Search

Conversations with Julian Barnes collects eighteen interviews, conducted over nearly three decades, by journalists and correspondents throughout the world with Julian Barnes, the author of such highly praised novels as Flaubert's Parrot and Arthur & George. The interviews collectively address the entirety of Barnes's varied works and provide readers the most vivid portrait yet of contexts and influences behind his ten novels, his short stories, and his essays. The interviews focus not only on the author's fiction but also on his essays, translations, and pseudonymous writings. Barnes's evolving understanding of the themes developed in his works (history, truth, love, art, and death), his views on the art of the writing process, and the role of authors in contemporary society are also discussed at length.

International audience

B.S. Johnson's "novel in a box", The Unfortunates, is an original and moving elegy to the memory of his best friend who died of cancer at the age of 29, but the unbound format of the book and the unusual use of blanks have been dismissed by some critics as a mere manifestation of playfulness, a collection of tricks or gimmicks. My contention in this paper is that Johnson's techniques, far from excluding affectivity and ethics, actually offer new ways of expressing emotion and giving a truthful account of feelings of pain, loss and mourning. On the one hand, the narrator is careful never to over-sentimentalize his discourse, hence instances of self-reflexive irony, mockery or derision to keep pathos at bay. On the other hand, this chronicle of a death foretold is a deeply-felt homage that involves narrator and reader in an ethical encounter with the absent Other., The Unfortunates, le "roman dans la boîte" de B.S. Johnson, est une élégie originale et émouvante à la mémoire de son meilleur ami fauché par le cancer à l'âge de 29 ans, mais certains critiques ont considéré que l'absence de reliure et l'utilisation inhabituelle des blancs se limitaient à un simple jeu et ils les ont donc relégués au rang de gadgets. Cet article propose de démontrer que les techniques employées par Johnson, loin d'exclure l'affectivité et la dimension éthique, offrent de nouveaux modes d'expression de l'émotion et permettent de donner une representation fidèle des sentiments de douleur, de perte et de deuil. D'un côté, le narrateur veille à ne jamais verser dans un excès de sentimentalité et fait donc preuve d'ironie auto-réflexive, de moquerie et de dérision pour maintenir à distance tout effet de pathos. D'un autre côté, cette chronique d'une mort annoncée est un hommage profond et sincère qui implique le narrateur et le lecteur dans une rencontre éthique avec l'Autre absent.

International audience; This article examines the modes of rewriting of the biblical myth of Noah's Ark and the Flood in five contemporary texts by Robert Coover, Timothy Findley, Jeanette Winterson, Michèle Roberts and Julian Barnes. The aim is to show how the content of the biblical metanarrative is defamiliarized, deconstructed, supplemented and/or displaced, in order to propose an apocryphal counternarrative which challenges the dominant cultural and sexual codes. The five texts thus articulate a resistance to the monological and patriarchal perspective of canonized history, and give voice to a series of marginalised groups whose discrepant narrations have been excluded from official discourse. These heterodox versions also destabilize the common modes of expression, reducing the verbal glow of the biblical ur-text by appropriating colloquial forms and exploiting various forms of humour and extravagance. These contemporary rewritings of the sacred text eventually invite the reader to ponder over the discriminatory and exclusive systems on which the myth of Noah's Ark and the Flood, but also more broadly the history of the world, are based.

The aim of this study is to present a thorough examination of Flaubert's Parrot so as to determine its specificity and originality in contemporary British literature. The novel challenges any attempt at categorisation, classification and genre taxonomy, mixes fiction and non-fiction, and simultaneously exploits and subverts the need for structure. This study traces Julian Barnes' attachment to Gustave Flaubert and analyses the various forms of Flaubertian metatextuality, intertextuality and hypertextuality in the novel. It also focuses on the circulation of texts in Flaubert's Parrot which demands that the reader be active and take part in a form of intertextual game, and then on the linguistic medley between English and French, based on contrastive phenomena, literal translations and bilingual puns, whose aim is mainly humorous but also reveals the author's keen concerns about novelistic techniques. The book analyses the main features of Geoffrey Braithwaite, a self-conscious and reluctant narrator who wavers between a reluctance to discuss his private life, as emblematised by the indirections, delays, ellipses and gaps in the text, and a willingness to share with the reader the traumatic subject of his wife's adultery and suicide. Braithwaite creates a new form of biography which is hybrid, subjective, partial, incomplete and contradictory, hence reflecting the new awareness of the irretrievability of the past. Flaubert's Parrot presents itself as a historiographic metafiction in which the narrator does not consider historical or biographical knowledge as an unproblematic category, but questions the ways in which we come to know the past., Hommage insolite de Julian Barnes à l' « homme-plume » français, Flaubert's Parrot se présente comme une célébration enthousiaste de l'écriture et de la littérature. Livre palimpseste, l'ouvrage propose une plongée vertigineuse dans l'univers flaubertien et évite les écueils de la biographie traditionnelle en entrecroisant plusieurs genres littéraires. La démarche polymorphe, hybride et audacieuse exige alors du lecteur une aptitude à assembler les pièces du puzzle que le narrateur, Geoffrey Braithwaite, a volontairement laissées éparses. Amateur éclairé de Gustave Flaubert et chercheur obsessionnel, Braithwaite s'interroge sur les modes et conditions de connaissance du passé mais il embrasse surtout cette entreprise passionnée afin de mettre à distance le drame personnel qui le taraude et s'immisce dans les failles et replis du discours. La présente étude entend rendre compte des chemins multiples et chaotiques tracés par un ouvrage qui, en 1984, a bousculé le paysage littéraire britannique.

This study aims at analysing the poetics of voice and silence in Bernardine Evaristo’s Booker-prize-winning Girl, Woman, Other (2019). Taking as a starting point Evaristo’s intention to transform the absence of Black British women in society into presence through her writing, this analysis looks at the multiple intersections of aesthetics and politics in the novel. Can textual representation amount to giving somebody a voice and if so, which methods does the author rely on and what are their effects? What is the relationship between Evaristo’s innovative writing style which she calls “fusion fiction” and which rethinks the way that the narrative voice, dialogues, and inner monologues are represented and Evaristo’s effort to challenge literary norms? Apart from these questions, this analysis is also preoccupied with the pluralism of voices and experiences that Evaristo captures and that collectively contest grand narratives – whether it be for postmodernist, antiracist, or feminist purposes.; Cette étude se propose d’analyser la poétique de la voix et du silence en Girl, Woman, Other (2019), roman pour lequel Bernardine Evaristo a été récompensé par le prestigieux Booker Prize en 2019. Se basant sur l’intention de l’auteure de vouloir transformer l’absence des femmes noires britanniques dans la société en présence par-delà son écriture, il convient d’examiner les intersections de l’esthétique et de la politique de cette tentative de rendre visibles les marginalisées. Est-il possible de donner une voix à travers la représentation textuelle – et si oui, par quels moyens et avec quels effets ? Quel est le rapport entre le style d’écriture créative qu’Evaristo nomme « fusion fiction » et qui révolutionne la représentation de la voix narrative, des dialogues et des monologues intérieurs et sa volonté de contester les normes littéraires ? Dans cette même ligne, l’analyse s’intéresse également au pluralisme de voix et d’expériences qui sont mises en avant dans ce récit qui résiste à la tradition de grands récits à des fins postmodernes, antiracistes ou féministes.

International audience; This paper explores how contemporary Indian poets make a constellation of traditions, languages, affiliations and influences play against each other contrapuntally in their poetry. Indian literary modernism is the product of multiple lineages and hybrid transactions. Hybridity, in the Indian context, also has to do with issues of multilingualism, bilingualism and translation – understood as an on-going process of cross-fertilization and de-territorialization that subverts the quest for origins and transcends the national. Constantly hovering over boundary lines and dissolving radical frontiers between what is “native” and “foreign”, contemporary Indian poetry articulates a hybrid space which signals the reinvention of the self and unsettles exclusive appropriations of a language, a tradition or a homeland.

Mourning as both an affective state and a temporal process, characterises the harrowing experience of loss as much as it problematises the prospect of a recovery. While in literature, the representations of grief and painful reminiscence usually take a poetic or an autobiographical form, fiction, and the novel in particular, seems to stand at the crossroads between the poetic elegy and the grief memoir. In order to identify the specificity of fictional writing and its generic influences, this thesis purports to examine the language of grief in the contemporary novel, defining it as a poetics of intimate emotion. This potential redefinition of elegiac lyricism is thus related to the conceptualization of mourning as a movement. The analysis of the metaphorical wound of loss, which both marks a rupture and is a sign of relationality, is grounded in the theoretical fields of vulnerability and trauma. In order to explore the fictional representations of mourning, this work focuses on four British novels and two Irish novels, which were published between 1987 and 2012:Keywords: mourning, grief, intimate, novel, elegy, tomb, Ian McEwan, Penelope Lively, John Banville, Anne Enright, Graham Swift, Ali SmithThe Child in Time (Ian McEwan, 1987),The Photograph (Penelope Lively, 2003), The Sea (John Banville, 2005), The Gathering (Anne Enright, 2007), Wish You Were Here (Graham Swift, 2011), et Artful (Ali Smith, 2012). The study of thosecontemporary narratives of mourning is articulated around the metaphor of the open tomb (in French, “tombeau ouvert”), thus linking the figures of poetic or musical composition (the artistic subgenre of the “tombeau”) and the funereal monument, in order to analyse the grieving process, but also the memorialization of the dead. Between the consolatory horizon of the traditional elegy and the melancholy of its modern counterpart, the anti-elegy, the open tomb carves an intermediate path, whichquestions the possibility, the ethical scope and the temporality of the mourner’s recovery; Désignant à la fois un état émotionnel et un processus temporel, le deuil caractérise le déchirement et la blessure de la perte autant qu’il problématise la perspective d’une guérison. Si en littérature, l’incarnation de la douleur et des réminiscences endeuillées se décline traditionnellement sous une forme poétique ou (auto)biographique, la fiction semble constituer un espace de croisements entre l’élégie et les mémoires de deuil. Afin d’identifier la spécificité de l’écriture fictionnelle et du genre romanesque au cœur de ces entrelacs génériques, cette thèse envisage le langage du deuil dans leroman contemporain comme une poétique de l’émotion intime, qui redéfinit l’expression du lyrisme élégiaque et la possible mise en mouvement du deuil. L’analyse de la blessure métaphorique de la perte, à la fois marque de rupture et de relation à autrui, entre en dialogue avec les champs théoriques de la vulnérabilité et du trauma. Cette exploration des représentations fictionnelles du deuil s’appuie sur un corpus composé de quatre ouvrages britanniques et deux romans irlandais, publiés entre 1987 et 2012 : The Child in Time (Ian McEwan, 1987), The Photograph (Penelope Lively, 2003), The Sea (John Banville, 2005), The Gathering (Anne Enright, 2007), Wish You Were Here (Graham Swift, 2011), et Artful (Ali Smith, 2012). L’étude de ces récits de deuil contemporains s’articule autour de la métaphore du tombeau ouvert, alliant les figures de la composition poétique ou musicale et du monument funéraire, pour analyser le processus de deuil, mais aussi la mise en mémoire des défunts. Entre l’horizon consolateur de l’élégie traditionnelle et l’anti-élégie mélancolique, le tombeau ouvert vient tracer une voie médiane, qui interroge la possibilité, la portée éthique et la temporalité d’une guérison del’endeuillé.

For the past twenty years, transculturalism has attracted increasing interest in the social sciences as well as in literary studies. This concept seems liable to open a way out of the binaries that postcolonial theory pointed to and maybe even reinforced. However, our analysis of contemporary transcultural novels sheds light on the difficulty of escaping binary oppositions and root thinking. It leads to a reevaluation of the concept of transculturalism through the prism of the notion of alterity. This study first aims at conveying how manifestations of transculturalism in public and private western spaces sometimes hinder the formation of a feeling of belonging and the creation of a home for transcultural characters. Such resistance can be explained by the omnipresence and persistence of forms of alterity or otherness, which the authors explore through a wide variety of literary devices. The writing tends to highlight processes of alterisation and encourages readers to share the experience of the other. Finally, it is suggested that the fictional form of transculturalism may be able to subvert the hegemony of western discursive practices. Fiction may also help to enhance the transculturality of social spaces, as the authors themselves contribute to it through their social commitment, be it on social media, in associations or as university professors. The transcultural novels of this corpus may thus be read according to a decolonial approach which makes room for the subaltern to speak., Depuis une vingtaine d’années, le transculturalisme jouit d’une certaine popularité tant dans le domaine des sciences sociales qu’au sein des études littéraires. Il semble dessiner une voie pour sortir des binarismes que la théorie postcoloniale a soulignés, voire renforcés. Pourtant, l’analyse de romans transculturels contemporains que propose cette thèse fait apparaître une certaine difficulté à échapper aux oppositions binaires et aux pensées racinaires, et invite à interroger le concept de transculturalisme à la lumière de la notion d’altérité. Dans un premier temps, cette étude entend montrer que les manifestations du transculturalisme dans les lieux et espaces occidentaux publics comme privés mettent au jour divers obstacles à la formation d’un sentiment d’appartenance et à la création d’un chez-soi pour les personnages transculturels. Ces résistances peuvent s’expliquer par l’omniprésence et la persistance de formes d’altérité, que les autrices du corpus explorent à travers des procédés d’écriture variés. Ceux-ci donnent une visibilité à divers processus d’altérisation et encouragent le lectorat à partager l’expérience de l’autre. Finalement, la thèse suggère que la forme fictionnelle du transculturalisme permet de subvertir l’hégémonie des discours occidentaux et de valoriser la transculturalité des espaces, à laquelle les autrices elles-mêmes contribuent, engagées qu’elles sont dans la société (par le biais des réseaux sociaux, d’associations, de postes de professeures ou autres). Il est alors proposé de lire les romans transculturels du corpus selon une approche décoloniale qui suggère des moyens de créer une place pour une parole minorisée.

Ce travail de recherche se propose d’explorer les représentations fictionnelles de la vulnérabilité dans deux ouvrages britanniques contemporains : Remainder (2005) de Tom McCarthy et The Anatomy of a Soldier (2016) de Harry Parker. Il s’agira d’examiner les croisements génériques et thématiques au cœur de la représentation ou de l’exposition de la vulnérabilité dans ces deux œuvres. Le narrateur anonyme de Remainder et le soldat Tom Barnes dans Anatomy of a Soldier font l’expérience commune de la vulnérabilité à la suite d’accidents et de traumatismes d’ordre physique ou psychique. Les deux protagonistes peuvent être qualifiés de « héros blessés » ou wounded heroes qui interrogent la figure traditionnelle du héros souvent caractérisé par sa force physique, ses qualités morales ou son invulnérabilité. Tom Barnes et le narrateur anonyme doivent faire face à la vulnérabilité qui affecte leur intégrité physique mais remet également en question leur identité propre ; le choc et la violence des traumatismes subis plongent les protagonistes dans un état de vulnérabilité profonde qui a de lourdes conséquences sur leurs rapports à soi, à autrui et au monde. Il importera donc de proposer une analyse textuelle précise qui prêtera une attention particulière aux stratégies narratives présentes dans les deux œuvres du corpus et qui dévoilent la vulnérabilité des personnages. L’étude du langage, de la voix narrative, des silences, des non-dits ou de la polyphonie aura donc une place majeure dans ce travail. Nous nous efforcerons également d’étudier les contraintes et innovations génériques des deux romans qui s’inscrivent dans une tradition de récits vulnérables ou portant sur la vulnérabilité. Il s’agira d’identifier une forme spécifique du récit qui peut être qualifiée de « forme vulnérable » et qui est intrinsèquement liée à une poétique de la fragmentation. Nous tenterons de démontrer que la forme vulnérable n’a pas simplement une dimension esthétique mais actualise la représentation de la vulnérabilité à travers le reflet textuel d’une forme souvent morcelée ou fragmentée. Si la vulnérabilité affecte le rapport à soi, à l’identité d’un individu, nous chercherons à démontrer que la vulnérabilité affecte aussi les rapports à autrui. Nous verrons que les êtres humains sont tous vulnérables même si certains personnages de fiction tentent de le nier. L’identification d’une vulnérabilité ontologique fera apparaître une tension entre dépendance, voire interdépendance à autrui et volonté d’autonomie des protagonistes blessés. Cette tension majeure au cœur de la notion de vulnérabilité interroge l’attention que chacun peut ou doit porter à autrui ainsi que sa responsabilité envers d’autres individus qui constituent le corps social. L’étude de la vulnérabilité impose donc une réflexion éthique sur cette notion notamment en prêtant une attention particulière à l’éthique du care. Cette notion essentielle est difficilement traduisible en français mais elle implique un souci des autres, un soin porté à autrui. La vulnérabilité n’affecte pas les protagonistes du corpus à titre simplement individuel mais touche aussi tous ceux qui les entourent. Le corps physique meurtri des narrateurs se reflète dans le corps politique et interroge ainsi les fondements d’une société qui exclut trop souvent les personnes vulnérables. L’étude comparative de Remainder et The Anatomy of a Soldier fera également émerger différentes manières de refuser ou d’accepter, voire même de dépasser la vulnérabilité. Nous nous demanderons si le pouvoir de la fiction littéraire ne réside pas dans cette possibilité de représenter l’indéniable vulnérabilité ontologique en la rendant visible et en interrogeant la construction du corps politique.

Traditionally conceptualised as the underside or the outside of reason, madness most often rhymes with excess; as such, it continually threatens to transgress all definitional or conceptual limits set by rational thought. Indeed, at the core of rationality is an impulse to delimit and classify, of which categories of genre and gender are quintessential examples. Starting from the observation that depicting madness regularly entails crossing, questioning and redefining genre and gender boundaries, this work investigates how literary representations of madness relate to the classification and conceptualisation of gender and genre in a selection of novels, short stories and plays by six different writers – Janet Frame, Jenny Diski, Sarah Kane, Ian McEwan, Anthony Neilson, and Will Self – published between 1951 and 2004. With the subversion of established categories as their central aim and dynamics, these works call for an exploration of the specific way in which depictions of madness, by using the border as one of their core motifs, impact the conceptualisation of borders. No longer a mere demarcation or dividing line between spaces, or simply a meeting point, the border becomes a full-blown space for individuals and texts to inhabit. Indeed, through their representations of madness, the borderline stories under study seem to embrace and promote both an aesthetics and an epistemology of the in-between. This work therefore focuses on the images and uses of liminality in stories of madmen and madwomen that, by remapping textual and sexual identities, have begun to chart these “lands to come” which, according to Deleuze and Guattari, are the true destination of all writing., Souvent conceptualisée comme l’envers ou l’opposé de la raison, la folie, presque toujours synonyme de débordement, semble vouée à outrepasser toute limite définitoire ou conceptuelle posée par la pensée rationnelle. Cette pulsion de délimitation ou de classification inhérente à la rationalité, trouve dans le genre l’une de ses expressions les plus représentatives. Partant du constat que la folie ne cesse de transgresser les frontières traditionnelles de genre, ce travail étudie les liens entre les représentations littéraires de la maladie mentale et les questions de genre sexué (« gender ») comme littéraire, dans un corpus composé de romans, nouvelles et pièces de théâtre de six auteurs (Janet Frame, Jenny Diski, Sarah Kane, Ian McEwan, Anthony Neilson et Will Self), publiés entre 1951 et 2004. Animées par une dynamique toujours renouvelée de subversion des catégories établies, ces oeuvres invitent à une réflexion sur le rapport particulier qu’entretient la folie à la frontière, qui de simple ligne de démarcation ou de séparation se fait point de contact, puis espace à part entière. À travers leurs représentations de la folie, les récits étudiés privilégient le plus souvent, en effet, une esthétique et une épistémologie de l’entre. Cette réflexion s’articule donc principalement autour des images et des usages de la liminalité dans ces histoires de fous et de folles qui, au fil de leur (re)définition de l’appartenance et de l’identité des textes et des individus, esquissent une cartographie mobile des « contrées à venir » dont Deleuze et Guattari font la destination de toute écriture.

Cette étude propose d’analyser le rapport entre fragmentation et mémoire dans quatre romans de B. S. Johnson : Trawl, The Unfortunates, House Mother Normal et See the Old Lady Decently. La relation entre mémoire et fragmentation dans ces œuvres s’articule dans un rapport complexe à la temporalité : le processus mémoriel impose une fragmentation du discours rétrospectif qui entre en conflit avec le désir d’exhaustivité des narrateurs. La fugacité de la mémoire va ainsi les pousser à organiser un récit qui leur échappe, révélant une relation traumatique et aporétique à la dégénérescence, au passé et à la mort. L’instrumentalisation des souvenirs à l’œuvre dans ces quatre romans dévoile dès lors une recherche existentielle qui ne peut être qu’incomplète. Il s'agira donc de se demander dans quelle mesure l'esthétique de la fragmentation dans les romans de B. S. Johnson peut être considérée comme une mise en scène de l'échec de la mémoire et de la totalisation du sens.

This thesis deals with the editorial and aesthetic history of the Vertigo imprint, which was created in 1993 by DC Comics, a US-American comics publisher. Specifically, the author considers the contribution of British scriptwriters employed by DC and then by Vertigo from the 1980s onwards. These creators played a tremendous role, both at the time of Vertigo's founding by editor Karen Berger and at a later date, as the imprint gathered widespread recognition. The genesis of the Vertigo imprint sheds light on the so-called “British Invasion”, that is to say the appearance within the American industry of several UK-based creator working for DC Comics. Spearheaded by Alan Moore, the “invasion” brought to the fore many of the most important scriptwriters of years to come, such as Grant Morrison and Neil Gaiman, whose Sandman series has been described as a major landmark in the recognition of the medium. In this context, the author writes a history of the label as the producer of a specific media culture that belongs to a given socio-historical context and is grounded in the practices and representations of the field's actors (producers and consumers in a broadsense). On the other hand, the awareness of the context in which the books are produced allows the author to examine the imprint's poetics, thus identifying the specificity of a “British school of writing” within the mainstream comics industry., Thèse de doctorat en Études Anglophones présentée et soutenue publiquement le 8 décembre 2017 par Isabelle Licari-Guillaume.Dans cette thèse, l’auteure analyse le phénomène de l’ « Invasion britannique ». Ce terme désigne l’arrivée, au sein de l’industrie du comics américain, de nombreux créateurs britanniques de renom (tels Alan Moore, Grant Morrison ou Neil Gaiman) qui participèrent à revitaliser ce secteur de la production culturelle. L’auteure propose d’interroger la pertinence d’un modèle théorique spécifique, celui de l’« école » ou du « mouvement », appliqué au phénomène de l’ « Invasion britannique », particulièrement au sein du label éditorial Vertigo de DC Comics. L’enjeu est de déterminer dans quelle mesure le fait de considérer les différentes séries britanniques de Vertigo comme une unité permet de rendre compte des spécificités du corpus. L’étude interroge la notion de « britannicité », constamment mise en avant dans les discours des scénaristes, des instances éditoriales, des communautés de fans. Pour les acteurs du milieu, la britannicité englobe, de façon métonymique, un ensemble de caractéristiques implicites mais néanmoins perçues comme déterminantes. Cependant, la présence de ces Britanniques au sein d’un système états-unien n’est pas seulement la cause de l’originalité de leur travail ; elle est aussi la conséquence d’une volonté spécifique de la part de DC, qui cherche à reproduire le succès initialement reçu par Moore en 1983. Cette mise en perspective du point de vue de l’histoire culturelle montre que l’« invasion » est plus imputable à la structure éditoriale de DC qu’à une quelconque volonté d’invasion de la part des britanniques. L’Invasion est présentée comme une enclave britannique au sein d’une industrie américaine qui la construit (ou l’incite à se construire) comme autre, tout en étant en même temps suffisamment semblable pour être comprise et appréciée du lectorat. Par ailleurs, la question de la nationalité est emblématique d’autres formes de tensions identitaires : la notion d’identité constitue en effet un prisme analytique qui éclaire la façon dont le corpus problématise sa propre inscription au sein de l’industrie culturelle états-unienne. Le comics est en soi un objet dont la délimitation en termes de méthodologie reste inachevée dans le champ universitaire : il est souvent considéré comme hybride, tant sur le plan de son dispositif médiatique (texte et en même temps image ; case et en même temps séquence) que sur celui de sa légitimité culturelle (graphic novel élitaire et en même temps objet de consommation populaire). Quant au label Vertigo, il se définit autant par son inscription dans un processus légitimant que par la revendication de son héritage populaire. Les Britanniques de Vertigo écrivent des bandes dessinées érudites, lues majoritairement par des personnes ayant fréquenté l’enseignement supérieur – et pourtant, la fiction reste pour eux une activité profondément ludique, dont la légèreté vient subvertir la légitimité du système culture dominant. C’est ce nœud de tensions contradictoires qui fonde l’originalité de Vertigo dans le secteur de la bande dessinée états-unienne. L’analyse du corpus montre également que les textes les plus emblématiques de l’Invasion se distinguent par la déstabilisation des conventions associées au comics et particulièrement au genre super-héroïque. L’innovation formelle, fondée sur des emprunts transmédiatiques et sur l’omniprésence de stratégies métafictionnelles, est au service de récits qui mettent en avant des personnages à l’identité minoritaire ou, pour reprendre le mot de la critique Linda Hutcheon, « ex-centriques ». Ces considérations sont été développées dans les deux dernières parties de l’analyse qui sont à saisir ensemble : un discours portant sur les rapports de domination dans le champ socio-politique est étayé par des stratégies textuelles qui visent à interroger la légitimité de la notion d’Auteur ou de Créateur, c’est-à-dire qui mettent en cause les hiérarchies textuelles.Dans le corpus Vertigo, les démuni‧e‧s, le monstres, les étrangers‧ères, les homo- et transsexuel‧le‧s, les malades et les handicapé‧e‧s sont autant de figures qui déstabilisent l’hégémonie du personnage masculin, blanc, hétérosexuel, cisgenre, valide et issu de classes moyennes ou aisées, pourtant majoritaire dans l’imaginaire de la bande dessinée américaine. L’identité minoritaire ou marginale des personnages mis en scène invite à prendre conscience du lien intime qui se joue entre la question de l’identité et celle du pouvoir. Cette représentation de personnages traditionnellement peu visibles dans le cadre de la bande dessinée de super-héros tend à contester à la fois les poncifs d’un genre narratif et l’hégémonie d’un modèle culturel dominant qui influence la façon dont se négocient les rapports de pouvoir social et politique. Cette préoccupation constante pour la régulation des rapports de domination est adossée à une interrogation du pouvoir et de ses effets. En particulier, Vertigo s’attache à rendre sensible le pouvoir du discours (qu’il soit verbal ou iconique). Les actes discursifs, en particulier ceux qui relèvent de la narration ou de la fiction, sont investis d’une force particulière qui reflète une vision constructiviste du monde dans laquelle la puissance des grands discours (ceux de la religion, de la politique, etc.) découle non pas d’une hiérarchie naturelle mais du langage employé pour en réguler l’expression dans le champ social. Les auteurs de l’Invasion britannique, en d’autres termes, élaborent un discours métatextuel qui met en avant la centralité de l’esprit humain et sa capacité à agir, via la représentation, sur le monde qui l’entoure. La question du pouvoir et de son influence est au cœur du travail des auteurs de l’Invasion, qui s’efforcent d’en interroger la légitimité ; pour autant, affirmer que Vertigo est un label fondamentalement subversif reviendrait à faire écho au seul discours promotionnel qui entoure et détermine les textes, rendant invisibles les aménagements imposés par des impératifs de rentabilité et de respectabilité. Un exemple particulièrement clair de cette dynamique contradictoire est celui de la figure de l’auteur dans Vertigo, qui est à la fois affirmée (à des fins de légitimation et donc de viabilité commerciale) et subvertie (pour tourner en dérision l’autorité de l’auteur). De même, la plupart des textes lisibles à l’aune d’une idéologie radicale le sont aussi, paradoxalement et simultanément, d’un point de vue conservateur. S’il y a hybridité, c’est pour mieux réaffirmer la présence de cadres – chose qui est d’ailleurs vérifiable également sur le plan de l’appartenance générique des différents récits. Sur ce point, encore, Vertigo occupe donc un espace interstitiel. Sa transgression reste partielle, précisément parce que le label ne peut ou ne veut pas poursuivre sa démarche jusqu’à l’effacement pur et simple des frontières et des catégories. Précisément, les auteurs de l’Invasion ne sont pas, vis-à-vis de l’industrie qui les accueille, dans une position de totale altérité ; la place qu’ils y tiennent est géographiquement et symboliquement périphérique, excentrée et excentrique, mais non totalement irréconciliable avec ce centre qu’incarne la tradition de la bande dessinée américaine. Ainsi, la question de la nationalité devient métonymique des relations entre centre et périphérie au sein du corpus : le modèle qu’incarne le centre est à la fois affirmé et contesté. Dans la mesure où ils écrivent en priorité pour un lectorat états-unien, les scénaristes britanniques de Vertigo s’insèrent volontairement dans une tradition (par exemple en reprenant des personnages emblématiques de la continuité DC ou des notions typiquement américaines comme le mythe du Rêve américain et ses déconvenues). Dans le même temps, ils contestent cette tradition en introduisant des préoccupations spécifiques à la culture britannique (par exemple l’importance du système de classes ou l’avènement de Margaret Thatcher), tout en ayant soin de rendre ces disparités intelligibles pour un public américain, lequel reconnaîtra dans ces thématiques des problèmes également présents aux États-Unis. Ce travail montre que les publications britanniques de Vertigo peuvent être lues comme un corpus cohérent sur les plans thématique et stylistique, que l’on pourrait résumer à grands traits sous les trois rubriques suivantes :-Représentation de personnages marginaux et problématisation explicite de cette marginalité au sein de l’œuvre. On appelle marginaux les individus qui, par leur genre, leur sexualité, leur nationalité, leur classe sociale ou autre sont écartés du pouvoir et relégués à un statut subalterne.-Interrogation de la tradition culturelle dans lequel le récit s’inscrit. Cette interrogation peut porter sur les genres narratifs et leurs conventions, sur le rapport entre formes d’expression légitimes et illégitimes, ou encore sur l’histoire du média BD.-Réflexion sur la nature du langage et/ou de la fiction et sur son rôle dans une époque qui remet en question les discours d’autorité traditionnels (religion, politique, etc.) ; réflexion sur la nature de l’image et sur sa puissance. La cohérence du corpus repose sur un questionnement commun qui met en jeu les rapports de domination structurels inhérents au monde contemporain. Ce questionnement fait écho à trois déterminants communs à tous les auteurs : 1) ils opèrent dans le champ de la bande dessinée, média dont l’histoire est marquée par son illégitimité par rapport à d’autres formes d’expression considérées comme plus respectables ; 2) leur origine sociale, souvent modeste, les place en marge des classes dominantes de leur propre pays, en particulier pour ceux qui ont grandi durant les grandes heures du thatchérisme ; 3) de par leur culture nationale, ils se trouvent dans une position marginale vis-à-vis des États-Unis pour lesquels (et sur lesquels) ils écrivent. Pour autant, ce questionnement des rapports de pouvoir ne se pense pas sur le mode de la rupture ou du rejet radical. Au contraire, les auteurs britanniques adoptent une posture ludique et réflexive, qui affirme de façon paradoxale la centralité des normes qu’elle déstabilise. Peut-être cette posture est-elle la seule qui soit audible dans le champ de la bande dessinée mainstream (par opposition aux comics indépendants qui depuis les années soixante procèdent à une transgression bien plus vive des conventions sociales et politiques). Si Moore, Gaiman et les autres doivent leur succès à une position intermédiaire entre critique et validation d’un modèle, c’est peut-être la raison pour laquelle les scénaristes de l’Invasion britannique (et c’est vrai également pour les dessinateurs) sont tous des hommes blancs, hétérosexuels pour autant qu’on puisse en juger. Leurs origines sociales et nationales les éloignent du centre du pouvoir, mais pas suffisamment pour que leur voix n’en devienne inaudible.

Cette étude des romans contemporains de Julian Barnes, Jonathan Coe et Ian McEwan se propose d’analyser les modalités du récit rétrospectif. Alors que The Rain Before it Falls fournit des clefs d’interprétation des liens entre mémoire et photographie, Atonement réunit mémoire individuelle et Histoire collective. Enfin, The Sense of an Ending met en avant la métaphore du tribunal pour juger de la fiabilité variable de la mémoire, permettant de souligner un rapport entre éthique et mémoire dans des récits où l’effort de mémoire est investi d’une mission. On peut envisager chacune de ces trois fictions autobiographiques comme un aveu où le narrateur prend le masque du confessé, révélant au lecteur le poids de fautes passées qui pèsent sur sa conscience. Il s’agit également de déterminer dans quelle mesure la dimension subjective de la mémoire racontée révèle le caractère fragmenté et partiel/partial de la vérité telle qu’elle est perçue dans la littérature contemporaine.

Flaubert and Bouilhet made a pair of friends before becoming peers in literature: close to being twins, they always wrote in a specular relation, the epistolary exchange allowing them, when they could not meet, to continue their aesthetic and critical dialogue that was both necessary and vital for their creation. While focusing on the time of conception and writing of L’Éducation sentimentale, we will show that the correspondence is the place where the maieutic process goes on, whereby each writer is the other’s patient and respectful midwife of the other’s thought. In spite of the paradoxical and maybe audacious dimension of this suggestion, we will wonder whether Flaubert’s completion of his last project (Bouvard et Pécuchet) could not be considered as the continuation of a remote communication between the two friends, as the implementation of a correspondence with a definitively absent and yet still efficient addressee., Flaubert et Bouilhet ont constitué une paire d’amis avant que d’être pairs en littérature : à la limite de la gémellité, ils ont toujours écrit dans une relation spéculaire, l’échange épistolaire leur permettant de poursuivre, lorsqu’ils se trouvaient empêchés, un dialogue esthétique et critique aussi nécessaire que vital pour la création de chacun d’entre eux. En centrant le propos sur la période de conception et d’écriture de L’Éducation sentimentale, on verra que la correspondance est le lieu où se poursuit le processus maïeutique qui fait de chacun le patient et respectueux accoucheur de la pensée de l’autre. Et, en dépit de la dimension paradoxale et peut-être aventureuse de cette proposition de lecture, on se demandera si la réalisation par Flaubert de son dernier projet (Bouvard et Pécuchet) ne pourrait pas être envisagée comme la poursuite d’une communication à distance entre les deux amis, comme la mise en œuvre d’une correspondance à destinataire définitivement absent et pourtant encore efficient.

International audience; This article examines Crossing the River from the perspective of empathy, a notion that Phillips himself has evoked in talking about his relation to the subjects he treats in his fiction. The term is first defined and contextualized through a presentation of the theoretical aspects of the question as they have been treated by critics. Particular emphasis is placed on the somatic nature of empathy, seen as a relation between bodies and texts. The novel is then studied in the perspective of empathy; Crossing the River can be seen as a story that not only contextualizes empathy, demonstrating Phillips's understanding of the historical and cultural variability of the notion, but also as one that creates a meaningful tension between intellectual distance and emotional investment. In a final step, the article examines the crucial role played by Joyce's narrative in the creation of the possibility of empathetic response. Joyce's search for a means of inscribing her body in language draws the reader into her perception of the world, opening a space in which the word "empathy" becomes meaningful and pertinent.

International audience; This article examines John Keats’s use of the epistolary medium as a means of testing out, and of contesting, his unsettled place “among the English Poets”. More specifically, it focuses on the various, at times contradictory, critical reflections on William Wordsworth—the contemporary poet who represented the most persistent and stimulating challenge for Keats—which emerge from his private correspondence to friends and family. Significantly, it is neither in letters directly addressed to Wordsworth nor in essays intended for print that Keats carves out a space for himself as a discerning critic. At stake, here and elsewhere in Keats’s correspondence, is a project of literary prospecting played out on carefully measured epistolary grounds: with characteristic ambivalence, the self-styled “camelion Poet” playfully alludes to, appropriates and challenges, the writings of his eminent contemporary, while keeping him at a safe distance.

International audience

International audience

International audience; While most traditional definitions of satire underline the indebtedness of the genre to a doxa or to an established social norm that it must expose and deride so that the opposite virtues can be implicitly extolled and ultimately reinforced, Will Self’s satire prompts a revaluation of the very frame within which we understand it. This paper, based on selected fictions by Self, studies the narrative strategies producing a satirical form able to accommodate a perceived current lack of common moral ground. It first examines various satirical tropes, in order to show aspects of the ‘savage’ dimension of Self’s satirical prose. Secondly, working under the assumption that these topoi constitute a coping strategy to ‘manage the anomie of our society’, it demonstrates that the inherent ambivalence of a hence ‘toothless’ satire allows for an exploration of a deregulated social body rather than for the teleologic reconstruction of an implied moral norm. Finally, in keeping with Griffin’s notion of satire as an exploratory rather than a cautionary tale, it assesses to what extent the rhetorics of provocation, play and display underlying Will Self’s bitter sense of humour may (or may not) sting and ultimately spring the reader into action.; La majorité des définitions traditionnelles de la satire soulignent la relation incontestable du genre à une norme sociale de référence que le satiriste s’applique à exposer et moquer, afin d’encourager par contraste les pratiques vertueuses inverses. Toutefois, la satire selfienne, multidirectionnelle de par ses cibles et contradictoire dans ses postulats moraux, suggère de reconsidérer ce cadre théorique. Cet article se propose d’étudier les différentes stratégies narratives qui sous-tendent le texte selfien et concourent à créer une forme satirique du jeu, de l’exhibition et de la provocation, telle que la définit Dustin Griffin, plus qu’une satire téléologique, visant à reformer un horizon moral et éthique.

International audience

International audience

International audience; I propose to read Alice Munro's " Thanks for the Ride " and " The Shining Houses " together, focusing on the fact that each story depicts an encounter that takes place in an (apparently) unfamiliar territory and highlights patterns of entrapment for the protagonists or narrator. I will show that the encounter challenges the protagonists' versions or visions of life and that both stories exude a sense of freedom in spite of the patterns of entrapment they reveal. In Deleuze and Guattari's words, these short stories are defined by an interplay of lines and organized around the question " what happened? ". As the stories suggest that the encounter has " left a mark " , I will consider how in these early stories Munro is already experimenting with ways to challenge traditional closure and will consider the role played by the embedded story in " The Shining Houses " .

International audience

International audience

International audience

International audience

International audience

This paper intends to analyze the idea of hybridity in late Victorian colonial fiction, considering it as the complex result of contrasting intellectual forces. By moving on the parallel fields of culture and literature, I will argue that the imperial “other” was, despite ideological and intellectual manifestations of intolerance and repulsion, an integral part of domestic life, and represented a fruitful opposition to the well-established, urbanized, social self. To this end, R. L. Stevenson’s short story The Beach of Falesà will be read as a narrative moving between the two axiological opposites of peremptory colonial authority and unspoken alliance with the natives, disclosing a new white individual identity apparently built on ideological immobility but actually relying on cultural and intellectual dynamism.

International audience; The present study looks into linguistic hybridity in American literature at the turn of the twentieth century, more specifically into the representation of standard and nonstandard American English. The two varieties differ, among others, in their use of pronominal gender: the feminine is more common in references to inanimates in the nonstandard language. Although this difference was widely used by American authors at the time, it has been very little studied. Focusing on Steinbeck's Grapes of Wrath, this article seeks to determine the pattern of use of the feminine in the work.

International audience

International audience; A Silent Life (2005), the first novel by Guyanese writer Ryhaan Shah, spans several generations of East-Indians, from the descendents of the first indentured labourers on the plantations of post-emancipation British Guiana to the Indo-Guyanese,discriminated against in the 1960s and 70s. The novel essentially foregrounds the ways historical legacy has an impact on our contemporary lives, all the more so when the traumas of the past have been bottled up and all that is left is eithersilence or screams. The bond between the narrator and her quasi-aphasic grandmother is at the heart of the complexities of filiation and affiliation, of trauma and the memorialisation of trauma. When the grandmother’s silence is visited uponthe granddaughter, it is the signal that the knots of this ‘blanket of silence’ have to be undone. How Aleya is going to mediate a trauma she has inherited and that is not directly hers, forms the crux of the novel, the rhetorics of voice and silence allowing the trauma to be eventually worked through.

International audience

International audience; Zadie Smith's three novels signal a sullen yet coherent evolution in the representation of both real and fictional London. Each of the three texts reveals a threefold failure in the way the city can become the ideal place for the characters to know and fulfil themselves. London is first a mere topographical and cultural gridlock: its neighbourhoods are overdetermined in a way that leads to the negation of the individual, leaving no space for action and banning any type of self-improvement. Yet Smith's London in White Teeth is not as coded as often claimed, and may provide some tools to pervert this conditioning of places and people. The novels indeed examine the dynamics between place and action, description and narration, or between space and time. One way to free oneself from this geographical determination is thus to act and search in space for the traces of one's past to let one's future emerge. And again the characters have to pervert the “straight line” and follow more oblique ways to be allowed to do something by themselves. Leaving both space and time for the event to happen leads to a first recourse to chance and randomness. London's second failure lies in its intrinsic overdetermination: life is eventually more important than place, and people more powerful than the city. Walking aimlessly or not across London is what enables the characters to meet and “connect”, to find their own ways of living and being, and to design a new urban pattern allowing for chance. The three novels will reverse their initial representation of London with a network of movement and transfer of energy. The bus and Tube meshes then map a new city in which chance overcomes determination. Yet the final failure in this writing of London underlines how vain and fruitless this movement may be. While The Autograph Man suggests that it is only within the space and time of movement that one can really free oneself from determination and find the real London, in On Beauty Smith lays the groundwork for her fiction to come. By revisiting Forster's Howards End, Smith resorts to an exceedingly polarized world and implies that though extremes never change, in-between there is space for chaos and for a new literary grip on contemporary places and people, London and Londoners above all.

International audience

This paper traces the references to books in Greene's Journey Without Maps, The Lawless Roads and The Power and the Glory in order to map out the writer's journey to the origins of writing – counter to the priest's itinerary in the latter novel., Les références aux livres dans Journey Without Maps, The Lawless Roads et The Power and the Glory de Graham Greene permettent de lire et de cartographier - au revers de l'itinéraire du prêtre de ce dernier roman - le cheminement de l'écrivain qui cherche à remonter aux origines de l'écriture.

International audience

Transcript of a round table on South African literature, during and after apartheid, with particular focus on the links between literature and reality., Compte rendu d'une table ronde sur la littérature sud-africaine avant et après l'aparteid, en particulier la question des liens entre littérature et réalité.

Since the beginning of the 2000s, one of the distinctive features of Nigerian literature has been the use of the literary genre of the Bildungsroman. This thesis considers the different evolutions of this genre among male and female third-generation Nigerian novelists. It examines more than twenty novels, from Waiting for an Angel (2002) by Helon Habila to Freshwater (2018) by Akwaeke Emezi, thereby providing a picture of contemporary Nigerian fiction. This study aims at analysing contemporary Nigerian fiction through the genre of the Bildungsroman. By using gender theory, it considers the feminine variations on an androcentric genre. These feminine rewritings put forth the development (or lack thereof) of the heroines from an individual viewpoint as they try to build a unified self. The allegorical tendency of the traditional Bildungsroman is also central, and the History of the Nigerian nation, from the civil war (or Biafra war, 1967-1970), to the beginning of the 2000s, is at the heart of the plots woven by the novels chosen in the corpus: the Bildung of the protagonist parallels the Bildung of the nation. Finally, in the 21st century, national borders do not seem to hold any longer for the third-generation writers who, because they experience mobility themselves, describe the new conditions of development in a globalized society, which is increasingly multicultural or transcultural; borders (whether they be geographical, linked to identity, or generic) tend to fade away, or disappear. This thesis examines whether or not a Nigerian specificity of the Bildungsroman exists in the 21st century.; Depuis le début des années 2000, l’un des traits distinctifs de la littérature nigériane tient dans son utilisation du genre littéraire du Bildungsroman, dont cette thèse considère les différentes évolutions chez les romancières et romanciers dits de la troisième génération. En examinant une vingtaine de romans, de Waiting for an Angel (2002) de Helon Habila à Freshwater (2018) d’Akwaeke Emezi, ce travail se propose de brosser un portrait panoramique d’un pan de la littérature nigériane ultra-contemporaine par le prisme du Bildungsroman. Prenant appui sur les études de genre, cette étude considère tout d’abord les différentes variations féminines d’un genre littéraire au penchant androcentrique. Les réécritures féminines du Bildungsroman mettent en lumière le développement (ou son échec) d’un point de vue et d’une voix individuels alors que les héroïnes tentent de (se) construire un moi unifié. La tendance allégorique du Bildungsroman sous sa forme traditionnelle est également centrale, et l’Histoire de la nation nigériane, depuis la guerre civile (ou guerre du Biafra, 1967-1970), jusqu’au début des années 2000, est au coeur des intrigues tissées par les ouvrages du corpus : la Bildung des protagonistes se fait en parallèle de celle de la nation. Enfin, au XXIème siècle, les frontières nationales ne semblent plus être tout à fait pertinentes pour les romancières et romanciers nigérians qui, de par leur propre expérience en tant qu’individus, détaillent les nouvelles conditions de développement dans une société mondialisée, multiculturelle, ou transculturelle, où les frontières (géographiques, identitaires, génériques) tendent à s’estomper voire à disparaître. Nous proposons donc de nous interroger sur l’existence d’une spécificité nigériane du Bildungsroman en ce début de XXIème siècle.

This paper explores the question of self-translation. The aim is to understand why André Brink chose to translate his own novels into English, and to analyse the relationships between different versions of the same novel., Ce chapitre traite la question de l'auto-traduction. Il s'agit de comprendre pourquoi André Brink a choisi de traduire lui-même ses livres en anglais, et d'analyser comment les différentes versions d'un même roman peuvent entrer en dialogue les unes avec les autres, sur le plan linguistique et littéraire.