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Im dritten und letzten Teil dieser Artikelreihe, widmet sich Serkan Gören den beiden philosophischen Größen Martin Heidegger und Walter Benjamin zwei philosophischen Größen, die uns die Theorie der Readymades verständlicher machen sollen. Dazu verlassen wir die New Yorker Kunstszene und damit Duchamps Atelier zu Beginn des 20. Jahrhunderts und begeben uns in einen theoretischen Raum.

Der Mut, Unbequemes auszusprechen, strittige Thesen in Debatten einzuschreiben und zuzugeben, dass alles, was wir tun und forschen zutiefst persönlich ist, immer nah am Objekt, immer nah am Menschen, immer begeistert und begeisternd für die Sache: mit dieser Denk- und ­Arbeits­­weise inspiriert und prägt Gabi Dolff-Bonekämper die aktuelle Denkmalpflege. Denkmalwelten und Erbediskurse, die Festschrift zu ihren Ehren, versammelt Thesen, die bewegen. In ihren Essays stellen Weggefährt:innen, Freund:innen und Kolleg:innen komplexe Denkmäler, innovative Analyseansätze und partizipative Vermittlungsstrategien zur Diskussion. Sie schreiben von umstrittenen Bauten, verzwickten Debatten und überraschenden Wendungen. Sie stellen die Frage nach dem Recht auf Erbe in der Migrationsgesellschaft, diskutieren den Wert des Neuen im Alten und werben so für das Streiten über Deutungen und Deutungshoheiten im Denkmalschutz. The courage, to say the uncomfortable, to write controversial theses in debates, and to admit, that everything we do and research is deeply personal; always close to the object, always close to the people, always enthusiastic and passionate about the issue: with this way of thinking and working, Gabi Dolff-Bonekämper inspires and shapes the current preservation of monuments. Denkmalwelten und Erbediskurse, the commemorative publication in her honor, brings together topics that move. In their essays, companions, friends and colleagues write about controversial buildings, intricate debates and surprising twists and turns, posing the question of the right on heritage in a migration society, discuss the value of the new within the old, and thus promote to discuss interpretations and interpretive sovereignties in the preservation of historical monuments.

Mit Fotografien, Beleuchtung und einem Koffer voller Kunstwerke im Miniformat, überführt Duchamp Alltagsgegenstände in den Kunstbereich. Dem Leser wird im zweiten Teil des Artikels vorgestellt, wie gezielt diese Einflüsse auf eben diesen Wandel ausgerichtet sind.

Pissoir, Flaschentrockner, Glaskugel oder Kunstwerk? Der ewige Skandal der duchampschen Readymades beeindruckt die Kunstwelt bis heute. Ein Rückblick in drei Teilen soll die dahinterliegende philosophische Idee nachvollziehbar machen.

In the second part of the interview Andrea Giunta talks about La Menesunda as an immersive experience and why art that cannot be collected, involves certain politics.

Artwork in various media such as painting, sculpture, photography and graphic design shows that the artist lives within the community. It cannot be free from the impact of social, political, and cultural events. But how do social contexts shape cultural and artis-tic relations, and how are artists' reactions to these developments shaped? Studying works of Iranian art from the Pahlavi dynasty (1925-1979) reveals that artistic content reflects political, social and cultural themes. These concepts did not enter into artwork at once, but only as social and political events unfolded. There has been little research on contemporary Iranian art. Most research on modern Iranian art lacks a time reference, which makes this subject very difficult to investigate. Despite these research gaps, I undertook to explore the beginnings of modern art in Iran and artistic activities during the Pahlavi dynasty. This dissertation begins with an overview of the history of moder-nity and tries to approach Iranian modernity by way of Western modernity. Western culture influenced Iranian society and opened a discussion on Iranian modernity. Stu-dents who traveled to the West to study modern art played an important role. Due to government restrictions with regard to religion and the monarchy (dictatorship), the concept of modernity was quite different in Iran compared to the West. Part of this dis-sertation is devoted to identifying these differences. The Pahlavi era was a glamorous time for Iranian art, giving rise to unprecedented artistic and cultural activities. The im-portance of the support given by Farah Pahlavi, the former empress of Iran, and the Ira-nian Ministry of Culture and the Arts during this period is undeniable. After the Islamic Revolution of 1979 little was written about this period due to political constraints. Two decades after the revolution, the beginning of reformation brought more research and publication on the history of modern Iran, but many of those studies only focus on indi-vidual aspects of the modernity movement. As an alternative, this research takes all ef-fective factors on contemporary art into account, including political, social, and cultural factors and religious views. Political factors will be discussed in this work in greater depth to determine their influence on art. In particular, I will assess the effects of post-colonial aspects on the formation of new artistic movements and cultural/social activities and will also examine the influence of ancient Persian art on modern art in Iran. I will look at Iranian and Western art movements in parallel and describe the impact of the West on Iranian art students in Europe and America. I will consider modern Iranian art in the context of global art movements, studying differences and similarities by means of comparative art history. I shall also address common artistic styles and seek to identify the origin of these styles, looking at representative artists for each style and analysing their works., Kunstwerke in verschiedenen Medien wie Malerei, Skulptur, Fotografie und Grafikdesign zeigen, dass der Künstler in der Gemeinschaft lebt. Es kann nicht frei von den Auswirkungen sozialer, politischer und kultureller Ereignisse sein. Aber wie prägen soziale Kontexte kulturelle und künstlerische Beziehungen und wie prägen die Reaktionen der Künstler auf diese Entwicklungen? Das Studium iranischer Kunstwerke aus der Pahlavi-Dynastie (1925-1979) zeigt, dass künstlerische Inhalte politische, soziale und kulturelle Themen widerspiegeln. Diese Konzepte gingen nicht sofort in die Kunst ein, sondern nur, als sich soziale und politische Ereignisse abspielten. Über zeitgenössische iranische Kunst wurde wenig geforscht. Den meisten Forschungen zur Modernen iranischen Kunst fehlt ein Zeitbezug, weshalb es sehr schwierig ist, dieses Thema zu untersuchen. Trotz dieser Forschungslücken habe ich mich verpflichtet, die Anfänge der Modernen Kunst im Iran und die künstlerischen Aktivitäten während der Pahlavi-Dynastie zu untersuchen. Diese Dissertation beginnt mit einem Überblick über die Geschichte der Mäßigkeit und versucht, die iranische Moderne über die westliche Moderne zu erreichen. Die westliche Kultur beeinflusste die iranische Gesellschaft und eröffnete eine Diskussion über die iranische Moderne. Eine wichtige Rolle spielten Studenten, die in den Westen reisten, um Moderne Kunst zu studieren. Aufgrund staatlicher Beschränkungen in Bezug auf Religion und Monarchie (Diktatur) war das Konzept der Moderne im Iran im Vergleich zum Westen ganz anders. Ein Teil dieser Dissertation befasst sich mit der Identifizierung dieser Unterschiede. Die Pahlavi-Ära war eine glamouröse Zeit für die iranische Kunst und führte zu beispiellosen künstlerischen und kulturellen Aktivitäten. Die Bedeutung der Unterstützung durch Farah Pahlavi, die ehemalige Kaiserin des Iran, und das iranische Ministerium für Kultur und Kunst in dieser Zeit ist unbestreitbar. Nach der Islamischen Revolution von 1979 wurde aus politischen Gründen wenig über diese Zeit geschrieben. Zwei Jahrzehnte nach der Revolution brachte der Beginn der Reformation mehr Forschung und Veröffentlichung zur Geschichte des Modernen Iran, aber viele dieser Studien konzentrieren sich nur auf einzelne Aspekte der Modernitätsbewegung. Alternativ berücksichtigt diese Forschung alle effektiven Faktoren der zeitgenössischen Kunst, einschließlich politischer, sozialer und kultureller Faktoren und religiöser Ansichten. Politische Faktoren werden in dieser Arbeit eingehender diskutiert, um ihren Einfluss auf die Kunst zu bestimmen. Insbesondere werde ich die Auswirkungen post kolonialer Aspekte auf die Bildung neuer künstlerischer Bewegungen und kultureller / sozialer Aktivitäten untersuchen und auch den Einfluss der alten persischen Kunst auf die Moderne Kunst im Iran untersuchen. Ich werde die iranischen und westlichen Kunstbewegungen parallel betrachten und die Auswirkungen des Westens auf iranische Kunststudenten in Europa und Amerika beschreiben. Ich werde die Moderne iranische Kunst im Kontext globaler Kunstbewegungen betrachten und Unterschiede und Ähnlichkeiten anhand der vergleichenden Kunstgeschichte untersuchen. Ich werde mich auch mit gängigen künstlerischen Stilen befassen und versuchen, den Ursprung dieser Stile zu identifizieren, repräsentative Künstler für jeden Stil zu betrachten und ihre Werke zu analysieren.

This article provides an overview of the origin and development of emancipatory children’s theatre in the 1960s and 1970s in Western Germany. The modification of structures in children’s theatre is analysed based on a taxonomy of changes in themes, forms and functions. The analysis shows an increasing politicisation of scripts and plays in theatres for the young and the foundation of new theatres and groups with mainly political goals like GRIPS and Rote Grütze. New formats like Mitspiel [playing along-], Mitmach [participating-] and Vorführ [demonstrating-] theatre emerged alongside the ideas of the German student movement of 1968. Children’s theatres became places for developing a critical perspective on society with major innovations being presented first in independent theatre groups and later adopted in modified forms in municipal theatres. This shift of emphasis still affects contemporary children's and youth theatre. These days, theatres and theatre groups producing professional children's and youth theatre are located in most German cities. Theatre work for young audiences takes a variety of forms and genres, deals with a diversity of themes and includes the participation of the audience and their experiences. Current political affairs and issues of interest and relevance to today’s youth are still at the centre of the theatre productions; however, the focus nowadays is less instructional. Setzt man bei der Darstellung revolutionärer Prozesse im Kindertheater in den 1960/70er Jahren an, so liegt der Fokus auf einer Zeit gesellschaftlicher Umbrüche und politisch-sozialer Bewegungen, die für die Geschichte des Kinder- und Jugendtheaters von besonderer Bedeutung ist (vgl. Schneider 1984). Wie andere Intellektuelle und KünstlerInnen auch wurden Theaterschaffende von den Protesten und dem Klima der Veränderung und des Aufbruchs vielfältig angeregt. Auch im Theater wurden Autoritäten hinterfragt, traditionelle Repertoirestücke einer kritischen Revision unterzogen und neue Spielformen erprobt. Das Revolutionäre erscheint hier zunächst als eine Hinwendung zum Politischen, die auch bestehende und neu gegründete Kindertheater erfasste. Erkennbar wird eine gesellschaftlich engagierte Theaterarbeit, die Formen der Unterdrückung (z. B. von Kindern) dokumentierte und mit großem Engagement bekämpfte. Mit den Mitteln des Theaters sollten kulturelle und gesellschaftliche Veränderungen durchgesetzt werden und die Theaterbühne sollte ein Ort der Revolution gegen gesellschaftliche Missstände sein. Theaterarbeit war politische Arbeit und Kindertheater ein »Mittel, auf gesellschaftliche Zustände einzuwirken« (Ludwig 1994, S. 24). ...

Die Dissertationsschrift nimmt unter einer kulturwissenschaftlichen Fragestellung die Entstehungsprozesse des Kunstfeldes im kolonialen Südafrika zu Beginn des 20. Jahrhunderts in den Blick und arbeitet heraus, worin Entwicklungen, die bis heute nachwirken, ihren Ursprung haben. Ziel ist es, durch einen veränderten Blickwinkel, einem, der Spannungsverhältnisse thematisiert und Verflechtungen sichtbar macht, einen Beitrag zum Thematisieren von „neuen“ Geschichten zu leisten, die bestehende Strukturen und Master-Narrationen kritisch hinterfragen und helfen, ein bestehendes segmentäres schwarz-weiß Denken zu überwinden, das nach wie vor akademische Diskurse überschattet. Die Arbeit ist als eine Verflechtungsgeschichte zu verstehen, in der die südafrikanische Kunstgeschichte umfassender und die heterogene Künstlerschaft integrierend betrachtet wird.

Der vorliegende Band versammelt fünf Beiträge zur Darstellung exotischer Tiere im Bild der Frühen Neuzeit. Die Bilder werden aus kunsthistorischer Perspektive als Medien der Wissensgenerierung, aber auch gesellschaftlicher Normierungen gedeutet. Mit Beiträgen von Robert Bauernfeind, Anna Boroffka, Christine Kleiter, Ivo Raband und Maurice Saß.

This dissertation is a study of the experimental artistic practice of the group called Dvizhenie (The Movement) that was active in Moscow between 1964 and 1976 and associated with the Kinetic movement. The period of the group’s activity coincided with a political transition in the USSR from later stages of The Khrushchev’s Thaw characterised by cultural liberation and political reforms into The Stagnation era already defined by Leonid Brezhnev’s rule and subsequently a more conservative and stricter governmental attitude towards artistic production. In this period of a little more than a decade, The Movement group was a single experimental union in the USSR that enjoyed public success and achieved a rapid transformation of their activities from small-scale exhibitions into public state commissions. In the course of this transition, the members of the group formed an entirely new artistic language that was neither similar to Socialist Realism nor to the tendencies of Abstract painting, which gained importance in the circles of experimental Soviet artists at the time. Instead, they turned to the aesthetics of Kinetic art, science- fiction and design and found inspiration in a dialogue with Russian Avant-garde tradition. The narrative of the dissertation follows the specificity of the experimental group’s development in the defined stages and analyses how the group met with the challenges of censorship and opportunities of ideological collaborations. On a broader scale, the dissertation offers an investigation into the functions of experimental thinking in the USSR in the 1960s and evaluates the role of futuristic planning and artists’ dialogue with the restored tradition of the 1920s Avant-garde projects.:Table of Contents List of illustrations...............................................................................................5 Acknowledgements...........................................................................................13 Introduction.....................................................................................................15 State of Research.............................................................................................21 Methodology....................................................................................................29 Chapter I. 1960s Alternative Culture: in the USSR and Abroad...................................53 1.1. Defence of individualism: The Thaw (1954–1968)...........................................53 1.2. Open work against individualism: 1960s movement of Kinetic art......................65 1.3. In transition to Kinetic art: the formation of The Movement group.......................71 Chapter II. Theory and Practice Of The Movement...................................................81 2.1.Theoretical principles of the group: synthesis, symmetry, and movement.............81 2.2.“Towards Synthesis In Arts”, 1964, Moscow...................................................90 2.3.Architects or artists, 1965, Leningrad..........................................................102 2.4. Kurchatov Institute of Atomic Energy, 1966, Moscow.....................................107 Chapter III. The Movement’s Performances and Theatre Productions........................115 3.1.Artistic strategies of performance in The Movement’s practice..........................115 3.2.Humans and machines............................................................................123 3.3. Manifestation of the synthesis principle in performances................................135 3.4.The symbolism of history in The Movement’s productions...............................139 3.5.Escapism of the nature performances.........................................................143 3.6.The strategy of an artefact in Infante’s work.................................................150 Chapter IV. Sciences, State, and Culture..............................................................154 4.1.Kinetic art in urban and exhibition designs...................................................154 4.2. Agitational art at the 1967 October Festival.................................................159 4.3. Value of creativity and designs for “Orlenok”, 1968.......................................170 4.4.Exhibition designs..................................................................................172 4.5.Art and the Stagnation period in the USSR..................................................182 Chapter V. Futurism In The Movement’s Projects..................................................187 5.1. Artificial environments of the next century....................................................187 5.2. The future is cybernetic...........................................................................192 5.3. The power of play..................................................................................195 5.4. Rationalising the unknown: transhumanism and space travel in The Movement’s futurism.........................................................................................................199 3 5.5. Why we need another utopia?..................................................................207 Chapter VI. The Movement: Separate and Abroad.................................................217 6.1. The Movement as a part of the global network.............................................217 6.2. The Movement as a part of dissident art and contemporary interpretations........222 6.3. Separate ways: Infante, Nussberg, Koleichuk..............................................231 Epilogue........................................................................................................243 Bibliography...................................................................................................252 Illustrations....................................................................................................265

Maria Evangelatou’s book promises to explore new research questions and challenge Eurocentric approaches to Ethiopian crosses by presenting an analysis of their use and significance among the Christian orthodox population of Ethiopia. Unfortunately, the study fails to deliver on this promise due to a lack of direct engagement with Ethiopian voices and the relevant literature, and a reliance on publications that focus on noncontemporary or non-Ethiopian contexts. This lack of engagement with Christian Ethiopians leads to significant misinterpretations. Moreover, by adopting an approach to Ethiopian sources that fails to recognize the existence of significant shifts within the Ethiopian literary tradition, the author flattens Ethiopia’s historical dimension, and thus unintentionally reproduces the kind of Eurocentric representation of the country that she set out to challenge.

“You Can’t Keep a Black Woman Down” is a collection of short stories by Alice Walker from 1971, tackling issues Black women face every day in a sexist and racist society. They are stories about oppression, fear and anger; yet Walker ends them on a hopeful note, providing points of departure for a Black female subjectivity. Part of Black women’s oppression stems from the distorted representations across all media – art, film, literature. Alice Walker is among a generation of Black feminists that set out to create corrective images of Black womanhood in the 1970s. Working in a different medium but with the same intentions, photographer Carrie Mae Weems’s body of work likewise tackles issues of Black women’s oppressions while also offering empowering, counterhegemonic images of Black female resistance. In 1973, Carrie Mae Weems received her first camera as a birthday gift and began photographing herself in order to also create images that work against the hegemonic images of Black people, especially women. Her photographs have since been displayed in museums nationally and internationally, providing counter-images for Black women in the United States, whose images, for centuries, have been created for them, not by them. In the 2018 exhibition “We Wanted a Revolution: Black Radical Women, 1965–85” in Buffalo, New York (originally from the Brooklyn Museum), I first encountered the works of Carrie Mae Weems. Her photographs subvert the stereotypical depictions of Black women in media and depict the Black woman, Weems herself, as the complex subject of her works. Instead of falling into the trappings of the “positive” stereotype depictions of the “strong Black woman”, Weems’s works display vulnerable women with complex sets of emotions that encapsulate Black womanhood while at the same time, presenting experiences universal to all women. In an interview, Weems said that there is “still sort of a dearth, a lack of representational images of women. And not, you know, like strong, powerful, and capable, that kind of bullshit, but rather just images of black women in the world, in the domain of popular culture” (Weems quoted in Solway 2017). After having seen her works at the exhibit in Buffalo and surprised by the lack of literature about Carrie Mae Weems at the University of Cologne, I chose her works out of interest, while also investigating my own place as a white woman and feminist and the complicated, racist history of feminism. In the following, I will discuss two series by Weems: The Kitchen Table Series from 1990 and Not Manet’s Type from 1997. In the first series, Not Manet’s Type, Weems is referencing (feminist) art history, modernism and Western beauty ideologies. The Kitchen Table Series is concerned with gaze theory, the medium of photography and the blues. On a macro-level, both series are about the harmful controlling images created by mainstream culture as well as the artistic reactions by Black women in the mediums of photography, film, music and literature. At a closer look, each series tackles a specific medium and time in history which will be considered in my analysis. In her works, Weems is criticizing the stereotyping of Black women while also creating new representations for Black womanhood, referencing Black women’s techniques of resistance. I will thus read her photographs a) “against the grain” of racist and sexist representations of Black women and b) read her work as a site of Black feminist thought and compare her photographic series to the works of other Black feminist artists.

In der vorliegenden Arbeit wird die Bedeutung der Landschafts- und Marinemalerei für die nationale Einheit und bürgerliche Identifikation im Kaiserreich und in der Weimarer Republik beispielhaft am Werk des Berliner Secessionskünstlers Ulrich Hübner (1872-1932) untersucht. Zu Beginn wird die Rolle der Landschaft für die Konstitution von Staatswesen und nationaler Identität allgemein erläutert, um deutlich zu machen, vor welchem Hintergrund die Landschaftsmalerei Ulrich Hübners einen Beitrag zur bürgerlich-nationalen Identitätsfindung im (neugegründeten) Nationalstaat leisten konnte. Im Hauptteil werden dazu anhand Hübners biographischer Stationen unterschiedliche Gesichtspunkte, wie die pluralistischen Einflüsse auf Hübners Landschaftsmalerei, seine Rolle in der Berliner Secession, seine Positionierung auf dem Kunstmarkt, seine Rezeption durch die Kunstkritik und seine Funktion an der Akademie der Künste, untersucht. Hübners Konzentration auf Küstendarstellungen, Seestücke und Stadtansichten führte in Abgrenzung zur Marinemalerei zu dem neuen Typus der Stadt- und Wasserlandschaft, zwischen klassischer Veduten- und Landschaftsmalerei und impressionistischen Stimmungsbildern. Auf Grundlage des erstellten Werkverzeichnisses wird durch die Betrachtung Hübners Werks im Gesamtzusammenhang des Berliner Kunstgeschehens unter dem Aspekt des wirtschaftlichen und gesellschaftlichen Erfolges und der Entwicklung des privatwirtschaftlichen Kunstmarktes deutlich, wie ein Künstler in diesem System agierte. Hübners Erfolg mit dem neuen Typus der Stadtlandschaft und der Konzentration auf bestimmte Vertriebswege und erfolgreiche Motive steht exemplarisch für den deutschen Impressionismus in Zeiten des Stilpluralismus. Als Vertreter einer moderaten Moderne wurden seine Gemälde heimatlicher Landschaften Identifikationsbilder des aufgeschlossenen Bürgertums und somit eine Versicherung von Kontinuität in den politisch bewegten Zeiten vom Kaiserreich bis zum Ende der Weimarer Republik. This doctoral thesis examines the significance of landscape and maritime painting for the national unity and civil identification in Imperial Germany and the Weimar Republic through the case study of the oeuvre of the Berlin Secession artist Ulrich Hübner (1872-1932). In the first instance, we will outline the effect that landscape painting in general had on the constitution of the political system and national identity in order to assess the extent of which Hübner’s landscape painting contributed towards the shaping of a civil-national identity in the newly founded nation state. To this effect we will then study key events in his biography, focusing on the following aspects: the pluralist influences that shape Hübner’s landscape painting, his role in the Berlin Secession, his place in the art market, art criticism’s response to his work and his position at the Berlin Academy of Arts. Hübner’s focus on coastal views, sea- and cityscapes, as opposed to maritime painting, lead to the new type of Urban Landscape and Waterscape which is situated between classical Veduta and landscape painting on one hand and impressionist “Stimmungsbilder” on the other. The catalogue raisonné will form the basis on which we examine his oeuvre in the context of the greater Berlin art scene with particular emphasis on his commercial and social success on one hand as well as seen within the more specific framework which is the development of the commercial art market on the other. The success Hübner had with his new type of Urban Landscape and his focus on specific commercial channels and successful subject matters is exemplary for the German Impressionism in times of stylistic pluralism. Representing a moderate Modernism, his paintings of “Heimat”-landscapes became symbols that the liberal bourgeoisie could identify with and thereby a guarantee of continuity during the politically agitated times from the beginning of the German Empire to the end of the Weimar Republic.

Der vorliegenden Studie Die dialektische Lebenskunst von Guy Debord, Verworfener & Kulturschatz liegt eine interdisziplinäre Untersuchung des Gesamtwerks jenes französischen Radikalen zugrunde. Debords kohärentes Bestreben hatte darin bestanden, zu einer Leidenschaft der Existenz zurückzufinden, wie sie als Grundlage zur Umwälzung des verarmten Alltagslebens dienen sollte. Zugleich Ehre und Pläsier war es ihm dabei, der „Gesellschaft des Spektakels“ - 1967 in einem strategisch eingesetzten ‚Theoriebuch‘ in Form von Zweckentfremdungen analysiert - zu schaden, wo er nur konnte. Kategorisierungsversuche seiner Tätigkeiten und Umtriebe ‚unterlief‘ der Wahlpariser regelmäßig. Lediglich den Einordnungen als Filmemacher und Enragé stimmte er zu. Interpretationsschwerpunkte liegen auf der Begutachtung von Bildmanifesten und Selbstporträts, wozu seine sieben Filme zählen. Im Rahmen eines an Gerald Raunig und Bazon Brock angelehnten Theoriedesigns, wird sein provokantes Vorgehen in neun Kapiteln (I – IX) als Gesamtkunst-Experiment und Lebenskunstwerk beschrieben. Fundamental ist hierbei das Diktum Brocks, dass ein Totalkunstwerk ein Postulat seiner eigenen Verwirklichung darstellt. Die Gliederung des Stoffes folgt dem romanhaften Werdegang eines Initiators zweier Avantgardeformationen sowie dem Vollzug einer ‚Überwindung‘ der Kunst in deren Reihen. Das Gravitätszentrum aller Aktivitäten und ein Scharnier der Abhandlung ist die klandestine Rolle, welche die Situationistische Internationale bei der Verwirklichung der Mai-Revolte 1968 in Frankreich spielte., In its character the study Guy Debords Art of Living, Accursed Poet & Cultural Treasury is an interdisciplinary examination of this French radical’s strange and obscure ways. His coherent achievement may be judged as an approach to regain a lost passion of existence in order to revolutionize everyday life. Debord found pleasure and pride in his lifelong ambition to demolish the so-called “Socitey of the Spectacle”, which he analyzed in his infamous book by the same title, first published in 1967. Often quoted since, rarely described as the invention and event it was. Debord defended himself againt categorization. But he agreed on being titulated a filmmaker and enraged person in the tradition of a perverted French Revolution. Following a theory-design, paying references to Gerald Raunig and Bazon Brock, his provocative approach is discussed in nine chapters (I-IX). Baring in mind that – according to Brock – a total work is a postulate of its own realization. The script follows the novel-like progress of a co-founder and lustful destroyer of two avantgarde-troups. All of the group activities are gravitating around what happened in Paris at the heyday of May 68.

Wenn Künstler über Kunst schreiben, bleibt es selten bei einer Disziplin. Wie eng Kunst, Philosophie, Psychologie und Butterbrote zusammenhängen, beschreibt der bildende Künstler Nikolaus List in seinem persönlichen und humorvollen Text. Eine Glosse.

Die Korrektur zum Ceres-Beitrag von 2014 hebt auf die Tatsache der Präzession ab: Die Sonne hielt sich in römischer Zeit im Sternbild des Widder auf.

Beethovens Musik zeichnet sich durch eine Vielfalt von Affektkonstruktionen aus, von denen die in c-Moll die wohl bekannteste sein dürfte. Dass auch Tonartendispositionen affektprägend sein könnten - hier Molldominanten als (wie wir versuchen zu zeigen) Dominanten der Leidenschaft -, dem widmet sich die erste der beiden in diesem Buch vorgelegten Studien. Bei der Spurensuche nach der Musik im Werk des Soziologen und Lebensphilosophen Georg Simmel begegnen wir neben Michelangelo und Rembrandt Beethoven als Verkörperung eines leidenschaftlichen Künstlers, dessen Normüberschreitungen unter dem Aspekt seines Arbeitsethos zu sehen sind. Prof. Dr. habil. Eberhard Hüppe lehrt Musikgeschichte und Analyse am FB 15 (Musikhochschule) und Kultursoziologie am FB 6 (Institut für Soziologie) der Universität Münster. Seine Forschungsschwerpunkte sind: Musik des 20. und 21. Jahrhunderts, Musik und Gesellschaft, Wissenschaftsgeschichte der musikalischen Analyse, Wissenssoziologie musikalischen Handelns, Soziale Atmosphären.

Computerspiele sind vielfältig. Freizeitvergnügen, professioneller Sport, kulturbildend und kulturkritisch. Sie inspirieren die Kunst und mit ihnen wird Kunst gemacht. Dieser Beitrag betrachtet die Diskurse und Strategien der Computerspielkunst. Im Rückgriff auf die Game Studies und die medienwissenschaftliche Computerspielforschung beleuchtet er die Unterscheidung zwischen Artgames und Game Art (insbesondere Modifikationen) und versucht zu zeigen, dass beide Genres unterschiedlichen Diskursen entstammen, die mit verschiedenen Begriffen und künstlerischen Strategien operieren: Artgames setzen auf Spielbarkeit und Rhetorik und Game Art setzt auf Unspielbarkeit und Ästhetik. Sie grenzen sich so auf unterschiedliche Weise von den Sorgestrukturen kommerzieller Computerspiele ab. Computer games are diverse: recreational fun, professional sport, culture building, and culture critical. They inspire art, and art is made with them. This article examines the discourses and strategies of computer game art. Drawing on research from game studies and media studies, it examines the distinction between artgames and game art (especially modifications) and attempts to show that both genres originate from different discourses that operate with different concepts and artistic strategies: Artgames focus on playability and rhetoric, whereas game art focuses on unplayability and aesthetics. They distinguish themselves in different ways from the care structures of commercial computer games.

Haben Sie in letzter Zeit ein Fotoalbum angelegt? Dann gehören Sie zu den wenigen, die diese Praxis heute noch pflegen. In den 1920er und 1930er Jahren war sie gesellschaftlich weit verbreitet, und auch Künstler_innen bedienten sich dieses Mediums, um ihren Erinnerungen einen Ort zu geben. Dieser Beitrag unternimmt den Versuch, dem Gestaltungsprozess eines Fotoalbums der Fotografin Gerda Leo (1909–1993) anhand materieller Spuren näherzukommen. Er gibt Einblick in die Herausforderungen im Bereich der Gegenstandssicherung und -analyse, auf die ich im Rahmen meines Dissertationsprojekts stoße. Das Projekt untersucht Fotoalben von Künstler_innen aus den 1920er und 1930er Jahren mit dem Anspruch, das Fotoalbum nicht nur als Aufbewahrungsort für fotografische Bilder zu betrachten, sondern als Medium, in dem Layout ausprobiert werden konnte. Der Umgang mit fotografischen Bildern in den drei wichtigen Bildmedien der Zeit – Fotobuch, Fotoalbum, Illustrierte – soll mit einem Schwerpunkt auf das Fotoalbum analysiert werden. Die vorliegende Spurensuche am Fotoalbum wird von der Frage geleitet, ob das Erschließen einer weiteren Informationsebene zu einem tieferen Verständnis des Gestaltungsprozesses und damit der Anordnungen der Fotografien führen kann. Auffällig an Gerda Leos Album ist, dass Spuren des gestalterischen Entstehungsprozesses so gut wie nicht vorhanden sind. Welche Aussagen lassen sich dennoch über ihre gestalterischen Entscheidungen treffen?

Durch die Betrachtung von Spuren an Büchern ist es möglich, verschiedene Funktionen von Literatur an einem Musenhof der Frühen Neuzeit zu zeigen. Welche Bedeutung Kunstliteratur am Hofe Herzog Anton Ulrichs von Braunschweig-Wolfenbüttel (1633–1714) hatte und wie der Fürst die Bücher für seine Kulturpolitik nutzte, die im Konkurrenzkampf mit Hannover um die Kurwürde eine entscheidende Rolle spielte, ist die zentrale Fragestellung innerhalb meines Dissertationsvorhabens. Das Vorhaben leistet einen Beitrag zur Erforschung von Kunstwissen in einem residenzstädtischhöfischen Kontext der Frühen Neuzeit. In diesem Aufsatz werden die Quellen und Methoden meiner Arbeit vorgestellt. Die Bücher werden hierbei zum einen als Einzelobjekte und zum anderen im Sammlungskontext der Bibliothek und der Kunstsammlung Anton Ulrichs im Schloss Salzdahlum betrachtet. Die fürstliche Hofbibliothek in Wolfenbüttel ist bis heute erhalten und somit eine wertvolle Quelle für die Forschung. Sie enthält zahlreiche Bände mit Spuren wie Besitzvermerken, Exlibris, Supralibros oder Widmungen des Auftraggebers und Kunstsammlers Herzog Anton Ulrich und mit ihm in Verbindung stehender Akteure, etwa von Familienmitgliedern und Gelehrten, aber auch von Architekten und Künstlern. Die Bücher der höfischen Bibliothek mit ihren Spuren stellen die erste Quelle dar, um Buchbesitz und Buchgebrauch aufzuzeigen. Dank zweier weiterer Quellen aus dem Bibliotheksarchiv ist es möglich, auf den Spuren Anton Ulrichs zu wandeln. Erstens dokumentiert ein Benutzerbuch, das seit 1666 geführt wurde, die Ausleihe zahlreicher Bände zur Kunstliteratur durch den Herzog. Zudem ist eine separat geführte Bücherliste erhalten, die belegt, dass Anton Ulrich sich im Jahre 1685 zahlreiche Bände der Kunstliteratur in sein Lustschloss in Salzdahlum bringen ließ, die in seinen Galerieräumen aufgestellt wurden und repräsentativen Zwecken dienten.

Die Herstellung von Injektionspräparaten entwickelte sich in Europa bereits im 17. Jahrhundert. Durch den Einsatz spezieller Techniken und geeigneter Materialien gelang es den Anatomen, Arterien, Venen und Lymphbahnen sichtbar zu machen und Präparate als Lehrmittel herzustellen, die sich für eine dauerhafte Nutzung eigneten. Für das Dissertationsprojekt im Bereich Konservierung/Restaurierung sind besonders die im 18. und 19. Jahrhundert bei der Injektion verwendeten Materialien und Techniken von großem Forschungsinteresse. Fokussiert wurde hierbei auf humananatomische Präparate. Durch die Begutachtung von Injektionspräparaten in medizinischen/anatomischen Sammlungen Europas (eine Liste der beprobten Injektionspräparate ist beigefügt, etliche weitere hier nicht namentlich aufgelistete Sammlungen wurden beforscht), durch die Recherche von historischer Literatur und mit eigenen praktischen Versuchen wird die Herstellungstechnik dieser Präparate erforscht. Erste Ergebnisse einer länger angelegten Studie werden hier präsentiert. Diese Ergebnisse können weiteren Forschungen dienen, indem sie es Museen und Sammlungen ermöglichen, eigene Forschungsergebnisse im internationalen Vergleich zu betrachten. Zum anderen trägt die konkrete Kenntnis über die Herstellungstechnik und die Materialeigenschaften dazu bei, künftig fachgerechte Konservierungs- und Restaurierungskonzepte für diese Präparate zu entwickeln. Der vorliegende Beitrag zeigt einige Möglichkeiten, aber auch Grenzen auf, die sich aus der Interpretation der bisherigen Forschungsergebnisse ergeben.

Die Pracht Dresdens geht auf das 18. Jahrhundert zurück, als die Stadt eine wahre Blütezeit erlebte. Der Kurfürst-König August der Starke und sein Sohn und Nachfolger August III. waren die wichtigsten Förderer der Künste. Ihre Kollektionen prägen die sächsische Museumslandschaft bis heute, besonders die Staatlichen Kunstsammlungen Dresden (SKD). Daneben etablierte sich im 18. Jahrhundert eine beachtliche adlige und bürgerliche Sammlerschicht, die bislang wenig erforscht ist. Mithilfe von zeitgenössischen Quellen wie Stadtbeschreibungen, Nachlassverzeichnissen, Auktionskatalogen und diversen Artikeln in Wochenzeitungen und Zeitschriften konnten im Rahmen des Dissertationsvorhabens der Autorin bereits Spuren von rund 280 solcher, meist bis dato unbekannter Sammlungen aufgefunden werden, etwa von Naturalien, Gemälden, Gemmen, Grafiken, Büchern und Münzen, sogar von Schuhen und Erotika. Eine quellenkundliche Spurensuche – wie es in diesem Beitrag anhand von Bücher-, Karten- und Grafiksammlungen ansatzweise geschildert wird – bringt allgemeine Erkenntnisse zum Sammeln in Dresden, fördert aber auch Neues zu den verschiedenen Sammlercharakteren wie auch zu den einzelnen Beständen und Objekten zutage. In der Dissertation wird eine ganze „Sammlungsstadt“ – und nicht wie bisher nur die großen „Sammlungsleuchttürme“ – in den Blick genommen. In diesem Beitrag soll nun das Vorgehen, eine Sammlungslandschaft zu rekonstruieren, dargestellt werden. Die Spurensuche nach Dresdner Sammlungen des 18. Jahrhunderts und bis heute existierenden Objekten macht einen weiteren Abschnitt des Artikels aus. Zwar wurden die Bestände nach dem Tod des Sammlers häufig durch Auktionen zerstreut und überlebten die Zeitläufte meistens nicht, doch finden sich bei genauer Spurensuche bis heute immer wieder Objekte aus dem ehemaligen Besitz der Dresdner Sammler wieder: etwa in den SKD, der Sächsischen Landesbibliothek – Staats- und Universitätsbibliothek Dresden (SLUB), den Senckenberg Naturhistorischen Sammlungen, aber auch in (inter-)nationalen Museen und im Kunsthandel. In das für Museen, Archive und Bibliotheken so wichtige Feld der Provenienzforschung fällt also auch die Spurensuche zu Dresdner Sammlungen des 18. Jahrhunderts. In diesem Beitrag werden dabei verschiedene Provenienzmerkmale und ihre Zuordnung zu Objekten aus dem Besitz früherer Eigentümer der Residenzstadt vorgestellt.

Tupperware gehört auch heute, 72 Jahre nach der Erfindung der „Wonderbowl“, noch in vielen westlichen Haushalten zum Alltag und verkörpert in vielerlei Hinsicht ein typisches Phänomen der modernen Warenkultur. Im Zuge der industriellen Massenproduktion stieg die Verfügbarkeit und der Verbrauch von Dingen in einem bis dahin unbekannten Maß an. Hierbei spielt seit dem 20. Jahrhundert, besonders in der zweiten Hälfte, der Werkstoff Kunststoff eine entscheidende Rolle als zunächst unbelastetes, frei formbares Material der unbegrenzten Möglichkeiten. Längst haben Objekte aus Kunststoff Eingang in Museumssammlungen gefunden, und zunehmend stellt sich die Frage: Wie werden wir diesen Dingen des Alltags und ihrer kulturellen Bedeutung gerecht, ohne das Alltägliche dabei in unangemessener Weise zu erhöhen oder es allein zur Illustration vorgefertigter Thesen zu benutzen? Der vorliegende Beitrag zeigt an einem Fallbeispiel auf, wie eine direkte Spurenlese an alltäglichen Dingen, zu denen Tupperware zweifelsohne gehört, stattfinden kann. Die Besonderheit bei dieser Spurenlese liegt in der Untersuchung der Objekte aus unterschiedlichen Blickwinkeln. Nach einer Einleitung zum Vorhaben und zur Methodik beschreiben in diesem Beitrag vier Autoren aus den Bereichen der Materialwissenschaft, der Kunst- und Kulturgeschichte und der Restaurierung ein und dieselben Objekte; hierdurch sollen diese „zum Sprechen“ gebracht und umfangreiches Wissen erarbeitet werden. Abschließend formuliert der Beitrag einen Ausblick über die weiteren Ziele im Forschungsprojekt und verdeutlicht die Notwendigkeit der interdisziplinären Zusammenarbeit, um den Erhalt von Kunststoffen in Museumssammlungen zu gewährleisten.

Persische Kunst ist international vor allem für die frühen Epochen der Vorgeschichte und mittelalterlichen Miniaturen bekannt. Trotz Wirtschaftskrise und Zensur hat sich in den vergangenen Jahren eine lebendige, aber fast unbeachtete iranische Kunstszene mit einer Vielzahl von neuen Galerien und Kunsträumen etabliert.

Die Monographie beleuchtet Myra Warhaftigs (1930-2008) architektonischen Beitrag zur Internationalen Bauausstellung 1984/87 in Berlin. Im Mittelpunkt stehen das Leben und Werk einer j��dischen Architektin in Deutschland, in denen sich wissenschaftliche, soziale und ethische Anspr��che in einzigartiger Weise verbinden.

Au XXe siècle, la collection de moulages de l'École des arts industriels de Genève a connu un désintérêt progressif. Si elle demeure en grande partie conservée aujourd'hui, en revanche, son histoire est tombée dans l'oubli. Le présent mémoire vise à redonner corps à ce vaste ensemble de moulages dans le cadre d'une étude historique inédite. À la fin du XIXe siècle, l'activité d'édition de moulages est centralisée à Genève. La collection de l'École devient une référence nationale et accède à une certaine notoriété au-delà même du pays. Sa cohabitation dans une école-atelier moderne et compétente pour gérer une entreprise d'édition de reproductions en plâtre, permet non seulement de former des spécialistes, mais favorise aussi une distribution sur l'ensemble du territoire national. La majorité des modèles circulant sur le marché parisien, ainsi que des pièces uniques à Genève, étaient disponibles pour satisfaire la demande des autres écoles, des musées, des artistes ainsi que des amateurs et amatrices.

Die Bedeutung von materiellen Artefakten, die in ihrer Form unverändert bleiben, kann sich durch räumliche Bezüge und durch den Wechsel des Kontexts verändern. Durch die räumliche Zuordnung inszeniert, können Artefakte inhaltlich festgelegt oder akzentuiert werden bzw. eine neue Bedeutung erlangen. Inhaltlich festgelegte Artefakte können durch ihre Aufstellung einen Raum, manchmal eine ganze Landschaft, neu und spezifisch deuten. Dabei lassen sich verschiedene Ausprägungen von Kontextwechseln finden. In diesem Band werden räumliche, historische, topographische und diskursive Kontextwechsel in Fallbeispielen analysiert und deren Bedeutungen und Überschneidungen kritisch reflektiert. So zeigen Artefakte der Antike, wie Bildwerke gezielt aus ihren ursprünglichen Aufstellungskontexten herausgelöst und neu integriert worden sind, wobei dies entsprechend oder entgegen der älteren Verwendung geschehen konnte. Für die Neuzeit lässt sich zeigen, dass sich durch die Sammlung und die Anordnung von Artefakten Wissenssysteme etablieren und stabilisieren lassen. Hier schließen sich Fragen an: etwa nach der Verwendung von Gegenständen, die eigens für Reisen und den Transfer in andere kulturelle Bereiche geschaffen worden sind; oder nach der Rolle von durch Migrant*innen mitgebrachten Objekten als Identitätsmarker.

Mit dem Archiv der Kunstpädagogin Eva Eyquem (1915-2009), die 1932 bis 1934 in Berlin Schülerin von Johannes Itten war, verfügt der Lehrstuhl für Kunstpädagogik der FAU seit 1994 über ein umfangreiches Konvolut an Bild- und Textmaterial, sowie Video- und Audioaufzeichnungen, das ihre Tätigkeit zwischen 1972 und 1999 in Nürnberg dokumentiert. Aufbauend auf ihren Erfahrungen im Bereich der Kunstwissenschaft und Ästhetik an der Universität Paris I unterrichtete Eyquem in Nürnberg in Kooperation mit dem Kunstpädagogischen Zentrum im Germanischen Nationalmuseum Nürnberg und anderen Bildungseinrichtungen in unterschiedlichen Bereichen der ästhetischen Praxis und Theorie. Im Vorfeld des Bauhaus-Jubiläums richtete der Lehrstuhl für Kunstpädagogik 2018 ein Symposium zu Eva Eyquem aus, das ihr Werk im Kontext der Bauhaus-Pädagogik beleuchten sollte. Mit Vorträgen internationaler Wissenschaftler lag der Fokus der Tagung auf der Kunstpädagogik Johannes Ittens, deren Wurzeln in der Reformpädagogik (Rainer K. Wick), sowie auf Eyquems Rolle als Schlüsselfigur der Itten-Rezeption in Japan (Yoshimasa Kaneko) und auf der Bedeutung ihres Werks als Erweiterung (und Fortschreibung) von Ittens Gestaltungslehre (Sabine Richter). Der Tagungsband mit ausgewählten Vorträgen wird ergänzt durch einen zweiten Teil mit Schriften und Interviews, in denen Eva Eyquem sich zu Grundlinien ihrer Pädagogik äußert und der ihre an zeitgenössische künstlerische Prinzipien angelehnte Kunstpädagogik thematisiert. With the archive of the art teacher Eva Eyquem (1915-2009), who was a student of Johannes Itten in Berlin from 1932 to 1934, the Chair of Art Education at FAU has had an extensive collection of image and text material, as well as video and audio recordings, since 1994, which documents her activities between 1972 and 1999 in Nuremberg. Based on her experience in the field of art studies and aesthetics at the University of Paris I, Eyquem taught in Nuremberg in cooperation with the Art Education Center in the German National Museum Nürnberg and other educational institutions in various areas of aesthetic practice and theory. In the run-up to the Bauhaus anniversary, the Chair of Art Education organized a symposium on Eva Eyquem in 2018, which was intended to shed light on her work in the context of Bauhaus education. With lectures by international scholars, the focus of the conference was on Johannes Itten's art education, its roots in reform education (Rainer K. Wick) as well as on Eyquem's role as a key figure in Itten's reception in Japan (Yoshimasa Kaneko) and on the importance of her work as an extension and continuation of Itten's design theory (Sabine Richter). The conference volume with selected lectures is supplemented by a second part with writings and interviews in which Eva Eyquem expresses herself on the basic lines of her pedagogy and discusses her art pedagogy, which is based on principles of contemporary art.

Das Dachtragwerk in Metallbauweise über der Vorhalle des Pantheon in Rom war eine ähnlich bedeutende und innovative Konstruktion wie die Kuppel, ist jedoch nicht erhalten und deswegen nahezu unbekannt. Gestützt auf Borrominis Bestandsaufnahme macht der Verfasser einen neuen Rekonstruktionsvorschlag für die Schichtenfolge der Bronzestäbe der Binderkonstruktion. Dazu werden ein denkbarer Montageablauf der Binderteile sowie die mutmaßliche Lastabtragung innerhalb der Nietkonstruktion vorgestellt, die von einem Sprengwerk geprägt gewesen ist. Außerdem ermittelt der Verfasser das Fußmaß, das der Planung zugrundegelegen hat, und den unteren Säulendurchmesser, der als Planungsmodul diente. Abschließend sind offene Fragen zur Konstruktion des einzigartigen Dachtragwerks zusammengestellt. Im zweiten Teil behandelt der Verfasser die Rolle des Kaisers Hadrian beim Neubau des Pantheon, der nach einem Blitzschlag im Jahre 110 n. Chr. notwendig geworden war. Kaiser Trajan hatte mit dem heute noch erhaltenen Neubau seinen Architekten Apollodorus von Damaskus beauftragt. Die von Hadrian veranlasste Bauinschrift nennt Agrippa als Bauherrn, der das erste Pantheon rd. 150 Jahre vorher errichtet hatte. Rätsel gibt auch der nachträgliche Einbau der Tempeltür aus dem ersten Pantheon auf. Cassius Dio berichtet von einem dramatischen Ende der Beziehungen zwischen Hadrian und Apollodorus, das zur Hinrichtung des genialen Baumeisters führte. Bauinschrift und Tempeltür sind offenbar als damnatio memoriae zu verstehen, mit der Hadrian vom Schicksal des großen Baumeisters hat ablenken wollen. Der Verfasser schließt mit der Frage, ob noch weitere bedeutende Zeitgenossen der Skrupellosigkeit Hadrians zum Opfer gefallen sind.

Simultaneously speculative and inspired by everyday experiences, this volume develops an aesthetics of metabolism that offers a new perspective on the human-environment relation, one that is processual, relational, and not dependent on conscious thought. In art installations, design prototypes, and research-creation projects that utilize air, light, or temperature to impact subjective experience the author finds aesthetic milieus that shift our awareness to the role of different sense modalities in aesthetic experience. Metabolic and atmospheric processes allow for an aesthetics besides and beyond the usually dominant visual sense.

Erratum: auf Seite 251 ist bedauerlicherweise ein Autorenname falsch geschrieben: statt Willinger. Herbert: Kino zum Mitnehmen – Filmprogramme in Österreich 1896 – 2020 (2 Bände) Wien: Filmarchiv Austria, 2020 muss es heißen: Wilfinger. Herbert In vergleichenden Untersuchungen zu Gestalt, Inhalt und historiografischer Bedeutung werden deutschsprachige Filmprogramme seit den 1920er Jahren bis in die Gegenwart auf ihre Bedeutung und Aussagen hin analysiert.

Intitulée "Giacomo Jaquerio (1404-1453) : œuvre et réseau d'un artiste au sein du duché de Savoie", cette thèse a pour objectif d'établir le catalogue raisonné de l'artiste, soit un répertoire exhaustif de sa production élaboré sur la base d'observations stylistiques, tout en replaçant le peintre dans le contexte culturel auquel il appartient. La position centrale de Jaquerio dans le panorama artistique du temps d'Amédée VIII, premier duc de Savoie, a généré une importante littérature depuis le début du XXe siècle. La seule œuvre signée par l'artiste, une fresque peinte à Saint-Antoine de Ranvers (Turin), a en effet été dégagée en 1914. Depuis, la recherche a tenté de délimiter le corpus de Jaquerio sans toutefois proposer un catalogue raisonné de l'artiste. Cette thèse comprend un essai, un registre documentaire et un catalogue raisonné inédit dans le premier volume. Le second volume réunit les illustrations.

Das Ziel der vorliegenden Dissertation ist es, einen Überblick über die Darstellun-gen von Prostituierten in der bildenden Kunst der BRD, der DDR und Österreichs nach dem Zweiten Weltkrieg bis in die 1970er Jahre zu geben. Die Darstellung von Prostituierten beschäftigte Künstler in verschiedenen bildneri-schen Medien bereits seit Jahrhunderten. Doch neben Forschungen zu Kurtisa-nenbildnissen des Barock, wie bei Filzmoser (2014), zu Prostituierten-Darstellungen in Frankreich von der zweiten Hälfte des 19. bis zu Beginn des 20. Jahrhunderts, beispielsweise bei Adriani (2005), sowie zu Prostituierten-Darstellungen unter Berücksichtigung des Expressionismus und des Verismus bis zu Beginn der 1930er Jahre von Täuber (1997), gibt es bisher keine umfassende Arbeit, die sich explizit mit den Darstellungen von Prostituierten in der bildenden Kunst im deutschsprachigen Raum nach dem Zweiten Weltkrieg befasst. Die vorliegenden Studien tragen dazu bei, diese Lücke zu schließen. Nach kurzen einleitenden Kapiteln, die auf die Geschichte der Prostituierten-Darstellungen sowie – unter Berücksichtigung der jeweiligen Zeitumstände vor, während und zwischen den Weltkriegen – auf deren Ausführungen zu Beginn des 20. Jahrhunderts, mit besonderem Fokus auf die in der Tradition des Verismus stehenden Rudolf Schlichter, Karl Hubbuch, George Grosz und Otto Dix eingehen, wird auch der Einschnitt der Herrschaft der Nationalsozialisten und dessen Aus-wirkungen auf die Kunstwelt und damit auf die Prostituierten-Darstellungen knapp skizziert. Der Hauptteil der Arbeit widmet sich den Darstellungen von Prostituierten in der bildenden Kunst der BRD, der DDR und Österreichs nach dem Zweiten Weltkrieg bis in die 1970er Jahre. Anhand exemplarisch ausgewählter Prostituierten-Darstellungen, die ausführlichen Bildbeschreibungen und -vergleichen unterzogen werden, werden die Arbeiten der Künstler analysiert, Zusammenhänge und Unter-schiede hinsichtlich der Bildgestaltung aufgezeigt und Besonderheiten kenntlich gemacht. Vor dem Hintergrund der Zeitumstände und deren Auswirkungen auf die Prostitu-tion innerhalb der entsprechenden Länder wird, neben den Künstlern Franz Theo-dor Schütt und Helmut Goettl aus der BRD und Curt Großpietsch aus der DDR, auf das Bild der Prostituierten bei den österreichischen Künstlern Alfred Hrdlicka, Georg Eisler und Adolf Frohner eingegangen. Um die Entwicklung der Darstellungen von Prostituierten nach dem Zweiten Welt-krieg zu ergründen, wird die Art der Darstellungen in Abhängigkeit zur jeweiligen gesellschaftlichen Situation, der Gesetzeslage sowie der Wahrnehmung und Sichtbarkeit von Prostituierten in der Öffentlichkeit untersucht. Auf die Vorbilder aus der Kunstgeschichte, denen sich die Prostituierten-Darstellungen nach 1945 bedienen, sowie auf deren figürliche Tradition wird Bezug genommen, um die Künstler im zeitgenössischen Kontext besser positionieren zu können. Eine Analyse der Zusammenhänge zwischen den unterschiedlichen Arten der Darstellung von Prostituierten beleuchtet im Folgenden die jeweiligen Inszenie-rungsstrategien, Auswirkungen der unterschiedlichen Medien auf die Art der Dar-stellung, den männlichen Blick auf die Prostituierte sowie Nacktheit, Erotik, Weib-lichkeit und weitere Merkmale als Kennzeichen des Berufes, um schließlich die verschiedenen Realitätsebenen, das Hybride der Verlockungen der „irrealen“ Per-son der Prostituierten kenntlich zu machen. Aus der erbrachten Gesamtanalyse der Studien kommt die Dissertation zu folgen-den Ergebnissen: Die Darstellungen von Prostituierten in der bildenden Kunst en-den nicht mit der Machtübernahme der Nationalsozialisten oder dem Zweiten Weltkrieg, dieser stellt lediglich durch die Aktion der „Entarteten Kunst“ eine zeit-lich begrenzte Unterbrechung der künstlerischen Arbeit an diesem Thema dar. Auch nach 1945 befassen sich einige – typischerweise männliche – Künstler, je-doch in quantitativ geringerem Ausmaß als vor dem Kriege, in verschiedenen Me-dien und dem geschuldet in unterschiedlichen Bild- und Farbgestaltungen sowie Inszenierungsstrategien mit den Prostituierten-Darstellungen. Die Prostituierten werden in den Darstellungen nicht mehr in dem Maße derb, verwahrlost oder of-fensiv vulgär gezeigt, wie es noch zu Zeiten des Verismus der Fall war. Jedoch werden weiterhin keine jugendlichen Schönheitsideale, sondern verbrauch-te, vom Leben als Prostituierte gezeichnete Frauen dargestellt, wobei stets die Schattenseiten des Berufs zum Ausdruck kommen und zuweilen eine anteilneh-mende Sicht der Künstler am Schicksal der Prostituierten bemerkbar ist. Aus den Bildanalysen ergeben sich typische Kennzeichen einer Prostituierten, die, in Kombination untereinander und auch in Zusammenhang mit der Titelgebung, eine Frau zu einer Prostituierten werden lassen. Neben Nacktheit und dem Her-vorheben weiblicher Reize durch Dessous, Strümpfe oder übertriebenes Makeup, treten auch Handtasche und Perücke immer wieder als Accessoires der Prostitu-ierten in Erscheinung. Das Hybride, das Spiel zwischen Zeigen und Verbergen, zwischen Sein und Schein, zeichnet die Prostituierte sowohl im wahren Leben als auch in den Dar-stellungen aus, in denen sie zum Abbild eines für den Freier inszenierten Schau-spiels wird. Hieraus ergibt sich, dass es sich bei den dargestellten Prostituierten meist um keine individuellen Personen-Porträts, sondern um ein allgemeines Bild der Prostituierten handelt, die dadurch in den Darstellungen zuweilen selbst zu einem Mischwesen aus realen und irrealen Komponenten werden. Alle besprochenen Künstler verbindet hierbei das Beibehalten einer figürlichen Tradition, welche sich als notwendig für Prostituierten-Darstellungen erweist. Die vorliegenden Studien geben einen Einblick in die Darstellungen von Prostituier-ten im deutschsprachigen Raum nach dem Zweiten Weltkrieg und zeigen auf, dass das Thema weiterer Betrachtungen wert ist.

Jean-Léon Gérôme (1824–1904) zählt nach einer langen Phase der Missachtung durch die modernistische Kunstgeschichtsschreibung heute wieder zu den vieldiskutierten Künstlern des 19. Jahrhunderts. Die Monografie bietet erstmals eine systematische Darstellung seiner plastischen Arbeiten, die von dieser Neubewertung bislang weitgehend unberührt geblieben sind. Die Studie umfasst sowohl eine gattungsgeschichtliche Untersuchung der spezifischen Medialität seiner Skulpturen als auch eine kulturwissenschaftliche Ergründung der Annäherung von Antike und Moderne, die sich in den Werken zeigt. Auf diese Weise treten neue Zusammenhänge zutage, welche die Vielschichtigkeit von Gérômes Œuvre offenbaren Dissertation, Universität Duisburg-Essen, 2021

Entscheidungsprozesse, die im Zusammenhang mit dem lebensbegleitenden Lernen stehen, sind immer auch mit grundsätzlichen Fragen über die eigene Lebensgestaltung und also mit Identitätsfindungsprozessen und dem verbunden, was man unter dem Begriff Lebenskunst fassen könnte. Ob vorausgesetzt werden kann, dass Erwachsene das Paradigma des Lebenslangen Lernens mittragen und sich diesem aussetzen wollen, wie sie diese Entscheidung individuell selbstbestimmt treffen können, ob eine Befähigung und Ermutigung hierzu Aufgabe von Erwachsenenbildung sein könnte und welche Bedeutung insbesondere ästhetischer Bildung und Spiel in diesem Zusammenhang zukommen kann, ist Gegenstand dieser Arbeit.