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L’article se propose d’évaluer la concurrence entre instances narratoriales qu’induit l’enchâssement narratif lorsqu’il intervient dans des récits en première personne, en s’appuyant sur les modèles antagonistes développés par Prévost et Marivaux. Les fictions narratives de Prévost subordonnent le récit enchâssé à la dynamique intégratrice du récit-cadre, tandis que Marivaux désaxe l’enchâssement de sa fonction première en le constituant en une séquence émancipée, un libre devenir du roman., This article aims to evaluate the competition between narrative instances produced by the integration of embedded narratives within first-person narratives, by drawing on the antagonistic models developed by Prévost and Marivaux. In Prévost’s narrative fiction, the embedded narrative is subordinate to the integrating dynamic of the frame story, whereas Marivaux turns the embedding away from its primary function by constructing it as an emancipated sequence, a free evolution of the novel.

Dans « Éva, Gloria, Léa ou l’effroi du lendemain », Virginie Thirion propose une analyse de Éva, Gloria, Léa, trois courtes pièces de Jean-Marie Piemme en s’attachant à mettre en lumière ce qui les unit et ce qui les sépare. Toutes trois pensent un théâtre non naturaliste à travers le présent de la représentation et la scène de l’imaginaire. Toutes trois proposent une forme de violence personnelle dans la violence du monde social. Toutes trois sont organisées autour d’une jeune femme, incarnation des possibles d’un même personnage et non de stéréotypes. Enfin, l’auteure, à travers la question de l’énonciation, met en lumière l’importance du spectateur-acteur et de l’acteur-narrateur dans ce théâtre de la multiplication des points de vue. Virginie Thirion’s article, "Éva, Gloria, Léa ou l'effroi du lendemain" (Eva, Gloria, Léa or the dread of tomorrow), analyses Éva, Gloria, Léa, three short plays by Jean-Marie Piemme, highlighting what unifies them and what differentiates them. All three works explore a non-naturalistic theatre through the present of the performance and the stage of the imagination. All three are staging a form of personal violence in the violence of the society. All three are organised around a young woman, embodying the possibilities of a single character instead of stereotypes. Lastly, the article, through the question of enunciation, highlights the importance of the spectator-actor and the actor-narrator in this theatre of multiplied points of view.

International audience; This article proposes a historical and epistemological reflection on the association, which goes as far as the identification, between narratology and pan-narratory theory of fictional narratives (a theory which postulates the existence of a fictional narrator in all fictional narratives). In doing so, it calls into question the obviousness or naturalness of this theory. Some remarks on the context of the emergence and establishment of this theory may have a more general scope for the various sectors of literary theory.; Cet article propose une réflexion historique et épistémologique sur l’association, qui va jusqu’à l’identification, entre la narratologie et la théorie pan-narratoriale des récits de fiction (théorie qui postule l’existence d’un narrateur fictionnel dans tous les récits de fiction). Ce faisant, il remet en cause l’évidence ou la naturalité de cette théorie. Quelques remarques sur le contexte d’apparition et d’instauration de cette théorie peuvent avoir une portée plus générale pour les divers secteurs de la théorie littéraire.

Même si les parties du Temps retrouvé ont été conçues ou encore retouchées à des dates différentes, la force de l’œuvre leur donne une cohérence rétrospective. La sociologie romanesque y atteint son achèvement, mettant en scène un au-delà de la vie de Proust, et invitant à se demander si le livre qu’écrira le héros est celui qu’achève le narrateur. La philosophie esthétique pour finir exposée ne se détache jamais du tissu romanesque. Même l’imprévu avait été prévu., Although parts of Le Temps retrouvé were conceived or reworked at different dates, the strength of the work lends them a coherence in hindsight. The sociology of the novel reaches its terminal point, staging a beyond of Proust’s life, and inviting us to wonder if the book that the hero will write is the one that the narrator completes. When at last exposed, the aesthetic philosophy never detaches itself from the novelistic fabric. Even the unexpected had been foreseen.

Avec L’Île à hélice, publié en 1895, Jules Verne imagine une île artificielle et mobile qui transporte une ville futuriste peuplée de milliardaires. Ce roman présente une vaste palette de sujets parmi lesquels trois aspects sont retenus ici : le discours utopique qui fait l’objet de commentaires ironiques du narrateur, la critique du pouvoir de l’argent, et la description de l’échec d’une création qui est contre-nature., With L’Île à hélice (Propeller Island), published in 1895, Jules Verne imagines an artificial and mobile island that carries a futuristic city populated by billionaires. This novel presents a vast range of subjects, three aspects of which are discussed here: the utopian discourse which is the object of ironic comments from the narrator, the criticism of the power of money, and the description of the failure of a creation that goes against nature.

This article explores the issues at stakes in defining the narrative caption. As a starting point, it reviews usual definitions which combine a functional component (the caption provides a certain kind of information), a graphic component (that characterizes it as a space) and an enunciative component (the text which conveys the narrator’s voice) are combined. The article distingues between two objects: on the one hand the text box as a peripheral space in relation to the panel, on the other hand the caption as a textual element. In order to avoid the disputed concept of narrator and to include a wider set of texts, the caption as a text is defined by its lack of deictic anchoring in the image. Examples of atypical texts employed as captions in Watchmen illustrate this alternative definition’s value for analysis. The distinction between two objects, box (space) and caption (text), usually combined and complementary, finally allows us to explore in Building Stories a few cases of non coincidence between text types and space types : the conceptual distinction will allow an easier description of these cases., Cet article explore les enjeux d’une définition du récitatif, en prenant comme point de départ l’analyse de définitions usuelles de cet objet dans lesquelles se mêlent une composante fonctionnelle (apporter un certain type d’information), une composante graphique qui le caractérise comme espace et une composante énonciative (le texte énoncé par un narrateur ou un récitant). Il propose de distinguer deux objets : d’un côté le récitatif comme espace périphérique par rapport à la vignette (récitatif-I), de l’autre le récitatif comme élément textuel (récitatif-II). L’article propose de définir le récitatif comme texte à partir de son absence d’ancrage déictique dans l’image, afin de faire l’économie de la notion instable de narrateur et de décrire ainsi un plus large ensemble de textes. L’exemple de l’emploi comme récitatifs de textes atypiques dans Watchmen illustre un intérêt possible de cette définition alternative pour l’analyse. La distinction entre deux objets, espace et texte, souvent associés et complémentaires, permet enfin d’explorer dans Building Stories quelques cas de non-coïncidence des types de texte et des types d’espaces de bande dessinée que cette séparation conceptuelle permet de décrire plus aisément.

L’objet de cette étude est l’analyse du statut singulier du poète dans le troisième conte (maḥberet) du Sefer ha‑meshalim composé au xiiie siècle par Yaakov ben Éléazar. Elle se fonde sur l’examen de la frontière, parfois très mince, entre la réalité et la fiction. Il s’agit d’une compétition entre Lemuel, narrateur et protagoniste du conte mais aussi l’alter ego de Yaakov, l’auteur « historique », et le poète adverse. L’enjeu est d’améliorer un vers de la poésie de Yemima, le personnage d’une poétesse présent dans un autre conte. Le défi à relever est de composer un vers sur le même sujet avec autant d’images, puis de poursuivre le concours en augmentant le nombre de métaphores. On découvre à travers ce débat une représentation du poète, pris entre l’angoisse de l’échec et la confiance dans son talent, désireux d’être reconnu du public. L’analyse du fonctionnement de ce dispositif repose sur l’examen de la mise en scène de la compétition, des noms et prénoms donnés aux personnages, des métaphores choisies et donc de la virtuosité technique présente à chaque étape, ainsi que du statut de chacune des figures, tout particulièrement de celle de la poétesse. The purpose of this paper is to analyze the status of the poet in the third tale (maḥberet) of Sefer ha-Meshalim, by Yaakov ben Eleazar, written in the thirteenth century. This examination focuses on the very thin line between reality and fiction, as is reflected in the tale. The tale describes a competition between Lemuel (the narrator and protagonist of the tale but also the alter‑ego of Yaakov, the “historical” author) and the poet’s rival. Their challenge is to improve a verse written by Yemima (a poetess, the protagonist of another tale) by composing a verse on the same subject with the same number of images, and then to continue the contest by increasing the number of metaphors. Through this competition, the readers are introduced to a representation of the poet, caught between the anguish of failure and his confidence in his talent, eager to be recognized by the public. The article analyses these features based upon the staging of the competition, the names given to the characters, the interpretation of selected metaphors and the technical virtuosity demonstrated at each stage, as well as the status of each of the figures, especially that of the poetess. המאמר מנתח את מעמדו של המשורר במחברת השלישית של ספר המשלים ליעקב בן אלעזר, שנכתב במאה השלוש-עשרה. בחינה זו מתמקדת בקו הדק שבין המציאות לבדיה, כפי שהיא משתקפת ביצירה. המחברת מתארת תחרות בין למואל (המספר והגיבור, אך במקביל גם האלטר-אגו של יעקב, הסופר «ההיסטורי») לבין יריבו של המשורר. השניים מתחרים על שורת שיר של המשוררת ימימה (גיבורת העלילה ממחברת אחרת) שלדעתם יש לשפרה, וזאת על-ידי כתיבת שורה חדשה, טובה יותר, שתכלול כמות זהה של דימויים. בשלבי התחרות השונים, על המשוררים להגדיל בכל פעם את כמות המטפורות בשורה הנדונה. באמצעות ריב משוררים, נחשפים הקוראים לייצוגים השונים של דמות המשורר, הלכוד בין הפחד מכישלון לבין הביטחון העצמי בכישרונו, ובצורך שלו בהכרת הציבור. המאמר בוחן ומנתח את כל שלבי התחרות, את הקשר בין שמות הדמויות ותפקידיהן במחברת, מבחר מהדימויים השיריים המוצגים בכל שלב, תוך התייחסות לוירטואוזיות הפואטית של למואל.

Dans la premiere et la derniere partie de Balun-Canan, roman de Rosario Castellanos de 1957, la narratrice est une enfant. Elle raconte au present sa vie dans une famille de proprietaires terriens au Chiapas, lors des reformes agraires du president Lazaro Cardenas (1936-1940). L’article etudie les possibles emprunts a la litterature de jeunesse mexicaine pour construire cette enonciation. Au milieu du xxe siecle, les modeles de points de vue enfantins dans la litterature mexicaine et latino-americaine etaient rares. Il s’agit de se pencher sur les traits rhetoriques empruntes aux manuels scolaires, a la presse enfantine et aux livres pour enfants qui circulaient a l’epoque de l’enfance de Rosario Castellanos et qu’elle a pu lire. L’article se concentre sur les coutumes populaires qui apparaissent dans le roman, theme que l’on retrouve dans toutes les publications destinees aux enfants de l’epoque. De ce theme decoulent plusieurs traits rhetoriques, notamment l’expression de sentiments hyperboliques, la description realiste des coutumes locales, et un didactisme assez marque envers le lecteur. L’article etudie comment ces traits rhetoriques sont detournes de leurs usages originaux pour servir le propos politique et poetique du roman.

L’article esquisse une autopsie de l’acte narratif qui ne se réduit ni à une translittération des faits par un rapporteur neutre, ni à l’idiolecte d’une traduction non-neutre à même de trahir la précédente. Une médiation diégétique s’ajoute. Après avoir souligné la possible indépendance des actants à l’origine du récit de voyage (la triade Auteur/Narrateur/Voyageur), on envisage une cohabitation complexe d’actants qui tous participent à l’effectuation de l’acte., The article sketches out an autopsy of the narrative act, which is neither a mere transliteration of facts carried out by a neutral reporter, nor the idiolect of a biased translation, but a diegetic mediation. It considers the possible independence of the agents in which the travel narrative originates (the triad Author/Narrator/Traveller), before analyzing a complex cohabitation of agents who all participate in the effectuation of the narrative act.

Tales from Shakespeare (1807) écrit par Charles et Mary Lamb constitue le premier texte de langue anglaise à destination d’un public jeunesse médiant Shakespeare sous une forme fictionnelle. Ces réécritures reposent sur un narrateur qui s’approprie fréquemment les mots des personnages et propose ses commentaires et interprétations. De ce fait, si les pièces originelles proposaient des points de vue multiples (et souvent contradictoires), les réécritures présentent à l’enfant lecteur une version unifiée des personnages et de l’intrigue. C’est à la fin de l’époque victorienne et à l’époque édouardienne que les rééditions de Tales from Shakespeare ainsi que des recueils de contes adaptés de Shakespeare furent les plus populaires. Dans ces réécritures narrativisées, le narrateur donne constamment les raisons motivant chaque acte au lecteur enfant, qui a besoin d’assimiler l’œuvre du poète national (en d’autres termes, et sous un angle plus contemporain, qui a besoin de capital culturel). Mon article porte sur la relation particulière et souvent ambiguë qu’entretient le narrateur avec l’enfant lecteur au sein de ces recueils, en rendant les pièces shakespeariennes accessibles et agréables à lire pour un public jeunesse tout en contrôlant dans le même temps l’interprétation de ces pièces que l’enfant peut en faire. J’argue que cette entreprise de réécriture est fondamentalement paradoxale : les narrateurs contraignent, dans l’intérêt de l’enfant, sa lecture du texte, mais ce contrôle/cette contrainte pourrait le priver ou la priver de la possibilité de développer ses propres capacités à comprendre ce qui motive les personnages et leurs actions. Il semble que Shakespeare occupait une position trop cruciale au sein de la pédagogie victorienne à destination de la jeunesse pour donner aux jeunes lecteurs la liberté de tenter de résoudre (ou simplement faire sens) des ambiguïtés textuelles et morales, sans contrôle aucun. Charles and Mary Lamb’s Tales from Shakespeare (1807) was the first English attempt to mediate and remediate Shakespeare in fictional form for children, a form which relied on a narrator who often appropriates the characters’ words as their own and intrudes with comments and interpretations, so that out of the multitude of (often contradictory) viewpoints offered by the plays, a unified version of character and plot is presented to the child reader. As well as reprints of the Lambs’ Tales, collections of tales taken from Shakespeare were at the peak of their popularity in the late Victorian and Edwardian periods. In these narrative retellings, motivation is constantly offered to a child in need of acculturation in the national poet’s work (in other, more contemporary words, in need of cultural capital). My essay focuses on the special, multifaceted and often ambiguous relationship that the narrator establishes with the child reader in these collections, by making Shakespeare’s plays available to a child audience in a way they may find congenial and relevant, and yet at the same time controlling the child’s interpretation of the plays. I argue that there is an unresolved paradox at the core of this retelling enterprise: the child reader is gently coerced by narrators for his/her own good, although this control/coercion might deprive children of the possibility to develop their abilities to understand characters’ motivations or actions. It appears that Shakespeare occupied too crucial a position in Victorian childhood pedagogy to give young readers the freedom to try and resolve (or simply make sense of) textual and moral ambiguities in an uncontrolled way.

George MacDonald fait partie des auteurs victoriens qui ont pris part au renouveau du conte féerique avant que celui-ci ne devienne un des genres par excellence de la littérature jeunesse. À une époque où les enfants commencent à être considérés comme un lectorat à part entière, MacDonald entreprend de s’adresser à eux, mais n’en oublie pas les adultes pour autant. Ses contes visent ainsi à divertir mais surtout à édifier un public jeune tout autant qu’un public d’adultes ayant gardé une âme d’enfant. Entre tradition et modernité, ses écrits féeriques s’appuient sur l’omniprésence du narrateur pour mener leurs héros et leurs lecteurs sur le chemin d’une rectitude morale à toute épreuve. Tout à la fois amicaux, attentionnés, et moralement intransigeants, les narrateurs des contes de MacDonald s’inscrivent dans la veine didactique des contes traditionnels mais reflètent également le tournant subversif pris par le genre dans l’Angleterre victorienne. Ces figures de probité et de clairvoyance promeuvent en effet une ouverture d’esprit propre à ouvrir aux lecteurs les portes d’une réalité alternative, qui bien que surnaturelle, les invite à remettre en question le modèle et les valeurs de la société de leur époque. En l’enfant petit ou grand, MacDonald voit un interlocuteur privilégié, un réformateur en puissance, pourvu qu’il soit accompagné dans sa quête de sens. Ses contes féeriques et les différentes voix de la sagesse qu’ils font résonner sont là pour ça. George MacDonald is one of the Victorian authors whose fairy tales have brought about the renewal of the genre while becoming classics of British children’s literature. Meant for the whole family, his stories present the blend of didacticism and fantasy that characterizes the fairy tale genre as well as the Victorian taste for edifying while indulging in fancy. MacDonald actually wrote for children as much as for adults, insofar as he wanted to address a reader in particular that he conceptualized as the ‘childlike’, that is, an ideal ageless individual characterized by remarkable innocence and open-mindedness who would be able to grasp his progressive message. The author thus used fantasy to explore the human condition, question commonly-accepted values and certainties and launch his protagonists and readers on a metaphysical quest for meaning and personal improvement. His authorial project of reaching the child in the adult while modernizing the fairy tale notably led him to reconsider the genre’s narrative conventions. Through the creation of caring though authoritative narrative voices, MacDonald guides his transgenerational audience on the way to moral as well as social improvement, giving the genre a distinctive Victorian and utopian twist by intertwining his own personal social concerns with fairy tale standards.

The relevance of the research is determined by the need of philosophical and humanitarian consideration of the diary-chronicle of Bukovinian teacher and writer Ivan Bazhanskyi “War”. Exploring the textual features of the diary-chronicle genre requires a comprehensive analysis to make an effective communicative influence on the reader. The aim of scientific work is to characterize the text category of events in the Ivan Bazhanskyi diary-chronicle “War”. The novelty of research is conditioned by the fact that in the Ukrainian linguistics for the first time the language of the Ivan Bazhanskyi diary-chronicle "War" has been explored through the prism of the events textual category. Research methods. In the article as the main general scientific methods of analysis and synthesis are used, as well as linguistic – descriptive and structural methods. Conclusions. Event is a content category that is about highlighting a complex extralinguistic situation where several subjects interact, giving new character to an extralinguistic situation. The textual implementation of the event is extensive, primarily due to axiological evaluation, it is characterized by “significance”, the defining characteristic of the narrator, and by this means it is distinguished from nonevents. The “significance” of the event is associated with the reproduction of the psychological state, the experienced emotions of the subject and, accordingly, the author, with his personal life. Obviously that the events significance of wartime is the tragedy associated with the fighting and the loss of life, the description of which is striking by documentary. A detailed description of the war is intended to clarify the extralinguistic reality, to emphasize its allogism, La pertinence de la recherche scientifique face au besoin de réflexion philosophique et humanitaire chroniques de l'enseignant et écrivain de Bucovine, I. Bazhansky «War». Le but du travail scientifique est de caractériser la catégorie textuelle des événements dans le journal intime de I. Bazhansky «War». La nouveauté de la recherche scientifiqueréside dans le fait que, pour la première fois dans la linguistique ukrainienne, la langue du journal intime «Guerre» de I. Bazhansky a été étudiée à travers le prisme d'une catégorie d'événement textuelle. Méthodes de recherche. Les méthodes scientifiques générales d'analyse et de synthèse ont été utilisées comme principales, les méthodes linguistiques - descriptives, structurelles. Résultats. Concours complet - Genre catégorie, qui est de mettre en évidence une situation extra-linguistique difficile, où plusieurs sujets interagissent. La mise en œuvre textuelle de l'événement est volumineuse, principalement en raison de l'évaluation axiologique. Important pour les événements attribut expressif qui le distingue des non-événements., Актуальность научного исследования обусловлена необходимостью философско-гуманитарного осмысления дневника-хроники буковинского педагога и писателя И. Бажанского “Война”. Цель научной работы – охарактеризовать текстовую категорию событийности в дневнике-хронике И. Бажанского “Война”. Новизна научного исследования заключается в том, что впервые в украинском языкознании исследован язык дневника-хроники “Война” И. Бажанского сквозь призму текстовой категории событийности. Методы исследования. В качестве основных использованы общенаучные методы анализа и синтеза, лингвистические – описательный, структурный. Выводы. Событийность – жанровая категория, которая заключается в освещении сложной внеязыковой ситуации, где несколько субъектов взаимодействуют. Текстовая реализация события объемная, прежде всего за счет аксиологической оценки. Для событийности важен выразительный признак, который выделяет еѐ среди не-событий, Актуальність наукової розвідки зумовлена потребою філософсько-гуманітарного осмислення щоденника-хроніки буковинського педагога та письменника І. Бажанського “Війна”. Дослідження текстових особливостей жанру щоденника-хроніки потребує комплексного аналізу для здійснення ефективного комунікативного впливу на читача. Мета наукової роботи – схарактеризувати текстову категорію подієвості у щоденнику-хроніці І. Бажанського “Війна”. Методи дослідження. Як основні використано загальнонаукові методи аналізу та синтезу, лінгвістичні – описовий, структурний. За допомогою описового методу узагальнено спостереження над фактичним матеріалом, Структурний метод дав змогу інвентаризувати та систематизувати мовні явища. Новизна наукової роботи полягає у тому, що вперше в українському мовознавстві досліджено мову щоденника-хроніки “Війна” І. Бажанського крізь призму текстової категорії подієвості

The purpose of the article: to explore narrative strategies in the structure of the literary image of the doctor on the example of literature of the USA of the XIX century. Research methods: historical-literary, systemic, narratological, method of receptive aesthetics. Scientific novelty. The narrative configuration of the 19th century American prose was analyzed for the first time from the point of view of the narrative representation of the physician’s image. Findings. The narrative representation of the doctor is aimed at the critical contemplation of the nineteenth-century institute of medicine and the evaluation characteristic of the image of the medical worker. Narrative strategies for irony and satirization are at the heart of the narrative modeling of the physician’s image, which is primarily due to the historical context and the development of medicine in the United States of America during the period analyzed., Le but de l'article: étudier les stratégies narratives dans la structure de l'image littéraire du médecin sur l'exemple de la littérature américaine au XIXe siècle. Méthodes de recherche: historico-littéraire, systémique, narratologique, méthode d’esthétique réceptive. Nouveauté scientifique. La configuration narrative de la prose américaine du XIXe siècle a été analysée pour la première fois du point de vue de la représentation narrative de l’image du médecin. Conclusions. La représentation narrative du médecin vise la contemplation critique de l’Institut de médecine du XIXe siècle et l’évaluation caractéristique de l’image du travailleur médical. Les stratégies narratives pour l’ironie et la satirisation sont au cœur de la modélisation narrative de l’image du médecin, qui tient principalement au contexte historique et aux caractéristiques spécifiques du développement de la médecine aux États-Unis d’Amérique au cours de la période analysée., Літературний образ лікаря як представника однієї з фундаментальних професій будь-якого суспільства постає своєрідним “лакмусовим індикатором” історичного контексту, тенденцій епохи та унікального світогляду нації. Мета дослідження: розглянути викладові стратегії у структурі літературного образу лікаря на прикладі американської прози XIX століття. Методи дослідження: історико-літературний, системний, наратологічний, метод рецептивної естетики. Наукова новизна. Вперше проаналізовано наративну конфігурацію американської прози XIX століття з точки зору викладової репрезентації образу лікаря. Досліджено літературно-медичний дискурс прозових творів Натані-еля Готорна, Едгара Аллана По, Генрі Джеймса, Едварда Белламі, Марка Твена, Стівена Крейна та Емброуза Бірса. Висновки. Для літературного образу лікаря XIX століття характерні ексцентричність і володіння “секретними знаннями” (Н. Готорн); захоплення альтернативними і псевдонауковими медичними теоріями (Е.А. По, Е. Белламі); екстраполяція діагностичного методу на сферу міжособистісних відносин (Г. Джеймс); безсилля допомогти пацієнту або ж нанесення йому шкоди (Марк Твен і С. Крейн); загострена цинічність (Е. Бірс). Прикметною є репрезентація образу лікаря в утопіч-но-футуристичному наративі Е. Белламі (роман “Погляд назад: 2000–1887”), згідно з яким лікар майбутнього – це всебічно розвинена, високоерудована та енциклопедично обізнана особистість. У межах аналізованих творів, за винятком оповідання Е.А. По “Правда про те, що трапилося з містером Вальдемаром”, образ лікаря незмінно моделюється в оповіді від третьої особи. Наративна репрезентація лікаря спрямована на критичне споглядання тогочасного інституту медицини та оцінювальну характеристику образу медичного працівника. В основі наративного моделювання образу лікаря лежать викладові стратегії іронізації і сатиризації, що пов’язано насамперед з історичним контекстом та особливостями розвитку медицини у Сполучених Штатах Америки аналізованого періоду. Перспективи подальших досліджень полягають у вивченні діахронічних трансформацій літературного образу лікаря в амери-канській прозі XIX-XXI століть., Цель статьи: исследовать повествовательные стратегии в структуре литературного образа врача на примере литературы США XIX века. Методы исследования: историко-литературный, системный, нарратологический, метод рецептивной эстетики. Научная новизна. Впервые проанализирована нарративная конфигурация американской прозы XIX века с точки зрения повествовательной репрезентации образа врача. Выводы. Нарративная репрезентация врача направлена на критическое созерцание института медицины XIX века и оценочную характеристику образа меди-цинского работника. В основе нарративного моделирования образа врача лежат повествовательные стратегии иронизации и сатиризации, что связано прежде всего с историческим контекстом и особенностями развития медицины в Соединенных Штатах Америки анализируемого периода.

تأثرت عملية القص في الأوساط الشعبية على مدار العقود الأخيرة من القرن الماضي سلبا، جراء التطورات المتلاحقة على مستوى بنية التفكير الشعبي، والأنماط السلوكية المتبدلة لديه، والتي كانت نتيجة منطقية للمتغيرات الناجمة عن محاولة نمذجة مجتمع وفق أطر جديدة. ولعل الحديث عن النص المروي داخل المجتمع المعاصر، لم يعد موجودا الآن -إلا نسبيا -، إلا أنه يمكن افتراض وجوده، ومن ثمة تفعيل دور الراوي في استرجاع الفعل الروائي واسترداده، وتصور الأثر الذي قد يتركه النص المروي في نفوس المتلقين بفعل الرواية، خاصة حينما يمارس في أوقات بعينها، لعل أهمها تلك التي يتعرض فيها الشعب إلى أزمات من شأنها أن تفعل فعل الحكي بشكل كبير.

À l’instar des autres médias imprimés, la bande dessinée se matérialise aujourd’hui sur support numérique. Entre autres conséquences, ce passage du papier à l’écran redéfinit en profondeur les propriétés énonciatives du médium. On sait par exemple que les fonctionnalités interactionnelles caractéristiques du Web ont introduit des nouveautés notables en matière d’énonciation. L’essor des blogs-BD en portent témoignage : la possibilité, avec les blogs, d’inclure les commentaires des lecteurs dans le processus narratif a permis l’éclosion de stratégies énonciatives à la fois originales et ludiques (par exemple lorsque l’auteur dupe ses lecteurs en endossant le rôle d’un commentateur fictif). Du fait de leur nature conversationnelle, les blogs-BD posent à nouveaux frais la question de l’énonciation en bande dessinée, jusque-là cantonnée à des entreprises typologiques fondées sur l’observation d’œuvres papier. C’est ce que nous verrons dans le cadre de cet article. Une analyse communicationnelle du blog-BD de Florence Dupré la Tour montrera comment les outils interactionnels du blog modifient l’énonciation bédéique et les relations entre acteurs. In fine, l’analyse met en évidence la nécessité d’adopter une conception élargie du faire énonciatif, inspirée entre autres des travaux d’Emmanuel Souchier sur l’énonciation éditoriale., Like other print media, comics are now being digitally produced. Among other consequences, this passage from the paper to the screen redefines the enunciative properties of the medium. For example, we know that the interactional features of the web have introduced significant innovations in enunciation. The rise of comic-blogs bears witness to this process : the possibility, with blogs, of including readers’ comments in the narrative process has allowed the emergence of enunciative strategies that are both original and playful. Because of their conversational nature, the comic- blogs renew the question of the enunciation in comics, which has been confined up to now to typological constructions based on the observation of paper comics. This is the purpose of this article. A communicational analysis of the Florence Dupré la Tour comic-blog will show how the interactional tools of the blog modify the comic statement and the relationships between actors. In the end, the analysis highlights the need to adopt a broader conception of enunciation, inspired among others by Emmanuel Souchier's work on editorial enunciation., Interfaces numériques, 8(2), 2019

Dans la plupart des romans victoriens, le narrateur, parfaitement maître de son œuvre, tient le rôle d'un véritable guide pour le lecteur. Ainsi, il le rassure et lui communique des informations essentielles à la compréhension de l'histoire racontée. Les derniers romans du XIXe siècle diffèrent de leurs prédécesseurs par la présence moins évidente du narrateur, qui donne désormais plus de voix à ses personnages. Anthony Trollope, illustre représentant du roman psychologique, a toujours accordé une place importante aux pensées de ses personnages. Ceci est particulièrement manifeste dans He Knew He Was Right (1869), où il parvient, avec une grande dextérité et tout en conservant une certaine fluidité narrative, à passer du « psycho-récit » au « monologue narrativisé » pour reprendre les termes de Dorrit Cohn – ou, autrement dit, du discours indirect au discours indirect libre. Le narrateur ne disparaît pas totalement du récit mais s'efface aux yeux du lecteur, donnant ainsi plus de consistance à ses personnages mais semant le doute sur l'identité de celui à l'origine des sentiments exprimés : s'agit-il du narrateur ou du personnage ? In most Victorian novels, the storyteller, in full control of his narrative, takes the reader by the hand, reassuring them and transmitting the essential elements needed for the comprehension of the story. Through a subtle shift in the narrative stance, the later novels of the nineteenth century differ from the earlier – the narrator having stepped partially aside to give more voice to the characters. Anthony Trollope, one of the most representative figures in the history of the English psychological novel, is a typical example of a novelist who has always granted particular importance to the thoughts of his characters. This is particularly obvious in He Knew He Was Right (1869), a novel in which he skillfully and brilliantly manages to pass (in the words of Dorrit Cohn) from “psycho-narration” to “narrated monologue” – that is, from indirect speech to free indirect speech – while keeping some sort of narrative fluidity. The narrator does not entirely disappear from the text but allows himself to fade from the reader's attention, thus giving more consistency to the characters, but casting doubt upon the identity of the voice which is expressing the feelings – is it the narrator or the character?

International audience; This article examines the zoological discourse that, in Chevillard’s novel, is devoted to the hedgehog, and the way in which, through it, the author stages a face-off between the hero-narrator and the animal in the form of a drama performed behind closed doors, which represents the failure of the character’s autobiographical writing project and his transformation into a zoologist in spite of himself. Creating ironic tension between the autobiographical and zoological allows Chevillard to illustrate the complexity of the relationship between author and character.; Le présent article étudie le discours zoologique qui, dans le roman de Chevillard, est consacré au hérisson, et la manière dont, à travers lui, l’auteur met en scène le face à face du héros-narrateur et de l’animal, sous forme de drame à huis-clos, qui signe l’échec du projet d’écriture autobiographique du personnage et sa transformation en zoologue malgré lui. La mise en tension ironique de l’autobiographique et du zoologique permet à Chevillard d’illustrer la complexité des rapports entre auteur et personnage.

À mi-chemin entre nouvelle et essai, « An Unwritten Novel » met en place un jeu sur la frontière entre le voir et le cacher, le regardant et le regardé, l’opacité et la transparence, le soi et l’altérité. La construction du personnage, de l’intrigue, du contexte sont au cœur de la quête esthétique, et la question de la référence se pose inévitablement. Cet article explore les relations entre miroirs et transparence, entre fiction et métafiction. Half-way between a short story and an essay, “An Unwritten Novel” explores the thin-edged frontier between seeing and hiding, looking and being looked at, opacity and transparency, the self and the other. The construction of character, plot, and context is at the heart of the aesthetic quest, and the issue of reference is inevitably questioned. This essay investigates the relationships between mirrors and transparency, fiction and metafiction.

La représentation de l’écrivain dans la littérature québécoise s’inscrit dans une histoire d’émancipation, d’inadéquations et de résistances. Depuis les premiers travaux d’André Belleau, cette représentation a évolué et, dans les années 2000, se profile une figure de romancier à la fois plus confiante et plus évanescente que celle des années 1960-1970. L’écrivain, en s’affichant dans sa fiction, montre les attaques répétées faites par la théorie et par la société à son autorité créatrice. C’est ce que nous proposons d’observer, en nous reportant à Une estafette chez Artaud de Nicolas Tremblay et à Pleurer comme dans les films de Guillaume Corbeil. En abordant diverses figures auctoriales (Bartleby, l’anti-écrivain, l’écrivain frauduleux, etc.), nous serons amené à penser, par le fait même, le statut de la littérature dans la production littéraire québécoise contemporaine., The portrayal of the writer in Quebec literature is part of a history of emancipation, mismatches and resistances. Since André Belleau’s early works, that portrayal has evolved, and in the 2000s, an altogether more confident and more evanescent novelist figure than in the 1960s and 1970s can be noticed. Writers, by portraying themselves in their fiction, highlight the attacks repeatedly made by theory and society against their creative authority. This article studies such concepts through the analysis of Une estafette chez Artaud by Nicolas Tremblay and Pleurer comme dans les films by Guillaume Corbeil. By examining various figures of writer (Bartleby, the anti-writer, the fraudulent writer, etc.), this study thereby observes the status of literature in contemporary Quebec literature.

Le « roman historique genevois » de Théodore Aubert, 1814, et le roman de Dumur n’ont apparemment pas grand-chose en commun. Plusieurs éléments de structure émergent cependant et nous invitent à reconsidérer les sources historiques auxquelles ont puisé les deux hommes en même temps que les canons littéraires auxquels ils se sont soumis., Théodore Aubert’s “historical Genevan novel,” 1814, and Dumur’s novel do not seem to have much in common. Several structural elements emerge, however, which invite us to reconsider the historical sources the two men drew from along with the literary canons they submitted to.

Le présent article étudie le discours zoologique qui, dans le roman de Chevillard, est consacré au hérisson, et la manière dont, à travers lui, l’auteur met en scène le face à face du héros-narrateur et de l’animal, sous forme de drame à huis-clos, qui signe l’échec du projet d’écriture autobiographique du personnage et sa transformation en zoologue malgré lui. La mise en tension ironique de l’autobiographique et du zoologique permet à Chevillard d’illustrer la complexité des rapports entre auteur et personnage., This article examines the zoological discourse that, in Chevillard’s novel, is devoted to the hedgehog, and the way in which, through it, the author stages a face-off between the hero-narrator and the animal in the form of a drama performed behind closed doors, which represents the failure of the character’s autobiographical writing project and his transformation into a zoologist in spite of himself. Creating ironic tension between the autobiographical and zoological allows Chevillard to illustrate the complexity of the relationship between author and character.

v anglickém jazyce The subject of this diploma thesis is the work of the francophone writer Patrick Chamoiseau. The thesis reflects especially the theme of slavery in short stories and fairy tales of this Martinique author. The diploma thesis puts Patrick Chamoiseau's work in a historical and political context as well as the personal life of the writer. The diploma thesis describes geographic and cultural particularities of the Lesser Antilles and analyzes in more detail the story The Slave Old Man and the Giant Dog and selected fairy tales. Based on this analysis, the thesis describes typical themes and language tools used by Patrick Chamoiseau. The thesis also deals with oral literature and culture of Martinique and the current problems of society are also discussed through a reflection of another work by Patrick Chamoiseuau.

This article compares the comparative study of the epic form and the novelisticform undertaken by Georg Lukács in The Theory of the novel (1916) with GillesDeleuze’s distinction between “ethics” and “ethology.” Bordering the ethics of the novel,epic “ethology” would be a peculiarity of a literature able to take into account its ownconditions of realization and more broadly its transpersonal dimension at the heart ofthe aesthetics and the literary theory of the young Lukács., L’article confronte l’examen comparé de la forme épique et de la formeromanesque entrepris par Georg Lukács dans La Théorie du roman (1916), àla distinction établie par Gilles Deleuze entre « éthique » et « éthologie ». Àfront de l’éthique romanesque, l’« éthologie » épique serait le propre d’unelittérature à même de prendre en compte ses propres conditions d’effectuationet plus largement sa dimension transpersonnelle, au cœur de l’esthétique etde la théorie littéraire du jeune Lukács.

Difficult conversations in the ICU are often seen as ones of getting a surrogate decision-maker to make an end-of-life decision. However, allowing the surrogate decision-maker to become a narrator can alleviate the daunting task lying ahead., Les discussions complexes dans les services de soins intensifs sont souvent perçues comme un processus permettant d'amener un mandataire à prendre une décision de fin de vie. Toutefois, le fait de permettre au mandataire de devenir narrateur peut atténuer la tâche ardue qui l’attend.

The Homeric and Virgilian epics, as well as the Chanson de Roland are full of tenseswitching, the use of which might seem capricious to the modern reader. It is in fact much better understood when bodies’ presence is taken into account — these bodies being the bard’s one as well as the audience’s. Postures, gestures, moves, eyes, breath, music are joint partners to tenseswitching, so that tenses really dance in epics. This study is firstly about how each one of the main narrative tenses dances in Homer and the Roland, and also in the Æneid. Then it studies the way tenses dance in each of the small pieces we find in the classical epics as well as in the Roland : the laisses.; Les épopées d’Homère et de Virgile, la Chanson de Roland sont marquées par une alternance qui peut paraître capricieuse. En fait, on la saisit beaucoup mieux dès lors qu’on prend en compte la présence des corps : ceux du jongleur, de l’aède, du récitant ; le corps du public. Postures, gestuelle, mouvements, regard, souffle, musique s’articulent à cette alternance pour en faire une véritable danse. Cette thèse étudie d’abord comment dansent chacun des temps principaux du récit dans ces épopées, en accordant la priorité à Homère et au Roland ; puis elle étudie comment cette danse des temps prend corps dans chacune des petites pièces dont nous décelons que sont composées les épopées anciennes comme le Roland : les laisses.

Although Roland Barthes, in his programmatic article “Introduction à l’analyse structurale des récits” (An Introduction to the Structural Analysis of Narrative), wrote that narrative could be conveyed through language as well as through visual image, some narratologists—Gérard Genette leading the pack—consider that film does not, strictly speaking, “narrate,” and even go so far as to say that film has no narrator. This position, which is derived from literary narratology, is problematic and surprising when we consider that specialists in cinematic narrative have devoted many books to this issue. A third approach is urgently needed that lies between the autonomy of different forms of narratology and the ambition to develop a general theory: comparative narratology. What are the conditions necessary for this type of narratology? To answer this question, we begin by delving into what it means to abandon the structural theory of narrative. Is it a paradigm change or the result of a change in the objects of study? This article first considers the role of the structure for writing certain narratives (such as television series) and in reception with practices such as speed watching. It then demonstrates how multiple objects of study, as seen in transmedia, render the structural approach unsuitable and require a pragmatic approach. This methodological extension towards context prompts us to no longer consider narratology based on matters of expression, but to question what “media narratology” means. Bien que Roland Barthes, dans son article programmatique « Introduction à l’analyse structurale des récits » (1966), ait écrit que le récit pouvait être véhiculé aussi bien par la langue que par l’image, certains narratologues, Gérard Genette en tête, considèrent que le film « ne raconte pas » à proprement parler, voire que le film n’a pas de narrateur. Cette position qui émane de la narratologie littéraire est problématique et étonnante quand on connaît les très nombreux ouvrages consacrés à cette question par les spécialistes du récit cinématographique. Entre l’autonomie des narratologies et l’aspiration à une théorie générale, il est donc urgent de suivre une troisième voie : la narratologie comparée. Quelles sont les conditions de possibilité d’une telle narratologie ? Pour répondre à cette question, on s’interroge d’abord sur ce que signifie le dépassement de la théorie structurale du récit. Est-ce un changement de paradigme ou résulte-t-il d’un changement des objets d’étude ? Cet article apporte d’abord une réponse en considérant le rôle de la structure dans l’écriture de certains récits (comme les séries télévisuelles) et, même dans la réception avec des pratiques comme le speed watching. Dans un second temps, il montre que des objets multiples comme en donne à voir le transmédia font exploser l’approche structurale et oblige à une approche pragmatique. Cette extension méthodologique vers le contexte incite à ne plus penser la narratologie en fonction des seules matières de l’expression, mais à s’interroger sur ce que signifie une « narratologie médiatique ».