territoriales. La pratique d'atelier sera ainsi étudiée, déconstruite, à partir de visites d'ateliers, d'entrevues et de performances architecturales. La communication aura pour objectif de présenter la démarche et les questions de recherche ainsi que les résultats préliminaires de la première phase d'Ax3.

International audience; The ability of maps to represent territory and geographical phenomena is more and more questioned nowadays. Medium of observation, experience or information, maps appear to be not only a representation item but also a way for action. Maps are now used as artworks, for local participation in development projects, or as a new tool to map sensitive experiences, visible and invisible uses of places, environmental perception or as a point of view on political issues. New approaches are now developed: maps are not anymore considered as pictures of the area but as a way to build a new relation to oneself, to others and to the environment. This communication aims to deal with the conditions of a research-creation approach in geography, that is a practice of geographical tools through experimentation protocols in situ, that are developed in connection with the research situation and shared with people who participate.; La capacité des cartes à « montrer » des espaces et des phénomènes géographiques est aujourd'hui remise en cause. Médium d'observation, d'expérience ou d'information, les cartes sont davantage utilisées non plus comme représentation mais comme des modes d'agir. Produites en dehors du champ géographique, notamment en art, mobilisées pour la participation habitante dans les projets d'aménagement, développées à travers de nouveaux dispositifs pour cartographier une expérience sensible, certaines cartographies se fondent sur un nouveau registre : on ne peut plus les considérer à proprement parler comme des « images de l'espace », elles fabriquent de nouveaux rapports à soi, à l'autre et à l'environnement. Cette communication propose une réflexion sur les conditions de possibilité d'une approche de recherche-création en géographie, c'est-à-dire d'une démarche centrée sur l'instrumentation géographique avec des protocoles d'expérimentation in situ, élaborés en lien avec la situation de recherche et en partage avec les personnes participantes.

International audience; The purpose of this paper is to explore possible collaborations between geography and art in the school field. Inspired by land art artists' "doing with space" and geographers of art's analyses, I propose to develop in class a geography through art. My hypothesis is that this type of experience could promote the circulation of knowledges in a school context that usually promotes expert knowledge (formal geography) rather than students' spatial pratical experiences (informal geography). Teacher in high school, researcher in didactics of geography, I experimented in 2016-2017 a device of collective sensitive postcard with high school students: after a sensitive visit of our high school, we mapped it. I will present the issues, functioning and results of this experimentation, and replace it in the context of researches in experiential geography.; Cette communication a pour objet d'explorer les collaborations possibles entre géographie et art dans le champ scolaire. M'inspirant des manières de faire avec l'espace des artistes du land art et m'appuyant sur les analyses qu'en ont fait les géographes de l'art, je propose de développer en classe une géographie par l'art. Je fais l'hypothèse qu'elle favorise la circulation des savoirs dans une forme scolaire qui privilégie ordinairement l'exposition par l'enseignant du savoir expert (une « géographie raisonnée ») au détriment de l'expression des savoirs d'expérience des élèves (leur « géographie spontanée »). Enseignante dans le secondaire, chercheure en didactique de la géographie, j'ai expérimenté en 2016-2017 un dispositif de carte postale sensible collective avec une classe de 1re ES. J'en présenterai ici les enjeux, le fonctionnement et le résultat.

HARVEY est un roman graphique que j’ai illustré en 2009. Au moment d’adapter ce livre illustré en cinéma d’animation, j’ai eu envie de questionner le passage entre ces deux médias dans le cadre d’un travail de recherche-création. Quels éléments de la source initiale sont conservés, transformés ou éliminés dans le processus? Avec le volet recherche, j’interroge le processus d’adaptation d’un premier système visuel (le roman graphique) vers un second système visuel (le film d’animation) en m’intéressant tout particulièrement au passage de l’image fixe à l’image animée dans les théories de l’adaptation. En plus de fournir les éléments créatifs issus du processus d’adaptation (moodboard, story-board, posing layout et animatique), le volet création expérimente directement avec les théories prônant le prolongement du geste créateur. À travers ce parcours, je démontre que l’auto-adaptation graphique vers l’animation est une pratique propice pour l’exploration d’une méthode de recherche-création, et que cette démarche suppose toujours de naviguer des tensions entre contrôle d’un message, propriétés spécifiques des médias, et narrativité intrinsèque dans le récit qui doit être adapté., HARVEY is a graphic novel that I illustrated in 2009. As I am adapting this illustrated book into an animated film, I want to question the transfer between these two media within the context of a research-creation study. Which elements of the original source will be kept, modified or excluded in this process? With the research part, my intention is to delineate the adaptation process from a first visual system (the graphic novel) towards a second visual system (the animated short), specifically in terms of aesthetic exchange between a still and an animated image, and in the light of adaptation theories. Besides supplying the creative elements from my process (moodboard, story-board, posing layout and animatic), the creation part also integrates an experimental component as a way of testing theories advocating the expansion of the creative gesture. Through this work, I demonstrate that graphic autoadaptation towards animation is a suitable practice for the exploration of a method of researchcreation, and that this approach always hinges on the navigation of tensions between the control of a message, the media specificities, and the inherent narrativity within the story that is adapted., Mémoire en recherche-création ayant bénéficié d'une bourse de recherche (B1), du Fonds de recherche Société et culture (FRQSC). Pour respecter les droits d’auteur, la version électronique de ce mémoire a été dépouillée de certains documents visuels et audio‐visuels. La version intégrale du mémoire a été déposée à la division de la gestion des documents et des archives.

La façon de représenter et d’intégrer convenablement la communauté lesbienne, gaie, bisexuelle, transgenre et queer (LGBTQ) dans les productions cinématographiques du Québec constitue la problématique qui a servi de fil conducteur à ce mémoire. L’objectif est de savoir si les images LGBTQ véhiculées par le cinéma sont représentatives de cette communauté. Pour faire cela, les représentations LGBTQ dans les films québécois sont analysées selon les deux points de vue suivants : la critique gaie et lesbienne ainsi que la théorie queer. L’analyse d’une sélection de films d’ici, intégrant ce type de personnages et d’enjeux, a mis en lumière les stéréotypes dépeignant les personnes LGBTQ. En plus des analyses de séquences, le mémoire s’appuie sur un sondage en ligne réalisé auprès d’internautes s’identifiant comme LGBTQ. La partie création, qui consiste en un scène-à-scène d’un long métrage de fiction, est donc inspirée des opinions de la communauté LGBTQ, mais aussi des manques repérés dans le corpus analysé selon les fondements des deux théories citées précédemment. Dans mon projet de création, j’ai voulu construire un univers diégétique excluant les préjugés et les clichés récurrents., The way that lesbian, gay, bisexual, transgender and queer people are represented and integrated in the French-Canadian cinematography is the main subject leading this essay. The goal is to find out if the LGBTQ representation in films fully represent this community. To do so, the representations will be analysed with the help of these two perspectives: Gay and lesbian criticism and queer theory. I wanted to know if these LGBTQ images fully represented this community. The analysis of French Canadian movies depicting these types of characters and issues revealed that the use of stereotypes is still a common approach. Besides movie clips analysis, this essay relies on the opinions of the people identifying themselves as LGBTQ, gathered thanks to a questionnaire which I created. The creation part of this master dissertation, consisting of an outline for a feature film, is based on a variety of the opinions and the foundations of the two previous theories. I tried to create a story that doesn’t refer to these recurring clichés.

Les blockbusters américains sont aujourd’hui des productions cinématographiques dominantes, notamment grâce à l’avènement de grandes franchises et sagas dites de sciencefiction dont Marvel, DC Comics, Star Wars, Alien, Terminator, etc. Les représentations de héros et de super héros se multiplient au sein des représentations de ce type de cinéma. En revanche, les héroïnes et super héroïnes ne sont que très peu nombreuses, ce qui illustre un certain rapport de pouvoir entre les genres. Il est possible de supposer que les représentations des productions cinématographiques produisent et véhiculent des discours, mais quels sont-ils ? S’agit-il de discours hégémoniques ? Des discours normatifs et stéréotypés ? De discours féministes ? À l’intersection entre études culturelles, féministes et recherche création, ce mémoire s’intéresse à la représentation des corps féminins dans les blockbusters américains dits de science-fiction. Au travers d’une exploration de quatre personnages, le processus de représentation est étudié comme étant un outil permettant à la fois de produire et de questionner des normes et stéréotypes de genre. Suite à la réalisation d’entrevues, ce mémoire explore également de cerner les interprétations et perceptions qu’ont les femmes des représentations féminines du cinéma de science-fiction. Participant d’un projet de recherche création, les données recueillies lors des entrevues sont rassemblées et analysées au travers d’un récit fictionnel qui permet également une expérimentation de la méthodologie du processus créatif à des fins académiques. La fiction, et la représentation, sont étudiées sous différents angles, à la fois au travers de l’exploration et de la création., Nowadays, American blockbusters are dominant cinematographic productions. Sciencefiction, as it is defined by that type of productions, is very popular, due to the advent of sagas and production studios as Marvel, DC Comics, Star Wars, Alien, Termination, etc. Men and super heroes’ representations are numerous in these productions. However, women and super heroines are less represented, which illustrate a relation of power between genders. It might be suspected that cinematographic productions’ representations create and convey discourses, but what are they? Are they hegemonic discourses? Normative and stereotype discourses? Feminist discourses? At the intersection between cultural studies, feminist studies and research-creation, this thesis focuses on women’s bodies representations in science-fiction blockbusters. Through an exploration of four characters, the representation process is studied as a tool allowing both to create and to question gender norms and stereotypes. Following interviews, this thesis also tries to understand women’s interpretations and perceptions of female representations in sciencefiction cinema. As part of a research-creation project, the data collected during interviews is gathered and analyzed through a fictional story, allowing an experimentation of the creative process methodology for academic purposes. Fiction, and representation, are studied through different points of view, through both exploration and creation.

International audience

International audience; Partant d’un questionnement sur l’émergence de la « recherche-création » – contexte institutionnel, spécificité de la recherche en art – cet essai constitue un premier bilan de l’ensemble de nos investigations qui étudient, de manière transversale, recherche-création et didactique de la création artistique. Conçu comme une forme qui entrecroise parties théoriques et sections introspectives, ce travail aborde plusieurs thèmes : la nature du processus créateur, la dynamique de création, l’interaction complexe entre recherche, création et enseignement, les pratiques liées à la recherche en art et à l’enseignement de la création artistique, et le rôle de l’enseignant-chercheur au regard de ces nouveaux enjeux épistémologiques et méthodologiques.

Les Dronards est un collectif d’artistes pluridisciplinaire fondé en 2014. Il est rejoint par deux socio-anthropologues lorsqu’il « atterrit » à Villeurbanne, en juillet 2017. L’épisode villeurbannais s’articule autour de la dérive urbaine de Jules, un rover (engin roulant télécommandé) équipé d’une caméra légère, dans deux quartiers de la ville, Grand Clément et Bel-Air-Les-Brosses.Le matériau produit durant l’été 2017,- soit de courtes pastilles vidéos retraçant les pérégrinations de Jules et ses acolytes, jour après jour -, nous servira de base ou tremplin pour dégager les multiples enjeux du projet. Chaque intervenant, artiste ou chercheur, ouvrira un ou deux axes de réflexion qui lui semble prépondérant sur la base d’un extrait projeté. Où il sera question des modalités spécifiques de l’enquête, des modes de rencontre et d’interaction, de différents « points de vue filmiques », de l’interaction homme-machine, etc. Ce retour d’expérience s’ouvrira sur un échange autour et en présence de Jules.

Cet article a pour ambition d’incarner/proposer la réflexivité d’une pensée en cours de processus, moyen fondamental de ce qui est nommée, au Québec, la recherche-création. Il m’importe d’insister sur son caractère éminemment inductif en même temps que déductif, et d’y associer une méthode qui peut s’y développer. Il s’agit de mettre en avant à la fois les difficultés avec lesquelles la recherche-création s’envisage en France et les possibilités émergentes. Revenir sur ce parcours me permet de mettre en lecture des procédés, des façons de faire, des étapes, des méthodes relatives à la posture de la pensée réflexive. Enfin, cette contribution est l’occasion de présenter la recherche-création que j’ai engagée depuis. This article aims to represent the reflexivity of an ongoing thought, one of the fundamental tool of the so called in Québec research-creation. I would like to demonstrate what the reflexivity can highlight and the way it highlights it. Another purpose is to show its instinctive and deductive nature. I would then be able to associate it to a method that could grow within it. The goal here is to underline the difficulties encountered by the research-creation in France and the emerging possibilities. Returning to this course allows me to highlight techniques, ways of doing, stages, methods relating to the reflexive thought. Thus, this contribution allows me to give a detailed description of the research-creation I worked on since then.

Au Département de danse de l’UQAM, la Maîtrise en danse attire chaque année des artistes qui s’engagent dans une recherche universitaire pour approfondir leur démarche artistique, investiguer un aspect de leur pratique ou réfléchir sur des problématiques rattachées à la danse. La possibilité d’intégrer un volet pratique à leur recherche permet à ces artistes d’allier une expérience en studio à une démarche réflexive. L’article retrace l’expérience de trois artistes-chercheuses s’étant aventurées sur cette voie. Un entretien d’explicitation a été mené avec chacune d’elles afin de mieux saisir comment ont pu s’articuler la théorie et la pratique dans leur projet. De leur témoignage, nous avons pu dégager trois espaces relationnels entre la théorie et la pratique, de la tension à l’échange jusqu'à la fluidification de la relation conduisant à une validité interne de la recherche. Each year the Dance Department of UQAM attracts artists seeking to investigate or deepen their understanding of an aspect of their creative practice, or reflect on a problematic related to the field of dance. The possibility of integrating research and creation offers artists the opportunity to move between the studio and a reflexive approach, this article traces the experiences of three artist-researchers who have taken up this adventure. We engaged each of the participants in a thorough interview process that encouraged them to articulate the theory and practice in their work. The quality of the exchanges ranged from tense to fluid and generated three distinct relational spaces between praxis and theory, enabling us to gather traces of and validation for the inner workings of research-creation.

En partant de la prémisse qu’un film de fiction biographique (ou « biopic ») peut être empreint d'une authenticité tout aussi grande que celle provenant d’un documentaire biographique, ce travail de recherche questionne le rapport au « réel » de ces deux manières distinctes (et pourtant similaires) de raconter une vie, en définissant la fiction, le documentaire et leurs sous-genres biographiques, de même qu'en exposant le parcours historique et la réception critique des biographies filmées. De plus, ce mémoire s'attarde sur la biographie et l'autobiographie littéraires, ainsi que sur leurs adaptations filmiques, afin d'offrir un portrait synthétique des possibilités auto/biographiques au cinéma; la notion narratologique du point de vue est revisitée à cet effet. Cette étude se penche également sur les multiples traitements biographiques dont une personnalité connue est parfois l'objet, et sur les résultats de quelques biopics et documentaires biographiques au box-office (américain, français, anglais, québécois). La description de la création reliée à ce mémoire, soit le scène-à-scène (ou continuité séquentielle) d'un biopic basé sur l'autobiographie La détresse et l'enchantement (1984) de l'auteure canadienne Gabrielle Roy, clôt cette argumentation., Starting with the premise that a fictional film based on someone's life can be as authentic as a biographical documentary, this thesis shows how these two different (but similar) modes of narrating a life interact with "reality", defines the concepts of fiction, documentary, and their biographical sub-genres, and analyzes the history and the critical reception of biopics and biographical documentaries. Furthermore, it studies the literary genres of biography and autobiography, as well as their movie adaptations, in order to provide a portrayal of the auto/biographical films; for this purpose, the idea of the narratological point of view is revisited. This research work also establishes that a well-known personality can sometimes be the main subject of multiple biographical fiction films and documentaries, and gives an overview of the box office results of some biographical films (in America, in France, in UK, in Quebec). A description of the creation linked to this thesis, that is a film treatment of a biopic based on Gabrielle Roy's autobiography La détresse et l'enchantement (1984), ends this dissertation., Mémoire en recherche-création

International audience; Les processus migratoires, longtemps exclus de la narration nationale, accèdent désormais à une forme de visibilité dans l'espace public, notamment à partir des initiatives de chercheur.se.s et « entrepreneurs de mémoire » : associations militantes, artistes, musées ou collectivités territoriales . Le réseau Traces en Auvergne-Rhône-Alpes est un « réseau-forum » à géométrie variable, réunissant des collectifs artistiques, des associations œuvrant dans le champ social ou culturel, diverses institutions publiques à vocation patrimoniale et des chercheur.se.s en sciences sociales. Ce réseau est né à la fin des années 1990 au sein et à partir d’une autre association régionale, ARALIS (Association Rhône-Alpes pour le Logement et l'Insertion Sociale) . Depuis sa création, Traces ne cesse d'interroger la place et les représentations des catégories dites « immigrés », et aujourd'hui « migrants », dans les processus de mémorialisation régionaux. Ce réseau est à l’initiative d’une biennale culturelle, dont la première édition s’est tenue en 2000. Cet article revient sur le rôle et le sens de Traces dans les processus de patrimonialisation des mémoires associées à l’immigration, et en particulier sur la dernière édition de sa biennale intitulée « Vous avez dit (crise des) migrants ? Figures d’hier et d’aujourd’hui » qui s'est tenue du 2 novembre au 9 décembre 2016 dans l’ensemble de la région Auvergne-Rhône-Alpes.

International audience; Deux historien.ne.s, un auteur de bande dessinée, trois géographes, un photographe effectuent un voyage de quinze jours en Afrique du Sud afin d'étudier les frontières des anciens bantoustans, créés pendant l'apartheid et faire l'expérience d'un travail à plusieurs. Chaque auteur.e interroge la notion de frontière, la discipline académique à laquelle il.elle est assigné.e, sa subjectivité et des manières possibles de faire ensemble.

This thesis proposes to examine the concept of "enhanced book" from a theoretical posture articulated to a practice of mediator and multimedia editor exercised at the French National Library (BnF) during twenty years. Our research raises the question of the reconfiguration of the book in the digital environment through the notions of remediation and editorialization, that is to say, from the point of view of the media forms and editorial practices evolution. The design of two prototypes — the Candide app-book carried out at the BnF and the Odyssey web-book conducted at the University of Paris VIII — enabled us to examine the boundaries of the book and formulate the concepts of enrichment and enhancement regarding to the enclosure of the book. We defend the thesis of a digital object-book necessarily closed, enriched by the editor and the reader, enhanced by virtual extensions on the web or in applications. The experience of reading and transmitting the works are renewed by intermediate practices and a new sensoriality of digital media., Cette thèse se propose d’examiner le concept de « livre augmenté » à partir d’une posture théorique articulée à une pratique de médiateur et d’éditeur multimédia exercée à la Bibliothèque nationale de France (BnF) pendant une vingtaine d’années. Notre recherche pose la question de la reconfiguration du livre dans l’espace numérique à travers les notions de remédiatisation et d’éditorialisation, c’est-à-dire du point de vue de l’évolution des formes médiatiques et des pratiques éditoriales. La conception de deux prototypes — le livre-application Candide réalisé à la BnF et le livre-web Odyssée réalisé à l’Université Paris-VIII — nous a permis d’interroger les frontières du livre et de formuler les concepts d’enrichissement et d’augmentation au regard de la clôture du livre. Nous défendons la thèse d’un objet-livre numérique nécessairement clos, enrichi par l’éditeur et le lecteur, augmenté par des extensions virtuelles sur le web ou en applications. L’expérience de lecture et la transmission des œuvres s’y trouvent renouvelées par des pratiques intermédiatiques et une nouvelle sensorialité des supports numériques.

Se basant sur le récit d’un projet de recherche-création mené au doctorat en Études et Pratiques des Arts à l’UQAM, cet article propose des outils de compréhension d’un processus de recherche sur l’interprétation en danse contemporaine, issu de l’expérience de l’artiste/chercheuse. La démarche méthodologique emprunte à la théorisation en action (Masciotra, 1998), à la recherche heuristique (Moustakas, 2001), à l’ethnographie, à l’autoethnographie (Fortin, 2006) et à l’analyse en mode écriture (Paillé et Muchielli, 2012). L’article décrit et analyse plus spécifiquement certains temps charnières et déterminants de la recherche-création, soit l’élaboration du projet de création, la collecte de données sur le terrain et les différents modes d’analyse mis en œuvre pour déplier la subjectivité de la chercheuse. La recherche en art depuis le lieu d’une pratique sera ainsi considérée, pour l’artiste/chercheuse, comme un jeu permanent avec l’espace de son point de vue. As a result of the outcome conducted during a practice-led research performed in a Phd program at the University of Québec in Montréal, this article provides some instruments in order to better understand a research process dealing with dance performance from the point of view of the artist involved as a researcher. From théorisation en action (Masciotra, 1998) to heuristic research (Moustakas, 2001), by way of ethnography, autoethnography (Fortin, 2006) and through the written analysis method (Paillé et Muchielli, 2012), the author introduces her methological approach. The article describes and analyses some important steps in research along with the development of the creation process, the datas collection within the specific field and the different layers of data analysis involved to reveal the personality of the author. The practice-led research is seen, for the artist/researcher, as a constant shift of her point of view. Basandosi sul resoconto di un progetto di ricerca-creazione condotto durante un dottorato in Studi e Pratiche delle Arti all’UQAM, l’articolo propone degli strumenti per comprendere un processo di ricerca sull’interpretazione in danza contemporanea, relativo dall’esperienza dell’artista-ricercatrice. L’approccio metodologico si basa sulla teorizzazione in azione (Masciotra, 1998), sulla ricerca euristica (Moustakas, 2001), sull’etnografia, sull’autoetnografia (Fortin, 2006) e sull’analisi nella modalità di scrittura (Paillé e Muchielli, 2012). L’articolo descrive e analizza nello specifico certi tempi cardine della ricerca-creazione, nonché l’elaborazione di un progetto di creazione, la raccolta dei dati sul campo e i diversi modi d’analisi utilizzati per ‘dispiegare’ la soggettività della ricercatrice. La ricerca in arte a partire da una pratica artistica sarà considerata, per l’artista/ricercatrice, come un gioco permanente con lo spazio del suo punto di vista.

From the tale of the adventures of a princess and her Mac, written with the social network Facebook for three years, we travel through what they represent in this volatile and moving area of their meetings. We will try to hypothesize that art seems to materialize uncertain spaces between body and machine.This title Entre [corps / machine] characterizes these spaces we call floating, in line with the concepts of oriental moucharabieh and Japanese Ma.Princess opens with a female point of view, playing a becoming. The Mac refers as much to the american Corporation, as the french slang abbreviation. Both refer to an input at first image / network then the body /machine.From a personal artistic practice we will question the emergence of other floating and extension spaces necessities. Indeed, only a reactivation of our presence can help to make visible the relational links between the information and the journey between our bodies and our identities. This research attempts to show that the strength of networks in these artistic devices is to allow the variability of body and our perceptions in real time. The art materialize these spaces between as a form of resistance to the proliferation of Internet of Things.The between [body / machine] makes possible impregnation time and relations. The rhythm between body and machine becomes resistance element, cellule in which now, we have to learn to draw.; Par le récit des aventures d’une Princesse et son Mac, écrit avec le réseau social Facebook pendant trois ans, nous voyagerons à travers ce qu’ils représentent dans cette zone instable et mobile de leurs rencontres. Nous tenterons de poser l'hypothèse que l'art semble matérialiser des espaces particuliers, entre corps et machines. Ce titre L’Entre [corps/machine] caractérise ces espaces que nous nommons flottants, dans la lignée des notions de moucharabieh oriental et de Ma Japonais.La Princesse du sous-titre ouvre sur un point de vue féminin, jouant un devenir. Le Mac renvoie autant à la marque américaine, qu’à l'abréviation argotique française. Tous deux désignent une entrée vers l’image/réseau puis le corps/machine.A partir d’une pratique artistique personnelle nous interrogerons les nécessités d’émergence d’autres espaces, flottants et en extension. En effet, seule une réactivation de nos présences permet de rendre visible les liens relationnels entre les informations et les trajets opérés, entre nos corps et nos identités. Cette recherche s’attache à montrer que la force des réseaux dans ces dispositifs artistiques, consiste à permettre les variabilités du corps et de nos perceptions en temps réel. L’art matérialise ces espaces entre comme forme de résistance face à la prolifération des objets connectés, objets de contrôle et de formatage. L’Entre [corps/machine] rend possible des temps d’imprégnation et de rencontres. Le rythme entre corps et machine, devient élément de résistance, matériau et ectoplasme, celulle dans laquelle nous devons désormais apprendre à puiser.

Notre travail s'articule autour du film Laurence Anyways (2012), de Xavier Dolan. Nous y explorons la représentation du personnage de femme transgenre. Dans un premier temps, nous procédons à une analyse filmique axée sur la transidentité, puis à une analyse de réception à deux volets : celle dans la presse, mais aussi celle des personnes trans. Enfin, nous précisons la démarche de recherche-création ayant mené à la réalisation d'un documentaire où figurent deux personnes trans qui témoignent de leurs rapports à la représentation des personnes trans dans les médias audiovisuels contemporains., Our work revolves around Xavier Dolan’s film Laurence Anyways (2012), in which we will explore the transgender woman representation. First, we will proceed to a film analysis that focuses on trans identity, and then to a double reception analysis: reception in the press, but also reception by trans people. Eventually, we will detail the research-creation process that led us to direct a documentary film featuring two trans people speaking about their views on trans representation in the audiovisual media today.

National audience; What kind of feeling does a walk in the city leave in our mind ? Every day we go through neighborhoods, walking the streets, experiencing geographical areas. We build our own representation and memory of spaces. How can we grasp, how can we enter the hidden image of living spaces ? These are the kind of questions for a workshop of a group of researchers and artists who got together in Rezé (44) from the 1st to the 5th of September 2014 in the context of the thematic school Mob'Huma'Nip « Arts and Social Sciences in motion : narratives, iconography and walks to revisit in situ ». Therefore, the collective formed by those artist and researchers explored the sensitive relationship to places, experiencing during five days a set of artistic proposals, combining perfomance and plastic artworks. This « field notebook » is a return of this collaboration between art and science.; Quelles traces laissent en nous une promenade urbaine ? Chaque jour, nous faisons l’expérience d’espaces, nous arpentons les rues d’un quartier, nous traversons une ville ou un espace géographique. Nous nous fabriquons une représentation et une mémoire de ces espaces. Comment saisir, faire exister, utiliser ces images invisibles de la ville ? Telles sont les questions posées pour un atelier réunissant un groupe de chercheurs et d’artistes à Rezé (44) du 1er au 5 septembre 2014 dans l’École thématique Mob’Huma’Nip « Arts et sciences sociales en mouvement : narrations, iconographies et parcours pour revisiter l’in situ ». Dès lors, le collectif artiste-chercheurs ainsi formé s’est attaché à explorer la relation sensible au terrain en réalisant durant cinq jours un ensemble d’expérimentations au sud de Nantes, mêlant performances et productions plastiques. Le présent carnet de terrain se veut la restitution de cette collaboration entre arts et sciences.

International audience; Re-dessiner l’expérience est un article et une cartographie traitant des relations et des conditions de travail que nous, artiste et chercheuse, avons établies depuis 2013, avec des personnes en situation de demande d’asile habitant à Grenoble, en France. Lors d’ateliers, nous avons élaboré un dispositif de recherche-création intitulé Cartographies Traverses/Crossing Maps. Depuis le champ de l’art et depuis le champ de la science, nous avons travaillé à mettre en crise la notion de « vérité narrative », utilisée par les administrations pour juger les récits migratoires. La forme du travail que nous présentons ici ne se revendique ni de l’article scientifique, ni de l’œuvre artistique : nous proposons d’interroger et de prolonger en acte nos pratiques de recherche-création.

Cette thèse-filmique s'articule autour de deux questions principales : comment aborder l’articulation des différences (qu’elles soient d’ordre genré, sexuel, culturel, racial, physique ou subjectif) telles qu'elles se retrouvent spécifiquement dans certains films québécois ; et, dans quelle mesure l’étude critique des différences permettent-elles de concevoir le cinéma comme un régime de la représentation (Hall 1997a) québécois articulé autour de certaines normativités (Butler, 2004)? On retrouve dans la littérature sur le cinéma québécois des préoccupations sur les questions associées à l’identité nationale liées avec des pratiques de différenciations identitaires et sociales (Poirier, 2004a, 2004b; Boulais, 2006; Barrette, 2009; Juteau et Fontaine, 1996) renvoyant à une opposition entre « nous/soi » et « l’Autre ». Afin de répondre à une urgence politique de considérer autrement ces questions, j’ai adopté une posture intersectionnelle (Bilge, 2009). L’intersectionnalité me permet d’aborder les différences de façon inductive afin d’ouvrir une discussion intégrée sur les rapports de pouvoir et l’articulation des oppressions. À ce sujet, je considère qu’une lutte de pouvoir autour de la représentation (Hall, 1997a; du Gay et al., 1997) s’inscrit dans une lutte plus large concernant des rapports de force dans la société québécoise. Inspirée par les théories queer et féministes, les études cinématographiques et les Cultural Studies, j’ai développé une méthodologie autoethnographique au sein d’une méthodologie de recherche-création (Sawchuk et Chapman, 2012). L’intermédialité de mon projet permet de nouvelles possibilités (Mariniello, 2000) notamment en créant un espace de réflexion favorisant l’échange entre diverses voix et expériences, mais également en brouillant les frontières méthodologiques et médiatiques de ma démarche, permettant d’approfondir de façon intuitive et exploratoire le concept de la rencontre. En effet, la rencontre et l’expérience de la rencontre ont joué un rôle à la fois conceptuel et personnel dans ce projet. Elle me permet d’éviter de fixer la différence, et plutôt de l’aborder dans son processus de reconnaissance et d’émergence d’une identité., This thesis-film explores two core questions: First, how can we understand the articulation (Slack, 1996) of gender, sexual, cultural, or racial, physical, or subjective differences in certain Québec films? And second, how can a critical study of differences facilitate a conceptualization of Québéc cinema as part of a « regime of representation » (Hall, 1997) articulated around certain norms (Butler, 2004)? There is a recurring preoccupation in the scholarly literature on Québec cinema concerning questions of national identity, a preoccupation closely associated with practices of differentiation between “us” and “the Other” (Poirier, 2004a, 2004b; Boulais, 2006; Barrette, 2009; Juteau et Fontaine, 1996). In response to the political urgency of developing new ways of understanding these questions, I adopt an intersectional approach (Bilge 2009) that allows me to explore differences in an inductive manner in order to develop an integrated discussion of power relations and the articulation of different forms of oppression. I argue that power struggles over representation (Hall, 1997; du Gay et al., 1997) are articulated with broader power relations in Québec society. Inspired by queer and feminist theories, film studies and cultural studies, I develop an autoethnographic method (Maréchal, 2009) in the context of a research/creation process (Sawchuk and Chapman, 2012). My intermedial project allows for new possibilities (Mariniello, 2000), notably in facilitating dialogue between different voices and experiences, blurring the boundaries between different media and methods, and allowing me to develop the concept of the encounter. In fact, the conceptual exploration of the encounter and the personal experience of encounters were crucial to my project. An ethical and intermedial exploration of the encounter permits me to to avoid fixing differences, and rather to explore differences in a process of recognition and the emergence of identity.

Cette contribution prend la forme d’un compte rendu d’expérience et d’une mise en perspective de l’usage du témoignage comme outil d’écriture et de transmission à partir d’un dispositif de recherche appliquée portant sur la figure du spectateur ayant donné lieu à une pièce, Le Regard du Spectateur. L’article rend compte de ce travail réalisé avec des étudiants de Licence 1 de l’Université Montpellier III à partir d’Einstein on the Beach de Bob Wilson, dont la première mondiale de la reprise avait lieu en mars 2012 à Montpellier. Prolongement à l’enquête menée par la revue Agôn autour des souvenirs des spectateurs de la première en 1976 en Avignon ainsi que de ses différentes reprises, cet atelier de transmission revient sur l’interrogation initiale, qui a présidé à la constitution de cette recherche : A qui s’adresse la reprise ? Moins pour répondre que pour continuer à déplier patiemment cette question, l’atelier reposait sur cette parole du témoin, expérience singulière du spectateur, manière de chercher à savoir ce que le théâtre peut nous apprendre sur le théâtre et sur le spectateur. Le témoignage est-il un bon outil de transmission ? Et si oui, que transmet-il ? Cet article reprend les différents temps qui composent le Regard du Spectateur et revient sur les enjeux artistiques, pédagogiques et théoriques d’un travail centré sur la mémoire d’un spectacle déplié et mis en forme à travers les outils du théâtre. This contribution reports an experience on the use of testimony as writing and transmission tools and describes an applied research on spectatorship which takes the form of a play : Le Regard du Spectateur. This article accounts for the work completed with under graduate students from University Montpellier III, based on Einstein on the Beach by Bob Wilson. In March 2012, the world premiere of this re-performance took place in Montpellier and finds new field in the investigation directed by magazine Agôn about spectators’ memories of the premiere in 1976 in Avignon. This workshop on transmission returns to the initial question which has led to the begining of this research : who is re-performance for ? The workshop was based on witness’ words, viewer’s singular experience. Is testimony a good tool for transmission ? And if so, what does it transmit ? This article details the different articulations that constitute Le Regard du Spectateur and insists on artistical, educational and theoretical issues of this work focused on memory of a spectacle.

While narrative methods are particularly interesting tools for considering individual and collective experiences, they also have significant deontological, ethical and interpretive limitations. Here we set out some of these limitations, based on two specific, comparative pieces of research. In order to overcome the ethical and methodological dilemmas experienced in these research contexts, the authors both turned to cartographic experimentation. What practical alternatives can we find, based on mapping, in order to establish respectful and creative relationships with the participants in our projects?, Alors que les méthodes narratives sont des outils particulièrement intéressants pour étudier des expériences socio-spatiales complexes, elles présentent également d’importantes limites déontologiques, éthiques et interprétatives. Nous exposons ici quelques unes de ces limites, à partir de deux contextes de recherche spécifiques et comparés. Pour sortir des impasses méthodologiques rencontrées, les auteures ont eu recours à des expérimentations cartographiques. Quelles pratiques alternatives inventer, notamment à partir de la cartographie, pour élaborer des relations respectueuses et créatives en contexte de recherche?

CARTOGRAPHIES TRAVERSES OU COMMENT RACONTER LE MOUVEMENT DE LA MÉMOIRE ? Journal de l'exposition Rêver d'un Autre Monde, Centre d'Histoire de la Résistance et de la Déportation, Lyon, 4 février-29 mai 2016

Qu’est-ce qu’une recherche-création et comment reconnaître cette méthodologie dans le milieu académique ? Cet article a pour sujet la représentation de la différence dans le cinéma québécois et propose une réflexion intersectionnelle et créative afin de réfléchir au contexte entourant cette représentation. Identifiée comme une « thèse-filmique », ma recherche se situe dans un amalgame unique de la recherche-création et de l’autoethnographie et cherche à innover en matière de recherche académique. En effet, une recherche doctorale en recherchecréation est une méthode de recherche émergante dans les sciences sociales et les sciences humaines francophones. La méthodologie discutée dans cet article constitue une articulation entre autoethnographie et recherche-création., What is a research-creation and how can we acknowledge this methodology in academia? The latter subject of this research is the representation of the difference in Quebec cinema. It offers an intersectional and creative approach for thinking the context surrounding representation of differences. Identified as a “thesis film”, my research is a blend of researchcreation and autoethnography and seeks to challenge traditional academic research. Indeed, a doctoral research in research-creation is an emerging method in the social sciences and humanities, especially in the French language. The methodology discussed in this article is a link between autoethnography and research-creation.

International audience; Après un rappel à propos de la bibliothèque HOA, (ambisonie d'ordre supérieur) et de son originalité, l'auteur s'intéresse au potentiel musical de la décorrélation microtemporelle, rappelant ses usages musicaux et présentant son implémentation dans HOA. La convolution, source de décorrélation est également évoquée, étant actuellement en cours d'expérimentation. A titre d'illustration, l'auteur présente un projet compositionnel personnel en musique mixte, s'appuyant sur le potentiel de la bibliothèque HOA.

" Crossing maps " is an undertaking in both research and creation that assembles visual and audio works addressing contemporary migratory experiences. As a participatory project, it has brought together 12 asylum seekers, two researchers in the field of geography and four artists to map pathways innovatively. We reinvent the figurative meanings that generally reduce a border to a line and migration to an arrow, and take account of the political and practical complexity of the crossings: These are some of the many issues that find expression in this art-science experiment that forms part of the antiAtlas of Borders collective .

International audience; Le présent article analyse le caractère multiple de la visibilité accordée aux images sur la Toile. Plus précisément sont étudiées les formes de visibilité que les moteurs de recherche et les plateformes de partage, comme Google Search et Flickr, attribuent communément aux images de notre époque. Il s’agit de définir une « esthétique du flux » qui module l’accès aux images indexées par les systèmes d’information en fonction de critères de pertinence calculés à l’aide d’algorithmes comme PageRank . En effet, les systèmes d’information tels que les moteurs de recherche tentent d’adapter au maximum la visibilité des ressources qu’ils indexent, aux attentes de leurs utilisateurs, de manière à donner uniquement accès à ce qui convient.Toutefois, les multiples formes de visibilité accordées aux images sur la Toile laissent aussi libre champ à la conversation et à l'imprévu. C’est du moins ce que nous essayerons de démontrer à partir de l’étude des fonctionnalités que proposent le service de partage Flickr et le prototype Infinity. L’application Infinity a été réalisée dans le cadre de TerraNumerica et a été présentée en janvier 2010 sous la forme d’une œuvre-prototype à La Bellevilloise au cours de l’exposition La Ville, son modèle et l’artiste. Elle permet d’intégrer des images photographiques à un environnement 3D de manière à enrichir la mémoire d’un lieu et partager des souvenirs avec une communauté d’utilisateurs. Son évocation nous servira à introduire des formes de visibilité « incidentelles » qui permettent de considérer la Toile non seulement comme un réseau assurant la circulation d’images, mais aussi comme un système favorisant leur multiplication.

De tout temps, ils se sont immolés par foi et amour. Dans toutes les civilisations, leur besoin de rendre hommage à Dieu s’est exprimé par la voix de la violence et du sang, et leur besoin de s’épurer du péché et de se protéger contre les forces surnaturelles s’est manifesté par le sacrifice. Cette thématique du sacrifice qui s’est propagée dès la création du monde jusqu'à nos jours, incarne et actualise de nombreux conflits et oppositions entre la vie et la mort, l’enfer et le paradis. Les écritures sacrées nous éclairent rarement sur le rôle des femmes dans les civilisations anciennes. Les plus grands sacrifices sont généralement associés aux hommes libres. Dans les religions chrétiennes, les sacrifiés empruntent les pas du Christ et obéissent à la demande de Dieu, alors que les femmes, déchues et esclaves sont toujours associées au péché originel. Ce mémoire de maîtrise prend pour objet d’étude l’espace sacrificiel féminin et la figure féminine dans le cinéma de Lars von Trier (en particulier dans les films Melancholia (2011), Antichrist (2009), Dogville (2003), Dancer in the Dark (2000) et Breaking the Waves (1996)). Cet espace sacrificiel est analysé au fil de ce mémoire à travers une lecture herméneutique des livres sacrés, en particulier la Bible dans son Ancien et Nouveau Testament. Nous abordons des questions importantes d’aspects religieux, mythologiques et cinématographiques pour comprendre la dimension provocatrice, mythologique, iconologique, spirituelle et religieuse de ces femmes qui se sacrifient dans l’espace de ces œuvres. Nous proposons dans ce mémoire d’observer l’évolution de cette figure féminine du statut d’esclave à celui du maître, de l’image Christique à celle du diable opposant ainsi le sacrifice à la justice. Nous tentons de démontrer au fil de ce mémoire que Lars von Trier a édifié avec son cinéma et par cette représentation du corps féminin mortifié, torturé et hystérique, un véritable espace sacrificiel, mental, idéel qui sature le cadre filmique. Le corps de ces femmes se décompose, se sacrifie, meurt et se réincarne dans un autre corps, une idée, une figure biblique et dans un espace sacrificiel qui le pose comme exemple à la manière de l’image Christique. Cette analyse de la figure sacrificielle féminine von Trierienne se réalise également par le biais d’un travail de création expérimental et hybride. Des images provenant de l’histoire de l’art et du monde de Lars von Trier y sont revisitées et rejouées dans un souci d’intertextualité filmique. Le film She is Lars est une exploration personnelle de la thématique du sacrifice et un hommage au cinéma de Lars von Trier., In all eras, they have been immolated in faith and love. In all civilizations, the need to honor God was expressed by the voice of violence and blood, the need to be purified from the sin and to be protected against the supernatural forces, was manifested through the sacrifice. This theme of sacrifice has spread from the creation of the world until today, it embodies and performs conflicts and oppositions between life and death, God and the devil. The sacred writings rarely tell us about the role of women in ancient civilizations. The greatest sacrifices were generally associated to free men. In Christian religions, these sacrificed men borrow the footsteps of Christ and obey God's request, while women, the fallen slaves, are always associated to the original sin. This research studies the female sacrificial space and the female figure in the cinema of Lars von Trier (especially in Melancholia (2011) Antichrist (2009), Dogville (2003), Dancer in the Dark (2000) and Breaking the Waves (1996)). This sacrificial space is analyzed through a hermeneutic reading of sacred books, especially the Bible in its Old and New Testament. Important issues related to religious, mythological and cinematographic aspects are investigated to understand the spiritual, provocative, mythological, iconological and religious dimension of these women who sacrifice themselves in these films. We propose in this research to observe the evolution of the female figure from the slave to the master status, from the image of the Christ to the devil, while opposing sacrifice to justice. We intend to demonstrate that Lars von Trier has built with his cinema and the representation of the female body, as dead, tortured and hysterical, a true sacrificial mental and virtual space that saturates the film frame. The body of this woman breaks down, sacrifices itself, dies and reborns in another body, an idea, and a biblical figure in a sacrificial space that poses her as an example, as the Christ image. This theoretical analysis of the female sacrificial figure is also undertaken through the creation of an experimental and hybrid film. Images from art history, other from the world of von Trier are revisited with an intertextual approach. She is Lars is a personal exploration of the theme of the sacrifice as well as an homage to the cinema of Lars von Trier., La création cinématographique de l’étudiant qui accompagne ce mémoire sous la forme d’un DVD est disponible à la Médiathèque de la Bibliothèque des lettres et sciences humaines sous le titre : She is Lars.(https://umontreal.on.worldcat.org/oclc/944728151)

Cette thèse est basée sur une approche méthodologique hybride relevant de recherche-création en musique et de musicologie appliquée à l’interprétation. Elle s’intéresse à cette question centrale : « Quels rôles l’interprète-chercheur occupe-t-il dans un contexte de création ou de re-création (ou d’interprétation) musicale » ? Pour y répondre, l’auteure examine et rend compte du processus créateur et re-créateur de deux œuvres significatives dans son parcours en tant qu’interprète, soit Kathinkas Gesang als Luzifers Requiem (1983-1984) de Karlheinz Stockhausen et La Machi, rituel pour flûtes, électronique et regards (2007-2011) d’Analía Llugdar. Le travail de ces œuvres mixtes qui comportent toutes deux une dimension théâtrale tout en mettant en scène des personnages instrumentaux l’amène aussi à traiter des problématiques de l’appropriation de l’œuvre par l’interprète-chercheur et de la liberté de celui-ci face aux œuvres présentant un haut degré de déterminisme notationnel. La première partie situe les contextes disciplinaires et théoriques des recherches de l’auteure. Le premier chapitre permet de comprendre comment s’exerce la recherche de l’interprète en musique et de situer les différentes modalités dans lesquelles ce type de recherche s’effectue. Le deuxième chapitre explique les notions d’interprétation, d’improvisation et de composition et il situe l’interprète par rapport à ces trois champs d’activités. L’auteure y compare aussi les modes créatifs du théâtre à ceux de la musique tout en s’intéressant aux divers types d’authenticité inhérents au travail d’interprétation. Le troisième chapitre pose le principal angle d’investigation et d’analyse adopté dans cette thèse, soit celui du timbre instrumental. La deuxième partie porte sur Kathinkas Gesang de Stockhausen. Le quatrième chapitre présente une chronologie récapitulative des différentes grandes périodes d’appropriation de l’auteure. Le cinquième chapitre présente et met en contexte le symbolisme du cycle Licht, die sieben Tage der Woche (1977-2003), dans lequel Kathinkas Gesang s’insère. Le sixième chapitre est voué à une analyse du symbolisme attribué au timbre des principaux instruments que l’on retrouve dans Licht. Le septième chapitre évalue l’impact de la présence des interprètes dans le processus compositionnel chez Stockhausen tout en traitant de la question du casting dans Licht. Le huitième chapitre s’articule en un lexique timbral présentant une exégèse des techniques de jeu employées dans Kathinkas Gesang pour produire divers types de timbres. La troisième partie porte sur La Machi d’Analía Llugdar. Dans le neuvième chapitre, l’auteure présente la structure générale de l’œuvre et son synopsis et elle traite du rôle qu’elle a joué dans le processus de création de cette œuvre. Le dixième chapitre prend la forme d’un lexique timbral présentant une exégèse des différentes techniques de jeu employées dans l’œuvre pour produire divers types de timbres. Dans la conclusion, trois sphères d’action et six rôles-types de l’interprète-chercheur en création et en re-création musicale sont identifiés. De plus, des réponses aux problématiques de l’appropriation de l’œuvre et de la liberté de l’interprète sont apportées. L’auteure y suggère également des pistes de réflexion pour la recherche- création en musique et elle y présente les principales retombées de la thèse., This dissertation is based on a hybrid methodological approach belonging to research-creation in music and musicology applied to performance. It explores the following central question : “What roles are occupied by the performer-researcher in a context of musical creation or re-creation (or performance)” ? In response, the author examines and relates the creative and re-creative process for two significant works in her practice as a performer : Kathinkas Gesang als Luzifers Requiem (1983- 1984) by Karlheinz Stockhausen and La Machi, rituel pour flûtes, électronique et regards (2007-2011) by Analía Llugdar. The work on these mixed electroacoustic music pieces that both include a theatrical dimension and the staging of instrumental characters also leads her to consider issues of appropriation of the piece by a performer-researcher and their freedom when faced with pieces involving a high level of notational determinism. The first part lays out the discipline-based and theoretical contexts of the author’s research. Chapter 1 provides insight into how a performer’s research is carried out in music and situates the different ways in which this type of research is undertaken. Chapter 2 explains the notions of performance, improvisation and composition, and it positions the performer in relation to these three fields of activity. The author also compares creative approaches in theatre to those in music, while exploring different types of authenticity inherent in the interpretive process. Chapter 3 presents the principal angle of investigation and analysis adopted in this dissertation, that of instrumental timbre. The second part focusses on Kathinkas Gesang by Stockhausen. Chapter 4 presents a recapitulative chronology of the different major periods of the author’s performance. Chapter 5 presents and contextualizes the symbolism of the cycle Licht, die sieben Tage der Woche (1977-2003), from which Kathinkas Gesang is taken. Chapter 6 is devoted to the analysis of the symbolism attributed to the timbre of Licht’s main instruments. Chapter 7 evaluates the impact of the performer’s presence during the compositional process for Stockhausen, while exploring the question of casting in Licht. Chapter 8 is articulated around a lexicon of timbre presenting an exegesis of the playing techniques used in Kathinkas Gesang to produce various types of timbres. The third part focusses on La Machi by Analía Llugdar. In Chapter 9, the author presents the general structure of the piece and its synopsis, and she explores the role she played in the creative process of this piece. Chapter 10 takes the form of a lexicon of timbre presenting an exegesis of playing techniques used in the piece to produce various types of timbres. In the conclusion, three spheres of action and six archetypal roles of the performer-researcher in musical creation and re-creation are identified. Furthermore, answers to the issues of appropriation of the piece and the performer’s freedom are proposed. The author also suggests reflections for research-creation in music and she presents the main outcomes of the dissertation., La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU).

La transsexualité et son image représentent pour plusieurs une subversion ou une transgression de la binarité du genre. L’image de la transsexualité est souvent considérée en termes de représentation. Afin de questionner cette image transsexuelle, sa subversivité, sa transgressivité et même sa représentabilité, on tentera de la regarder autrement. Ce mémoire propose d'étudier l'image audiovisuelle de la transsexualité comme figure. Pour définir la figure, on la distinguera d'un autre concept esthétique : la représentation. Par l'analyse d'un film, Transamerica (2005), réalisé par Duncan Tucker, on verra comment certaines modalités donnent à voir la figure trans. Suite à cette analyse de la figure au cinéma, on rendra compte de la manière avec laquelle on a poursuivi, au moyen de la vidéo, la recherche qui concerne la question de la figure trans., Transsexuality and its depiction represent for many a subversion or transgression of gender binarity. Transsexuality’s depiction is oftenly regarded as representation. In order to question this transsexuality's depiction, its subversivity, its transgressivity, and even its representability, we will attempt to look at it otherwise. This thesis discusses transsexual audiovisual image as figure. To define what figure is, a distinction will be made between this term and another concept of aesthetics: representation. By means of a filmic analysis of Transamerica, directed by Duncan Tucker, we shall see how some modalities allow trans figure to appear. After this cinematic figure's study, we will give an account of the manner by which we pursued in a video production the research concerning the question about trans figure.

International audience; Animation of a round table about design and urban agriculture with Roger des Prés - artist, Patrick Nadeau - architect & vegetal designer and Olivier Schaeffer - architect / Xtu office.; Animation d'une table ronde sur le design et l'agriculture urbaine avec Roger des Prés - artiste, Patrick Nadeau - architecte & designer végétal et Olivier Schaeffer - architecte / agence Xtu.

Mon projet de doctorat est en deux volets – recherche et création – et s’appuie sur l'interdépendance de ces deux aspects, car il s’agit d’un seul parcours séparé en deux parties ayant un objectif partagé : il vise à observer et analyser l’intégration des arts médiatiques dans l’opéra contemporain et à en étudier l’incidence sur ma propre démarche de compositrice à l’intérieur de la création d’un nouvel opéra. Cette thèse comprend un travail écrit et une composition originale de 90 minutes (partition et enregistrements). Le premier chapitre du travail écrit traite du contexte dans lequel mon projet de création s’est élaboré et la façon dont ma réflexion initiale m’a conduite vers une recherche plus approfondie sur les moyens multimédias employés dans plusieurs opéras depuis les dernières décennies du vingtième siècle jusqu’à aujourd’hui. J’expose la situation actuelle touchant l’étude de ce domaine, en particulier les obstacles terminologiques, et je présente des perspectives de recherche rendues possibles par les informations recueillies. C’est dans le sillage de cette réflexion que je définis mon approche de l’emploi du multimédia à l’opéra. Les deuxième et troisième chapitres concernent le travail préparatoire qui a fait partie intégrante de la composition de l’opéra Trahisons liquides. J’expose d’abord mon approche du livret : les questions de narrativité, de langue et de prosodie, les approches variées de la relation texte-musique, la collaboration avec le librettiste et l’évolution du drame. J’explique également l’élaboration des ambiances musicales de l’opéra et la gestion de l’élan sonore, puis j’établis certains points de repère motiviques pour les analyses présentées dans le chapitre final. Le quatrième chapitre est ainsi consacré aux analyses détaillées d’une sélection de huit scènes de l’opéra Trahisons liquides, choisies afin de mettre en relief divers aspects de ma démarche de composition et de mon langage musical., My doctoral project is in two parts – research and creation – and relies on the interdependence of these two elements, for it is, in fact, one process whose two aspects share a common objective: observing and analysing the integration of media arts to contemporary opera and studying their influence on my own creative process for the composition of a new opera. This dissertation includes a written document and an original 90-minute composition (score and recordings). The first chapter of the written document examines the context in which my creative project was elaborated and the way that my initial reflections lead me to conduct more in-depth research into the multimedia means used in many operas from the last decades of the 20th century to today. I outline the current situation affecting study in this field, particularly the terminological obstacles, and I present some of the research prospects opened up by the information gathered. It is in light of this reflection that I define my approach to the use of multimedia in opera. The second and third chapters pertain to the preparatory work that was an integral part of the composition of the opera Trahisons liquides. I begin by detailing my approach to the libretto: questions of narrativity, language and prosody, varied approaches to the text-music relationship, my collaboration with the librettist and the evolution of the drama. I also explain elaborating the musical atmospheres and controlling the musical momentum of the opera, and then I establish certain motivic points of reference for the analyses presented in the final chapter. The fourth chapter is thus devoted to the detailed analyses of a selection of eight scenes from the opera Trahisons liquides, chosen to highlight various aspects of my compositional process and my musical language.

Ce mémoire de maîtrise présente une analyse des quatre œuvres qu j’ai composées entre l’automne 2007 et l’automne 2008, au cours du programme d’études : Deux tempêtes et une langueur (violoncelle et piano), Sept gestes ludiques (violon, cor et piano), Azabache (musique pour danse contemporaine, six musiciens) et Landocinógena (orchestre). Il s’agit de quatre projets aux concepts compositionnels différents ayant en commun, la plupart d’entre eux, une ligne directrice se traduisant par un lien avec des sources musicales de tradition orale. Ce volet m’a amené à développer un projet de maîtrise reposant sur une codirection entre composition et ethnomusicologie. Ces analyses seront précédées d’une introduction contextuelle. La dernière partie présentera des conclusions à caractère réflexif., This Memory of Master Degree presents the analyses of the four works composed during the program (from Autumn 2007 to Autumn 2008): Two Storms and a Languor (cello and piano), Seven Playful Gestures (violin, horn and piano), Azabache (music for contemporary dance, six musicians) and Landocinógena (orchestra). Those projects have different compositional concepts. Nevertheless, the sources of oral musical traditions are the common link between the most of them. This view has conducted my interest to develop a co-direction in the field of Compositions and Ethnomusicology. These analyses will be preceded by a contextual Introduction and will close with some reflexives conclusions., La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal.

International audience; Freud, dans une surprenante boutade, a évoqué cette question : « Après trente ans passé à étudier la psychologie féminine, je n'ai toujours pas trouvé de réponse à la grande question : que veulent-elles au juste ? ». Humour (juif) qui trouve son pendant dans ce proverbe yiddish qui dit « Dieu n'existe pas-mais nous sommes quand même son peuple élu ». Sous ces auspices j'examinerai à partir de ma propre pratique comment les femmes mettent en jeu le masculin de Dieu sur scène.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal., Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse ou ce mémoire a été dépouillée, le cas échéant, de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale de la thèse ou du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.