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O presente trabalho de natureza qualitativa apresenta uma revisão da legislação que regulamenta e rege o ensino da arte no Brasil, evidenciando suas conquistas e impasses à luz de alguns autores que dialogam com marcos regulatórios do campo educacional. Segue com a observação e o confronto dos currículos existentes de licenciatura em arte no Estado de Santa Catarina no que tange à especificidade das linguagens ofertadas. Para tanto, enviou-se um questionário aos professores de arte da microrregião de Joinville - São Francisco do Sul, Schroeder, Araquari, Balneário Barra do Sul, Corupá, Garuva, Guaramirim, Itapoá, Jaraguá do Sul, Joinville e Massaranduba - que atuam na educação profissional e tecnológica integrada ao ensino médio, permitindo a emergência de um breve retrato de suas vivências em sala de aula. De um passado com educadores polivalentes ao reconhecimento contemporâneo das especificidades das quatro linguagens artísticas, passando por diversos estágios, nota-se que ainda paira a incerteza sobre o que é arte e quem está melhor preparado para ensiná-la. Ademais, persiste a desestruturação das escolas com a falta de materiais e equipamentos além do menosprezo das instituições de ensino.

O presente trabalho tem como proposta apresentar e discutir a realização de um projeto desenvolvido com crianças entre nove e dez anos, alunos do 4º ano do Ensino Fundamental da Escola Estadual de Educação Básica Laura Klaudat, localizada em Tunas/RS. Objetivou-se apresentar a história da fotografia e instigar a curiosidade e a imaginação dos estudantes a partir do trabalho da fotógrafa Andréa Brächer de sua série intitulada “A vinda das fadas”. Com esse trabalho, que articula realidade e ficção, foi possível discutir tais aspectos com os alunos através de uma série de atividades, sendo plausível perceber que os alunos se apropriaram do conhecimento sobre fotografia pelo seu envolvimento no projeto, bem como pela incorporação de debates sobre a fotografia em outras aulas e atividades, as quais integraram estudantes de outras séries e a comunidade escolar em geral.

Este artigo entrelaçou diferentes perspectivas pedagógicas do ensino da Arte/Teatro e os seus desdobramentos como agentes desobedientes do currículo escolar. A partir das histórias e vivências que atravessam e constituem as duas artistas-educadoras-pesquisadoras - Eleni Souza Nobre e Iracy Vaz da Costa -, refletiu-se sobre como a disciplina de Arte e a formação docente influenciam nas experiências do/a estudante no espaço escolar. Os discursos e as ações apresentadas nos convocam para posicionamentos que valorizam e estimulam produções de conhecimento e metodologias em arte como um espaço de rupturas e resistências contra as normatividades e as colonialidades, criando zonas interseccionais entre aprendizagem, metodologias, planejamentos e ensino.

O presente trabalho tem por objetivo analisar o livro didático de Arte para os Anos Finais do Ensino Fundamental, considerando a estrutura didática e metodológica da obra, bem como suas relações com o ensino de Arte como componente da Área de Linguagens, de acordo com a organização da Base Nacional Comum Curricular (BNCC), documento norteador dos currículos escolares. Para tanto, a análise volta-se ao livro do 6º ano, pertencente a uma coleção de livros de Arte do 6º ao 9º ano do Ensino Fundamental, intitulada “Por toda pArte”, da Editora FTD (2018), aprovada pelo Plano Nacional do Livro Didático como sugestão a ser adotada pelas escolas, em vigência até o ano de 2022. Para a análise nos apoiamos em duas competências específicas da área de Linguagens, a qual componente se insere e uma específica de Arte para os Anos Finais do Ensino Fundamental. A metodologia adotada é do tipo qualitativa, e como procedimento técnico a análise documental e para referencial teórico a revisão bibliográfica, por meio de teses e dissertações defendidas em programas de Pós-Graduação que se relacionam com a temática. O estudo revelou que o livro analisado está de acordo com as competências da BNCC analisadas, onde os capítulos da obra podem ser trabalhados de acordo com o contexto do professor na ordem apresentada ou de forma aleatória. Ainda com relação as competências analisadas a obra contempla em sua totalidade, sendo a apresentação teórica dos temas e a abordagem na perspectica da História da Arte se apresentam de modo contínuo nas propostas de atividades, contemplando ainda as múltiplas linguagens artísticas, como por exemplo a música, dança e atividades de produção artística individual ou coletiva pelos estudantes. Sugere-se a continuidade do estudo, de modo que análise seja ampliada para toda a coleção ou outra coleção de Arte, tendo em vista a pouca produção acdêmica sobre o tema bem como pesquisas correlatas.

Este artigo mapeia e analisa a discussão sobre o ensino de Arte antirracista na produção acadêmica da pós-graduação brasileira em Artes. Por meio de uma revisão bibliográfica sistemática, explorou a Biblioteca Digital Brasileira de Teses e Dissertações (BDTD), do Instituto Brasileiro de Ciência e Tecnologia (IBICT), no recorte temporal de 2010 a 2021. A análise de conteúdo de cinco dissertações e uma tese de doutorado aponta para um ensino de Arte ainda alimentado pela perspectiva do multiculturalismo em abordagens pró-diversidade. Sinaliza que uma perspectiva antirracista no componente curricular Arte demanda uma docência próxima da produção e do fazer de artistas que abordam a temática do racismo na arte contemporânea.

No escopo deste artigo, parte-se de uma revisão acerca da história do ensino de Arte no Brasil, abordando os eventos fundamentais em torno de diferentes concepções político-pedagógicas da arte/educação no processo de sua implementação no nosso território. Para tanto, tomam-se, entre outras, as complementaridades e convergências do pensamento de dois estudiosos brasileiros: o arte/educador João Francisco Duarte-Júnior e o líder indígena Ailton Krenak. Reflete-se sobre o futuro do ensino de Arte no Brasil pós-pandemia do novo coronavírus, notadamente na rede pública de ensino, lançando um olhar que, embora sustente um otimismo precário, concebe o amanhã como sendo fruto do presente a ser construído, embora pareça impossível.

O presente texto analisa as produções científicas acadêmicas sobre a Arte e Educação Especial disponibilizadas na Biblioteca Digital de Teses e Dissertações do IBICT. Trata-se de uma pesquisa bibliográfica, de cunho quantitativa, que contou com os recursos da análise bibliométrica para coletar, tratar e analisar todo o material. O resultado da pesquisa apresenta o corpus final de 16 artigos, produzidos por 16 diferentes autores, em sua maioria por mulheres, entre 2003 e 2017, com maior predominância no quadriênio 2009 a 2012. Os estudos concentram-se na Região Sudeste e nas instituições de ensino superior como a UDESC, USP, UFU, UFRN. Predominaram as pesquisas defendidas nos Programas de Pós-Graduação em Artes e, geralmente, com ênfase na modalidade de Artes Visuais. Os temas das 16 produções concentram-se na discussão da inclusão na e pela Arte, seguido do ensino de Arte. Os objetivos dos trabalhos versavam sobre a importância de compreender o papel da Arte na inclusão social e escolar das pessoas com deficiência, bem como entender a relevância da Arte na educação formal e não-formal. Os resultados dos estudos sinalizam que a Arte traz muitos benefícios relacionados à qualidade de vida e promoção da inclusão, porém, poucos enfatizam os aspectos pedagógicos e formativos da Arte. Conclui-se que a produção científica sobre Arte e Educação Especial é relevante, mas requer repensar a discussão da apropriação do conhecimento artístico pelas pessoas com deficiência.

O artigo discute a inserção da cultura surda na escola inclusiva, na Educação infantil e no Ensino de arte. Debruçamo-nos nas obras da artista plástica surda Nancy Rourke e selecionamos oito dentre as diferentes obras produzidas por ela entre 2010 e 2012, versando sobre identidade, alteridade e diferença. A pesquisa foi de natureza exploratória, com abordagem qualitativa e de caráter bibliográfico. Os estudos permitiram-nos compreender a aula de arte como um espaço privilegiado que produz ricas oportunidades de trabalho com as diferentes características do ser humano. Por isso, é relevante que o educador conheça as obras da artista e desenvolva, em sua sala de aula, atividades pedagógicas adequadas a cada turma, de modo a permitir que seus alunos, através da arte, conheçam e discutam a diversidade humana retratada nas pinturas. Em face do exposto acima, concluímos que trabalhar com o ensino de arte na Educação infantil nos possibilita iniciar o processo de apreciação estética e a formação de uma sociedade mais aberta e preparada para a vivência na perspectiva da diversidade humana.

Este artigo é um estudo de caso de uma experiência inspirada na Abordagem Triangular, na qual estudantes do 3º ano do Ensino Médio na Escola Estadual Mariano Martins (Fortaleza, CE) interviram artisticamente nas paredes da escola. Para discutir o ensino de arte na contemporaneidade, a Abordagem Triangular e a escola como espaço para produção artística, trazemos aqui as contribuições de Biasoli (1999), Ana Mae Barbosa (2014), Carvalho e Carolino (2010), Guimarães (2010), Pimentel (2006, 2010), Brissac (1998), Ostrower (1984) e Salles (2011). Temos como objetivo apresentar reflexões sobre o processo de ensino e aprendizagem em Artes Visuais a partir da experiência em intervenção artística. Os dados foram coletados a partir dos diários de campo da professora, portfólios dos estudantes, filmagens das aulas, entrevistas, fotografias, e interpretados sobre o olhar da análise temática. Percebemos que a Abordagem Triangular se constitui como uma proposta teórico-metodológica para o ensino de Arte que gera possibilidades para a efetivação do conhecimento artístico, e que atividades de apropriação da escola como espaço para a produção artística traçam caminhos que se configuram como potencialidades para efetivação do pensamento crítico e reflexivo, possibilitando a experiência estética do estudante com o espaço escolar, aproximando a arte do cotidiano.

Resumo Contextualizamos brevemente o processo de discussão, elaboração, promulgação e homologação da BNCC, seguindo-se à sua problematização, com ênfase no ensino de arte na Educação Infantil e Ensino Fundamental, na tentativa de levantar os limites e as potencialidades da BNCC. Entendemos que este documento é o ponto final do percurso, que é o currículo (o quê, porquê, quando e como ensinar), dependendo de quem o realiza in loco, de modo a ser capaz de ação-reflexão-ação, ou seja, a práxis enquanto atividade de cada pessoa envolvida na promoção de uma educação escolar brasileira transformadora e libertadora. Palavras-chave: Base Nacional Comum Curricular. Ensino de Arte. Educação Infantil. Ensino Fundamental. The proposal of the Common Curricular National Base for teaching Arts Abstract We have briefly contextualized the discussion, elaboration, promulgation and homologation of Common Curricular National Base, following its problematic, emphasizing the teaching of arts in Children’s Education and Elementary School, when trying to raise the bar and potential of Common Curricular National Base. We understand that this document is the final stop of this route, which is the curriculum (what, why, when and how to teach), depending on who performs it in loco, so as to being capable of acting-reflecting-acting, that is, the practice while activity of each person involved in the promotion of a transforming and freeing Brazilian school education. Keywords: Common Curricular National Base. Arts Teaching. Children’s Education. Elementary School. La propuesta de la Base Nacional Común del Curriculum para la enseñanza de Arte Resumen Contextualizamos brevemente el proceso de discusión, elaboración, promulgación y homologación de la Base Nacional Común del Curriculum, luego de su problematización, con énfasis en la enseñanza del arte en la enseñanza de niños y en la escuela primaria, en un intento de elevar los límites y las potencialidades de la Base Nacional Común del Curriculum. Entendemos que este documento es el punto final del recorrido, que es el plan de estudios (qué, por qué, cuándo y cómo enseñar), dependiendo de quién lo hace in loco, con el fin de ser capaz de acción-reflexión-acción, esto es, La praxis mientras actividad de cada persona involucrada en la promoción de una educación escolar brasileña transformadora y liberadora. Palabras clave: Base Nacional Común del Curriculum. Educación Artística. Enseñanza de Niños. Escuela Primaria.

Este artigo apresenta relatos de licenciandas em Pedagogia sobre seus encontros com a arte. A metodologia da pesquisa narrativa trata as autobiografias como fonte de investigação para indagar sobre a formação em arte, produzir conhecimento sobre essa formação como também perceber o seu sentido para as licenciandas. Ao se referirem às práticas artísticas do contexto familiar, as narrativas são poéticas, emotivas, contrastando com uma árida exposição referente ao tempo escolar. A prática artística na escola ganhou pouco sentido, o que requer uma desaprendizagem da experiência escolar e da narrativa da arte como autoexpressão individual para a da arte relacional, que decolonize os conceitos de arte e estética e desobrigue a subjetividade.

As ideias expostas no presente texto evidenciam a cultura digital e seu impacto causado através da linguagem audiovisual na sociedade contemporânea. Por intermédio de algumas reflexões levantadas nesse sentido, pretende-se estabelecer conexões entre o fluxo videográfico na contemporaneidade e o ensino de Arte. O objetivo a partir daí consiste em estimular o desenvolvimento de ações pedagógicas contextualizadas no âmbito da Arte que explorem a prática audiovisual. Para tanto, ao final do artigo será descrita, ainda que brevemente, uma possibilidade de explorar o vídeo experimental através de oficinas.

Este artigo discute formas de representação das práticas artísticas dos povos indígenas em dois livros didáticos de Arte para o ensino médio, selecionados para distribuição em escolas públicas por meio do Programa Nacional do Livro Didático de 2015. Sob a perspectiva teórica dos Estudos Culturais em Educação, que orienta o presente estudo, livros didáticos são vistos como artefatos que constituem e propagam conhecimentos e também promovem uma regulação na cultura, à medida que incluem ou excluem aspectos e práticas, nesse caso, dos povos indígenas. A análise mostra que arte indígena é um conceito em disputa, sendo flexionada ora por concepções eurocêntricas, ora por discursos multiculturalistas, quando integrada aos livros didáticos.

O presente artigo tem o propósito de discutir o ensino de arte praticado no sertão do Seridó potiguar, a partir de documentos de processos produzidos no exercício docente em artes visuais, durante a realização de um projeto de intervenção artística e cultural, com ênfase no estudo do estêncil, em uma escola pública estadual de Caicó-RN. Entendemos por documentos de processos os vestígios deixados/produzidos durante o processo criador (SALLES, 2009, p. 21), seja do artista ou do arte/educador. Este deixa, no seu exercício profissional, marcas do seu percurso criativo com os educandos. O “trabalho faz uma curadoria dos documentos, enquanto acompanha seus processos”, (PASSOS, et al, 2009), primando pelas produções coletivas do conhecimento, ao mesmo tempo em que segue as recentes orientações epistemológicas do ensino de arte, conforme percebemos em BARBOSA, 2005, 2009; IAVELBERG, 2003, 2017; MARTINS, 2009; FERRAZ & FUSARI, 2009, 1993. Os registros das práticas docentes em Arte são de grande importância para o desenvolvimento da criatividade, o aumento da percepção e a melhoria do fazer pedagógico nessa área do conhecimento.

O objetivo deste artigo é apresentar os resultados de um estudo em que se utilizou a pintura mural nas aulas de arte para promover reflexões sobre ciência, tecnologia e sociedade a partir do tema “Segurança e saúde no trabalho rural”, visando a alfabetização científica e tecnológica. A aplicação das atividades foram todas desenvolvidas nas aulas de Arte, com alunos do 9° do Ensino Fundamental 2, de uma Escola do Campo, no município de Castro localizado no estado do Paraná, Brasil. Para desenvolver as atividades seguiu-se os cinco passos de sequência didática adaptados de Oliveira (2014), articuladas com os três momentos pedagógicos de Delizoicov e Angotti (1991), em que a partir do conteúdo de muralismo se buscou levar os alunos a compreenderem e a se sensibilizarem sobre a necessidade de prevenção para evitar acidentes de trabalho na área rural. A abordagem metodológica foi a qualitativa de natureza interpretativa, e se caracteriza por uma pesquisa de intervenção pedagógica. Os resultados evidenciaram que por meio das apreciações e análises de pinturas murais, os alunos puderam formar pensamento crítico, com capacidade de argumentar e construir conhecimentos sobre as questões sociais relacionadas à ciência e à tecnologia, as quais implicam consequências no modo de vida na sociedade rural. Por meio de suas produções artísticas murais puderam se expressar e assim sensibilizar outras pessoas, contribuindo para a alfabetização científica, tecnológica e artística dos alunos.

O seguinte artigo é fruto de um recorte do Trabalho de Conclusão de Curso, apresentado na Universidade Estadual de Maringá no curso de Artes Visuais em 2016. Neste objetivou-se investigar produções artísticas de modo a desenvolver propostas que estimulassem a criatividade e ampliassem o repertório artístico de pessoas com deficiência intelectual. Tal pesquisa foi desenvolvida junto aos alunos participantes de um projeto de extensão para Pessoas com Necessidades Especiais, vinculado a Universidade Estadual de Maringá (UEM). Cabe salientar que a metodologia utilizada foi a Abordagem Triangular de Ana Mae Barbosa (1998), por meio da elaboração das aulas que preconizou seus três vértices. Além disso, foi realizada a análise dos desenhos elaborados pelos alunos do projeto. A partir da análise, notou-se a ocorrência de desenhos estereotipados, em virtude disso, pensou-se na problemática: como planejar aulas de arte para pessoas com deficiência intelectual que estimulem a criatividade e ampliem o repertório artístico? Por fim, foram apresentadas as aulas planejadas a partir da metodologia descrita, que tiveram como objetivo o estímulo à criação autoral. Em nossas considerações inferimos que a mediação docente e os recursos didáticos constituem papel primordial no processo de aprendizagem de pessoas com deficiência.

Este artigo discute a questão da curadoria compartilhada na docência como uma prática coletiva de discentes/docentes, provocadora de sentidos e seus efeitos, para desacostumar noções estereotipadas sobre o processo pedagógico e seus disciplinares componentes curriculares. A partir do referencial metodológico da pesquisa narrativa, apresenta um projeto expositivo de arte contemporânea produzido por estudantes de Pedagogia, da Universidade Federal da Paraíba (UFPB), em 2018. Indica as possibilidades de deslocamento dos espaços tradicionais para se aprender com e sobre arte, a escola e o museu, expandindo seus limites para as redes sociais, como também o exercício das funções artísticas de escolha e legitimação da produção artística contemporânea. Evidencia as possibilidades e potencialidades que a arte contemporânea produzida por mulheres pode ter para a formação e repertório cultural das estudantes. Conclui que a prática de curadoria compartilhada oferece meios alternativos para a produção do conhecimento, desarranjando uma noção de arte como atividade livre, autônoma, de um indivíduo superdotado, impulsionado por seus sentimentos sob a influência de prévios artistas, independente do manifesto jogo das variáveis classe, raça, gênero.

Os conceitos que delimitam corporeidades, lugares e culturas emergem do sistema moderno colonial. A partir disso, abordamos neste trabalho práticas docente do estágio supervisionado em duas escolas públicas de Campo Grande-MS, obrigatoriedade da Graduação em Artes Cênicas-Licenciatura (UEMS), que se configuraram por dualismos no ensino de Arte, para (re)verificar e (re)significar corpos que dançam nas escolas. Tratamos as questões naquelas aulas por uma epistemologia outra, uma episteme cultural (GROSFOGUEL, 2008; FOUCAULT, 1987; HALL, 2005; HISSA, 2011) e por autoras que tratam da dança: Bertherat, Strazzacappa, Marques, Greiner e Miller. Queremos mostrar o valor dos corpos estudantis “dançarem” novas possibilidades de produção de saberes.

A proposta deste trabalho é refletir sobre a crise da arte, a partir das ideias estéticas de Marx. Nesse sentido, busca-se a colaboração de autores marxistas contemporâneos: Adolfo Sánchez Vázquez e Celso Frederico. A hipótese é que a concepção marxiana de arte pode lançar luz à compreensão de certa crise observada na produção e no consumo da arte, na atualidade. A arte a serviço do capital – de consumo fácil, superficial e ligeira; própria ao gozo do homem massificado – não se tem prestado à elevação das consciências, potencial assinalado nas elaborações de Marx. O objetivo último destes estudos é fazer a ponte entre essa perspectiva do conhecimento estético e a prática pedagógica, contribuindo para o avanço no campo do ensino de arte.

Este pesquisa analisa a metodologia de ruptura do suporte elaborada para o ensino de artes visuais na E.M.E.B “Engenheiro Agrônomo Urbano de Andrade Junqueira” da cidade de Guará. O objetivo desta pesquisa é identificar abordagens de ensino capazes de suplantar a falta de recursos materiais, informacionais e instrumentais e de aproximar o universo das artes visuais da realidade sociocultural dos educandos. A proposta metodológica desenvolvida consistiu na utilização de materiais historicamente rejeitados pela tradição artística na produção de esculturas, pinturas, desenhos e gravuras. Tal metodologia teve inspiração no movimento italiano da arte povera, que defendia a utilização de suportes não convencionais como forma de promover o fim da barreira entre a arte e o proletariado. A pesquisa-ação correspondeu à metodologia empregada durante todo o percurso investigativo. Os resultados obtidos apontam que a falta de material e instalações adequadas não deve se transformar em empecilho para o ensino de artes visuais, já que o emprego de materiais diversos e de variedade técnica permitiu o enriquecimento das experiências artísticas vivenciadas pelos alunos. A relevância deste estudo está em fornecer subsídios a professores que não dispõem de recursos importantes para o ensino de artes visuais nas instituições onde atuam.

Após uma análise comparativa de dois dos livros de arte do Programa Nacional do Livro Didático 2015 (PNLD), constatamos que os conteúdos de ambos refletem o androcentrismo. Trata-se de Arte em Interação (BOZANO, FRENDA, GUSMÃO, 2013) e Por toda Parte (FERRARI, LIBÂNEO, JARDO & FERRARI, 2013). Com o aporte crítico de Michael Archer (2012) e Michelle Perrot (2007), este artigo apresenta uma prática pedagógica para a disciplina de arte no ensino médio, de modo a evitar o problema da invisibilidade de artistas mulheres, que é uma consequência do androcentrismo na história da arte e em livros de arte. Optamos por delimitar a proposta por meio da temática do surrealismo, cujos conteúdos, nesses livros, se restringem à arte produzida por homens, embora pelo menos doze mulheres tenham produzido obras surrealistas relevantes no século XX. A prática enfatiza a apropriação como um procedimento de composição e ressignificação, vindo ao encontro da proposta triangular (BARBOSA, CUNHA, 2010) que segue embasando as diretrizes curriculares de arte no estado do Paraná. Para além do recorte surrealista, professores(as) de arte insatisfeitos com o androcentrismo nos livros didáticos poderão adaptar o nosso modelo para promover a intervenção pertinente a outros aspectos do currículo de arte.

Este artigo apresenta um estudo que, a partir de uma perspectiva histórica e de levantamento bibliográfico e de pesquisas já realizadas, teve, como objetivo, investigar o surgimento, dentro e fora do contexto escolar formal, das exposições escolares resultantes do ensino da arte. Para tanto, identificou aspectos históricos que influenciaram a adoção da exposição da arte escolar como prática pedagógica e mapeou pesquisas já realizadas. A relevância deste estudo reside na possibilidade de suscitar reflexões acerca das estratégias de aprendizagem que permeiam o ensino de arte e das contribuições tanto dessas reflexões quanto das investigações disponibilizadas nas bases de dados consultadas. Entre os resultados, estão: a) nas práticas dessas exposições, há alguns resquícios advindos de teorias psicopedagógicas que nomearam os trabalhos produzidos pelas crianças como arte infantil e defendem veementemente que tais produções deveriam receber a menor interferência adulta possível; b) os estudantes relacionam as exposições de arte ao sentimento de satisfação e criam laços afetivos com os trabalhos que produzem; e c) tais exposições, no ambiente escolar, apresentam potencialidade como mecanismo de estratégica para a aprendizagem. A pesquisa ora apresentada permitiu olhar o presente de uma forma crítica, além de que trouxe contribuições para a área de educação em artes.

O Ensino da Arte e os Processos Criativos na Adolescência é resultado de um estudo bibliográfico que tem como objetivo refletir sobre o Ensino da Arte no contexto escolar e como os processos criativos impactam no desenvolvimento humano na adolescência, momento em que acontece a formação de conceitos. À luz do referencial teórico da Psicologia Histórico-Cultural, sobretudo o conceito de Atividade Criadora desenvolvido por Vigotski em sua obra Imaginação e criação na infância, os dispositivos legais do Brasil que embasam o ensino da arte, bem como a busca na plataforma tecnológica Scientific Electronic Library Online (SciELO). Ressalta-se a importância da Arte na escola e da potencialização dos processos criativos à formação estética, crítica e social do indivíduo, na busca de transformações sociais coletivas refletidas nas relações humanas. Por meio da educação o indivíduo se apropria do conhecimento adquirido que a humanidade produziu, socializando para as novas gerações. Nos processos de criação artística, o ser humano é capaz de criar, recriar, significar e ressignificar sua realidade de vida e seus contextos, bem como sua visão de mundo.

Este artigo configura-se como síntese da tese defendida a pouco, onde estudei com alunos de uma Escola Estadual, no interior do estado de São Paulo, nas aulas de Arte, produziram fotografias e discutiram sobre elas. Escolhas teóricas e metodológicas de investigação estabeleceram-se em diálogo com minha formação e o contexto da pesquisa ocorreu em um município de economia, predominantemente, rural. O objetivo do trabalho foi estudar como a linguagem fotográfica podem favorecer as reflexões desses alunos do Ensino Médio, a problematizarem a realidade na qual estão inseridos. Partimos da questão: é possível que por meio da produção de fotografias e das discussões sobre elas que os alunos se apropriem de significações de sua realidade e conceituem o “trabalho” de forma diferenciada ao conceito dado pelo Currículo Oficial? A seleção de quatro imagens, com seus respectivos turnos dialógicos, compôs o material. A temática se verificou na medida em que as análises mostraram, da parte dos alunos, tanto a apropriação de regras formais de composição da fotografia quanto a possibilidade de significações do mundo em que vivem, a partir da relação com o professor/pesquisador. Essa pesquisa configurou-se como Participante e atende respectivamente a interesses da Educação e do ensino de Arte.

Neste estudo, a partir da análise de conteúdo e da pesquisa bibliográfica, verificando especialmente as informações constantes em leis federais, e o registro histórico da Arte/Educação no Brasil, reflito sobre como o Ensino da Arte tem se desenvolvido no Brasil, qual o senso comum e qual o real valor do Ensino da Arte, de que modo a Arte é inserida no contexto escolar como instrumento pedagógico e/ou área do conhecimento. Pondero ainda, de que modo, as aulas de Arte podem tolher ou ampliar a imaginação criativa dos alunos. Realizo uma retomada histórica de que forma a Arte veio se inserindo na Educação, analisando as principais leis brasileiras referentes ao assunto. Os resultados apresentados evidenciam que ainda não conseguimos desfazer muitos preconceitos arraigados na sociedade brasileira sobre o Ensino da Arte. Concluo que a Arte é essencial para a formação humana, porém deve ser trabalhada por profissionais preparados. Meu objetivo é aprofundar os estudos relacionados ao assunto.

Este artigo é o relato de experiência sobre uma proposta artística realizada numa escola bilíngue para surdos no interior do estado do Rio de Janeiro. Tem o objetivo de demonstrar a importância do ensino da arte, baseado na proposta Triangular de Ana Mae Barbosa, cujo tema foi impressionismo sob a perspectiva de Vygotsky. A relevância desta proposta de caráter qualitativo, descritivo e explicativo se dá ao oportunizar e ampliar o conhecimento do movimento artístico na escola bilíngue. Discute-se a comunicação, que deve ocorrer em Libras – Língua Brasileira de Sinais. Os resultados apontam que apesar da dificuldade imposta pela comunicação, nem sempre satisfatória, há troca e produção de conhecimento. Espera-se que esse trabalho possa contribuir para futuras discussões sobre o ensino da arte para alunos surdos.

O artigo aborda o ensino de História e Cultura Afro-Brasileira na escola, previsto na lei 10.639/03, com o objetivo de apresentar a complexidade deste assunto para promover a desconstrução de preconceitos e estereótipos, respeitando-se as diferenças através da aquisição de conhecimento. É abordado o conceito de cultura africana e afro-brasileira e sua inserção no contexto escolar. A pesquisa indica a importância deste estudo na formação inicial do professor de arte, relatando uma experiência no curso de Artes Visuais da Famosp, que culminou no projeto Totens, integrando pesquisa, criação, elaboração de oficina e participação em fórum e simpósio, possibilitando metodologias de ensino e ampliação do saber no campo da educação através da arte.

Este estudo trata de considerar o artista que se assume como pesquisador dentro de um contexto: o ensino da arte. Desde 2009, desenvolvemos um projeto de pesquisa no Centro de Artes da UFPel, que pretende retomar a história do Instituto de Letras e Artes (ILA), desde sua fusão em 1973 com a Escola de Belas Artes, passando por suas mudanças de estrutura e de denominação até 2010. A UFPel foi instituída pelo Decreto-Lei de 08/08/1969 e originou-se da fusão da antiga Universidade Federal Rural do Rio Grande do Sul com entidades isoladas de ensino superior, em atividade no Município, como a Faculdade de Agronomia “Eliseu Maciel” – a primeira fundada no Brasil – a Faculdade de Odontologia, a Faculdade de Direito, as faculdades de Ciências Domésticas e de Medicina Veterinária, o Instituto de Sociologia e Política e a Faculdade de Medicina de Pelotas. Além destas, o Conservatório de Música de Pelotas e a Escola de Belas Artes Cármen Trápaga Simões (E.B.A., criada em 1949) passam a ser unidades agregadas à UFPEL. A fonte de pesquisa é o acervo desta instituição, em sua documentação escrita, essencialmente. O enfoque é o ensino e a inserção do ILA, atual Centro de Artes (CA), na comunidade pelotense e da Região Sul. Dentro do foco ensino de artes, buscamos especialmente analisar a atuação dos professores enquanto artistas-professores, a respeito de metodologias de ensino, legitimação, representatividade junto à comunidade. Os professores-artistas apresentados aqui são Érico Cava, Luciana Leitão e Carmen Biasoli.

O objetivo deste trabalho é refletir sobre conhecimentos e metodologias propostos para o ensino de arte nos fundamentos legais da Lei nº 5.692?71 interpretados e divulgados em publicações e das Diretrizes Curriculares da Educação Básica – Arte do Estado do Paraná/2009. O texto, numa perspectiva de análise documental, explicita os fundamentos teórico-metodológicos de dois momentos históricos, com determinações políticas e econômicas diversas, no contexto geral da Educação Artística na década de 70, e particular do Estado do Paraná com o Ensino de Arte, nos anos 2000. Busca desvelar os propósitos determinados para o campo artístico no contexto escolar, para fundamentar em que medida são encaminhados metodologias e conteúdos de arte discutidos nesses documentos que, em última instância, informam as práticas artísticas das escolas públicas paranaenses ainda hoje.

Este artigo analisa, no contexto das décadas de 1940 a 1960, as exposições de arte infantil como estratégias de afirmação da importância da arte na educação e no desenvolvimento da personalidade da criança, utilizando como fontes artigos de jornais, fotografias, desenhos infantis, relatórios e outros documentos institucionais. As vanguardas artísticas do início do século XX, defensoras da expressão individual do artista, e o reconhecimento das especificidades da condição infantil pela psicologia e pela pedagogia, resultaram na defesa da liberdade de expressão artística da criança e na renovação nos conceitos de arte e de educação do período. A partir de meados dos anos 1940, a arte infantil passou a despertar o interesse da Unesco por representar a possibilidade de integração e fraternidade entre os povos e o desejo da construção de um novo homem. Estas exposições atuaram como vitrines para os diversos discursos que justificaram a importância da arte infantil, envolvendo, no contexto brasileiro, desde órgãos governamentais até jornais de circulação nacional e empresas privadas. Ao mesmo tempo em que pretendiam a inculcação de uma conduta educacional baseada na liberdade irrestrita do espírito criador infantil, estes discursos censuravam temas considerados impróprios, como a violência e as guerras, assim como qualquer orientação que seguisse um padrão estético pré-definido.Children’s art exhibitions between the 1940s and 1960s as a strategyfor asserting the importance of Art in educating and developing a child’s personality are analyzed. Sources comprised newspaper articles, pictures, children’s drawings, reports and other institutional documents. Early 20th century artistic vanguards which advocated the artist’s self-expression and the acknowledgement of child specificities by Psychology and Pedagogy enhanced the defense of the child’s freedom of artistic expression and the renewal of the concept of Art and Education during that period. From the mid-1940s children’s art was focused upon by UNESCO since it represented an integration and fraternity potential among peoples and the desire to construct a renewed human being. Exhibitions were the vehicles for several discourses on the importance of children’s art. Within the Brazilian context, Governmental agencies, national newspapers and private companies started to become involved in this factor. Whereas the above mentioned discourses involved the consolidation of an educational behavior based on the unrestricted freedom of children’screative spirit, contrastingly they supported a censorship of themes which were considered unsuitable, such as violence and war, and the need to follow a pre-defined esthetic standard.

O surgimento da internet e o seu crescimento rápido colocaram-na como um fenômeno contemporâneo de comunicação, trazendo vantagens que os outros meios nunca alcançaram antes. A facilidade e rapidez de acesso a informações e dados propiciam uma dinâmica diferente na relação com o conhecimento e oferecem novas possibilidades para aplicação no ensino de Arte. O computador com conexão à internet também foi se transformando progressivamente em um equipamento unificador de várias mídias, diminuindo as fronteiras formais e materiais entre os suportes. Com a versão 2.0 da web, os serviços de ações e ideias interativas também se popularizaram e o ambiente online ficou mais dinâmico. O usuário deixou de ser um elemento somente passivo, passando também a produzir, gerenciar e interagir com conteúdos na rede, promovendo mudanças culturais e conceituais no uso da web. Os professores de Arte devem ficar atentos a essas novas ferramentas e apresentálas aos alunos, uma vez que a interatividade implica em experimentações que agregam potencialidades para a construção de conhecimentos. Este artigo procura mostrar possibilidades do uso do computador e de especificidades de interação e participação na web como meios para exploração, pelos professores, das atividades no ensino de Arte.

A Arte no contexto da educação brasileira tem se caracterizado por diferentes concepções e práticas pedagógicas. Os documentos legais vigentes sugerem que no ensino da Arte se constitue em um componente curricular na qual estejam envolvidas diferentes linguagens artísticas, para tal estão sugeridas as Artes Visuais, Música, Dança e Teatro. Nas práticas observadas junto ao espaço escolar, tais sugestões, que já estão em vigor há quase duas décadas, ainda não estão amplamente colocadas em prática. Diferentes aspectos podem ser apontados para explicar a atual situação, contudo, o fator que ressalta é a formação dos profesores que atuam com o ensino da Arte no espaço escolar. Assim, vale destacar três tipos de profesores, aqueles que possuem formação específica em uma linguagem artística, aqueles que não possuem nenhuma formação em Arte e, aqueles que possuem pouquíssima formação em Arte junto à sua formação. Estes últimos, em geral, com formação em Pedagogia (curso de formação de professores para a Educação Infantil ou anos iniciais do Ensino Fundamental). De todo modo, pensar em uma formação que abarque as quatro linguagens sugeridas caracteriza um retrocesso no ensino da Arte brasileiro. Então, é preciso proporcionar aos profesores conhecimento, ainda que mínimo, acerca das diferentes linguagens artísticas, de modo que possam transitar e estabelecer relações entre elas de maneira mais familiar durante sua prática pedagógica. Em busca de compreender e refletir sobre estratégias de mudança, buscou-se em Pourtois & Desmet (1997), Debord (1977), Barbosa, A. M. (2005) e (2008), entre outros, referencial teórico. Tendo em conta o contexto acima, foi desenvolvido um curso de formação continuada para professores atuantes com o componente curricular Arte na Educação Básica brasileira. O curso denominado “Arte na Educação Básica”, tomou como ponto de partida os espetáculos escolares, termo que faz referência às festividades comumente presentes no espaço escolar. A partir disso, possibilitou-se o estudo dos diferentes espetáculos originários nas diferentes linguagens da Arte, posibilitando, assim, um olhar ampliado sobre este campo do conhecimento. A ação foi desenvolvida como ação de extensão universitária e ofertada para professores de escolas públicas do estado do Rio Grande do Sul/RS, localizado no sul do Brasil, sob a modalidade semi-presencial. Os resultados reafirmaram a necessidade de formação continua em Arte para os profesores que atuam com Arte na escola, principalmente aqueles com formação em pedagogía.

Este trabalho consiste no relato de experiência da oficina ‘Arte Moderna e Multimídia’, organizada pelos bolsistas do Programa Institucional de Bolsa de Iniciação à Docência, do Subprojeto Artes Visuais/UFAM. A associação de recursos tecnológicos disponíveis nas escolas com o conteúdo pedagógico teve como objetivo auxiliar a didática do professor e fomentar a assimilação por parte dos alunos do ensino básico, para que tenham uma experiência de contextualização, prática e fruição, desenvolvendo no fazer artístico uma mudança de percepção e atitude sobre si mesmo, sobre a sociedade e sobre o mundo. Foram produzidos vinte e oito vídeos de curta duração nas duas escolas vinculadas, buscando explorar a natural identificação de uma geração antenada com as novas tecnologias. Através dos resultados obtidos apresentamos esta experiência como contribuição elementar, porém, pretendendo servir de ponto inicial para novas pesquisas, no campo da inovação metodológica na educação básica, em especial no ensino das Artes.

Este trabalho constitui parte de uma pesquisa que buscou compreender o fazer artístico para o desenvolvimento de ‘sentimentos matemático de semelhança’ em alunos do Ensino Fundamental. Inspirado pela Teoria dos Campos Conceituais de Vergnaud foi desenvolvido uma experiência piloto de ensino por meio de uma sequência didática envolvendo fazeres da arte que comungam os conceitos artísticos e matemáticos de semelhança. O estudo revelou que, embora a matemática seja considerada no domínio inteligível e a arte no domínio sensível, a razão e a emoção mostram-se, por vezes, inseparáveis para construção do sentimento de semelhança matemático.

A concepção de avaliação pode favorecer seu exercício em perspectiva classificatória ou formativa, revelando a concepção avaliativa de quem a desempenha. Desvelar esse cenário orientou a delimitação do objetivo geral do presente estudo: mapear e compreender as concepções avaliativas dos professores de Arte. A pesquisa, de abordagem qualitativa, na modalidade estudo de caso, foi realizada na rede pública do município de Assis/SP, e contou com a participação de seis professoras de Arte. Os procedimentos de coleta utilizados foram: análise documental, questionários e entrevistas. Os dados foram analisados à luz da análise de conteúdo clássica. O estudo permitiu constatar, em termos de avaliação da aprendizagem em Arte, a existência de um hibridismo dos modelos pedagógicos. A mescla revela-se em concepções e práticas avaliativas que oscilam da classificação estratificante ao laissez faire descomprometido com o devir. Entretanto, alguns pontos de luz se enunciam quando se verifica também a presença de uma concepção formativa, compreendida como aquela que contribui para a superação das dificuldades. Ampliar as possibilidades de exercitar uma avaliação formativa pressupõe tempos e espaços de formação promotores de reflexão - não de mero acúmulo de informações.

Este artigo analisa, no contexto das décadas de 1940 a 1960, as exposições de arte infantil como estratégias de afirmação da importância da arte na educação e no desenvolvimento da personalidade da criança, utilizando como fontes artigos de jornais, fotografias, desenhos infantis, relatórios e outros documentos institucionais. As vanguardas artísticas do início do século XX, defensoras da expressão individual do artista, e o reconhecimento das especificidades da condição infantil pela psicologia e pela pedagogia, resultaram na defesa da liberdade de expressão artística da criança e na renovação nos conceitos de arte e de educação do período. A partir de meados dos anos 1940, a arte infantil passou a despertar o interesse da Unesco por representar a possibilidade de integração e fraternidade entre os povos e o desejo da construção de um novo homem. Estas exposições atuaram como vitrines para os diversos discursos que justificaram a importância da arte infantil, envolvendo, no contexto brasileiro, desde órgãos governamentais até jornais de circulação nacional e empresas privadas. Ao mesmo tempo em que pretendiam a inculcação de uma conduta educacional baseada na liberdade irrestrita do espírito criador infantil, estes discursos censuravam temas considerados impróprios, como a violência e as guerras, assim como qualquer orientação que seguisse um padrão estético pré-definido.

O artigo trata do desenvolvimento do ensino de arte nos Estados Unidos, através da Arte-Educação Baseada em Disciplinas - DBAE. Destaca como sua influência no Brasil colaborou para a proposição de um currículo que interligasse o fazer artístico à História da Arte e à análise da obra de arte, privilegiando o desenvolvimento da criança e respeitando suas necessidades de expressão. Esta proposta curricular ficou conhecida como Proposta Triângular e foi elaborada pela professora Ana Mae Barbosa.