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Esta dissertação apresenta uma abordagem sobre os dispositivos móveis como possíveis mediadores do pensamento artístico. Fundamentada em conceitos teóricos que permeiam as relações entre arte, imagem e tecnologia, pretende compreender a participação destes dispositivos no processo de criação a partir da observação da arte visual de David Hockney nos celulares e tablets. Seus objetivos específicos abrangem estudos de como os artistas da arte contemporânea têm se expressado por meio das imagens e como as janelas digitais têm participado deste movimento. A dissertação se inicia com um estudo teórico sobre as janelas da arte, priorizando aquelas que se inserem na arte contemporânea, seguida por uma investigação da trajetória do artista David Hockney. A pesquisa teórica foi importante para o entendimento de como as artes visuais contemporâneas têm materializado os conceitos dos artistas. A arte de Hockney nos dispositivos móveis é analisada a partir da exposição da série de pinturas Flores Frescas, onde o artista expõe suas obras nos tablets e celulares. A análise das imagens de Hockney complementa a pesquisa por meio de uma observação qualitativa e interpretativa de seis obras da mesma série, fundamentada em parâmetros que a pesquisa teórica indicou como prioritários para a construção de uma estética da arte digital. Esta análise identificou tendências da criação artística incorporadas nas pinturas a partir dos dispositivos móveis. A conclusão mostra uma apropriação do dispositivo por este artista por meio de um processo criativo que colabora para a formação de uma estética contemporânea. This research presents an approach on mobile devices as possible mediators of artistic thinking. Based on theoretical concepts about the relations between art, image and technology, it aims at understanding the participation of these devices in the process of creation from the observation of the visual art of David Hockney in the cellular phones and tablets. Its specific objectives are the studies of how artists of contemporary art have expressed themselves through images and how digital windows have participated in this movement. The research paper begins with a theoretical study on metaphorical windows in art, prioritizing those of contemporary art, and continues an investigation into the trajectory of the artist David Hockney. Theoretical research was important for the understanding of how visual arts materialize the concepts of contemporary artists. Hockney's art on mobile devices is analyzed from the Fresh Flowers painting exposition, in which the artist exposes his works on tablets and cell phones. The analysis of Hockney’s images complements the research through the observation of six paintings of the same series, based on parameters that the theoretical research indicated as important for the construction of an aesthetic of digital art. This analysis was important in identifying trends in artistic creation embodied in paintings for mobile devices. The conclusion shows an appropriation of the device by this artist through a painting that contributes to the formation of a contemporary aesthetic.

Submitted by Licínia Santos (biblioteca@fba.ul.pt) on 2017-08-01T14:51:41Z No. of bitstreams: 2 ULFBA_TES_1005_CAPA.jpg: 208743 bytes, checksum: 60a5897d0bb80493102b4ead723439a6 (MD5) ULFBA_TES_1005.pdf: 5511141 bytes, checksum: 1289487890d15ecbef8a9cbc691a4ff3 (MD5) Made available in DSpace on 2017-08-01T14:51:52Z (GMT). No. of bitstreams: 2 ULFBA_TES_1005_CAPA.jpg: 208743 bytes, checksum: 60a5897d0bb80493102b4ead723439a6 (MD5) ULFBA_TES_1005.pdf: 5511141 bytes, checksum: 1289487890d15ecbef8a9cbc691a4ff3 (MD5) Previous issue date: 2017-03-22

A presente pesquisa, de caráter teórico e prático, aborda o tema das ciberartes, em particular a Arte Robótica e seus contextos. Sabendo que este campo está em constante alteração, por se tratar de uma produção artística ancorada em uma tecnologia em permanente evolução, coube aqui questionar a possibilidade de criação artística por parte dos robôs, bem como enunciar as possibilidades estéticas, reflexivas e processuais da arte robótica. Sendo assim, a premissa da tese se fundamenta na produção contemporânea da arte e no aperfeiçoamento tecnológico, uma vez que em arte e tecnologia, parte das obras é resultado da colaboração entre artistas humanos e softwares inteligentes. Em consonância ao estudo teórico, os processos de criação, as experimentações e as técnicas de produção de Nefelibata 2.0 foram relatadas. A produção poética fomentou a criação de uma nuvem robótica que interage com o público em uma espécie de performance robótica. Assim sendo, os pressupostos do estudo apoiam-se na proposição de que a arte robótica pode ser criada por humanos, por robôs ou de forma simbiótica, não limitando-se ao uso técnico da robótica, uma vez que as criaturas eletrônicas podem ser dotadas de criatividade artificial, comportamento próprio e ainda dialógicas junto ao público. Logo, o estudo tem como objetivo conceituar a arte robótica, discutindo sobre os aspectos estéticos, interativos e poéticos; refletir sobre as perspectivas instauradas no campo da arte robótica, bem como ponderar acerca da criação artificial. This research approaches theoretical and practical features of cyberarts, particularly Robotic Art and its contexts. Knowing that this field is constantly changing, because it is an artistic production anchored in a permanently evolving technology, the aim here is to question the possibility of artistic creation by robots, as well as to enunciate the aesthetic, reflexive and processual possibilities of robotic art. Therefore, the premise of the thesis is based on the contemporary production of art and on technological improvement, since part of the work in art and technology results from the collaboration between human artists and an intelligent software. In accordance with the theoretical study, the processes of creation, the experiments and the production techniques of Nefelibata 2.0 were reported. The poetic production induced the creation of one robotic cloud, which interact with the public in a kind of robotic performance. The framework of this study is supported by the proposition that robotic art can be created by humans, robots or symbiotically, not being limited by the technical use of robotics, once electronic creatures can be given artificial creativity, a behavior of their own and may interact with the public. Thus, the objectives of this study are to conceptualize robotic art, discussing its aesthetic, interactive and poetic aspects, to reflect upon the perspectives set up on the field of robotic art, as well as to ponder over artificial creation.

Orientador: José Eduardo Ribeiro de Paiva Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A partir da construção de um trabalho audiovisual em animação digital 2D, intitulado Medea, inspirado na peça de teatro de Eurípedes, a pesquisa aqui apresentada pretende refletir sobre a produção de animações construídas fora do mercado oficial ou indústria de cinema e TV no Brasil, bem como sua possível relação com as tecnologias digitais que se desenvolveram e popularizaram a partir da década de 1990. O trabalho tem como base, além da pesquisa bibliográfica, entrevistas com animadores e produtores de festivais, análise de casos e visita a estúdios. O objetivo é investigar a produção de animações no cenário nacional atual e o possível papel exercido pelos programas de computador, redes sociais, internet, etc., partindo do ponto de vista e experiências dos envolvidos na produção dessas animações Abstract: Based on the construction of an audiovisual work in 2D digital animation, entitled Medea, inspired by Euripides famous play, the research here presented aims to reflect on the production of animations built outside the official market or the film and TV industry in Brazil, as well as its possible relation with the digital technologies that have developed and popularized since the 1990s. Besides the bibliographical research, the work is based on interviews with animators and producers of festivals, case analysis and visits to studios. The objective is to investigate the production of animations in the current national scenario and the possible role played by computer programs, social networks, internet, etc., starting from the point of view and experiences of those involved in the production of these animations Mestrado Artes Visuais Mestre em Artes Visuais

Orientador: Edson do Prado Pfutzenreuter Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A glitch art é comumente descrita como a prática de utilizar erros digitais com fins estéticos, seja através da apropriação de erros acidentais, ou da manipulação intencional de arquivos digitais e dispositivos. Porém, tal definição acaba por mascarar os vários aspectos e discursos que envolvem a glitch art. Ao recorrermos a seu breve histórico, observamos que ela pode ser considerada como uma comunidade online de praticantes amadores, como um conjunto de processos de disrupção tecnológica e até como ferramenta de design, o que demonstra a urgência de compreendê-la sob um aspecto mais amplo a fim de tratar de sua prática dentro do contexto das artes visuais. Apesar de uma manifestação relativamente recente, já há certa produção textual voltada à glitch art, sendo boa parte provinda de seus praticantes, mas também de algumas pesquisas acadêmicas. Contudo, tais produções, na tentativa de definirem como esta art é interpretada, entendida e praticada, apresentam lacunas e posicionamentos díspares, e nenhuma delas produziu reverberações consistentes, havendo ainda a necessidade de reflexão sobre determinados conceitos associados à vertente que permanecem sem maiores aprofundamentos, como o erro e o acaso nas criações artísticas. Assim, esta pesquisa volta suas atenções a uma análise crítica dos processos criativos e qualidades visuais de diversos trabalhos da glitch art, desde seu surgimento latente em conhecidas obras de arte e tecnologia, até a disseminação de suas práticas em nossa cultura, a fim de sanar as faltas sinalizadas e, sobretudo, destacar suas potencialidades simbólicas Abstract: Glitch art is usually described as the practice of using digital errors with aesthetic purposes, either through the appropriation of accidental errors or through intentional manipulation of digital files and devices. However, such definition tends to ignore various aspects and discourses around glitch art. By the analysis of its historical development, we noticed glitch art could be referred as an online community of hobbyists and as a series of disruptive practices towards technology and even as a design resource, hence the need to understand it in a broader sense in order to relate its practice to a visual arts context. Despite being a fairly new form of expression, there are a significant amount of texts written about glitch art, most of it produced by its practitioners but also some few academic researches. However, by trying to define how this art should be interpreted, understood and practiced, those texts present substantial gaps and controversial positions and none of them has ever produced consistent repercussion. Therefore, further deepening on certain theoretical concepts associated to the genre, for example the use of error and chance on artistic processes, are still much needed. Thus, this research turns its attention to a critical analysis of the creative processes and visual qualities of several works of glitch art, from its latent appearance in well known works of technological art to the propagation of its practices in our culture, in order to fill the gaps addressed and especially to highlight its symbolic potential Mestrado Artes Visuais Mestre em Artes Visuais

Submitted by Licínia Santos (biblioteca@fba.ul.pt) on 2017-10-24T16:43:37Z No. of bitstreams: 2 ULFBA_C_v5_iss9.jpg: 53339 bytes, checksum: faa7bcad37cb069b46354dccf6e51bd7 (MD5) ULFBA_C_v5_iss9_p34-44.pdf: 1145820 bytes, checksum: 9b3ebe00de153c399dcca682bdf36ec7 (MD5) Made available in DSpace on 2017-10-24T16:43:37Z (GMT). No. of bitstreams: 2 ULFBA_C_v5_iss9.jpg: 53339 bytes, checksum: faa7bcad37cb069b46354dccf6e51bd7 (MD5) ULFBA_C_v5_iss9_p34-44.pdf: 1145820 bytes, checksum: 9b3ebe00de153c399dcca682bdf36ec7 (MD5) Previous issue date: 2017-01 info:eu-repo/semantics/publishedVersion

Esta tese apresenta o estudo realizado sobre o desenvolvimento de uma metodologia para aplicação de ensaios de ultrassom em protótipos de paredes em taipa de pilão. A primeira e a segunda fase desta pesquisa foram realizadas com êxito, comprovando a existência de uma forte correlação entre resistência mecânica e velocidade ultrassônica em materiais terrosos. Buscando alcançar o objetivo proposto, esta pesquisa foi desenvolvida em cinco etapas. Na primeira etapa, foi realizado um estudo sobre a tecnologia construtiva da taipa de pilão. Na segunda, visitas técnicas às edificações mapeadas, erguidas com o emprego dessa tecnologia construtiva, no estado de Minas Gerais. Na terceira, a escolha do solo a ser trabalhado, levando-se em consideração o tipo de solo usado na segunda fase desse projeto de pesquisa. Na quarta, foram feitos ensaios geotécnicos, buscando compreender o comportamento do solo escolhido. Na quinta etapa, foram conduzidos os ensaios de ultrassom e resistência à compressão simples. Para esta pesquisa, foi construída uma miniparede, em taipa de pilão, com espessura similar às paredes existentes erguidas em edificações do período colonial brasileiro, onde foram realizados os ensaios de ultrassom. Nesses mesmos pontos foram retirados corpos de prova para ensaios de resistência à compressão simples. Posteriormente, os resultados gerados, de ambos os ensaios, foram analisados, buscando-se averiguar a existência da correlação entre os pares. Embora os resultados tenham demonstrado baixa correlação entre velocidade ultrassônica e resistência à compressão simples, quando realizados em protótipos de dimensões similares às das paredes em taipa de pilão existentes, seria prematuro afirmar a inadequabilidade do emprego do ultrassom como método não destrutivo para verificação de presença de trincas em paredes erguidas com emprego dessa técnica construtiva. Analisando os dados obtidos, foi verificado que o ultrassom, com o auxílio de amplificador, poderá gerar resultados válidos. Portanto, deseja-se que este trabalho contribua para o desenvolvimento dos estudos sobre o emprego de ensaios não destrutivos na avaliação de edificações construídas com material terroso, entre elas, a taipa de pilão. This thesis presents a study on the development of a methodology for ultrasonic tests applying to prototypes walls in rammed earth. The first and second phases were successfully realized, proving the existence of a correlation between mechanical strength and ultrasonic velocity in earth materials. Searching to achieve the objective, the research was conducted in five stages. In the first stage, was elaborated a study about rammed earth construction technology. In the second, technical visits were realized on map buildings erected using this building technology, in Minas Gerais state. In a third the soil to be worked was chosen, taking into consideration the type of soil used in the second stage of the research project. In the fourth stage, geotechnical tests were conducted in order to understand the behavior of the chosen soil. On the fifth phase, ultrasonic tests and compressive strength test were conducted. At this research stage, a small wall was constructed, presenting similar thickness to the existing walls built during the Brazilian colonial period, where ultrasound tests were performed. After, at the tested points, specimens were removed and were submitted to compressive strength tests. The results generated from both tests were analyzed, seeking to determine the existence of the correlation between the pairs. Although results showed a low correlation between ultrasonic velocity and simple compression strength, when performed in prototypes with similar dimensions to the existing rammed earth walls, it would be premature to affirm the use of ultrasound inadequacy as a nondestructive method of verifying the presence of cracks in existing walls built in this constructive technique. Analyzing the obtained data, it was verified that the ultrasound, with the aid of an amplifier, is able to generate valid results. Therefore, it is hoped that this work may be a contribution to development studies on the use of non-destructive testing in the evaluation of structure walls built with earth material, among them, the rammed earth.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior The poetical research Transhabitat proposes other communicative ways of inhabiting in the context of Art and Technology. With the accomplishment of interactive installations, it problematizes the definition of topology from the concepts of cybrid proposed by Peters Anders (1997), and of transorganic, presented by Di Felice (2009). In the transorganic environments that were built, the spacial configurations are stablished through the informational flow and hybrid connections of the physical space and cyberspace, also named cybrids informations, whose observer-interactor connect autopoetically. These topologies are present in occasional diagrams, processes of virtualization and updating of the space surfaces, and are provided from the interaction between complex systems data in several scales, resulting in interactive images which connect the individual to the transorganic habitats through local actions interconnected by network. The generative topologies proposed in this research, by being constituted of layers of dynamic standard and transmutable surfaces generate spacial expansion with the inclusion of movements and possible times in the hyperspace, where the individuals interact in real time with the habitats proposed. In this way, Transhabitat is constituted by transorganic, interactive and connected habitats which aim at provoking spacial hybridisation in cybrids relations among individuals and environments, in an organism of data and flow of information. A pesquisa poética Transhabitat propõe outros modos comunicativos de habitar no contexto da Arte e Tecnologia. Com a realização de instalações interativas, problematiza-se a definição de topologia a partir dos conceitos de cíbrido , proposto por Peter Anders (1997), e de transorgânico , apresentado por Di Felice (2009). Nos ambientes transorgânicos construídos, as configurações espaciais se estabelecem através de fluxos informacionais e conexões híbridas do espaço físico e do ciberespaço, também denominadas informações cíbridas, aos quais o observador-interator conecta-se autopoieticamente. Essas topologias são visíveis em diagramas eventuais, processos de virtualização e de atualização das superfícies do espaço, e provêm das interações entre dados de sistemas complexos em diversas escalas, resultando em imagens interativas, que conectam o indivíduo aos hábitats transorgânicos através de ações locais interconectadas em rede. As topologias generativas propostas nessa pesquisa, por se constituirem de camadas de padrões dinâmicos e superfícies trasmutáveis, geram expansões espaciais com a adição de movimentos e tempos possíveis num hiperespaço, onde os indivíduos interagem em tempo real com os hábitats propostos. Desse modo, Transhabitat é constituído de habitats transorgânicos, interativos e conectados, que visam provocar hibridizações espaciais em relações cíbridas, entre indivíduos e ambientes, em um organismo de dados e informações em fluxo Interatividade.

Submitted by NICOLAU ANDRE CAMPANER CENTOLA null (centola.nicolau@gmail.com) on 2016-06-27T12:40:35Z No. of bitstreams: 1 doutorado_final_Nicolau_Centola.pdf: 4044594 bytes, checksum: 9895713d712e6a74c342590dd2836715 (MD5) Approved for entry into archive by Ana Paula Grisoto (grisotoana@reitoria.unesp.br) on 2016-06-28T16:53:47Z (GMT) No. of bitstreams: 1 centola_nac_dr_ia.pdf: 4044594 bytes, checksum: 9895713d712e6a74c342590dd2836715 (MD5) Made available in DSpace on 2016-06-28T16:53:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 centola_nac_dr_ia.pdf: 4044594 bytes, checksum: 9895713d712e6a74c342590dd2836715 (MD5) Previous issue date: 2016-05-12 Esta tese de doutorado parte da hipótese de que a incorporação consciente do acaso no processo criativo artístico que envolve a arte sonora é um elemento fundamental para a configuração de uma estética própria na atualidade. Para testar esta hipótese, foi analisada a aplicação do acaso nas artes sonoras a partir do século XX e suas implicações na produção de linguagem baseada neste conceito utilizando dispositivos computacionais. Como consequência deste estudo, foi proposto o desenvolvimento e a implementação de uma instalação sonora, chamada Anthemusa, na qual foram aplicados os preceitos do acaso como elemento principal de criação artística. This doctoral thesis develops from the hypothesis that the conscious incorporation of chance in sound art’s creative process is a key element in the configuration of its aesthetic. In order to test this hypothesis, we analyse twentieth century sound art and its use of computational devices. As a consequence of this study, we propose the development of a sound installation entitled Anthemusa that, invariably, applies the precepts of chance as its central element.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior O presente trabalho é uma incursão teórica e prática na arte sonora, mais especificamente na sonoridade eletrônica. Começamos a discussão pelo viés da musicologia e como ela foi afetada pelos estudos de gênero, desde perspectivas feministas até o pós-colonialismo, o transfeminismo, a Teoria Queer, questões de interseccionalidade, etc. . Analisamos obras e trajetórias de mulheres pioneiras da música eletrônica e discutimos o funk carioca e o noise como práticas de ativismo. Na intenção de averiguar mais formas de ativismo artístico, falamos sobre a produção de artistas que trabalham com a tecnociência como plataforma. Ao tratar de ciência e tecnologia, trazemos à tona conceitos da sociologia da ciência e da filosofia contemporânea, e comentamos vida e obra de cientistas pioneiras e pioneiros. Também discutimos alguns dos preceitos da cultura do código aberto, que se alastrou da informática telemática a práticas como o circuit bending e a arte tecnocientífica. A fim de reconhecermos a nossa produção como uma prática de código aberto, detalhamos no último capítulo alguns dos projetos práticos desenvolvidos durante o mestrado com o objetivo de torná-los reprodutíveis por outras pessoas. Thefollowingthesisisatheoreticalandpracticalincursioninsoundart,or,morespecifically, in electronic sonority. We start the discussion through musicology and how it was affected by gender studies, from feminist perspectives to post-colonialism, transfeminism, Queer Theory, matters of intersectionality, etc. . We annalyse life and work of pioneer women in electronic music and also discuss carioca funk and noise as forms of activism. In order to further discuss artistic activism, we pay attention to the production of artists who work with technoscience as a platform, dialoguing with some of the queer activist community’s agenda. When talking about technoscience, we come up with concepts proposed by the sociology of science and contemporary philosophy, and comment life and work of pioneer scientists. We will also discuss some of the open source culture precepts, which were spread from telematic computer technologies to practices such as circuit bending and art as scientific research. To acknowledge our production as a form of open source practice, we detail along the last chapter some of the projects developed during our master’s degree research hoping they can be assembled by other people.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Permeating analog and digital processes, this project addresses a poetic production in visual arts in the field of art and technology, which is a proposal for interventions in urban areas, with the thematic territory and inner cities elements. The study, in this regard, seeks to approach the public and urban art of rural communities, places that are, in many instances, on the fringes of contemporary artistic manifestations, usually concentrated in the major urban centers. Thus, such public artistic actions, proposals to be shared collectively and collaboratively with the group involved, with respect to its constitution as a project, they are created from the interaction and collaboration of participants, allowing that the experenciados processes instigate new modes of subjectivity of the individual in his relationship with art in the present context. Permeando processos analógicos e digitais, o presente projeto abarca uma produção poética em artes visuais, no campo da arte e tecnologia, que se constitui como uma proposta de intervenções em superfícies urbanas, tendo como temática o território e elementos de cidades interioranas. O estudo, neste sentido, busca aproximar a arte pública e urbana das comunidades do interior, locais que ficam, em muitos momentos, à margem das manifestações artísticas contemporâneas, usualmente concentradas nos maiores centros urbanos. Desta maneira, tais ações artísticas públicas, propostas para serem partilhadas de maneira coletiva e colaborativa com o grupo envolvido, no que tange a sua constituição como projeto, são criadas a partir da interação e colaboração dos participantes, possibilitando com que os processos experenciados instiguem novos modos de subjetivação do indivíduo em sua relação com a arte no contexto atual.

Submitted by CELIO MARTINS DA MATTA null (zcelio@yahoo.com.br) on 2016-04-14T19:55:58Z No. of bitstreams: 1 CELIO MARTINS DA MATTA _ Doutorado FINAL.pdf: 70353093 bytes, checksum: 61f09ee11a54b2b07299c35692f5b597 (MD5) Approved for entry into archive by Felipe Augusto Arakaki (arakaki@reitoria.unesp.br) on 2016-04-18T13:46:50Z (GMT) No. of bitstreams: 1 matta_cm_dr_ia.pdf: 70353093 bytes, checksum: 61f09ee11a54b2b07299c35692f5b597 (MD5) Made available in DSpace on 2016-04-18T13:46:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 matta_cm_dr_ia.pdf: 70353093 bytes, checksum: 61f09ee11a54b2b07299c35692f5b597 (MD5) Previous issue date: 2016-03-15 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) O resultado final deste trabalho de doutoramento (Tese) apresenta o formato de trabalho Equivalente utilizado como modo de apresentação dos orientandos participantes do grupo de pesquisa "Artemídia e VideoClip". O Relatório Circunstanciado (tese) complementa o Trabalho Equivalente, uma obra de arte no formato de um cubo de 21 cm. Deste cubo principal retiram-se dez cubos gradualmente menores até a medida de 11 cm, projetados e construídos milimetricamente em seus encaixes. Os elementos textuais estão distribuídos em capítulos nas seis faces dos dez cubos, permitindo leitura plurívoca assemelhada a um hiperlink, podendo ser lidos em qualquer ordem nas dez pranchas geradas pela “desconstrução planificada” dos cubos propiciada pela articulação das faces. O encarte, denominado catálogo, contém os elementos pré e pós-textuais do trabalho acadêmico, ressaltando na forma APÊNDICE os protótipos artístico-científicos (duas exposições e duas obras de arte). As obras artísticas são resultantes de pesquisas, trabalhos, discussões e apresentações ocorridas durante todo o processo de estudos sobre arte ciência e tecnologia. A redação artístico-científica utilizada reflete a vivência do autor (artista-pesquisador) em ateliês-laboratórios e também na concepção e materialização, procurando entendimentos e aplicações dos binômios criados (concepção-materialização e intuitivo-racional) e seus respectivos derivados. Utiliza-se a ideia chave de que o ateliê-laboratório é o lugar da experimentação. The end result of this doctoral work (thesis) presents the work format equivalent used as submission of the mentees participating in the research group "Artmedia and VideoClip". The Robust report (thesis) complements the work equivalent of a work of art in the shape of a cube of 21 cm. This major hub withdraw Ten cubes gradually lower to the extent of 11 cm, designed and built fractionally in their sockets. The textual elements are divided into chapters on the six faces of the ten cubes, allowing plurivocal reading likened to a hyperlink and can be read in any order in the ten planks generated by "deconstruction planned" cubes made possible by the joint faces. The booklet, called Catalog, containing the elements pre and post-textual academic work, highlighting in Appendix form the artistic and scientific prototypes (two exhibitions and two works of art). Artistic works are the result of research, studies, discussions and presentations that took place throughout the process of studies on art science and technology. The artistic and scientific writing used reflects the author's experience (artist-researcher) in workshops, laboratories and also in designing and delivering, seeking understanding and application of the dichotomies created (design-materialization and intuitive-rational) and their derivatives. It uses the key idea that the studio-laboratory is the place of trial.

Esta pesquisa tem como objetivo refletir sobre as estratégias e mediações utilizadas pelos museus Oscar Niemeyer e de Arte Contemporânea, em Curitiba, e Pinacoteca e Museu de Arte Moderna de São Paulo, para aproximar o público da arte. Reconhece que o hiato existente entre ambos e que se reflete na baixa visitação aos museus de arte é resultado de construções ideológicas dominantes – as tecnologias de controle social – construídas historicamente para manter o controle de quem possui o poder econômico sobre os demais, sejam pessoas, como no caso da apreciação artística, ou países, como o que acontece com a tecnologia. Apresenta também algumas possibilidades de subversão deste controle, que ocorrem especialmente pelo fato de o ser humano ser criativo e interpretativo. Por fim, observa que o trabalho realizado pelos setores educativos dos museus para atrair diferentes públicos às instituições é bastante relevante e comprometido. Em relação aos materiais didáticos elaborados e distribuídos aos visitantes, entretanto, constatou-se a necessidade de alguns ajustes para que estes se comuniquem melhor com os visitantes e contribuam, de fato, para desconstruir a ideia de museu como um espaço elitizado e disponível apenas a alguns poucos privilegiados. This research aims to reflect on the strategies and mediation used by Oscar Niemeyer and Museum of contemporary art, in Curitiba, and Pinacoteca and Museum of modern art of São Paulo, to approximate audience of art. Recognizes that the gap between the two and that is reflected in the low visitation to art museums is the result of social control technologies historically elaborate and maintained to keep track of who has economic power over others , are people , as in the case of artistic appreciation, or countries, such as what happens with technology.It also presents some possibilities of subversion of this control , which occur especially because the human being creative and interpretive. Finally, it notes that the work carried out by the educational sectors of museums to attract different audiences is very relevant institutions and committed. With regard to teaching materials prepared and distributed to visitors, however, the need for some adjustments so that they communicate better with visitors and contribute, in fact, to deconstruct the idea of the Museum as an elite space and available only to a few privileged.

A casa, nos moldes que a conhecemos hoje, é um objeto em falência. Afirmamos isso porque defendemos a tese de que a arquitetura residencial não está em consonância com o código estético-simbólico de seus moradores. Enquanto os sujeitos se tornam cada vez mais virtuais, rizomáticos e móveis, as casas fazem o caminho oposto, edificando-se como um bruto e fechado imóvel. Se a cibercultura está tomando para si várias das atribuições que eram, até então, restritas ao espaço arquitetural, esta por sua vez começa a se tornar, de certa forma, desnecessária. Assim, a arte, como ciência da perturbação do (des)conhecimento, teria a potência para reanimá-la, soprando e derrubando-lhe suas paredes, símbolos de fechamento e de imobilidade, para em seguida substituí-las por aparelhos computacionais - sistemas das emergentes tecnologias de informação e comunicação. Nesse artigo, propomos modos de hibridização da casa e ciberespaço, a qual damos o nome de há_bit(at).

Submitted by marilei fiorelli (marifiorelli@gmail.com) on 2017-11-04T11:38:06Z No. of bitstreams: 1 tese_artemidia_educacao_fiorelli.pdf: 113039925 bytes, checksum: 99859690d6ff25163311da6d43e1df7e (MD5) Approved for entry into archive by Maria Auxiliadora da Silva Lopes (silopes@ufba.br) on 2017-11-06T12:25:13Z (GMT) No. of bitstreams: 1 tese_artemidia_educacao_fiorelli.pdf: 113039925 bytes, checksum: 99859690d6ff25163311da6d43e1df7e (MD5) Made available in DSpace on 2017-11-06T12:25:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_artemidia_educacao_fiorelli.pdf: 113039925 bytes, checksum: 99859690d6ff25163311da6d43e1df7e (MD5) O foco de investigação desta pesquisa são as obras de artemídia produzidas pelos primeiros estudantes formados pelo Bacharelado em Artes Visuais com ênfase em multimeios da UFRB, Universidade Federal do Recôncavo da Bahia, na cidade de Cachoeira. Através do processo de criação destas obras, podemos visualizar um panorama do processo educacional e de seu contexto em tempos de cultura digital. Nosso objeto de estudo são os Trabalhos de Conclusão de Curso, que tratam da temática de artemídia, e nosso corpus empírico são doze TCCs produzidos dentro deste recorte, defendidos em 2014-15, pela primeira turma de ingresso no curso. Trata-se do primeiro conjunto de produção artística de artemídia dentro de um espaço institucional de ensino superior no interior da Bahia. A questão central é discutir se esses alicerçam-se em práticas da cultura digital como o trabalho colaborativo em rede, na cultura hacker, e a cultura livre, e se estas se refletem também no campo da educação. A opção metodológica adotada é descritiva quanto aos objetivos; quanto aos procedimentos técnicos, é um estudo de caso; e quanto ao tratamento dos dados é predominantemente qualitativa. Analisamos os TCCs artemidiáticos produzidos, categorizando, identificando e articulando sua produção com o contexto educacional, mapeando algumas mudanças em curso, suas implicações e suas apropriações. Como referencial teórico, nos utilizamos de conceitos em torno dos campos da cultura e arte digital e da educação contemporâneas, e seus processos de reconfiguração na cibercultura. Os resultados da pesquisa apontam que dos doze TCC’s, nove são pautados por tópicos relevantes da cultura digital. Estes, criados em uma graduação recém implantada, de uma universidade também recém implantada no interior da Bahia. Mesmo deslocada de um grande centro urbano, esta graduação apresenta em seu currículo componentes que dão suporte e viabilizam a criação em artemidia. Pela leitura e interpretação qualitativa dos trabalhos criados, foram identificadas categorias de conceitos implicados da cultura digital, que apontam caminhos e nos apresentam um panorama do contexto educacional de ensino no qual estão inseridos. Nota-se assim indícios de um processo educacional que potencialmente se instaura a partir das tecnologias e da cultura digital, que também se apoia e se reflete - a exemplo das obras produzidas - nas práticas colaborativas, na cultura livre e na cultura hacker. ABSTRACT The aim of this research is the works of media art produced by the first students graduated in Visual Arts with an emphasis on multimedia, at Federal University of Recôncavo da Bahia - UFRB - in the city of Cachoeira. Through the creation process of these artworks, we can have an overview of the educational process in digital culture times. Our object of study are those artmedia work, created as final graduation projetc. Our empirical corpus are twelve artworks produced within this cut, defended in 2014-15, the first gratuated alumni. This is the first artistic production set of media art in a higher education in the countryside of Bahia. The core issue is to discuss the digital culture practices such as collaborative networking, the hacker culture and free culture, and if whether they are also reflected in education. The adopted methodological option is descriptive and a case study; and is predominantly qualitative. We analyze the produced media artworks, categorizing, identifying and articulating their production with the educational context, mapping out some changes in course, whith its implications and appropriations. As a theoretical concept, we use culture and digital art and contemporary education, as well as its reconfiguration process in cyberculture. The results show that nine out of twelve artworks are guided by relevant topics of digital culture. These artworks were created in a newly implemented graduation course, at a university also recentely created. Even being located far from a large urban center, this graduation show in its curriculum components that give support and enable the creation of media art. categories were identified implicated concepts of digital culture, pointing paths and present an overview of the educational teaching context in which they are inserted from reading and qualitative interpretation of the artwowks. Through this evidences we could notice that the educational process is potentially established from digital culture, which also supports and reflects the collaborative practices, the free culture and hacker culture.

Submitted by marilei fiorelli (marifiorelli@gmail.com) on 2017-11-04T11:38:06Z No. of bitstreams: 1 tese_artemidia_educacao_fiorelli.pdf: 113039925 bytes, checksum: 99859690d6ff25163311da6d43e1df7e (MD5) Approved for entry into archive by Maria Auxiliadora da Silva Lopes (silopes@ufba.br) on 2017-11-06T12:25:13Z (GMT) No. of bitstreams: 1 tese_artemidia_educacao_fiorelli.pdf: 113039925 bytes, checksum: 99859690d6ff25163311da6d43e1df7e (MD5) Made available in DSpace on 2017-11-06T12:25:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_artemidia_educacao_fiorelli.pdf: 113039925 bytes, checksum: 99859690d6ff25163311da6d43e1df7e (MD5) O foco de investigação desta pesquisa são as obras de artemídia produzidas pelos primeiros estudantes formados pelo Bacharelado em Artes Visuais com ênfase em multimeios da UFRB, Universidade Federal do Recôncavo da Bahia, na cidade de Cachoeira. Através do processo de criação destas obras, podemos visualizar um panorama do processo educacional e de seu contexto em tempos de cultura digital. Nosso objeto de estudo são os Trabalhos de Conclusão de Curso, que tratam da temática de artemídia, e nosso corpus empírico são doze TCCs produzidos dentro deste recorte, defendidos em 2014-15, pela primeira turma de ingresso no curso. Trata-se do primeiro conjunto de produção artística de artemídia dentro de um espaço institucional de ensino superior no interior da Bahia. A questão central é discutir se esses alicerçam-se em práticas da cultura digital como o trabalho colaborativo em rede, na cultura hacker, e a cultura livre, e se estas se refletem também no campo da educação. A opção metodológica adotada é descritiva quanto aos objetivos; quanto aos procedimentos técnicos, é um estudo de caso; e quanto ao tratamento dos dados é predominantemente qualitativa. Analisamos os TCCs artemidiáticos produzidos, categorizando, identificando e articulando sua produção com o contexto educacional, mapeando algumas mudanças em curso, suas implicações e suas apropriações. Como referencial teórico, nos utilizamos de conceitos em torno dos campos da cultura e arte digital e da educação contemporâneas, e seus processos de reconfiguração na cibercultura. Os resultados da pesquisa apontam que dos doze TCC’s, nove são pautados por tópicos relevantes da cultura digital. Estes, criados em uma graduação recém implantada, de uma universidade também recém implantada no interior da Bahia. Mesmo deslocada de um grande centro urbano, esta graduação apresenta em seu currículo componentes que dão suporte e viabilizam a criação em artemidia. Pela leitura e interpretação qualitativa dos trabalhos criados, foram identificadas categorias de conceitos implicados da cultura digital, que apontam caminhos e nos apresentam um panorama do contexto educacional de ensino no qual estão inseridos. Nota-se assim indícios de um processo educacional que potencialmente se instaura a partir das tecnologias e da cultura digital, que também se apoia e se reflete - a exemplo das obras produzidas - nas práticas colaborativas, na cultura livre e na cultura hacker. ABSTRACT The aim of this research is the works of media art produced by the first students graduated in Visual Arts with an emphasis on multimedia, at Federal University of Recôncavo da Bahia - UFRB - in the city of Cachoeira. Through the creation process of these artworks, we can have an overview of the educational process in digital culture times. Our object of study are those artmedia work, created as final graduation projetc. Our empirical corpus are twelve artworks produced within this cut, defended in 2014-15, the first gratuated alumni. This is the first artistic production set of media art in a higher education in the countryside of Bahia. The core issue is to discuss the digital culture practices such as collaborative networking, the hacker culture and free culture, and if whether they are also reflected in education. The adopted methodological option is descriptive and a case study; and is predominantly qualitative. We analyze the produced media artworks, categorizing, identifying and articulating their production with the educational context, mapping out some changes in course, whith its implications and appropriations. As a theoretical concept, we use culture and digital art and contemporary education, as well as its reconfiguration process in cyberculture. The results show that nine out of twelve artworks are guided by relevant topics of digital culture. These artworks were created in a newly implemented graduation course, at a university also recentely created. Even being located far from a large urban center, this graduation show in its curriculum components that give support and enable the creation of media art. categories were identified implicated concepts of digital culture, pointing paths and present an overview of the educational teaching context in which they are inserted from reading and qualitative interpretation of the artwowks. Through this evidences we could notice that the educational process is potentially established from digital culture, which also supports and reflects the collaborative practices, the free culture and hacker culture.

O presente ensaio constitui um comentário crítico à tese de Paul Virilio de que certo tipo de práticas na fronteira entre a arte e a tecno-ciência, práticas a que se convencionou chamar “bio-arte”, epitomizam o radicalismo expressionista e niilista do presente. A investigação aqui iniciada revela, através de um olhar sobre as práticas artísticas de Eduardo Kac, que estas, longe de apelarem a tal radicalismo, só se tornam operativas e significativas numa atmosfera de compromisso ético e político que é tomada como inescapável dada a relevância que assumem as bio-tecno-ciências no mundo contemporâneo. This essay is a critical commentary on Paul Virilio’s thesis that a certain type of pratice in the frontier between art and techno-science – which came to be called “bio-art” – epitomizes the expressionistic and nihilistic radicalism of the present. By taking as an example the artistic practices of Eduardo Kac, the author shows that those practices, far from appealing to such radicalism, only become operative and meaningful in a context of ethical and political commitment that is inescapable, given the relevance of the bio-techno-sciences in the contemporary world. Cet essai est un commentaire critique de la thèse de Paul Virilio selon laquelle un certain type de pratiques à la frontière entre l’art et la techno-science, pratiques qu’on appelle conventionnellement “bio-art”, condensent en elles le radicalisme expressionniste et nihiliste du présent. La recherche initiée dans set essai révèle, à travers un regard sur les pratiques artistiques d’Eduardo Kac, que celles-ci, loin d’appeler à un tel radicalisme, deviennent seulement opérationnelles et significatives dans une atmosphère de compromis éthique et politique tenue pour inévitable, étant donné l’importance que prennent les bio-techno-sciences dans le monde actuel.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior This research in the field of theory and history of contemporary art, study configuration modes of Mixed Reality in the exhibition place and the consolidation of Exhibition Medium, structured by technological dynamics. Aims to discuss the cycle of relations among public<>artwork<>mediums presented as an explanation that how the elements of the Exhibition Medium works, and it‟s result is the dynamic insitu<>influx. The interactive artworks ARART and Extinction, the exhibition WeARinMoMA, the Krakow National Museum, the Museum of London and the project Talking Statues, contribute to think the specific conditions of an interactive Exhibition Medium, which dynamic create a constant transitions of power and sensibility. Emerging from the context of Art and Technology, applications of Mixed Reality are analyzed in institutional places, whose examples help to classify and understand how the space unfolds through many realities and the constant transition between the virtual and the physical dimension. Esta pesquisa, no campo da teoria e história da arte contemporânea, estuda modos de configuração da Realidade Mista no espaço de exposição e a consolidação do Meio Expositivo. As propostas dos termos ciclo de relações público<>obra<>meio (explica o modo como os elementos do Meio Expositivo se relacionam) e dinâmica insitu<>influxu abrem uma discussão pontual sobre o espaço artístico como meio interativo. A partir do contexto em Arte e Tecnologia, são analisados exemplos de aplicação de Realidade Mista em espaços institucionais, que apontam a pertinência das concepções apontadas. São analisadas as obras de arte ARART e Extinção, os museus MoMA, Museu Nacional da Cracóvia e Museu de Londres, e o projeto Talking Statues, desenvolvido na zona urbana de Londres. Os exemplos permitem compreender a maneira como o espaço se desdobra através de muitas realidades e também a permeabilidade entre o mundo virtual e o físico.

This paper intends to exemplify the poetic use of protocols related to technical objects, more specifically in relationships between art and technology. The flows and contexts of use of technical objects, as understood by Georges Simondon (1958), imply the existance of protocols. Lisa Gitelman (2006, p.5) has defined such protocols as “norms about how and where one uses it, but also standards like units of measure”. Based on that, this study presents some issues derived from the tension of protocols and technical objects as units of becoming, which creates poetic possibilities between art and technology. Neste artigo, buscamos relacionar exemplos do uso poético de protocolos relacionados a objetos técnicos, especificamente nos diálogos entre arte e tecnologia. Os fluxos e contextos de uso em que se inserem os objetos técnicos, como compreendidos por Gilbert Simondon (1958), implicam a existência de protocolos. Lisa Gitelman (2006, p.5) definiu tais protocolos como “normas sobre como e onde eles são usados, além de padrões como as unidades de medida”. Assim, foram apresentadas questões sobre o tensionamento desses protocolos e dos objetos técnicos como unidades de devir, criando-se possibilidades poéticas entre arte e tecnologia.

Dissertação realizada no PPG-Arte, na linha de pesquisa Poéticas Tecnológicas Universidade Federal de Minas Gerais. Sob a perspectiva das cibercartografias em fluxo a pesquisa conecta os conceitos dos afetos em Espinosa, agenciamento em Deleuze e percepção em Merleau-Ponty a fim de analisar a cibercartografia, a partir da perspectiva interativa. Análise comparativa entre a cibercartografia e o conceito de afecção na arte interativa na qual a cibercartografia passa de uma perspectiva cartesiana para um processo de co-criação entre a tecnologia e os usuários a partir do qual criam-se mapas vivos do corpo em ação. A cibercartografia passa a perspectiva do agenciamento enquanto episódio e acontecimento, que remete tanto as derivas situacionistas quanto as análises do espaço relacional de Massey. Com os estudos de caso dos projetos Cidade Transmídia e Sensory Maps o processo de interação possibilitado pela tecnologia passa a ser compreendido, então, na perspectiva poética a partir de ações que ocorrem entre as entidades no qual os movimentos provocados pelos desejos mantêm a possibilidade de transformação da cibercartografia na experiência com a arte. This masters degrees dissertation was completed in the Art Postgraduate Program, within the line of research of Poetic Tecnology at Minas Gerais University. From the perspective of cartography in flow the research connects the concepts of affect in Espinosa agency in Deleuze and perception Merleau-Ponty in order to analyze the cybercartografy from the interactive perspective.Comparative analysis between cybercartografy and the concept of affect in interactive art in which the cibercartografia nothing but a Cartesian perspective to a process of co-creation between technology and users from which to create living body maps in action.The cybercartography turns from the perspective of the agency as episode and eventwhich refers both Situationists drift as the analysis of relational space from Massey. With case studies of projects Transmedia City and Sensory Maps the interaction process made possible by the technology becomes understood then the poetic perspective from actions that take place between the entities in which the movements caused by the desires keeps the possibility of transforming cibercartografia on experience with art.

In 2014, O Curto-Circuito da Arte Digital no Brasil [The Short Circuit of Digital Art in Brazil] mapped the spaces for production, distribution, consumption and preservation of digital art in the country. The current text is a selection of that mapping, focusing on artists working at the interface of art-science-technology in projects that involve computability, interactivity, virtuality, immersion and "real time" in research processes related to biotechnology, nanotechnology, physics, computer science, mathematics, engineering, mechanics, robotics, among other areas, interfaced by digital media., Em 2014, na publicação intitulada O Curto-Circuito da Arte Digital no Brasil, realizamos um mapeamento dos espaços de produção, distribuição, consumo e preservação da arte digital no país. O presente texto é um recorte deste mapeamento, com foco nos artistas que trabalham na interface da arte-ciência-tecnologia, em projetos que envolvem computabilidade, interatividade, virtualidade, imersão e “tempo real”, em pesquisas relacionadas com a biotecnologia, nanotecnologia, física, computação, matemática, engenharias, mecânica, robótica, entre outras áreas, interfaceadas pelas mídias digitais. DOI: http://dx.doi.org/10.14195/2182-8830_3-1_13

Made available in DSpace on 2016-04-01T17:55:09Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-10-26. Added 1 bitstream(s) on 2016-04-01T18:01:03Z : No. of bitstreams: 1 000859954.pdf: 13899787 bytes, checksum: 61ee6eed9eda26baaff51f079e95df27 (MD5) Esta tese propõem uma discussão sobre as relações entre o som e a imagem no campo das Artes Sonoras e Artes Visuais. Para isto, realizamos um mapeamento de artistas em algumas manifestações como a Música Visual, as Esculturas Sonoras, as Partituras Gráfias, as Pinturas, as Poesias-concretas, o Cinema e os multimeios com os recursos eletrônicos e digitais. Observamos nos trabalhos dos artistas, o modo como ocorrem as operações com os materiais, identifiando os meios e as técnicas que dão forma às obras. Também é relevante o contexto em que os trabalhos estão inseridos, pois estes são reflxo de um espaço-tempo onde se encontram e, por isto, apresentam uma sin- tonia com os demais fatores que determinam cada época, como os contextos científio, tecnológico e cultural. Nestes cruzamentos entre os contextos, verifiamos a existência de outras similitudes que envolvem as obras, como as relações entre a arte e a ciência. Afial, muitos trabalhos são desenvolvidos a partir de conceitos científios, ou são pro- duzidos através da colaboração entre artistas, cientistas e engenheiros, ou ainda, nos trabalhos mais recentes, é comum encontrar obras criadas com os mesmos meios que são empregados na pesquisa científia. Assim, nos concentramos na operacionalidade dos artistas e tratamos os elementos sonoros e visuais como materiais para os processos formativos das obras. Com estes princípios, nos interessa descobrir as possibilidades nos modos de estabelecer relações entre os elementos sonoros e os visuais. This thesis proposes a discussion about the relationship between sound and image in the fild of Sound and Visual Arts. In this way, we realize a mapping of artists consid- ering some manifestations such as Visual Music, Sound Sculptures, Graphic Notation, Paintings, Concrete Poetry, Cinema and Multimedia with electronic and digital re- sources. We observe in the works of the artists, how operations with materials occur, identifying the means and techniques that give forms to the works. It is also relevant to consider the context in which the works are inserted, as they are a reflction of their spacetime realization, being therefore in sync with the other factors determining each realization, such as the scientifi, technological and cultural contexts. In these inter- sections between the contexts, we verify the existence of other similarities involving the works, such as the relation between art and science, since several works are developed from scientifi concepts, or are produced through collaboration between art- ists, scientists and engineers, or still, in more recent studies, it is common to fid works elaborated with the same means that are used in scientifi research. Hence, we focus in the functionality of the artists and treat the sound and visual elements as materi- als that are used in the formative processes of the artworks. With these principles, we are interested in discovering the ways of establishing relationships between sound and image.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2015. O objetivo desta pesquisa foi estabelecer associações entre a Teoria Ator-Rede (TAR) e a Arte Computacional. A TAR teve sua origem a partir de pesquisas que investigavam a dinâmica de produção de conhecimento em laboratórios com a utilização de artefatos tecnológicos onde, humanos e nãohumanos, denominados actantes, eram analisados com o mesmo grau de importância. Sob a perspectiva da Estética Informacional, de Abraham Moles e Max Bense, a Arte Computacional encontra seus fundamentos na Teoria da Informação e nos signos que lhe são propostos como objetos. Por meio da metodologia heurística de recodificação de Moles, que consiste na importação de conceitos de uma área de conhecimento para outra, articulei os conceitos conhecidos como actante, associação, tradução e inscrição, da TAR, segundo definições apresentadas por Bruno Latour, com os termos repertório de elementos, mensagem, objeto e estados estéticos, da Estética Informacional. A partir da análise de instalações interativas de minha autoria, sendo a maioria delas aplicadas no campo da encenação teatral, investiguei como as perspectivas da TAR contribuem para a inovação de estados estéticos na produção artística e construí um modelo conceitual dinâmico capaz de colaborar para o processo criativo no território da Arte Computacional. Em um sentido mais amplo e combinatório, ao atualizar a Estética Informacional com os conceitos da TAR, a presente pesquisa propõe uma Estética das Associações, que lança um olhar diferenciado com foco nas conexões que se estabelecem entre os diversos actantes que participam do objeto artístico. The objective of this research was to establish associations between the Actor-Network Theory (ANT) and Computer Art. ANT originated from researches investigating the dynamics of knowledge production within laboratory with the use of technological artifacts where humans and non-humans, called actants, were analyzed with the same level of importance. Computer Art finds its roots in Information Theory and in the signs systems that are proposed as objects from the perspective of Informational Aesthetics, as stated by Abraham Moles and Max Bense. Throughout Mole’s heuristic methodology process of recoding, which consists in importing the concepts from one area of knowledge into another, I articulated concepts known as actant, association, translation and inscription, from ANT, based on definitions presented by Bruno Latour, with the terms repertoire of elements, message, object and aesthetic states, from Informational Aesthetics. Developing the analysis of interactive installations, of my own creation, most of them being applied in theatrical staging, I investigated how ANT contributes to the innovation of aesthetic states in artistic production and I built a theoretical framework that collaborates to the creative process in terms of Computer Art. Expanding Informational Aesthetics with ANT, this research proposes an Aesthetics of Associations, which takes a different view focusing on the connections established between the actants participating in the art object.

Essa pesquisa investiga o fenômeno da interação por sistemas computacionais em obras artísticas nas quais há a participação das qualidades aparentes das interfaces na experiência da obra. Para isso, é estabelecido o conceito de OSTENSIVIDADE, que enfatiza resultados formais tornados possíveis por meio de tais sistemas, ou que tendem à abstração não mimética, propondo objetos estéticos autônomos. Como a pesquisa estuda as obras de arte interativas, são investigados os conceitos de INTERATIVIDADE e os diversos tipos de INTERFACE. Fundamentada pela relação entre conceitos advindos da filosofia, teoria cinematográfica, ciência da computação, arte e design, o conceito proposto descreve as interfaces e processos de interação nas quais há maior evidência do funcionamento do aparelho. Dentre esses conceitos, SUPERFICIALIDADE e PROGRAMAÇÃO são aplicados às imagens técnicas, ou seja, SUPERFÍCIES significativas produzidas por aparelhosPROGRAMADOS, que operam no sentido de materializar e possibilitar conceitos abstratos. A OPACIDADE refere-se à imagem do cinema como efeito de superfície, evidenciando o aparato técnico e textual da representação como um recurso estético e como meio de proporcionar distanciamento crítico. A ABSTRAÇÃO, por sua vez, trata do processo do pensamento necessário para assimilar o mundo que nos cerca por meio da divisão dos fenômenos em objetos que os constituem, termoque também é usado para se referir tanto a um procedimento quanto a um estilo na arte, que implica menor rigor da representação da natureza ou da figuração que prescinde de qualquer representação. A OSTENSIVIDADE, ao contrário do que pode sugerir, não impossibilita a experiência da proximidade crítica, visto que o maior grau de investimento psicológico, ou seja, das emoções e da atenção porparte do interator com o universo apresentado pelas interfaces, não depende exclusivamente da fidelidade da representação da realidade. Nesse sentido, o texto apresenta uma nova perspectiva sobre imersão, indicando que não basta o envolvimento físico e sensorial do interator pelas interfaces para que uma maior proximidade seja alcançada. Esse envolvimento depende, em grande parte, da articulação estabelecida pelo artista, bem como das características individuais de cada interator no momento da experiência interativa. This research investigates the phenomenon of interaction by computer systems in artistic works in which there is participation of the apparent qualities of interfaces on the critical experience of the work. For this, it establishes the concept of OSTENSIVITY which emphasizes formal results made possible through such systems, or who tend to non-mimetic abstraction, proposing autonomous aesthetic objects. As this research studies works of interactive art, the concepts of INTERACTIVITY and the different types of INTERFACE are investigated. Founded by the relationship between concepts in philosophy, film theory, computer science, art and design, the proposed concept addresses the interfaces and the interaction processes in which there is greater evidence of the apparatus. Among these concepts, SUPERFICIALITY and PROGRAMMING are applied to technical images, that is, significant surfaces produced by programmed machines, which operates in order to materialize and make possible abstract concepts. Opacity refers to theimage of the film as a surface effect, highlighting the technical and textual apparatus of representation as an aesthetic feature and as a means of providing critical distance. The ABSTRACTION, in turn, refers to the thought process needed to assimilate the world around us through the division of phenomena into objects that constitute them, term also is used to refer to either a procedure as a style in art, which results in lower accuracy of the representation of nature or figuration that lacks any representation of it. The ostensivity, contrary to what it might suggest,does not preclude the experience of critical proximity, since the higher degree of psychological investment, i.e. emotions and attention by the interactor with the universe presented by interfaces, does not depend solely on the fidelity of the representation of reality. In this sense, the research presents a new perspective on immersion, indicating that the physical and sensory involvement of the interactor by the interfaces is not enough to reach a greater proximity. This involvement depends in large part on the articulation established by the artist, as well as the individualcharacteristics of each interactor while the interactive experience occurs.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Artes Visuais, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2015. Este trabalho trata da constituição de uma teoria da arte hacker amparada pela estética e a filosofia contemporânea da diferença. Com essa fundamentação, propomos conceitos relativos os aspectos sensoriais de produções artísticas orientadas pela livre exploração e transgressão da tecnologia. Nosso objetivo é contribuir para uma teoria crítica capaz de lidar efetivamente com as influências da tecnologia informacional sobre a qualidade fenomênica e política do que se considera artístico, em conexão com as controvérsias em torno da ação hacker. Para isso, assumimos que hackear é produzir diferença, conforme McKenzie Wark. Em retrospectiva, revisamos então os paradigmas da heterologia de Jacques Derrida e de Gilles Deleuze. Compomos assim um sistema de análise em que a desconstrução da linguagem derridadiana se conjuga com o empirismo transcendental deleuziano. Esse sistema é empregado no exame de um conjunto selecionado de trabalhos de arte (de nomes como Jodi, Eva & Franco Mattes, Lucas Bambozzi, Electronic Disturbance Theater e Critical Art Ensemble), além de sua respetiva discursividade documental – textos de artistas e teóricos, comentários e informações multimídia agregadas à circulação em suportes físicos e virtuais. Submetemos esses dados a um processo indutivo de interpretação de linguagem e especulação materialista. Os resultados indicam a relevância da interação objetiva-subjetiva que é intrínseca à transdução entre o código computacional e sua corporificação. Essa situação se expressa em interceptações, pirataria, coletivismo, acidentalidade, transitoriedade territorial e práticas ativistas intermediárias entre linguagem e biopolítica. This thesis deals with the constitution of a hacker art theory based on aesthetics and contemporary philosophy of difference. Following those theories, we propose concepts related to the sensory features of the artistic production driven by the free exploration and transgression of technology. Our aim is to contribute to a critical theory that can effectively deal with the influences of the information technologies on the phenomenal and political quality of what is considered art, in conjunction with controversies over hacking. To achieve this goal, we assume that to hack is to differ, according to McKenzie Wark. We also review in retrospect the heterology paradigms by Jacques Derrida and Gilles Deleuze. Thereby, we compose an analytic system in which Derridadian deconstruction is combined with Deleuzian transcendental empiricism. This system developed in this thesis is employed in the examination of a selected set of artworks (by authors such as Jodi, Eva & Franco Mattes, Lucas Bambozzi, Electronic Disturbance Theater and Critical Art Ensemble), along with their respective documentary discursiveness – texts of artists and theoreticians, reviews and multimedia information associated with their distribution through physical and electronic media. We submit the collected data to an inductive process of language interpretation and materialistic speculation. The outcomes indicate the relevancy of the objective-subjective interaction that is intrinsic to the transduction between computational code and its embodiment. Such situation express itself in interceptions, piracy, collectivism, accidentality, territorial transience and practices of activism that intermediates language and biopolitics. Esta tesis se ocupa de la constitución de una teoría del arte hacker basada en la estética y la filosofía contemporánea de la diferencia. Con ese razonamiento, proponemos conceptos relativos a los aspectos sensoriales de producciones artísticas que se guían por la exploración y la transgresión libres de la tecnología. Nuestro objetivo es contribuir para una teoría crítica que sea capaz de hacer frente efectiva a la influencia de las tecnologías de la información sobre la calidad fenomenal y política de lo que se considera arte, en relación con las controversias en torno a la acción hacker. Para ello, asumimos que hackear es producir diferencia, según McKenzie Wark. En retrospectiva, revisamos los paradigmas de la heterología de Jacques Derrida e Gilles Deleuze. Componemos así un sistema de análisis en el que la deconstrucción del lenguaje de Derrida se combina al empirismo trascendental de Deleuze. Ese sistema se utiliza en el análisis de un conjunto seleccionado de obras de arte (de nombres como Jodi, Eva & Franco Mattes, Lucas Bambozzi, Electronic Disturbance Theater y Critical Art Ensemble), además de su respectivo campo discursivo documental – textos de artistas y de teóricos, crítica e información multimedia agregadas a la circulación en medios físicos y virtuales. Sometemos los datos recogidos a un proceso inductivo de interpretación de lenguage y especulación materialista. Los resultados indican la importancia de la interacción objetiva/subjetiva que es intrínseca a la transducción entre el código y sus formas de corporificación. Esa situación se expresa en interceptaciones, piratería, colectivismo, accidentalidad, transitoriedad territorial y prácticas de activismo intermediarias entre el lenguaje y la biopolítica.

The present Visual Poetry research about technology art envolves the multiple territories issues starting from the intersection of singular spaces, characterized by specific languages in analog and digital media, generating the reconfiguration of hybrid spaces that comes from the flows and the meetings of diverse artistic practices. Based on previous experience in artistic collectivity, linked to issues of production in art and occupation of non-institutionalized spaces in the city, the study leads to experiencing proposals in situ for a local/a depositary place of memories and experiences resulting from this trajectory. Referring to the cultural environment of the city and its history, we tried to propose the generation of a new perceptual capability for that space, through the collectivity participation, which are also relevant in this study. The installation is characterized by a temporarily displayed work. This work s presentation takes place in ephemeral and transitory space-time relation ship. The conduct of the research was based on authors as Carvalho (2005); Haesbaert (2004); Plaza (1998); Santos (1991); Cauquelin (2007); Bourriaud (2009); Barros (1998, 1999), the approach of the concepts A presente pesquisa em Poéticas Visuais na linha de pesquisa Arte Tecnologia envolve a questão da multiterritorialidade a partir do entrecruzamento de espaços singulares, caracterizados por linguagens especificas em meios analógicos e digitais, gerando a reconfiguração de outros espaços, híbridos, que nascem dos fluxos e encontros a partir de práticas artísticas diversas. Com base em uma experiência anterior em coletivo artístico, vinculada às questões da produção em arte e da ocupação de espaços não institucionalizados na cidade, o estudo conduz à experienciação de propostas in situ para um local/lugar depositário de memórias e vivências oriundas desta trajetória. Remetendo ao ambiente cultural da cidade e sua história, buscou propor a geração de novas potencialidades perceptivas para aquele espaço, por meio da participação de uma coletividade, o que compõe, igualmente, a relevância do estudo. A instalação in situ se caracteriza por ser uma obra apresentada de forma temporária, vinculada a um lugar/local específico e único, sendo que a apresentação do trabalho se deu de forma efêmera e transitória em uma relação espaço-temporal. A condução da pesquisa esteve embasada em autores como Carvalho (2005); Haesbaert (2004); Plaza (1998); Santos (1991); Cauquelin (2007); Bourriaud (2009); Barros (1998; 1999), entre outros, para abordagem dos conceitos envolvidos.

CNPq Esta dissertação busca demonstrar a influência recíproca entre a arte e a tecnologia para além do artefato com o uso da cor na obtenção da harmonia cromática e do reforço perceptivo visual e cultural. Procuramos evidenciar como a arte se apropria da tecnologia na obtenção da harmonia pelo uso da cor no processo criativo. A arte, ao ser mediada pela tecnologia, desafia o artista a opor-se ao determinismo tecnológico que impõe resultados pela estandardização do uso de seus aparatos, superando seus limites na reinvenção de suas finalidades. Este trabalho tem como objetivo localizar a escolha e o uso das cores nos filmes de animação de curtas-metragens da Disney-Pixar como materialização de significados na construção de uma narrativa, evidenciando a oposição entre o contexto relacional e instrumental da tecnologia pela superação dos seus limites reinventados pelo próprio uso da cor de forma a reforçar os significados propostos por esta narrativa. Inicialmente apresentaremos pressupostos passíveis de localizar a tecnologia em suas dimensões conceituais partindo do eixo cor que atravessa todo o trabalho, daremos ênfase aos conceitos da teoria da cor essenciais para este entendimento, para que finalmente, munidos do referencial teórico, possamos analisar as imagens e concluir nossa pesquisa. Para realizar este trabalho de pesquisa de abordagem qualitativa realizamos a análise das imagens da amostra selecionada intencionalmente dentro de critérios específicos priorizando as imagens que denotavam as características predeterminadas. This paper search is to demonstrate the reciprocal influence between art and technology in addition to the artifact through the use of color in obtaining the chromatic harmony and strengthening visual perceptual and cultural. We try to show how the art appropriates technology in obtaining harmony by using the color in the creative process. The art, to be mediated by technology, challenges the artist to oppose technological determinism that imposes results by standardization of the use of its gadgets, surpassing its limits in reinvention of their purposes. This work has as objective find the choices and the uses of color in the animation short films of Disney-Pixar’s as materialization of meanings in the construction of a narrative, highlighting the opposition between the relational context and instrumental of technology by overcoming its limits reinvented itself by using the color in order to reinforce the meanings offered by this narrative. Initially we will be presenting assumptions likely to find technology in their conceptual dimensions starting from the axis color that permeates throughout the work, the main focus will be on the concepts of the theory of color essential for to this understanding, and finally, armed with the theoretical framework, we will analyze the images and complete our survey. To carry out this research work in qualitative approach we performed the analysis of the images of the sample selected intentionally within specific criteria prioritizing images that suffered from the predetermined characteristics.

O propósito desta tese é analisar A Sagração da Primavera, obra das mais importantes realizadas no século XX, por meio de uma interface entre a semiótica de linha francesa e a dança. O corpus da pesquisa está delimitado pelos espetáculos de dança coreografados porVaslav Nijinsky em 1913 e por Pina Bausch em 1975, ambos publicados no YouTube. Metodologicamente, o semissimbolismo, o sincretismo, a semiótica visual e a semiótica tensiva foram os caminhos escolhidos para identificarmos os mecanismos de produção de sentido do corpus. Por meio das análises dos vídeos selecionados, os espetáculosconfiguraram-se como textos e objetos artísticos submetidos à linguagem audiovisual digital. Dessa forma os efeitos coreográficos foram submetidos também à linguagem gerenciada pelas câmeras de filmagem que criaram outras correlações com a linguagem dos coreógrafos. As análises semissimbólicas apontaram para o ritual: a passagem para a continuidade da vida em que as categorias identidade vs. alteridade e vida vs. morte são construídas lado a lado nos espetáculos analisados. Os resultados da pesquisa corroboraram para a confirmação das hipóteses referentes à existência da ossibilidade de diálogo entre as categorias da semiótica visual e as categorias da pesquisa em dança. Outra constatação importante é que embora os coreógrafos utilizem a mesma música e a temática do sacrifício em suas coreografias, há diferenças na construção de sentido entre as obras. Sobretudo ao revelarem personagens e heroínas cujas vozes expressam-se apaixonadas. Tais vozes são carregadas de sentimentos embrenhados num envelope corporal que se inscreve como receptor e emissor, em meio a valores socioculturais e paradigmas que se reconstroem e reproduzem dia após dia. L'objectif de cette thèse est d'analyser Le Sacre du Printemps, lune des oeuvres les plus importantes réalisée au cours du XXe siècle, par l'intermédiaire d'une interface entre la sémiotique en ligne française et la danse. Le corpus de la recherche est délimité par les spectacles de danse chorégraphié par Vaslav Nijinski en 1913 et par Pina Bausch en 1975, les deux publiés sur YouTube. Sur le plan méthodologique, le semi-symbolisme, le syncrétisme, la sémiotique visuelle et la sémiotique tensive ont été choisis pour identifier les mécanismes deproduction de sens du corpus. Par le moyen des analyses des vidéos sélectionnées, les spectacles ont été configurés en tant que textes et en tant quobjets d'art soumis au langage audiovisuel numérique. Ainsi les effets chorégraphiques ont aussi été soumis à la langue géréepar les caméras, ce qui a créé d'autres corrélations avec le langage des chorégraphes. Les analyses semi-simboliques des oeuvres ont souligné le rituel de passage pour la continuité de la vie où les catégories identité vs. altérité et vie vs. mort ont été construites côté à côté dans les spectacles analysés. Les résultats de l'étude ont corroboré pour la confirmation des hypothèses concernant l'existence de la possibilité d'un dialogue entre les catégories de la sémiotique visuelle et les catégories de la recherche en danse. Une autre constatation est quebien que les chorégraphes utilisent la même musique et le thème du sacrifice dans leurs chorégraphies, il y a des différences dans la construction du sens entre les oeuvres. Surtout quand on révèle des personnages et des héroïnes dont "les voix" sexpriment passionnée.Chargées de sentiments imbriqués dans une enveloppe corporelle qui tombe sous forme de récepteur et d'émetteur, parmi des valeurs et des paradigmes socioculturels qui sont reconstruits et se reproduisent de jour après jour.

Esta tese propõe apresentar o percurso artístico da artista brasileira Regina Vater, por meio da análise de seus depoimentos, de seu acervo pessoal e do cruzamento desses objetos de memória com textos críticos e teóricos em torno de seu trabalho. A partir do acesso ao seu acervo, as fontes são consideradas como documentos, objetos de arte e elementos agenciadores de sentido. A hipótese estrutural desta investigação apoia-se na tese de que, nesse espaço particular, a artista, ao reunir e organizar sua própria trajetória propõe também o gerenciamento de sentidos de sua obra. Outro objetivo é recompor sua relevância no cenário artístico nacional. Reportando às considerações do crítico Guy Brett, acreditamos que a morosidade do circuito de arte brasileiro em reconhecer a obra de Regina Vater deve-se à diversidade das mídias, formatos e tecnologias gestados na produção de seu trabalho, pautado principalmente pela experimentação, pela ideia/conceito e pelo processo. Movida por estas inquietações e amparada pelo acesso ao próprio acervo da artista, esta tese procura responder algumas questões nesse território movediço e incerto da Arte Contemporânea e também da memória presente nos acervos de artista: é possível observar sua atuação, apesar do pouco distanciamento histórico, no contexto de uma geração específica? É possível demarcar estratégias e estruturas conceituais sob as quais suas produções gravitam? Como demarcar espaços de acesso ao seu acervo e/ou obras de relevância? Não há como despojar desta pesquisa o caráter de intimidade gerado pelo contato com a artista. Contaminada por sua arte e por suas palavras, este trabalho busca sinalizar o lugar de sua obra, e principalmente dar voz a Regina Vater. This thesis intends to present the career of Regina Vater, a Brazilian artist. This in turn, is accomplished through an analysis of interviews and of her personal art collection. Additionally, it purports to provide an analysis juxtaposing the concept of her memory objects with a critical and theoretical view of her art work. Based on the granted access to her collection, sources are taken into account as well as documents, art objects and signifying elements, which give meaning to the art work presented. The structural hypothesis of this research is based on the thesis that, in this particular space, as the artist gathers and organizes her own trajectory, she also sheds light in ways of managing her own art work. This study also aims to restore the relevance of Regina Valters art work within the national art scene. With regards to Guy Bretts considerations, we believe the lengthy recognition of Regina Valters art work by the Brazilian art circuit is mainly due to a wide diversity in the media, formats and technologies encompassed by Regina Valters art production. It is noted that the artist work is mainly grounded on experimentation, conceptual idea and processes of art production. Driven by these concerns and supported by the granted access to the artist collection, the thesis seeks to elucidate pertinent questions in the realm of an unstable Contemporary Art field, such as: Is it possible to observe the artist performance through her art collection despite slightest historical distance in the context of a specific generation? Are strategies and conceptual framework identifiable under which her art production revolves around? How can boundaries be set with regards to access to the artist collection and/or work of relevance? There is no way to dismiss the character of intimacy generated by the contact with the artist in this study. Influenced by Regina Valters work and words, this thesis aims to signal the contribution of her work to the Brazilian art scene, and hence give voice to Regina Valter herself.

Made available in DSpace on 2014-12-02T11:16:51Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2014-09-11Bitstream added on 2014-12-02T11:21:19Z : No. of bitstreams: 1 000799493.pdf: 2453611 bytes, checksum: 2739e341db21bb860ab116901d7a5ed1 (MD5) Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) O surgimento de uma nova tecnologia de produção, a impressão 3D, vem sendo considerada por entusiastas como uma “Nova Revolução Industrial” por confrontar paradigmas da indústria, como a produção em massa. Esta tecnologia consiste na transposição de modelos digitais tridimensionais em objetos físicos e se populariza graças a comunidades virtuais que compartilham informações ativamente. Para os artistas, a impressão 3D tornou-se um celeiro de experimentações, tanto para os que já trabalhavam com os meios digitais e desejavam materializar suas criações, quanto para aqueles que se lançaram a explorar novos caminhos através da possibilidade de diálogo entre o digital e físico. São diversos trabalhos de arte que podem demonstrar certo otimismo sobre o suposto poder revolucionário desta nova tecnologia ou discutir as implicações de possíveis usos dentro da sociedade. Neste contexto, a presente pesquisa discorre sobre as propostas de alguns destes trabalhos e apresenta o projeto de arte “Deliberator”, uma reflexão poética sobre o surgimento das wiki-weapons, um uso não esperado da impressão 3D. The emergency of a new production technology, the 3D printing, has been considered by enthusiasts as a “New Industrial Revolution” for confronting the industry paradigms such as mass production. This technology consists in the transposition of three-dimensional digital models into physical objects and becomes popular thanks to virtual communities that actively share information. 3D printing has become a hotbed of experimentation for artists, both for those who were already working with digital media and wanted to materialize their creations, and for those who set out to explore new paths through the possibility of dialogue between digital and physical. Many works of art can demonstrate some optimism about the supposed revolutionary power of this new technology, or discuss the implications of its possible uses in society. In this context, this research considers the proposals of some of those works of art, and presents the art project “Deliberator”: a poetic reflection on the emergence of wiki-weapons, and unexpected use for 3D printing.

Made available in DSpace on 2015-04-09T12:28:19Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2014-08-29Bitstream added on 2015-04-09T12:47:42Z : No. of bitstreams: 1 000815125.pdf: 1036423 bytes, checksum: 51b40b4b6bdcd56479886e1a94585d19 (MD5) SPelha – poética locativa é uma pesquisa teórico-prática que objetiva investigar na produção artística propostas que provocaram experiências e discussões sobre o encadeamento entre novas tecnologias, meios de comunicação, relacionamentos e espaço urbano. Por meio de um percurso observatório das práticas artísticas atuais, no contexto da ubiquidade e das potencialidades das mídias locativas que integram diversas possibilidades e estão acessíveis nos smartphones, foram ressaltados projetos que propuseram explicitar comportamentos de uso e consumo de tecnologias, as relações privadas e públicas compartilhadas, a liquidez dos lugares e sensações, o afeto e a construção coletiva de memórias. A pesquisa abre uma janela para refletir sobre como propostas no passado já antecipavam questões trazidas na produção atual, em rede. A partir do reconhecimento do campo, o trabalho culmina na apresentação da produção poética dessa pesquisa - o desenvolvimento do aplicativo para smartphones nomeado de SPelha. Sua função central é a sinalização, no mapa, dos locais onde existe ou não amor na cidade de São Paulo, criando possiblidades de espelhamento da relação do colaborador com a tecnologia e com o espaço urbano. Através da inserção de texto e/ou imagem associada à decisão positiva ou negativa, a proposta pretende criar modos de representação sobre os fluxos que integram a experimentação e interpretação da realidade cotidiana, contendo dados objetivos e subjetivos que, além dos laços emocionais, abrangem fatores culturais, políticos e sociais. SPelha - locative poetic is a theoretical and practical research that aims to investigate within the artistic production proposals that provoked experiences and discussions on the linkage between new technologies, media, relationships, and urban space. Throughout an observatory of the current artistic practice in the context of ubiquity and capabilities of locative media that integrate various possibilities and are accessible on smartphones, projects that use explicit behaviors and consumption of new technologies, private and public relations shared in the web, the liquidity of places and sensations, affection and the construction of collective memories were highlighted. The research opens a window to reflect on how proposals in the past already anticipated issues in the current production in the network. As a consequence of the study, the work culminates in the presentation of the poetic production of this research – the development of an application for smartphones named SPelha. Through its central role, which is to point out on a map whether there is or there is not love in the city of São Paulo, the proposal creates possibilities mirroring the relationship of the user with the technology and with the urban space. By inserting a text and/or image associated with positive or negative decision, the proposal intends to create forms of representation about the flux that integrate experimentation and interpretation of everyday reality, containing objective and subjective data that, beyond the emotional ties, cover cultural political and social factors.

Esta dissertação de mestrado desenvolvida no Programa de Pós-graduação em Arte e Cultura Visual da FAV/UFG, na linha de pesquisa Poéticas Visuais e Processos de Criação, parte de uma pesquisa exploratória teórico-prática que objetiva revelar as possibilidades de trabalhar poéticas artísticas tendo como viés condutor a trajetória dos meios de produção e criação da arte e as novas tecnologias no campo da ciberarte. Apresenta a trajetória artística do pesquisador pelo universo da pintura em suportes tradicionais e os caminhos técnicos e tecnológicos adotados pelos criadores de imagem ao longo da história da arte com destaque para o surgimento da chamada arte numérica, de base digital. Conceitualmente, detém-se nos embates do homem no uso das novas tecnologias e na abordagem do conceito de expansão do corpo através das máquinas, o corpo “pós-humano”. Simultaneamente à investigação teórica, o trabalho envolveu o desenvolvimento de uma poética experimental através de um exercício de criação que incorpora ao trabalho artístico de pintura em tela de algodão o desdobramento em uma narrativa visual digital. This Master dissertation developed in the Postgraduate Program in Art and Visual Culture at FAV / UFG , in Visual Poetics Research and Creative Processes line, part of an exploratory theoretical and practical research that aims to reveal the possibilities of working with artistic poetic having as a conductor bias the trajectory of the means of production an d creation of art and new technologies in the field of cyber art. It introduces the artistic trajectory of the researcher through the universe of painting on traditional support and the technical and technological paths followed by image makers throughout art history with emphasis on the rise of the so-called numerical art of digital basis. Conceptually, holds up in the struggle of man in the use of new technologies and in the approach of the concept of expanding the body through the machines, the "posthuman" body. Simultaneously to the theoretical research, the work involved the development of experimental poetics through a creation exercise that incorporates to the artwork of painting on cotton canvas the unfolding in a digital visual narrative. Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Goiás - FAPEG

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Artes Visuais, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2014. Paisagem Enferma. Intervenções sensíveis em arte e tecnologia no meio ambiente, é uma tese de doutoramento em Arte e Tecnologia, de caráter teórico prático defendida pelo PPG-Arte da Universidade de Brasília. Consiste na pesquisa sobre arte e tecnologia científica aplicada a criação de intervenções artísticas em contextos de paisagens enfermas. Partimos da hipótese de que a Arte Tecnologia voltada para o meio ambiente, em seus processos criativos transversais de sensibilização e diálogo, é capaz de articular diferentes níveis de percepção da realidade, promovendo processos de conscientização das paisagens. Buscamos constituir um trabalho de pesquisa com o objetivo de criar estratégias que pudessem por em prática ações e intervenções artísticas que evidenciassem essa sensibilização e ativação de indivíduos em prol de suas comunidades. Foram realizadas ações em duas localidades, em duas cidades específicas, onde se elaborou os estudos de casos de paisagem enferma: a Vila Estrutural, no Distrito Federal, e a Ilha das Caieiras, no Espírito Santo. As ações foram concentradas em instituições públicas. A partir da problematização das paisagens enfermas destes contextos, foi possível privilegiar a experimentação de uma prática artística contemporânea, tecnológica, interativa que respalda a reflexão de cunho ambientalista. __________________________________________________________________________________ ABSTRACT Infected Landscape: Sensible interventions in art and technology at the environment, it’s a doctorate thesis in Art and Technology, in theoretical and practice character, defended by PPG-Arte from Universidade de Brasília. It consists in the research about art and scientific technology applied to the creation of artistic interventions in infected landscapes contexts. Assuming the hypothesis that the Art Technology, when focuses the environment in their creative transversal process of sensitization and dialog, is capable of articulate different levels of perception of the reality, promoting processes of awareness of the landscapes. We seek to establish a research work with the goal of creating strategies that could put into practice actions and artistic interventions that empathizes that sensitization and activation of individuals towards their communities. Actions were held in two locations, on two specific cities, where they performed the studies of the infected landscape: Vila Estrutural, in Distrito Federal, and Ilha das Caieiras, in Espírito Santo. The actions were concentrated in public institutions. From the questioning of the infected landscapes of these contexts, it was possible to focus the experience of a contemporary, technological, interactive artistic practice that supports the reflection of environmental nature. __________________________________________________________________________________ RESÚMEN Paisaje Enferma: Intervenciones sensibles en arte y tecnología en el medio ambiente, es una tesis de doctorado en Arte y Tecnología, de carácter teórico practico defendida por la PPG-Arte de la Universidade de Brasilia. Consiste en la investigación sobre arte y tecnología científica aplicada a la creación de intervenciones artísticas en contextos de paisajes enfermas. Partiendo de la hipótesis que la Arte y Tecnología que mira en el medio ambiente, en sus procesos creativos transversales de sensibilización y diálogo, es capaz de articular diferentes niveles de percepción de la realidad, promoviendo procesos de concientización de los paisajes. Buscamos constituir un trabajo de investigación con el objetivo de crear estrategias que puedan poner en práctica acciones e intervenciones artísticas que evidenciasen esa sensibilización y activación de individuos en favor de sus comunidades. Fueran realizadas acciones en dos localidades, en dos ciudades específicas, donde se realizan los estudios de caso de paisaje enferma: la Vida Estrutural, en Distrito Federal, y Ilha das Caieiras, en Espírito Santo. Las acciones fueran concentradas en las instituciones públicas. A partir de la problematización de una práctica artística contemporánea, tecnológica, interactiva que respalda la reflexión de tipo ambientalista.

Buscamos nessa pesquisa investigar elementos e conceitos que estão presentes e ou dialogam com nossa produção artística experimental em Arte e Tecnologia. De modo a levantar e entender os contextos de criação envolvendo movimento e cor-luz, principalmente, ao longo da história da arte e também situar nossa produção no panorama artístico contemporâneo. Partindo da linguagem da fotografia, passando pela Arte Cinética e chegando às instalações interativas. Nesse percurso nos apoiamos no estudo das obras de diversos artistas e conceitos importantes como o de interatividade. Tendo embasado e montado esse panorama apresentamos nosso processo criativo. Abordando as escolhas feitas e mudanças que aconteceram ao longo desse processo em que produzimos dois protótipos, sendo o último a obra experimental final, intitulado Acqua lumens. Esse trabalho artístico apresenta formas em movimento que surgem com a interação com o público e são iluminadas por fotografias de cor-luz produzidas entre 2007 e 2009. Presente e passado, individual e coletivo, acaso e programação se mesclam em um resultado único. We seek to investigate in this research elements and concepts that are present and or in dialogue with our experimental artistic production in Art and Technology. To lift and understand the contexts of creation involving movement and color-light mostly along the history of art and also situate our production in the contemporary art scene. Starting from the language of photography, passing through Kinetic Art and reaching the interactive installations. In this course we rely on the study of the works of many artists and important concepts such as interactivity. Having grounded and assembled this panorama present our creative process. Addressing the choices and changes that occurred during this process we had produced two prototypes, the latter being the final experimental work, titled Acqua lumens. This artwork features moving forms that arise through interaction with the public and are lit by light-color photographs produced between 2007 and 2009. Present and past, individual and collective, chance and programming merge into a single result . Conselho Nacional de Pesquisa e Desenvolvimento Científico e Tecnológico - CNPq

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Artes Visuais, 2014. Este trabalho tem como objetivo teórico se debruçar sobre o campo da projeção mapeada, criando uma introdução panorâmica sobre o tema. Nesse processo traçamos um caminho histórico revisitando dispositivos imagéticos, que ao longo do tempo problematizaram o campo da imagem em movimento, passando por eventos dos chamados pré-cinemas até obras das vanguardas das décadas de 1960/1970, que alimentaram nesse período o campo do cinema expandido (Youngblood). Tratamos também de fatores inerentes ao campo da projeção luminosa, investigando os índices de espaço-tempo e o da luz como imagem projetada, pontuados aqui como pilares do universo do video mapping. Para concretizar nosso panorama, fazemos a análise de obras contemporâneas diretamente ligadas ao uso do mapeamento projetivo. Nesse processo, dividimos metodologicamente o campo em três categorias: video mapping arquitetônico, body mapping e mapping em instalações. No último capítulo, dissertamos sobre a parte prática da pesquisa, na qual relatamos o processo de desenvolvimento da série autoral Objetos de Estimação, em que desenvolvemos projeções mapeadas sobre bonecos de gesso adquiridos em lojas de artesanato. ____________________________________________________________________________________ ABSTRACT This paper has the theoretical aim to look into the field of projection mapping, creating a panoramic introduction to the topic. In this process we make a historical journey revisiting pictorial devices that over time have problematized the field of moving image, through events called pre-cinema works, until the vanguards of the decades of 1960/1970, which during this period nourished the field of expanded cinema (Youngblood). Inherent factors to the field of light projection are also explored, investigating the indicative of space-time and light as projected image, that are established here as pillars of video mapping‟s universe. In order to determine our panorama, we make the analysis of contemporary works directly related to the use of projective mapping. In this process, the methodological field is divided into three categories: architectural video mapping, body mapping and installations mapping. In the last chapter, we dissert about the practical part of the research, in which we report the development process of authorial series named Pet Objects, in which we develop mapped projection on plaster dolls purchased at craft stores.

Este trabalho trata de formas de agenciamento entre Arte e Tecnologia.Partindo da pergunta de Pimentel (2011) sobre como a tecnologia digital pode ampliar conhecimentos específicos do campo artístico, foi encontrado, no eixo conceitual de Couchot (1999), a proposta de que modelos artísticos e tecnológicos sejam transcendidos. Impulsionada pela prática artística, a reflexão sobre a noção de desterritorialização em Deleuze (2005) e em sua coautoria com Guattari (2008; 2011) foi relacionada a uma forma de transcendência de modelos no processo de criação. Para a adequação do tratamento da desterritorialização enquanto forma de transcendência, são levantadas correlações entre modelo computacional e território artístico, agenciamento e autonomia tecnológica, buscando caracterizar o diálogo de criação com tecnologias propositoras de sentido na criação artística, chamadas aqui de tecnologias rizomórficas.Com base em tais correlações, observou-se as desterritorializações das noções de tempo, imagem, sujeito e obra audiovisual provenientes do agenciamento com tecnologia rizomórfica. Com isso, foi possível demonstrar que na noção de tempo residia o ponto de articulação das noções de imagem, sujeito e obra, gerando implicações, com sua desterritorialização, na ampliação da noção de montagem e composição em Arte, possibilitando, assim, a construção da noção de montagem ucrônica. This work adresses the way of agency between Art and technology. From the question of Pimentel (2011) on how digital technology can widen specific knowledge of the artistic field, this work found in the conceptual axis of Couchot (1999) the proposal that, for the purposes of that question, artistic and technological models should be transcended. Driven by artistic practice, the presented work proposes that in Deleuze (2005) and Guattari (2008; 2011) the notion of deterritorialization should be dealt as a form of transcendence of models. To ensure adequate treatment of deterritorialization as a form of transcendence, correlations between computational model and artistic territory, agency and technological autonomy are described, characterizing the creation dialog with technologies that propose sense in artistic creation, called here rizomorfic technologies. Based on these correlations, the deterritorializations of time, image, subject and audiovisual work from the agency with rizomórfica technology have been observed. Thus, it was possible to demonstrate that the notion of time stands for the articulating point of image, subject and artwork notions widening, through its deterritorialization, the notions of mountage and composition in audiovisual art, thus, enabling the construction of the notion called uchronic montage.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Frente as transformações tecnológicas do século XXI vemos surgir dispositivos que dão uma nova dinâmica a relação homem-máquina-imagem, assim como a percepção do espaço e da realidade. A realidade aumentada é um desses dispositivos, cujas relações de poder, saber e produção de subjetividade ainda não são completamente compreendidas no cotidiano e no campo da artemídia. logo essa pesquisa procura compreender o uso da realidade aumentada em produções artísticas e sua possibilidades estéticas e políticas a partir do estudo de caso da produção do grupo Manifest.AR e outros artistas. Partindo da hipótese que essas produções realizam uma investida contra a caixa-preta, saindo da condição de meros funcionários do aparelho para expressar suas próprias questões estéticas e políticas, articulando e desarticulando questões referentes a própria lógica do dispositivo em relação ao campo da arte e da vida. Para isso, a realidade aumentada é abordada como um dispositivo, conceito apropriado de Michel Foucault, e associada a outros meios e formas artísticas para discutir sua especificidade. A discussão estética e política foi elaborada com base no conceito de espaço aumentado de Lev Manovich e de caixa-preta de Vilém Flusser, assim como na estética relacional de Nicolas Bourrioud e na estética de comunicação de Mário Costa. a pesquisa mostrou que apesar da Realidade Aumentada poder ser descrita como meio com suas próprias especificidades e possibilidades poéticas, é ainda cedo declarar que os trabalhos feitos em Realidade Aumentada até hoje constiutuem uma nova forma de arte, ao contrário a Realidade Aumentada aumenta mais formas anteriores de intervenção e instalação em espaços nos quais fronteiras são por vezes desfeitas e recriadas entre o público e o privado, o espaço digital e o espaço físico, o real e o virtual, corpo e mídia, arte e política, em um espaço cíbrido e aumentado. Along with technological transformations of the XXI century, there are emerging devices that give a new dynamic to the man-machine-image relation, as well as to the perception of space and reality. Augmented Reality is one of those devices, which the relations of power, knowledge and subjectivity production are not yet fully comprehended in everyday life and in the field of media art. This research aims to comprehend the use of the device in artistic productions and its aesthetics and political possibilities from the case study of the international group Manifest.AR, besides other artists that have used augmented reality in their works. Assuming that these productions carry an investee against the logic of the device in relation to the field of art and lifetime. For this, Augmented Reality is approached as a dispositive, concept adapted from Michel Foucault, and associated with other art forms and media to discuss its specificity. The aesthetic and political discussion was proposed based on Lev Manovich’s concept of augmented space and Flusser’s concept of black box, as well as relational aesthetics of Nicolas Bourrioud and aesthetic communication of Mario Costa. The research showed that although Augmented Reality can be described as a medium with its own specificity and poetic possibilities, it is early to declare today that the artworks made with it constitutes a new form of art, instead, it augments previous forms of site interventions and installation, in which boundaries are broken and recreated between the public and the private, the digital space and physical space, real and virtual, body and media, art and politics in a cybrid and augmented space.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte e Tecnologia, 2014. Este trabalho se insere no campo da arte e tecnologia. Investiga a construção de imagens em ambientes virtuais e está fundamentado na disciplina desenho. O objetivo é desenvolver um conjunto de ferramentas e trabalhá-las pela óptica da programação gráfica, da filosofia e da linguagem, fornecendo assim um material relevante sobre leitura, manipulação e gravação de imagens ou sequência de imagens a partir de um texto. A metodologia seguiu os pressupostos da teoria aliada à prática, trazendo diversificados exemplos de metalinguagem entre a imagem e o texto e também demonstrações sobre geometria e tecnologia. A conclusão desse estudo sugere que o desenho é uma ferramenta de trabalho e ensino que pode ser operacionalizada por meio de algoritmos e estrutura de dados. Sendo uma atividade construtiva, é estratégico inserir em nosso dia-a-dia a problemática e a geometria das formas no espaço, assim como os fundamentos da gestão informativa e do processo de trabalho em arte.

A pesquisa aqui apresentada busca, através da investigação acerca dos moldes e características dos chamados games – jogos eletrônicos – analisar suas possibilidades como objeto de arte, sendo que essa forma de expressão artística é denominada gamearte. Através da pesquisa exploratória que perpassa as origens dos jogos eletrônicos, suas relações, motivações e evolução, pretende-se desenvolver uma compreensão mais profunda sobre a estruturação e definição do termo game afim de desenvolver um objeto de gamearte que consiga refletir, desconstruir e/ou criticar características do universo dos games. Após a apresentação da definição, os gêneros e formatações de games, a pesquisa se volta para a definição e análise do conceito de gamearte, revisitando as origens dessa recente possibilidade criativa e refletindo acerca das possibilidades de se tratar um jogo eletrônico como objeto de arte. As análises teóricas aqui desenvolvidas serviram de base para a experimentação e construção do raciocínio estético e conceitual visando o processo criativo de dois trabalhos de gamearte, o primeiro deles mais generalista e criado como exercício de introdução ao universo da gamearte e o segundo mais detalhista, visando um aprofundamento nos elementos que o definem. Ambos os trabalhos serviram, então, de base para a construção de um terceiro – e último – objeto de gamearte, que apresenta conceitos adquiridos pela experiência com as obras anteriores: Labirinto da Mente. The research presented here seeks, through the investigation of the characteristics and ways of the electronic games, analyze their possibilities as an art object – the form of artistic expression called gameart. Through exploratory research that permeates the origins of video games, their relationships, motivations and evolution, its intended to develop a deeper understanding of the structure and definition of the electronic game in order to develop an gameart object that can reflect, deconstruct and /or criticize characteristics from the universe of eletronic games . After presenting the definition, genres and formats of games, the research turns to the definition and analysis of the concept of gameart, revisiting the origins of this new creative possibility and reflecting on the possibilities to treat a video game as an art object. The theoretical analysis developed here became the basis for experimentation and construction of aesthetic and conceptual scheme, aiming at the creative process of two gameart objects , the first more generalist and created as an exercise of introduction to the universe of gameart and the second, deeper, seeking a detailing of the elements that define it. Both gameart objects served as basis for the construction of a third – and last – gameart object, presenting concepts acquired by experience with previous works : Labyrinth of the Mind. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Programa de Pós-Graduação em Arte, Instituto de Artes 2014. Este trabalho discute e relata a experiência de um processo criativo desenvolvido em um corpo coletivo que objetivou experimentar técnicas de atuação e composição de cenas utilizando as tecnologias da câmera filmadora digital e do projetor. A elaboração das cenas foi inspirada pelas leituras das obras Alice no país das maravilhas, Alice através do espelho de Lewis Carroll e o Mito da Caverna de Platão. Através do exercício cênico, busca-se examinar em que media a atriz-agente se relaciona com as diferentes qualidades de presença geradas pela sua presença física com as tecnologias de captação e projeção ao vivo. Para tanto, a pesquisa, constrói, descreve e analisa o próprio processo criativo e seus desdobramentos com as linguagens da sombra e da telepresença. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT This dissertation discusses and reports the experience of a creative process developed within a collective that aimed to experiment with performance techniques and scene composition using the technology of the digital video camera and the projector. The creation of the scenes was inspired by the books Alice in Wonderland, Through the Looking-Glass and What Alice Found There by Lewis Carroll, and Plato´s Allegory of the Cave. The scenic exercise aimed to examine how the actor/agent relates to the different qualities of presence, created by her own physical presence with live scene capture and projection technologies. The research builds on, describes, and analyzes the creative process itself and how it unfolds in the languages of shadow and telepresence.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior This paper presents a research in the visual arts, specifically in the field of photography, considering the relationship of art and technology. The poetic research focuses on underwater photography and drawing up fictional scenes. The dissertative text begins with a historical survey in relation to photography and its relationship with art, relying primarily on the means of capturing images by cameras. A survey data is presented since the first attempts and the fact that early experiences with underwater photography. Data in relation to photography as video, are related to evidence that even having a closer relationship with biology, cameras produced to the aquatic environment, they presented as a tool for production of artistic material. Artistic productions working with the issue of underwater photography features or use of this environment are analyzed in their practices. For this dissertation addressed two series of photographs and a video of my research in visual poetics that represent differently, everyday scenes displaced to the aquatic environment. In this series discusses the concept of aesthetics of photography on the action of water, as the visibility, fiction and temporality in photographic images and videos. Este trabalho apresenta uma pesquisa em artes visuais, especificamente no campo da fotografia, considerando as relações da arte e da tecnologia. A investigação poética concentra-se na fotografia submersa e na elaboração de cenas ficcionais. O texto dissertativo inicia com um levantamento histórico em relação à fotografia e sua relação com a arte, baseando-se inicialmente nos meios de captação de imagens por aparelhos fotográficos. É apresentado um levantamento de dados desde as primeiras tentativas e o início de fato das experiências com a fotografia subaquática. Dados em relação à fotografia, como em vídeo, são relacionados a fim de evidenciar que, mesmo possuindo uma proximidade maior com a área da biologia, aparelhos fotográficos produzidos para o ambiente aquático, foram também usados como ferramenta para produção de material artístico. São analisadas produções artísticas que tratam a questão da fotografia submersa ou que utilizam características deste ambiente em suas práticas. Para esta dissertação são abordadas duas séries de fotografias e uma de vídeos de minha pesquisa em poéticas visuais que representam, de maneira distinta, cenas cotidianas deslocadas para o ambiente aquático. Nestas séries discute-se a noção da estética da fotografia sob a ação da água, no que tange a visibilidade, a ficção e a temporalidade em imagens fotográficas e vídeos.

This master s dissertation refers to a research in Visual Poetics/Art and Technology whose interest lies in the creation of urban interventions and their artistic derivations through actions and objects projected by analog and digital resources, which intend to establish relations of contagion with the context of insertion. As accounts in a possible arrangement, the text is characterised by the distribution of artistic propositions in accordance with topics covered in three chapters. Such an approach begins with a discussion of elements that are fundamental and leading of actions in the city, where contagion is circumscribed in the quality of operating concept linked to site-specific procedures. The process of realisation of the artistic procedures follows premises of the cartographic method and of the principles of poietic as from a trajectory that pervades philosophical remarks on the diagram, the encounter, and the combination. Subsequently, considerations are developed regarding the urban milieu and the practices that take the everyday as their field of action, connected to the actions produced during this research. Besides routines of observation on the street, of emphatic link with the photographic register, the object as a tridimensional category in visual arts is explored and highlights a way of constructing through projections on digital graphic softwares so that they are, in some cases, materialised and installed in architectural monuments in the urbe. As a result of the research, eight propositions in art are presented, which comprehend the usage of different technical resources, being these anchored on frameworks and references that take as their problems the ethical-aesthetic usage of language, the crossing of several places, and the art implied in the social-political sphere. A presente dissertação de mestrado refere-se a uma pesquisa em Poéticas Visuais / Arte e Tecnologia cujo interesse está na criação de intervenções urbanas e suas derivações artísticas por meio de ações e objetos projetados com recursos analógicos e digitais, os quais buscam estabelecer relações de contágio com o contexto de inserção. Como relatos em um arranjo possível, o texto caracteriza-se pela distribuição de propostas artísticas conforme assuntos destacados em três capítulos. Tal abordagem se inicia por uma discussão dos elementos basilares e condutores das ações na cidade, em que se delimita o contágio na qualidade de conceito operatório vinculado a procedimentos site specific. O processo de realização das propostas artísticas segue premissas do método cartográfico e dos princípios da poiética a partir de um trajeto que perpassa apontamentos filosóficos sobre o diagrama, o encontro e a combinação. Em seguida, desenvolvem-se considerações acerca do meio urbano e das práticas que tomam o cotidiano como campo de atuação, atreladas às ações produzidas durante a pesquisa em questão. Além de serem executadas rotinas de pontuações na rua, de enfático vínculo com o registro fotográfico, o objeto, enquanto categoria tridimensional das artes visuais, é explorado e destaca um modo de construção mediante projeções em aplicativos gráficos digitais para, em alguns casos, serem materializados e instalados sobre dados arquitetônicos da urbe. Como resultado da pesquisa, são apresentadas oito proposições em arte as quais compreendem o uso de diferentes recursos técnicos, estes ancorados por aportes e referenciais que tomam como problemas o uso ético-estético da linguagem, o atravessamento de lugares diversos e a arte implicada no âmbito sócio-político.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2014. Este trabalho traz reflexões e práticas a respeito das hibridizações entre arte e novas tecnologias. Por meio de experimentações, é pesquisado, especificamente, o encontro das vertentes pintura e projeção mapeada. São apresentadas três obras autorais desenvolvidas com o intuito de analisar a mistura de técnicas e conceitos dessas linguagens, suas aberturas, probabilidades e limitações; tem também como objetivo ponderar sobre criações híbridas, ressaltando assim, os desdobramentos na arte ao mesclar e compor com os novos recursos contemporâneos. Os conceitos que envolvem o termo hibridismo e suas derivações são apontados em suas diversas perspectivas através de alguns autores como Canclini (2008), Cattani (2007), Gruzinski (2001), Narloch (2007), Santaella (2008) e Vargas (2004). A pintura e a projeção mapeada são apresentadas em suas particularidades abordando seus contextos e conceitos. Além de apresentar brevemente aspectos históricos e conceituais que envolvem a pintura, é traçada uma discussão a respeito desta linguagem e suas extensões, principalmente no que se diz respeito às suas mesclagens no encontro com projeção mapeada e vice-versa. Dentre outros, Tavares (1998), O’Dohery (2002) e Cartaxo (2006) embasam o processo criativo nas obras Pause pro café, Qrcode de dedo e Efêmeros. Esses experimentos são parte do processo teórico prático desta pesquisa e são apresentadas poeticamente através da Pintura Híbrida. Tendo em vista a circularidade deste processo, apresento, concomitantemente, os registros sobre a execução, as seleções, os desdobramentos e as limitações encontradas durante o processo artístico. ____________________________________________________________________________________ ABSTRACT This paper presents reflections and practices regarding hybridizations between art and new technologies. Through experiments, it is researched specifically, the meeting of the strands painting and projection mapping. Three copyrighted works were developed in order to analyze the mixture of techniques and concepts of these languages, their openings, odds and limitations are presented. It also aims to ponder hybrid creations, thus highlighting the developments in the art to make and merge with new contemporary features. The concepts surrounding the term hybridity and its derivations are pointed in their diverse perspectives through some authors such as Canclini (2008), Cattani (2007), Gruzinski (2001), Narloch (2007), Santaella (2008) and Vargas (2004). Painting and projection mapping are presented in its particularities addressing their contexts and concepts. Besides briefly presenting historical and conceptual aspects involving painting, is mapped a discussion about this language and its extensions, especially when concerns their blends in encounter with mapped projection and vice-versa. Among others, Tavares (1998), O'Dohery (2002) and Benavente (2006) establish the creative process in the works Pause for breakfast, Qrcode finger and Ephemera. These experiments are part of the practical and theoretical processes of this research are presented poetically through Hybrid Painting. Given the circularity of this process, I present it simultaneously: the records on the implementation, the selections, the ramifications and limitations encountered during the artistic process.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2014. O processo de produção impressa mudou consideravelmente e tem, junto com as tecnologias digitais, proporcionado outros modos para criação visual. Com a globalização, as possibilidades de transmissão, distribuição e criação da informação imagética ampliaram-se conduzindo a uma construção coletiva expandida. Usuários diversos, em qualquer parte do globo, podem fazer parte da construção de novos modos de manifestação visual. Assim, com foco numa poética coletiva digital experimental, essa tese apresenta uma proposta multidisciplinar de investigação dentro de uma dinâmica que prima pelo lúdico e pela personalização de diferentes superfícies através de imagens geradas por um jogo numérico randômico. Portanto, transitando por caminhos estruturados no hardware e no software, há a combinação de elementos reais (desenhos manuais digitalizados) com códigos numéricos pré-estabelecidos para possível criação de novas imagens. Proposta de criação visual com a contribuição de usuários conectados a redes sociais digitais, idealizando a possível utilização no Design de Superfície. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT The process of print production has changed considerably and is providing other ways to visual creation. With globalization, the opportunities for transmission, distribution and creation of imagery information have widened leading to an expanded collective construction. Many users, anywhere in the globe, can be part of the construction of new modes of visual expression. So, focusing on a collective experimental digital poetics, this thesis presents a multidisciplinary research proposal within a dynamic that strives for entertaining and the customization of different surfaces through images generated by a random number game. Therefore, moving along paths structured in hardware and software, t here are a combination of real elements (scanned manual drawings) with pre-established numerical codes possible to create new images. Proposal of visual creation with the contribution of users connected to digital social networks, idealizing the possible use in Surface Design.

Tecnologia, scultura e suono, verso nuove definizioni dello spazio raccontati da Nélida Mendoza

Orientador: Rafael de Almeida Evangelista Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem Resumo: Esta dissertação relata as descobertas, hipóteses e conclusões de pesquisa a respeito de um tipo de produção colaborativa que aproxima arte, ciência, ativismo, inovação, design, entre outras áreas. Concentra-se no surgimento, em anos recentes, dos assim chamados laboratórios experimentais - espaços articulados em rede nos quais tal produção toma corpo. São abordadas sob tal perspectiva denominações tais como labs de mídia, hackerspaces, Fablabs, entre outras. A pesquisa analisa alguns desses modelos sobre o pano de fundo do imaginário tecnoutópico, que afirma as tecnologias de informação como instrumentos de combate à burocratização e à alienação da sociedade. Com o objetivo de questionar a usual associação dos labs experimentais em termos gerais ao desenvolvimento da cibernética e em particular ao histórico do estadunidense MIT Media Lab, a pesquisa explora outros fios narrativos para os múltiplos campos que influenciam a formação dos labs. Debruça-se ainda sobre o diálogo entre, de um lado, o contexto contemporâneo dos labs em diferentes partes do mundo, e de outro a contribuição da ideia de uma cultura digital particularmente brasileira - que ao longo da última década proporcionou a construção de um discurso que aproximava software livre, diversidade cultural e políticas públicas de inclusão social. São debatidos em particular dois eixos da cultura digital brasileira: o compensatório, que buscaria corrigir distorções históricas incluindo populações na chamada era da informação; e o exploratório, que buscaria criticar e influenciar os caminhos futuros da articulação entre tecnologia e sociedade. A dissertação relata ainda pesquisa de campo desenvolvida na Finlândia, onde foram vivenciados a preparação de um festival internacional de arte e tecnologia, visitas a diferentes espaços que se situam no campo dos labs experimentais, e o contato pessoal com integrantes de grupos e coletivos que atuam na fronteira entre cultura e tecnologia. Tais experiências contribuíram para a compreensão de elementos importantes dos labs experimentais, principalmente o aspecto da não conformação às expectativas de uma sociedade cada vez mais regida pela transformação de toda expressão cultural em valor econômico. Esse entendimento é aprofundado ao fim da dissertação na imagem do lab experimental como espaço em branco que, ao mesmo tempo em que funciona como interface entre redes digitais e as dinâmicas particulares dos locais onde se encontram, também situam-se como instâncias de resistência e reinvenção frente ao capitalismo informacional de matriz cibernética Abstract: This dissertation reports on discoveries, hypotheses and conclusions of research on a kind of collaborative production that connects arts, science, activism, innovation, design, among other areas. It focuses on the appearing, in recent years, of the so-called experimental labs ¿ network articulated spaces in which such a production comes into being. Under that perspective are approached denominations such as media labs, hackerspaces, Fablabs, among others. The research analyses some of these models against the background of techno-utopian imaginary, which asserts information technologies as tools to fight against burocracy and allienation of society. With the goal of questioning the usual association of experimental labs in general to the development of cybernetics and particularly to the history of MIT Media Lab in the USA, the research explores other narrative threads for the multiple fields that influence the formation of labs. Attention is paid to the dialogue between, on one side, the contemporary context of labs in different parts of the wirld, and on the other the contribution of the idea of a particularly brazilian digital culture ¿ which over the last decade offered the possibility of building a discourse that draws closer free (open) software, cultural diversity and public policies for social inclusion. Two particular axes of the brazilian digital culture are discussed: the compensatory, which seeks to correct historical distortions by including populations in the so-called information age; and the exploratory, that seeks to criticize and influence future paths of the articulation of technology and society. The dissertation reports as weel on field research undertaken in Finland, where were experimented the preparation of an international festival on arts and technology, visits to different spaces situated on the field of experimental labs, and personal contact with members of groups and collectives that work on the border of culture and technology. Such experiences contributed to the understanding of important elements of experimental labs, especially the aspect of non-conformation to the expectations of a society increasingly ruled by the transformation of every cultural expression into economic value. This understanding is deepened by the end of the dissertation on the image of the experimental lab as a blank space that, as well as working as an interface between digital networks and the particular dynamics of the places in which they are located, are also situated as instances of resistance and reinvention before the cybernetical informational capitalism Mestrado Divulgação Científica e Cultural Mestre em Divulgação Científica e Cultural