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Orientadores: Veronica Fabrini Machado de Almeida, João Francisco Duarte Junior Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A discussão central desta tese defende que o ator ao estar em cena faz surgir uma Identidade Expressiva - condição poética de si mesmo que irrompe do e no ato de criação, evidenciando uma dinâmica ontológica do seu trabalho e uma experiência particular de identidade subjacente ao seu fazer artístico. O propósito da argumentação consiste em apresentar uma perspectiva de processo de criação teatral que favoreça as operações de manifestação e produção de subjetividade e, sobretudo, refletir sobre a forma singular de a criação teatral dialogar com a experiência humana de tornar-se e de vir a "ser quem se é" Abstract: This dissertation's central thesis claims that the actor, when in a scene, creates an Expressive Identity - a poetic condition of himself that is born in and out of the act of creation, unveiling an ontological dynamics of his work and a particular identity experience that lies under his artistic production. My argumentation intends to present a perspective of the process of dramatic creation that favors the manifestation and production of subjectivity and, mainly, to reflect upon the unique way that the dramatic creation has of dialoguing with the human experience of coming "to be who one is" Doutorado Doutor em Artes

Submitted by Manuel Fabricio Alves De Andrade (manuelfabricio@gmail.com) on 2021-05-05T18:31:39Z No. of bitstreams: 1 TESE MANUEL FABRICIO ALVES DE ANDRADE.pdf: 1424851 bytes, checksum: 484c6143f57336c2a65d6d903a060b92 (MD5) Approved for entry into archive by Laura Mariane de Andrade null (laura.andrade@ia.unesp.br) on 2021-05-05T20:27:42Z (GMT) No. of bitstreams: 1 andrade_mfa_dr_ia.pdf: 1424851 bytes, checksum: 484c6143f57336c2a65d6d903a060b92 (MD5) Made available in DSpace on 2021-05-05T20:27:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 andrade_mfa_dr_ia.pdf: 1424851 bytes, checksum: 484c6143f57336c2a65d6d903a060b92 (MD5) Previous issue date: 2020-03-27 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) A partir de paralelismos conceituais e poéticos entre o teatro de Samuel Beckett e o conceito de Über-marionette de Edward Gordon Craig, no que se referem ao trabalho atoral, à luz das reflexões de Paul Zumthor acerca da “poesia sonora” e da performance vocal, formulamos o objetivo desta pesquisa: investigar uma prática da atuação vocal alicerçada na poética beckettiana, em diálogo com o pensamento de Craig sobre o ator e a atriz organizadas em torno de seu “über- marionette”, de Zumthor, acerca da “poesia sonora”, e do que ela propõe a um corpo/voz que se cria em performance. Trabalhamos aplicações práticas de estratégias numa pesquisa individual e, ainda, com alunos e alunas do curso do bacharelado em Artes Cênicas, os encontros foram registrados em vídeo, áudio e em diários de bordo. Os resultados foram observados a partir do referencial teórico sobre a preparação vocal para o teatro: Beuttenmüller e Laport (1974); Behlau (2001); Gayotto (1997; 2002); Guberfain (2004; 2005); Märtz (2002); Master (2005; Viola (2006). Percebemos que a prática nos proporcionou um entendimento mais aprofundado dos recursos vocais. Os alunos e as alunas que colaboraram conosco, relataram uma apropriação desse material e demonstraram que a aplicação das estratégias resultou na realização de performances vocais mais ricas em nuances. Para nós, as peças de Beckett podem ser encaradas como estruturas ou dispositivos inventados para colocar o ator e a atriz em um “estado” de atenção curiosa, tornando sua realização um processo autoinvestigativo acerca desse corpo e dessa voz que atuam. Based on conceptual and poetic parallels between Samuel Beckett's theater and Edward Gordon Craig's “Über-marionette” concept, regarding performer work, in the light of Paul Zumthor's reflections on “sound poetry” and vocal performance , we formulate the aim of this study: investigate a practice of vocal performance based on beckettian poetics in dialogue with Craig's thought about the actor and actress organized around his “über-marionette” and Zumthor about “sound poetry”, and than what it proposes to a body / voice that is created in performance. We work on practical applications of strategies in an individual research and also with students of the Bachelor's degree in Performing Arts, the meetings were recorded on video, audio and in logbooks. The results were observed from the theoretical framework on vocal preparation for the theater: Beuttenmüller and Laport (1974); Behlau (2001); Gayotto (1997; 2002); Guberfain (2004; 2005); Märtz (2002); Master (2005; Viola (2006). We realized that the study provided us with a deeper understanding of vocal resources. The students who collaborated with us, reported an appropriation of this material and demonstrated that the application of the strategies resulted in the realization of vocal performances richer in nuances. For us, Beckett's plays can be seen as structures or devices invented to place the actor and actress in a “state” of curious attention, making their realization a self-investigative process about this body and the voice in performance. 001

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior O objetivo da tese se instaura no estudo sobre a composição de um corpo ficcional produzido na relação teatral entre atores e bonecos, ou melhor, no modo de teatro com bonecos. Envolve o estudo dos processos de criação e atuação sob o aspecto das singularidades dos trabalhos desenvolvidos pelos atores, convidados a compartilhar suas práticas para a tessitura da tese. O trabalho realizado seguiu as circunstâncias que tornaram imprescindíveis pensar as acepções de corpo na prática teatral com bonecos, sob a perspectiva de um rastreio aos procedimentos na interação entre estes dois participes deste jogo teatral. Estes procedimentos na concepção aqui abordada seguem a acepção de atores criadores na atuação com bonecos e, nesta relação criativa, apontamos a possibilidade de uma intrínseca ligação articulada em fases que se desenvolvem entre o contato, a conexão e a fusão dos corpos do atores com os bonecos para a invenção de um corpo-substância, propulsor de personagens, como efeitos desta fusão. Observando que no campo das investigações acerca dos processos de criação preponderantemente apontam o boneco como personagem e o ator como um “facilitador” dessa presença, a pesquisa aborda a composição desse corpo ficcional que atravessa esta condição de personagem atribuída ao boneco e estuda a condição do ator como copartícipe também decisivo nessa composição no âmbito da cena. A pesquisa suscita reflexões importantes para o trabalho do ator, pois propõe traçar um olhar atento às poéticas cênicas a partir da perspectiva dos atores. We aim with this thesis to study the composition of a fictional body made in the theatrical relationship between puppet and actor/performer, or, better said, in a mode of theater with puppets. It involves the study of creation procedures and performance under the light of the singularities of the work developed by the actors/performers – which were interviewed on/for the making of this thesis. The writing process followed the conceptualization of the body in theater practices taking in account the procedures of interaction between the two participants in the action – the puppet and the actor/performer. These procedures, in the way we approach them here, are based on the creative work of the actor/performer with the puppet. Thus we point out to a possibility of an articulated connection that is established in stages: first the contact, then the connection and lastly the fusion of the body of the actor/performer with the puppet, and, as an effect of such fusion, the invention of a substance-body that embodies the character itself. Taking in consideration that in the field of investigation of creative procedures the puppet is a character and the actor/performer a “facilitator” of its presence, our work approaches the composition of this fictional body related to this condition of character attached to the puppet and also studies the actor/performer as a decisive co-participant in the scene. Our research brings to the surface important reflections on the actor/performer’s work and also traces the construction of the scene’s poetics in the perspective of the actors.

FAPEMIG - Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Minas Gerais A presente pesquisa é uma reflexão sobre a maturidade artística, a partir da experiência de quatro atores europeus, todos com mais de sessenta anos de idade, que se formaram entre os anos 1960-1970, e que trabalham em uma dimensão laboratorial, que relaciona-se a um trabalho sobre si. É estabelecida uma ligação entre essa maturidade e as tensões que se criam com os tempos “sem ritmo” da contemporaneidade. Os quatro atores são: Iben Nagel Rasmussen, do Odin Teatret (Dinamarca), Beppe Chierichetti e Luigia Calcaterra, do Teatro Tascabile di Bergamo (Itália) e François Kahn (França). Confronta-se o tema da pesquisa ao experimento cênico O Cântaro realizado pela pesquisadora, a partir do romance A Caverna, de José Saramago, sob a orientação de François Kahn. No primeiro capítulo, segue-se uma discussão sobre a relação entre ficção e realidade, assim como sobre a questão do Sujeito como self e do cultivo de si. Apresentam-se os conceitos de artista e de artesão em Mário de Andrade, e de artífice e trabalho bem-feito, em Richard Sennett. A maturidade artística em Constantin Stanislavski é destacada, assim como o conceito de flor nas diversas etapas da vida de um ator nō, a partir de Motokyio Zeami. Por fim, discute-se a noção de presença do ator na cena contemporânea. No segundo capítulo, destacam-se os contextos históricos dos teatros-laboratório dos anos 1960-1970 na Europa, e especificamente dos grupos ou realidades nas quais atuam os atores participantes da pesquisa, o Odin Teatret (Dinamarca), o Teatro Tascabile di Bergamo (Itália) e as diversas atividades de François Kahn, do parateatro (Polônia), com Jerzy Grotowski ao Teatro da Camera (Itália e França). No terceiro capítulo, apresentam-se quatro propostas para a maturidade do ator no terceiro milênio, associadas aos sujeitos participantes da pesquisa: Iben Nagel Rasmussen, transparência; François Kahn, silêncio; Beppe Chierichetti, vulnerabilidade e Luigia Calcaterra, abandono. No quarto capítulo, aponta-se o sentimento como possível qualidade que norteia a trajetória da pesquisadora e discorre-se sobre a escolha da palavra como principal veículo expressivo para a cena. Por fim, discute-se sobre a adaptação do romance A Caverna, de José Saramago para o experimento cênico O Cântaro, sob orientação de François Kahn, refletindo-se sobre a opção pela ficção. The present research is a reflection on the artistic maturity, from the experience of four European actors, all over sixty years old, who formed between the years 1960-1970, and who work in a laboratory dimension, that relates to the work on oneself. A connection between this maturity and the tensions that arise with the contemporary “rithmless” times is established. The four actors are: Iben Nagel Rasmussenen, Odin Teatret (Denmark), Beppe Chierichetti and Luigia Calcaterra, Teatro Tascabile di Bergamo (Italy) and François Kahn (France). The theme of the research is related with the scenic experiment O Cântaro (The Pitcher), performed by the researcher, from the novel A Caverna (The Cave), by José Saramago, under the guidance of François Kahn. In the first chapter, a discussion on the relationship between fiction and reality unfolds, and also on the question of the Subject as self and of self-cultivation. The concepts of artist and craftsman in Mario de Andrade, and of craftsman and well-done work, in Richard Sennett are posed. The artistic maturity by Constantin Stanislavski is highlighted, as well as the concept of flower in the various stages of the life of a nō actor, from Motokyio Zeami. Finally, the notion of presence of the actor in the contemporary scene is discussed. In the second chapter the historical contexts around Theatre Laboratories of the 1960s and 1970s in Europe, and specifically that of the groups or realities in which the actors participating in the research worked is highlighted: Odin Teatret (Denmark), Teatro Tascabile di Bergamo (Italy) and the several activities of François Kahn, from parateatro (Poland), with Jerzy Grotowski to Camera Theatre (Italy and France). The third chapter presents four proposals for the maturity of the actor in the third millennium, associated to the subjects participating in the research: Iben Nagel Rasmussen, transparency; François Kahn, silence; Beppe Chierichetti, vulnerability and Luigia Calcaterra, abandonment. The fourth chapter presents the feeling as a possible quality that guides the trajectory of the researcher and the choice of the word as the main expressive vehicle for the scene. Finally, the adaptation of the novel A Caverna (The cave), from José Saramago to the scenic experiment O Cântaro (The Pitcher), under the guidance of François Kahn, is discussed, reflecting on the option for fiction.

Orientador: Suzi Frankl Sperber Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A tese apresenta um estudo sobre o ofício do ator e as nuances diferenciais entre os conceitos de acting, playing e personating que definiram a arte de representar referentes ao final do medievo ao início da modernidade com ênfase no teatro shakespeariano. O objetivo da pesquisa foi tentar mapear os espaços que podem ser compreendidos como de uma autoria possível entre os atores dos ciclos litúrgicos medievais (Mystery Plays) e de seus sucessores, os atores das companhias teatrais como a The Lord Chamberlain's Men (1594 a 1603) e King's Men (1603 a 1642), os quais estavam inseridos dentro de sistemas formais que poderiam, à primeira vista, ser compreendidos como rígidos ou ditatoriais. A primeira parte do trabalho, composto pelos dois primeiros capítulos, prioriza, portanto, um estudo teórico de cunho hipotético-dedutivo sobre o ofício do ator. Este trabalho considera o período de produção e o entendimento que se teve sobre ele através de referências bibliográficas e escritos específicos a respeito da prática teatral do período histórico-literário. Entre elas, temos os escritos de autores do período como The Passions of the Minde in Generall (1620) do filósofo Thomas Wright e o ensaio An Apology for Actors (1612) do ator Thomas Heywood. O ator moderno se emancipa do estigma marginal que o caracterizara no medievo. Agora ele integra um papel social hierarquicamente mais reconhecido, pertence a uma companhia teatral, possui um espaço fixo para trabalhar e um sistema de repertório que o permite subir ao palco diariamente. A representação sofre modificações e o player medieval, jogador da cena de rua, compartilhará espaço com outro tipo de prática teatral ricamente influenciada pelos mestres da retórica. Uma união de especialidades que contaminaram o ofício do ator e, de alguma forma, provocaram a concepção de um novo modo de representação: o Personating. A análise de passagens selecionadas da dramaturgia shakespeareana, assim como os estudos críticos e históricos de Glynne Wickham, Meg Twycross, B. L. Joseph, Andrew Gurr, Tiffany Stern, Robert Weimann e John Astington, cujas pesquisas dão especial atenção ao trabalho do ator, fundamentam nosso estudo teórico e analítico. A segunda parte e terceiro capítulo contempla a análise de entrevistas realizadas a artistas brasileiros convidados a pensar sobre a autoria no trabalho e a discorrer sobre os processos envolvidos na criação. Os procedimentos metodológicos que melhor serviram aos interesses deste terceiro capítulo da pesquisa é o da entrevista estruturada que se desenvolveu a partir de uma relação fixa de perguntas, cuja ordem e redação permanecem invariáveis para todos os entrevistados. Optamos por empregar o método de análise de conteúdo ou de análise temático sendo possível estabelecer as relações entre as percepções atuais a respeito do ofício do ator com as que conquistamos ao longo dos dois primeiros capítulos circunscritos pelo período entre o fim do medievo e a Idade Moderna Abstract: The thesis presents a study on the actor's craft and the distinctive nuances among the concepts of acting, playing and personating that defined the art of representation from the late medieval to the beginning of modernity with an emphasis on Shakespearean theater. The objective of the research was to map the spaces that can be understood as authorship by the actors of the medieval liturgical cycles (Mystery Plays) and the theatre companies such as The Lord Chamberlain¿s Men (1594 to 1603) and King¿s Men (1603 to 1642), and which were inserted within the formal systems that could, at first sight, be comprehended as stringent or dictatorial. The first part of the work, composed by the first two chapters, prioritizes, therefore, a theoretical study of hypothetical-deductive imprint about the actor¿s craft. This work considers the production period and the knowledge brought by it through bibliographical references and specific writings about the theatre practice in the historic-literary period. Among them, there are writings from authors of the period such as The Passions of the Minde in Generall (1620) from the phiolosopher Thomas Wright and the essay An Apology for Actors (1612) from the actor and playwright Thomas Heywood. The modern actor emancipates from the marginal stigma which characterizes himself in the medieval. Now, he is part of a social role hierarchically more recognized, he belongs to a theatre company, he has a set place of work and a repertoire system which allows him to go on stage daily. Acting suffers modifications and the medieval player, a player in the street scenary will share space with another type of theatrical practice richly influenced by masters of rhetoric A union of specialties that have contaminated the actor¿s craft and, somehow, have provoked the conception of a new way of acting: the Personating. The analysis of selected passages of shakespearean playwright, just as studies from critics Glynne Wickham, Meg Twycross, B.L. Joseph, Andrew Gurr, Tiffany Stern, Robert Weimann and John Astington, whose researches give special attention to the actor¿s work, substantiate our theoretical and analytic study. The second part, or third chapter, contemplates the analysis of interviews to Brazilian artists, who were invited to think about the autonomy in work and to talk about the procedures involved in creation. The methodological procedure which better served the interests in this third chapter of research is the structured interview which developed from a fixed list of questions, that did not vary to any of the interviewed. We have opted to employ the method of analysis of content or theme analysis being possible to establish the relations among the current perceptions about the actor¿s craft with those which we conquered along the two first chapters limited by the period between the end of the medieval era and The Early Modern Age Doutorado Teatro, Dança e Performance Doutora em Artes da Cena CAPES

A presença e o trabalho do ator na cena do filme são diferentes da sua presença e trabalho pensados para a cena do teatro. Diante da possibilidade de experimentar procedimentos comuns entre um campo e outro, o ator determina um espaço bem particular, pensa uma forma de interação com o público e se molda ao jogo de cena proposto pela especificidade do projeto de realização no cinema e no teatro. A verdade problematizada na presença do ator distingue ilimitadas formas de entender seu trabalho nesses dois campos. O artigo aborda esse diálogo entre cinema, teatro e literatura, tomando como objeto de análise a realização de um filme, simultaneamente a uma peça teatral, ambos inspirados no conto Brincadeira de Anton Tchekhov. The presence and the work of actors on a film scene are different from their presence and work as they are thought for theatrical purposes. Faced with the possibility of experimenting with common procedures between the two fields, the actor determines a very particular space, thinks of ways of interacting with the audience, and shapes the role-playing proposed by the specificities of the realization project in cinema or theater. The problematized truth through the presence of the actor distinguishes unlimited ways of understanding their work in these two fields. This article approaches this dialogue between cinema, theater, and literature, taking as object of analysis the realization of a film, simultaneously to a theatrical play, both inspired by the short-story A Joke, by Anton Chekhov.

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-08-31T18:32:10Z No. of bitstreams: 1 Texto completo_28_2_14_Ed_28_03_2014.pdf: 6894931 bytes, checksum: 5cc533a586af75f8297528e031545cfa (MD5) Approved for entry into archive by Marly Santos (marly@ufba.br) on 2018-09-03T17:17:17Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Texto completo_28_2_14_Ed_28_03_2014.pdf: 6894931 bytes, checksum: 5cc533a586af75f8297528e031545cfa (MD5) Made available in DSpace on 2018-09-03T17:17:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Texto completo_28_2_14_Ed_28_03_2014.pdf: 6894931 bytes, checksum: 5cc533a586af75f8297528e031545cfa (MD5) Esta pesquisa se refere a um estudo prático-teórico, na linha de Poéticas e Processos de Encenação em Artes Cênicas e foi conduzida pelo desejo da pesquisadora de ampliar os conhecimentos de sua formação como artista e professora de teatro. Trata-se da produção de um contexto poético-reflexivo, no qual se cruzam três grandes campos: Processos Criativos, Imaginário e Teatro de Animação. Teve como objeto disparador a prática da atriz que construiu e animou seu próprio personagem-boneco no espetáculo Protocolo Lunar. Neste considerou-se as interfaces do Teatro de Animação como encenação contemporânea com estratégias metodológicas colaborativas. No referido contexto, foram compreendidos, interpretados e tornados visíveis Princípios e Procedimentos criativos de concepção, construção e atuação do personagem-boneco para cena a partir do ponto de vista de quem constrói e anima. Trata-se de metodologia adequada a processos de criação artística, que opera com a Abordagem Compreensiva apresentada por Sonia Rangel, a qual, entre outros autores, se apoia na Teoria da Formatividade de Luigi Pareyson. Igualmente, foram considerados os pensamentos de outros autores para fundamentar a pesquisa, tais como Ana Maria Amaral, Valmor Beltrame, Henryk Jurkowski, Gaston Bachelard, Cecília Almeida Salles, Ítalo Calvino, Klauss Vianna, Marco Souza. A pesquisa de campo foi desenvolvida a partir de Laboratórios Criativos com o Grupo Os Imaginários, além de incluir o diálogo com três outros artistas, Gil Teixeira, de Salvador, Bahia; Anibal Pacha, de Belém do Pará e Marcelo Lafontana, de Vila do Conde, Portugal, por meio de entrevistas. Eles foram selecionados pelo critério de também partilharem prática cênica semelhante. A perspectiva, além de registrar a memória de processos criativos em Teatro de Animação, é poder articular com outras pesquisas realizadas, colaborar com a discussão, o aprofundamento, os desdobramentos e a ampliação das reflexões que já existem neste campo. This research refers to a practical-theoretical study, in the Poetics and Processes Staging Performing Arts in line and was driven by the desire of the researcher to broaden the knowledge of his training as an artist and teacher of theater. It is the production of a poetic-reflexive context in which intersect three major fields: Creative Processes, Imaginary and Animation Theater. Object was to trigger the practice of the actress who has built his own character and animated puppet-show in Lunar Protocol. This was considered the interfaces of the Animation Theater as contemporary staging with collaborative methodological strategies. In that context, were understood, interpreted and made visible Principles and Procedures of creative design, construction and performance character-puppet to the scene from the point of view of who builds and animates. It is suitable for artistic creation processes, which operates the Comprehensive Approach by Sonia Rangel, which, among others, rests on the theory formativeness Luigi Pareyson methodology. Also, we considered the thoughts of other authors to support research, such as Ana Maria Amaral, Valmor Beltrame, Henryk Jurkowski, Gaston Bachelard, Cecilia Almeida Salles, Italo Calvino, Klauss Vianna, Marco Souza. The field research was developed from Creative Labs with Imaginary Group and includes dialogue with three other artists, Gil Teixeira, Salvador, Bahia; Anibal Pacha, of Belém do Pará and Marcelo Lafontana, Vila do Conde, Portugal, through interviews. They were selected by the criterion also share similar stagecraft. The prospect, and to record the memory of creative processes in Animation Theater is able to articulate with other surveys conducted, supporting the discussion, deepening, the unfolding and expansion of reflections that already exist in this field.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2013. Esta tese propõe revisar a persistente formulação crítica, datada do início do século XX, que reconhece a existência de incompatibilidade entre o texto teatral e a encenação e aprofunda certa ruptura entre a voz, a palavra e a cena. Também propomos resgatar, a partir da própria tradição teatral ocidental, a proposta do ator, diretor e professor Michel Saint-Denis como potente referência para a redimensão de tal formulação, uma vez que o diretor considera o texto teatral a partir de sua materialidade e, baseando-se na noção de estilo como um espaço de negociação entre o texto teatral e a sua atualização, formula propostas de formação de atores na qual considera a palavra em cena em sua dimensão performática. O método cartográfico proposto a partir da pragmática dos teóricos do desejo Gilles Deleuze e Félix Guattari, os quais compreendem a esfera estética como uma prática política, permitiu que nos posicionássemos a partir de nossas experiências estéticas e pedagógicas, como estudante e como professora. O modo indisciplinar de tal proposta, nos motivou a reconhecer as dimensões de produção, reprodução e representação, propostas por Silvia Davini para a análise de objetos artísticos, como um modo eficaz de observar o texto teatral e a cena a fim de evidenciarmos as singularidades das relações entre ambos, considerando suas diferenças e potencialidades. A partir da necessidade de tematização de questões centrais para a nossa pesquisa como o texto teatral, a encenação teatral, a voz, a palavra, a letra, a forma, a produção de estilo e a formação de atores, considerando-as a partir de suas contingências e de seus agenciamentos, optamos por proceder a Análises de Discurso de textos específicos de autores como Friedrich Hegel, Antonin Artaud, Theodor Adorno e Michel Saint-Denis, a fim de avaliarmos suas perspectivas sobre as questões supracitadas. Com o objetivo de observarmos a mesma questão de uma perspectiva estética, realizamos a Análise Comparada de duas versões baseadas no texto teatral O Marinheiro de Fernando Pessoa, nas quais tivemos participação efetiva como atriz, diretora e produtora. As versões de 2000 e de 2010, intituladas respectivamente, O Marinheiro e O Naufrágio, basearam-se em pressupostos conceituais e metodológicos diferentes. Tal comparação viabilizou a verificação das diferentes articulações do texto teatral e da encenação e demais fatores que incidem nesta relação, que resultam na produção de estilo. A revisão de aspectos conceituais em ambas as perspectivas sobre a encenação e o texto nos permitiu identificar a importância de propostas críticas e metodológicas mais inclusivas e menos reativas para a análise e para práticas pedagógicas e estéticas que abrangem as relações entre o texto teatral e a encenação. Quando a linguagem da encenação teatral e o texto teatral são reconhecidos a partir do potencial material de suas relações, podemos considerar as suas diferenças, respectivamente, enquanto performance cênica e representação gráfica de proposta para a cena, e propor abordagens metodológicas no contexto da formação de atores e da produção teatral que possibilitem uma relação produtiva entre tais dimensões, valorizando a multiplicidade comunicativa da linguagem da cena. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT This thesis proposes to review the continuing critical formulation, dating from the early twentieth century, which recognizes the existence of a conflict between the text and the theatrical staging and deepens a certain break between the voice, the word and the scene. It also proposes to release, from the Western theatrical tradition itself, the proposal of the actor, director and professor Michel Saint-Denis as a powerful reference for the resizing of such a formulation, since the director considers the theatrical text from its materiality and, based on the notion of style as a space of negotiation between the theatrical text and its activation, formulates proposals for actors training on which considers the word on the scene in its performative dimension. The cartographic method proposed from the pragmatics of the desire theorists Gilles Deleuze and Félix Guattari, who understand the aesthetic sphere as a political practice, allowed us to positioning from our aesthetic and educational experiences as a student and teacher. The indisciplinary way of such a proposal, motivated us to recognize the dimensions of production, reproduction and representation, proposed by Silvia Davini for the analysis of art objects, as an effective way to observe the theatrical text and the scene in order to highlight the singularities of the relationship between them, considering their differences and potentials. From the need to thematize central issues to our research as the theatrical text, theatrical staging, voice, word, letter, shape, style production of actors training, considering them from their contingencies and their assemblages, we chose to carry out discourse analyzes of specific texts from authors such as Friedrich Hegel, Antonin Artaud, Theodor Adorno and Michel Saint-Denis, in order to evaluate their perspectives on the above issues. In order to observe the same question from an aesthetic perspective, we conducted a comparative analysis of two versions based on the theatrical text The Sailor by Fernando Pessoa, in which we had effective participation as an actress, director and producer. The 2000 and 2010 versions, respectively entitled, The Sailor and The Wreck, were based on different conceptual and methodological assumptions. This comparison allowed the verification of the different articulations between the theatrical text and the staging and other factors that affect this relationship, resulting in the style production. The conceptual issues review in both perspectives on the staging and text allowed us to identify the importance of critical and methodological proposes more inclusive and less reactive to the analysis and the pedagogical and aesthetic practices that encompass the relationship between text and theatrical staging. When the theatrical staging language and theatrical text are recognized from its relationships’ material potential, we can consider their differences, respectively, while scenic performance and graphical representation from a scene proposal, and suggest methodological approaches in actors training and theatrical production that enable a productive relationship between these dimensions, highlighting the communicative the multiplicity of the scene language.

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-08-27T18:14:45Z No. of bitstreams: 1 dissertação completa.pdf: 1783919 bytes, checksum: dbafef09d3d0ba966007c47d9b66d847 (MD5) Approved for entry into archive by Marly Santos (marly@ufba.br) on 2018-08-27T21:55:05Z (GMT) No. of bitstreams: 1 dissertação completa.pdf: 1783919 bytes, checksum: dbafef09d3d0ba966007c47d9b66d847 (MD5) Made available in DSpace on 2018-08-27T21:55:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 dissertação completa.pdf: 1783919 bytes, checksum: dbafef09d3d0ba966007c47d9b66d847 (MD5) O riso tem sido motivo de reflexão de diversos teóricos e filósofos. Contudo, no campo das artes cênicas, são raros os trabalhos que abordem o ofício do ator na cena cômica sem restringirem-se a formas, gêneros ou estéticas específicas. Diante disso, esta pesquisa busca investigar possibilidades de construção ou potencialização dos efeitos risíveis no trabalho do ator dentro de uma cena cômica através dos gestos. Para isso, são tomados como referencial teórico os pensamentos do filósofo francês Henri Bergson a respeito do riso. A partir dos estudos do pensador e de sua teoria do mecânico colado no vivo, traçam-se paralelos com as reflexões de encenadores como Stanislavski, Burnier e Dario Fo, encontrando neles aproximações com a prática teatral. A partir daí, observa-se no gesto do ator a possibilidade da utilização das reflexões bergsonianas na cena cômica. Do ponto de vista metodológico, são analisadas duas oficinas realizadas com os atores-alunos dos cursos de graduação em Interpretação da Universidade Federal da Bahia (UFBA) e de Licenciatura em Teatro do Instituto Federal de Educação, Ciência e Tecnologia (IFCE). Estas incursões práticas foram estruturadas a partir de exercícios criados pelas relações entre as ideias de Bergson e a prática teatral. Por meio delas, analisam-se as implicações que a utilização do gesto trouxe à prática destes atores-alunos nas oficinas e suas possíveis contribuições para a cena cômica. For a long time, laugh has been the subject of reflection for many theorists and philosophers. However, on the performing arts, there are few studies about the actor in the comic scene without restricting itself to forms, genders or specific esthetics. Thus, this research investigates possibilities of building or potentiation of the laughable effects in the actor’s work into a comic scene. For this reason, takes as reference the French philosopher Henri Bergson’s thoughts about laugh. Based on this studies and his theory of mechanical pasted in live, draws parallels with the reflections of directors as Stanislavski, Burnier e Dario Fo, finding it approaches to the theatrical practice. Thereafter, observes the gesture of the actos as a possibility of using the Bergson’s reflections in comic scene. From the methodological view, analyzes two workshops with actors-students of undergraduate courses in Interpreting of Universidade Federal da Bahia (UFBA) and the pedagogy of theater of Instituto Federal de Educação, Ciência e Tecnologia (IFCE). These practices were structured from exercises created by the relationships between Bergson’s ideas and theater practical. Through them, analyzes the implications that gesture bring to the practical of these actors-students in the workshops and their possible contributions to the comic scene.

Orientador: Suzi Frankl Sperber Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Essa dissertação propõe a investigação de uma prática para atores, que sirva tanto para o contexto teatral quanto para o performativo. Buscam-se procedimentos que pouco a pouco permitam a autonomia dos atores para que eles possam encontrar seu próprio caminho estético e treinamento. Para tanto, este estudo tem como referência a Coreologia o Viewpoints, o Movimento Imagem e os Jogos Teatrais. Abstract: This thesis proposes the investigation of a practice to actores that serves to theatral context and performative context. The searching of procedures that step by step permit an actors'autonomy to they persue their own aesthetics and training way. Therefore, this study has as reference the Coreology, the Viewpoints, the Moving Image and the Theater Games. Mestrado Teatro, Dança e Performance Mestre em Artes da Cena

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2012-10-05Bitstream added on 2014-06-13T19:27:47Z : No. of bitstreams: 1 leonardi_lm_me_ia.pdf: 1489038 bytes, checksum: 0e74d1be4d2465ed851859dc591300f5 (MD5) Universidade Estadual Paulista (UNESP) Este trabalho é uma reflexão sobre os processos de criação da Compagnia Laboratorio da Fondazione Pontedera Teatro, na Itália, de 1986 a 2009. O foco das análises está na relação “diretor ignorante” e “ator emancipado”, conforme as expressões cunhadas por Jacques Rancière, em referência à relação aprendizagem/criação cujo mestre/diretor não assume a figura tradicional de instrutor. Nos processos de criação analisados, tal como no modelo apresentado por Rancière, a igualdade, a liberdade e a autonomia são pressupostos para a criação. Assim, o experimento artístico adquire maior importância que a obra acabada, pois é considerado uma prática pedagógica de autoformação, ou seja, trabalho do ator sobre si mesmo. O presente estudo percorre a história destas práticas nos processos da Compagnia até as experiências mais recentes, realizadas entre 2008 e 2009. Para alcançar a essência dessas vivências coletivas, apoiei-me metodologicamente na análise do discurso dos atores, empreendida por meio das “unidades de significado”, procedimento apresentado por Ozeneide Venâncio Mello Machado This work is a reflection on the creating process of the Compagnia Laboratorio da Fondazione Pontedera Teatro, in Italy, from 1986 to 2009. The analysis focus is the relationship ignorant director and emancipated actor, as the expression coined by Jacques Rancière, in reference to the relationship learning / creating whose master / director does not take the traditional figure of the instructor. On the creating processes analyzed, as in the model presented by Rancière, equality, freedom and autonomy are preconditions for creation. Thus, the art experimentation takes greater importance than the finished work, because it is considered as a pedagogical practice of self instruction, in another words, the actor's work on himself. This study covers the history of these practices in the processes of the Compagnia to the most recent experiments, carried out between 2008 and 2009. To achieve the essence of these collective experiences, I relied methodologically on the actors' speech analysis, undertaken on the meaning units, presented by Ozeneide Venâncio Mello Machado

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2012. A dramaturgia contemporânea não se refere mais a um conceito singular, a arte de escrever dramas, mas antes, abarca todas as artes da cena e suas articulações. Percebe-se que nas últimas décadas o conceito de dramaturgia tem-se expandido, e essa expansão assinala novos paradigmas na criação artística, baseada no questionamento das noções de autoria, na desierarquização das artes e em novos protocolos de criação. A democratização dos processos criativos e o fim da supremacia do texto possibilitam a criação de conceitos de dramaturgia que se baseiam ora em outro conceito de palavra, ora no movimento, na imagem, na sonoplastia. Não encontrando espaço nas definições dramatúrgicas convencionais, novos grupos, atores, bailarinos e pensadores de teatro vêm cunhando outros conceitos como dramaturgia da cena, dramaturgia do som, dramaturgia da luz, dramaturgia do ator, dramaturgia do corpo, dramaturgia do movimento, dramaturgia coletiva, a dramaturgia colaborativa, a dramaturgia da imagem, entre outros. Nesta dissertação, escolhemos como foco as dramaturgias da cena, do ator e do corpo, por seu papel emblemático nessa expansão no que diz respeito às suas contribuições para a cena contemporânea. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT Contemporary dramaturgy no longer refers to a single concept, the art of writing drama, but rather encompasses all performance arts and their family ties. It is noticeable that in the last decades the concept of dramaturgy has expanded, which marks the ascension of new paradigms of artistic creation based on questioning notions of authorship, on the dehierarchization of the arts and new creation protocols. The democratization of creative processes and the end of the supremacy of the text make way for the creation of concepts of dramaturgy based either in novel concepts of text, or of movement, image, sound. Finding no space within conventional definitions of dramaturgy, new groups of actors, dancers and thinkers of theater have been carving different concepts such as dramaturgy of the scene, dramaturgy of the sound, dramaturgy of lighting, dramaturgy of the actor, dramaturgy of the body, dramaturgy of movement, collective dramaturgy, collaborative dramaturgy, dramaturgy of the image, among others. For this dissertation, we have chosen to focus on the dramaturgies of the scene, the actor and the body, as we view their role as emblematic within the aforementioned expansion, for their contribution to contemporary drama.

Este estudo busca compreender o pensamento de K. Stanislávski apresentado no Estúdio de Ópera Bolshói em sua atitude extrema, e o salto realizado a partir da pesquisa de um tema constante. Atitude extrema entendida como a pesquisa partindo resultados que permaneceram no exercício criador, ou seja, na prática cotidiana do estúdio e na proposição de ideais a serem compartilhados junto àqueles atores-cantores. O recorte temporal se dá entre os anos de 1918 e 1922: período em que Stanislávski apresenta o sistema aos atores-cantores, e durante o qual é o condutor direto dos trabalhos naquele estúdio. Este trabalho apresenta as características e as decorrências do surgimento dos estúdios no fazer teatral como espaços voltados à formação do ator, revisão breve que serve à contextualização da importância desses locais para a renovação do teatro pretendida pelos encenadores-pedagogos. A partir disso, é direcionado à fundação do Estúdio de Ópera Bolshói, trabalhando na perspectiva de abordagem das grandes linhas do pensamento do mestre russo para um estúdio: a comunidade teatral, o mestre como condutor único e a pesquisa de um tema constante de trabalho (condição criadora). Quando compreendida a relação entre alunos e mestre na pesquisa de um tema constante, o trabalho chega ao momento de comunhão dos mistérios criadores apontados por Stanislávski como os sete degraus comuns a todos. Diante da investigação de suas proposições, o ator atingiria o salto como consequência dessa trajetória, no Estúdio de Ópera Bolshói: da condição criadora à condição heroica, momento em que o fazer teatral ultrapassa suas medidas. A partir da pesquisa e da análise da trajetória do mestre russo junto ao Estúdio de Ópera Bolshói foi possível compreender e identificar o estabelecimento de um movimento criador interno em sua prática, no qual o labor diário e comprometido é assimilado como algo que antecede e transcende o espetáculo. This study intends to comprehend the knowledge of K. Stanislávski developed in the Bolshoi Opera Studio: his extreme attitude and jump from the research in a constant theme. Extreme attitude understood as the research from the results that remained in the exercise creator, that is, in practice of the studio and in a proposing idea to be shared among those actor-singers. The time snip is between 1918 and 1922, a period in which he presents the system to the actor-singers, and during which he is the direct leader/conductor of the workers in this studio. Reaching its goal, this work presents that is characterized the advent of the theater studios, spaces dedicated to formation of actor, a brief review which serves to contextualize the importance of these locals for the renewal intended by the theater director-pedagogues. From this survey, the study is focused in particular on the foundation of the Bolshoi Opera Studio, working with a view to addressing the broad lines thought of the Russian master for a studio: the theater community, the master as the only leader/conductor, and the search as a constant theme of work (creative condition). From the comprehension of the students relationship and teacher in the search of a constant theme, the work reaches a point of communion between teacher and students, that is, the revelation of the mysteries creators, appointed by Stanislavsky as the seven steps common all. In front of the investigation of his propositions, the work reaches what is considered a leap and a consequence of that the director-educator work trajectory: from the creative condition to the heroic condition in the actor work, when the research is able to overcome the theater measures. From the research and analysis of the Russian master trajectory with the Bolshoi Opera Studio, it was possible to comprehend and identify the establishment of a internal creative movement of his theater make, in which, the theater make is comprehended as something that precedes and transcends the spectacle.

Nesta dissertação resgata-se a experiência acumulada no trabalho com a máscara teatral, ao longo de mais de duas décadas, através da prática e da pesquisa pessoal, do contato com artistas e pesquisadores do uso da máscara teatral e do ensino dedicado à formação de profissionais do teatro; ressalta-se a contribuição de artistas-pedagogos para o trabalho com máscaras teatrais, entre eles Jacques Copeau, Etienne Decroux, Jacques Lecoq; aborda-se o uso de três máscaras de cunho pedagógico: a máscara neutra, as máscaras larvárias e as máscaras expressivas inteiras de anciãos de olhos pintados e, consequentemente, o trabalho com uma dramaturgia do silêncio; salienta-se o uso das máscaras de base no processo de iniciação teatral, considerando-as como alicerce para o uso futuro da meia máscara expressiva; busca-se, também, refletir sobre o ofício do ator, pautado, aqui, pelo domínio artesanal de uma técnica codificada, apontando a necessidade do trabalho de preparação corporal pré-expressivo como condição primeira para o ator vestir uma máscara. Discutem-se, ainda, questões pertinentes à máscara como dispositivo mediador que impõe ao ator a assunção de suas características intrínsecas e, ao mesmo tempo, exige dele uma generosidade total para que a torne maleável como uma segunda pele. En esta disertación se rescata la experiencia acumulada con el trabajo con la máscara teatral a lo largo de más de dos décadas, a través da la práctica y de la investigación personal, del contacto con artistas e investigadores en el uso de la máscara teatral y de la enseñanza dedicada a la formación de profesionales del teatro; se resalta la contribución de artistas-pedagogos para el trabajo con máscaras teatrales, entre ellos Jacques Copeau, Etienne Decroux, Jacques Lecoq; se aborda el uso de tres máscaras de cuño pedagógico: la máscara neutra, larvarias y las expresivas enteras de ancianos de ojos pintados y, consecuentemente, el trabajo de una dramaturgia del silencio; se resalta el uso de las máscaras de base en el proceso de iniciación teatral, considerándolas como fundamento para el uso futuro da la media máscara expresiva; se busca, también, reflexionar sobre el oficio del actor, pautado, aquí, por el dominio artesanal de una técnica codificada, apuntando a la necesidad del trabajo de preparación corporal pre-expresivo como condición primera para el actor que viste una máscara. Se discuten además cuestiones pertinentes a la máscara como dispositivo mediador que le impone al actor que asuma sus características intrínsecas y, al mismo tiempo, exige de él una generosidad total para que la torne maleable como una segunda piel.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2008. O objeto de estudo da presente pesquisa é o trabalho do ator desenvolvido no processo criativo da peça EUTRO do Grupo Experimental Desvio, dentro do qual é investigado como a verdade cênica pode conduzir o trabalho do ator, considerando a identidade do sujeito (ator) e sua subjetividade em cena. A hipótese da presente pesquisa sugere que o ator, ao identificar e considerar suas características subjetivas enquanto sujeito com identidades múltiplas, poderia trabalhá-las em seu processo de criação na montagem teatral de EUTRO, na qual a verdade cênica se realizaria pelo ajuste das características subjetivas do ator com as características de sua personagem. O conceito de verdade cênica, introduzido pelo diretor russo Constantin Stanislavski, foi apropriado pelo Grupo Experimental Desvio quando identificamos que ele trabalhava a verdade em cena de uma maneira muito próxima a que nós idealizávamos. Para Stanislavski, a utilização por um ator dos próprios sentimentos em cena é uma das chaves para a concretização da verdade cênica. Deste modo, decidimos revisar esse conceito de Stanislavski e atualizá-lo, adaptando ao nosso contexto. Depois de atualizar tal conceito, considerando a subjetividade e identidade do sujeito na pós-modernidade, nós delineamos um processo de criação cênica dentro da sala de ensaio junto com o grupo. Assim, foi possível experimentar, principalmente por meio da improvisação, possibilidades dentro desse processo para que o ator pudesse alcançar aquilo que consideramos como verdadeiro em cena. Ou seja, o ator assumir no palco sua presença e a utilização de seus próprios sentimentos e pensamentos a favor de sua personagem. _____________________________________________________________________________ ABSTRACT The object of this study is the actor’s work developed in the creative process of the play EUTRO performed by Grupo Experimental Desvio, within which it is investigated how the theatrical truth can lead the work of the actor, considering the identity of the subject (actor/performer) and their subjectivity in scene. The hypothesis of this research suggests that the actor who identifies and considers his subjective characteristics as a subject with multiple identities can work through them in the process of creation in the theatrical production of EUTRO, in which the theatrical truth would be achieved throughout the adjusting of the actor’s subjective characteristics with the characteristics of his character. The concept of theatrical truth, introduced by the director Russian Constantin Stanislavski, was appropriated by Grupo Experimental Desvio when they identified that his approach to the truth in scene is very close to what they’d idealized. Stanislavski believes that the use of an actor’s own feelings on the scene is one of the keys to the achievement of theatrical truth. Therefore, we’ve decided to review Stanislavski’s concept and bring it up-todate, adapting it to our context. After updating this concept, taking into account the subjectivity and identity of the subjects in post-modernity, we outlined a process within the rehearsal room in the company of the group. Thus, it was possible to examine, mostly by means of improvisation, possibilities within this process of acting in which the actor is able to achieve what we see as true in scene. That is, the actor takes on his presence and uses his own feelings and thoughts in the scene in favor of his character.

Orientador: Renato Cohen Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: O estudo visa pesquisar e definir um campo de experimentação cênica que se opera no teatro de grupo brasileiro nos anos 90: o processo colaborativo. São pesquisados procedimentos criativos de algumas companhias em atividade, a fim de analisar a organização interna, atuação, direção, construção dramatúrgica e cênica. Para cada companhia a ser pesquisada, desenvolvemse recortes específicos, tais como: a política interna e a divisão de trabalho, a partir da experiência coletiva da Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz (porto Alegre, 1978); a autonomia do ator-autor, principal agente criador da ação cênica, sob o viés criativo do grupo Lume (Campinas, 1985); a redefinição do perfil do diretor teatral, a partir das experimentações do grupo Teatro da Vertigem (São Paulo, 1992); e a dramaturgia em processo, elaboração da escritura cênica e textual em colaboração, proposta pela Companhia do Latão (São Paulo, 1996). Essa conjunção caracteriza, a nosso ver, um panorama importante das questões pertinentes ao processo colaborativo. Trata-se de uma pesquisa histórica e teórica, na qual se traça um perfil do teatro de grupo brasileiro dos anos 90 e suas implicações para a renovação da cena, dramaturgia e política cultural nacional Abstract: The objective of this thesis has been to appraise and define a field of scenical experimentation that was developed in Brazilian group theatre in he 1990s: the "collaborative process." Creative procedures of companies from various cities have been studied in order to analyze their internal organization, acting, directing, dramaturgy and performance. Specific aspects were considered for each company, such as: internal policies and task sharing in the collective experience of the Tribo de Amadores Ói Nóis Aqui Traveiz (porto Alegre, 1978); the autonomy of actor-author, the major creative agent of scenical action in the Lume (Campinas, 1985); the redefinition ofthe theatre director profile in the Teatro da Vertigem experiments (São Paulo, 1992); and the "dramaturgy in process", an approach to scenical writing on the basis of group collaboration, which has been investigated by Companhia do Latão (São Paulo, 1996). An important overview of historical and theoretical features that are pertinent to the "collaborative process" has emerged from the study of this corpus. The implications of group theatre of the 1990s for the revitalization of the Brazilian Performing Arts, dramaturgy and cultural politics are also addressed. Mestrado Artes Mestre em Artes