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RESUMO Em sua fase final, a obra de Gustave Moreau passa por um processo de desmaterialização que é comum a outros artistas de sua geração. Por meio da análise da pintura e das anotações pessoais de Moreau, este artigo busca compreender as estratégias artísticas e as implicações teóricas envolvidas nesse movimento de idealização do conceito de “obra de arte”. São discutidos o uso simbolicamente carregado do inacabamento da pintura e a descentralização da “obra”, desdobrada em múltiplos estudos e trabalhos menores. Partindo do caso específico do artista, busca-se também contribuir para uma perspectiva geral sobre questões-chave da pintura moderna. ABSTRACT In its final phase, the work of Gustave Moreau goes through a process of dematerialization, which is common to other artists of his generation. By analyzing Moreau’s painting and personal notes, this paper seeks to understand the artistic strategies and theoretical implications involved in this movement of idealizing the concept of “work of art”. This article discusses the symbolically charged use of techniques that result in paintings of unfinished aspect and the decentralization of the “work”, unfolded into multiple sketches and minor studies. Using the artist’s case as a starting point, it also seeks to contribute to a general perspective on key issues of modern painting. RESUMEN La fase final de la obra de Gustave Moreau pasa por un proceso de desmaterialización, común a otros artistas de su generación. Desde el análisis de su pintura y sus notas personales, este artículo intenta comprender las estrategias artísticas y las implicaciones teóricas involucradas en este movimiento de idealización del concepto de “obra de arte”. Se discute el uso simbólicamente cargado de pintura inacabada y la descentralización de la “obra”, que se desdobla en múltiples estudios y trabajos más pequeños. Con base en el caso específico del artista también se pretende contribuir a una perspectiva general sobre temas clave de la pintura moderna.

[ES] Josep Renau fue uno de los artistas españoles más relevantes del pasado siglo, capaz de unificar en sus obras sus ideas comunistas y republicanas surgidas en el contexto de la Guerra Civil Española y una técnica novedosa en el ámbito de la fotografía, el diseño publicitario y el muralismo dejando patente tanto su carácter revolucionario, como su función social claramente reivindicativa. El presente Trabajo Final de Grado surge de la colaboración interinstitucional entre el Departamento de Conservación y Restauración de Bienes Culturales de la Universitat Politècnica de Valencia y el Departamento de Restauración del Institut Valencià d´Art Modern (IVAM) para el estudio de obra gráfica de la colección. En particular, se propone estudiar el proyecto gráfico de la obra "La marcha de la juventud hacia el futuro" (ca. 1974), obra contemporánea de gestualidad informalista del siglo XX marcada por otras corrientes de la época, por ser una cultura ilustrativa y descriptiva que va desde el realismo naturista a un expresionismo dramático, con el fin de estimular sentimientos tales como orgullo, desprecio, coraje, rechazo, exaltación y amor patrióticos. Se trata del proyecto gráfico que se conserva de un mural desaparecido realizado con materiales de muy baja calidad y con procedimientos gráficos de distinta naturaleza. El hecho de ser una obra que no ha sido concebida para perdurar en el tiempo agrava su estabilidad y obliga a adaptar los criterios de conservación y restauración con el fin de acondicionarlos a las necesidades del conjunto. Por este motivo, la intervención ha sido concebida desde una perspectiva no tradicional que atiende a los diferentes aspectos que presenta la obra., [EN] Josep Renau was one of the most relevant Spanish artists of the last century, able of unify in his works his communist and republican ideas that emerged in the context of the Spanish Civil War and a new technique in the field of photography, advertising design and muralism making clear both its revolutionary character and its clearly vindictive social function. This Final Degree Project arises from the inter-institutional collaboration between the Department of Conservation and Restoration of Cultural Assets of the Polytechnic University of Valencia and the Department of Restoration of the Valencian Institute of Modern Art (IVAM) for the study of graphic work of the collection. In particular, it is intended to study the sketch of the work 'The march of youth towards the future' (ca. 1974), a contemporary work of informalist gestures of the 20th century marked by other currents of the time, for being an illustrative and descriptive culture that ranges from naturist realism to dramatic expressionism, in order to stimulate feelings such as pride, contempt, anger, rejection, exaltation and patriotic love. This is the surviving sketch of a missing mural made with very low-quality materials and with graphic techniques of a different nature. The fact of being a work that has not been conceived to last in time, aggravates its stability. This generates the need to adapt the conservation and restoration criteria in order to adapt them to the needs of the whole. For this reason, the intervention has been conceived from a non-traditional perspective that attends to the different dimensions that the work presents.

El presidente de la Dirección Municipal de Cultura inauguró en mayo de 1938 una nueva edición del tradicional Salón rosarino y presentaba al mismo tiempo un ambicioso plan de trabajo, orientado a dar un nuevo impulso a la producción cultural de la ciudad en todas sus manifestaciones. Cerrando el año 1937, la Comisión Municipal de Bellas Artes había sido reestructurada en respuesta a los reclamos formales de un importante número de artistas por la ineficacia de su accionar y en su lugar se habían creado dos nuevas instituciones. Por un lado, el Museo Municipal de Bellas Artes que a partir de entonces llevaría el nombre de Juan B. Castagnino en homenaje al entusiasta promotor de las artes y coleccionista rosarino, tal como lo había solicitado su familia al momento de donar al municipio los fondos necesarios para la definitiva construcción de un edificio anhelado por largos años. Por otra parte, la Dirección Municipal de Cultura quedaba constituida como cuerpo colegiado del que sería miembro nato el director del Museo. Esta cláusula era indicativa de la estrecha conexión que debían mantener ambos organismos, pese a que cada uno tuviera funciones específicas. Fil: Mouguelar, Lorena V.; Centro de Investigaciones del Arte Argentino y Latinoamericano / Escuela de Bellas Artes - Facultad de Humanidades y Artes – Universidad Nacional de Rosario.

In its final phase, the work of Gustave Moreau goes through a process of dematerialization, which is common to other artists of his generation. By analyzing Moreau’s painting and personal notes, this paper seeks to understand the artistic strategies and theoretical implications involved in this movement of idealizing the concept of “work of art”. This article discusses the symbolically charged use of techniques that result in paintings of unfinished aspect and the decentralization of the “work”, unfolded into multiple sketches and minor studies. Using the artist’s case as a starting point, it also seeks to contribute to a general perspective on key issues of modern painting. Em sua fase final, a obra de Gustave Moreau passa por um processo de desmaterialização que é comum a outros artistas de sua geração. Por meio da análise da pintura e das anotações pessoais de Moreau, este artigo busca compreender as estratégias artísticas e as implicações teóricas envolvidas nesse movimento de idealização do conceito de “obra de arte”. São discutidos o uso simbolicamente carregado do inacabamento da pintura e a descentralização da “obra”, desdobrada em múltiplos estudos e trabalhos menores. Partindo do caso específico do artista, busca-se também contribuir para uma perspectiva geral sobre questões-chave da pintura moderna. La fase final de la obra de Gustave Moreau pasa por un proceso de desmaterialización, común a otros artistas de su generación. Desde el análisis de su pintura y sus notas personales, este artículo intenta comprender las estrategias artísticas y las implicaciones teóricas involucradas en este movimiento de idealización del concepto de “obra de arte”. Se discute el uso simbólicamente cargado de pintura inacabada y la descentralización de la “obra”, que se desdobla en múltiples estudios y trabajos más pequeños. Con base en el caso específico del artista también se pretende contribuir a una perspectiva general sobre temas clave de la pintura moderna.

[spa] La investigación realizada analiza las diferentes aproximaciones a la imagen de identidad visual en los museos y centros de arte europeos en el período que va desde la última década del siglo XX hasta la actualidad. La necesidad y el deseo de democratizar el museo (apelando a un público no especializado), el argumento de la competencia, pero sobre todo la presión económica, abrió el camino para la entrada del marketing en los museos y centros de arte moderno y/o contemporáneo. En este contexto, la orientación basada en un enfoque mercantilizado lleva a instituciones y diseñadores a incorporar nuevas posiciones que tienen implicaciones en términos de problemas, de los procesos, de las limitaciones y de los resultados en el campo del design de identidad visual. Este nuevo paradigma se traducirá en la importación del modelo de identidad gráfica de las empresas, provocando problemas de falta de correspondencia entre los museos y centros de arte y su identidad visual. La importación de un modelo desarrollado para dar respuestas al territorio empresarial y caracterizado por la centralidad del logo y la normatividad de la imagen es contraria a la idea de pluralidad y apertura de valores que los museos y centros de arte buscan promover. Así, se cuestiona la transposición de argumentos, sensibilidades, estéticas y estrategias de comunicación para la venta de bienes o servicios a museos y centros de arte porque da lugar a propuestas mecánicas, predecibles y homogéneas, que no reflejan ni la experiencia de la visita ni la performance de un servicio público. En este contexto, uno de los temas centrales de esta investigación radica en la correspondencia entre la naturaleza del museo o centro de arte y su representación gráfica a través de diferentes modelos de diseño de imagen identitaria.

This article reflects on the teaching experience of Mario de Andrade, when the renowned poet assumed the chair of Philosophy and History of Art at the Arts Institute of the University of the Federal District (RJ) ― IA / UDF. This university was created by Anísio Teixeira in 1935 in the City of Rio de Janeiro, at the time Capital Federal. The UDF was a different institution because its main objective was to train teachers for different areas of knowledge. There were many struggles faced by this institution that had a short existence (1935 to 1939). In this institution, in addition to Mário de Andrade, eminent figures of Brazilian modernist art also served as teachers. Thus, the main objective of this research is to understand what were the contributions of Mario de Andrade as a professor at the UDF Institute of Arts for the training of teachers of Arts (Drawing and Painting) of that institution. The theoretical framework that guides the reflections of this research is based on the works of the following authors: Bomeny (2012), Coutinho (2002), Lopes (2006, 2009) and Mendonça (2002). The methodology consisted of documentary analysis of the collections of the following institutions: UFRJ Education and Society Program of Studies and Documentation; Portinari Project of PUC-Rio and Digital Library of the National Library. The analysis of the sources allowed to confirm the modernist character of the teaching of the UDF Institute of Arts and that Mario de Andrade intended to awaken in his students an artistic awareness from the development of a personal technique, without limiting the artist to rigidly established standards. Keywords: Mário de Andrade; Teacher training; Modern Art. Este artículo reflexiona sobre la experiencia docente de Mário de Andrade, cuando el reconocido poeta asumió la cátedra de Filosofía e Historia del Arte en el Instituto de las Artes de la Universidad del Distrito Federal (RJ) - IA / UDF. Esta universidad fue creada por Anísio Teixeira en 1935 en la Ciudad de Río de Janeiro, entonces Capital Federal. La UDF era una institución diferente porque su principal objetivo era formar docentes para diferentes áreas del conocimiento. Fueron muchas las luchas que enfrentó esta institución que tuvieron una corta existencia (1935 a 1939). En esta institución, además de Mário de Andrade, también se desempeñaron como maestros eminentes figuras del arte modernista brasileño. De esta manera, el objetivo principal de esta investigación es comprender cuáles fueron los aportes de Mário de Andrade como profesor del Instituto de Artes de la UDF para la formación de profesores de Artes (Dibujo y Pintura) de esa institución. El marco teórico que guía las reflexiones de esta investigación se basa en los trabajos de los siguientes autores: Bomeny (2012), Coutinho (2002), Lopes (2006, 2009) y Mendonça (2002). La metodología consistió en el análisis documental de los fondos de las siguientes instituciones: Programa de Estudios y Documentación de Educación y Sociedad de la UFRJ; Proyecto Portinari de la PUC-Rio y Biblioteca Digital de la Biblioteca Nacional. El análisis de las fuentes permitió confirmar el carácter modernista de la docencia del Instituto de Artes de la UDF, además de que Mário de Andrade pretendía despertar en sus alumnos una conciencia artística a partir del desarrollo de una técnica personal, sin limitar al artista a estándares rígidamente establecidos. Palabras llave: Mário de Andrade; Formación de profesores; Arte Moderno. Este artigo traz uma reflexão sobre a experiência docente de Mário de Andrade, quando o renomado poeta assumiu a cadeira de Filosofia e História da Arte no Instituto de Artes da Universidade do Distrito Federal (RJ) ― IA/UDF. A referida universidade foi criada por Anísio Teixeira em 1935 na Cidade do Rio de Janeiro, à época Capital Federal. A UDF era uma instituição diferenciada porque tinha como carro chefe a formação de professores para diferentes áreas do conhecimento. Muitos foram os embates enfrentados por esta instituição que teve curta existência (1935 a 1939). Nessa instituição, além de Mário de Andrade, também atuaram como professores figuras eminentes da arte modernista brasileira. Dessa forma, o objetivo central desta pesquisa é compreender quais foram as contribuições de Mário de Andrade como professor no Instituto de Artes da UDF para formação de professores de Artes (Desenho e Pintura) da referida instituição. O referencial teórico que norteia as reflexões desta pesquisa baseia-se nos trabalhos dos seguintes autoras: Bomeny (2012), Coutinho (2002), Lopes (2006, 2009) e Mendonça (2002). A metodologia consistiu-se em análise documental dos acervos das seguintes instituições: Programa de Estudos e Documentação Educação e Sociedade da UFRJ; Projeto Portinari da PUC-Rio e Hemeroteca Digital da Biblioteca Nacional. A análise das fontes permitiu confirmar o caráter modernista do ensino do Instituto de Artes da UDF, além de que Mário de Andrade intencionava despertar em seus alunos uma consciência artística a partir do desenvolvimento de uma técnica pessoal, sem limitar o artista a padrões estabelecidos rigidamente. Palavras-chaves: Mário de Andrade; Formação de professores; Arte Moderna.

El objetivo de la investigación es analizar de qué manera la consolidación de un espacio artístico-cultural público institucionalizado en los dos museos de arte moderno en Costa Rica y en Guatemala a nivel local, y la actividad cultural transnacional de la OEA, influyeron en las representaciones visuales sobre la identidad nacional, regional y cosmopolita presentes en las colecciones de estos museos, entre 1950-1996. De esta manera, el trabajo analiza de manera comparada, dos procesos socioculturales contemporáneos paralelos: por un lado la institucionalización de un espacio público como lo son los museos de arte moderno en Costa Rica y en Guatemala en la década de 1970, así como sus antecedentes, la Dirección General de Bellas Artes en Guatemala y la Dirección General de Artes y Letras en Costa Rica creadas entre las décadas de los cincuenta y sesenta, y por otro lado, el desarrollo de una intensa actividad artística transnacional liderada por la OEA a nivel internacional, de la cual fueron partícipes de manera activa, artistas de ambos países en la segunda mitad del siglo XX. UCR::Vicerrectoría de Investigación::Sistema de Estudios de Posgrado::Ciencias Sociales::Doctorado en Historia

Esta tesis se ocupa del estudio de una serie de propuestas pictóricas figurativas contemporáneas que giran en torno a lo oculto, lo sombrío, lo extraño y lo inhóspito, términos relacionados con el ámbito de la inquietante extrañeza freudiana. Para contextualizar este estudio, hemos tomado como referencia cuatro exposiciones que se han realizado en esta última década y que trataban aspectos relevantes en relación con dicho tema: Dark Romanticism: From Goya to Max Ernst, Nightfall: New tendencies in figurative painting, This side of Paradise y New Black Romanticism. Su análisis nos ha permitido comprender que, desde el Romanticismo hasta la contemporaneidad, dicho concepto se ha asociado frecuentemente con la idea de extrañamiento y de desarraigo respecto a un mundo que, considerándose íntimamente familiar y conocido, resulta cada vez más ajeno y hostil. Partiendo de este contexto, este trabajo de investigación se ha centrado en el estudio de una serie de poéticas elaboradas por catorce pintoras figurativas europeas nacidas en la segunda mitad del siglo XX que, desde la experiencia del cuerpo y de la conciencia de su propia naturaleza, permiten asimilar una lectura de esa inquietante extrañeza desde una perspectiva que se separa de la propuesta por sus compañeros varones y que se relaciona con los presupuestos ideológicos del feminismo y el ecologismo.

Este trabajo realiza una revisión juiciosa del término "no-objetualismo", situándolo dentro de algunos debates centrales en la segunda mitad del siglo XX, como el latinoamericanismo, el conceptualismo y las artesanías. This work analyzes the term "non-objectualism", placing it within some central debates in the second half of the 20th century, such as Latin Americanism, conceptualism and handicrafts. Magíster en Historia del Arte Maestría

Resumen Entre junio de 1949 y agosto de 1950 circuló por diversos países de América Latina la exposición de pintura francesa contemporánea “De Manet a nuestros días”. La muestra, organizada por el gobierno de Francia, se enmarcaba en un proyecto de recuperación de la hegemonía cultural parisina, posición que había sido hábilmente arrebatada por Nueva York durante la década del cuarenta. Este artículo detalla las complejas gestiones que permitieron la llegada de la exposición al continente americano, así como las premisas estético-políticas que la motivaron, para luego enfocarse en la recepción crítica que la muestra tuvo en algunas de sus locaciones. Siguiendo una metodología comparativa, se propone calibrar el estado de los sistemas de arte regionales hacia 1950, para comprender cuáles fueron los efectos que tuvo la exposición en las discusiones estéticas y teóricas que marcaban entonces la fisonomía de la crítica de arte sudamericana.