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In dieser Arbeit wird eine Evaluation der 3D-Streifenprojektion zur Zustandsanalyse und zum Monitoring von Veränderungsprozessen bei Gemälden vor allem im Hinblick auf Kunsttransporte vorgenommen. Die Evaluation erfolgt auf Basis von Probekörpern und Gemälden im Zuge von Laborstudien, aber auch im musealen Leihverkehr. Für die Analyse und Interpretation der 3D-Modellvergleiche sind auf materialtechnologischen und konservatorisch/restauratorischen Aspekten beruhende Plausibilitätsprüfungen unabdingbar. Nur so ist zu klären, inwiefern detektierte Modellunterschiede Ausdruck von beispielsweise transportinduzierten Objektveränderungen sind. Bei den im Rahmen der Fallstudien realisierten Kunsttransporten erfolgte neben dem Oberflächenmonitoring der Gemälde auch eine umfassende Aufzeichnung der Transportumstände. So können die klimatische Situation als auch mechanische Belastungen mit etwaigen Objektveränderungen in Beziehung gesetzt werden.

Do we have a «Right to the Museum»? This question was the focus of the research project of the same name, in which archival and field research was used to investigate changes in museums’ concepts of the public and the public perception of museums. The study was based on the cooperation with five Viennese museums – the Austrian Museum of Folk Life and Folk Art, the Belvedere, the House of Austrian History, the Kunsthistorisches Museum Vienna, the MAK – Museum of Applied Arts – and Viennese citizens. Ten concise project findings provide information on the relationship between the museum as an institution and the public, and vice versa.

In der Museumsarbeit spielt 3D-Druck eine zunehmende Rolle. Aus digitalen Daten entstehen reale Objekte. Wofür verwenden Museen diese Technik? Welche Beispiele gibt es in Rheinland-Pfalz und Deutschland? Wie können Museen 3D-gedruckte Objekte aus Kunststoff erhalten? Was sollten sie bei der Umsetzung eines 3D-Druck-Projekts beachten? Diese Handreichung erklärt, wie 3D-Druck funktioniert und wo und wie er am Museum zum Einsatz kommt, vom Tastobjekt bis zum gedruckten Exponat. Museumsmitarbeiter*innen und Kulturschaffende erhalten Hintergrundinformationen, Inspiration und Tipps zur erfolgreichen Umsetzung eigener Experimente mit dem 3D-Drucker. Ein Glossar mit typischen Begriffen aus der 3D-Druckwelt und ein umfangreiches kommentiertes Literaturverzeichnis runden den Band ab.

Das Landesmuseum Württemberg hat 2022 eine digitale Strategie publiziert, die mit dem vorliegenden Heft zum „erweiterten Museum“ weiter ausgeführt wird. Die Publikation markiert Methoden, Konzepte bzw. Technologien und führt die sechs relevanten Leitlinien aus. Sie beschreibt wesentliche Handlungsfelder nach Innen bzw. Außen und benennt ausgewählte Projekte in der digitalen Transformation des Museums, seiner Mitarbeiter*innen und Besucher*innen.

Am 29. November 1940 erhielten die Landräte und Polizeidirektoren der entsprechenden badischen Städte, sowie der Polizeipräsident von Mannheim ein Informationsschreiben des „Generalbevollmächtigten für das jüdische Vermögen in Baden“ (abgekürzt G.J.V.) in Karlsruhe, Carl Dornes. Auslöser war die Deportation der badischen und saarpfälzischen Juden am 22. Oktober 1940 in das südfranzösische Lager Gurs. Einen Tag später hatte Gauleiter Robert Wagner in einem Erlass deren Vermögenswerte als dem Land Baden verfallen erklärt. Nun konzentrierte sich die Verwaltung und Verwertung des jüdischen Vermögens – so der Betreff im oben genannten Schreiben – auf die Sicherstellung von Kunstgegenständen in den verlassenen Wohnungen. Um zu vermeiden, dass wertvolle, d. h. museumswürdige Kunstgegenstände und Bibliotheken in öffentliche Versteigerungen gelangten, sollten solche Objekte von fachkundigem Personal der Landeskommissarbezirke Karlsruhe und Mannheim erkannt, aussortiert und gesondert gelagert werden. In Karlsruhe waren der kommissarische Leiter des Badischen Landesmuseums, Ludwig Moser, und ein zunächst namentlich nicht genannter Vertreter der Badischen Landesbibliothek für die Bewertung der Gegenstände vorgesehen. In den Städten Heidelberg, Freiburg und Konstanz sollten ebenfalls Museumsmitarbeiter diese Aufgabe übernehmen. Für Karlsruhe wurde bestimmt, solcherart ausgesonderte Kunstgegenstände, Sammlungen und Teppiche im Badische Landesmuseum zu deponieren.

Haben wir ein „Recht auf Museum“? Diese Frage stand im Fokus des gleichnamigen Forschungsprojektes, bei dem die Veränderung musealer Öffentlichkeitskonzepte und deren Wahrnehmung in der Bevölkerung in Archiv- und Feldforschungen untersucht wurden. Die Studie baute auf der Zusammenarbeit mit fünf Wiener Museen – Belvedere, Haus der Geschichte Österreich, Kunsthistorisches Museum Wien, MAK – Museum für angewandte Kunst und Volkskundemuseum Wien – sowie der in Wien lebenden Bevölkerung auf. Zehn kompakte Projekterkenntnisse geben Auskunft zur Beziehung der Institution Museum zur Öffentlichkeit und vice versa.

Das vorliegende "Quellenmaterial", zusammengestellt von Sophie Bauer (2020), ist Teil der Publikation "Everything is live now. Das Kunstsystem im Ausnahmezustand" (2021). Elf Einzeltexte, ein Archiv mit über 700 Links zu veröffentlichten Texten zwischen März und Juli 2020, Quellenmaterial in Form von Befragungen, Werkzeuge zu Befragungen und insgesamt 13 künstlerische Arbeiten verschiedener Techniken, die während und zur Pandemie entstanden sind, sollen die Auswirkungen der COVID-19-Pandemie auf das Kunstsystem und auf seine unterschiedlichen Akteur*innen sowohl dokumentieren, archivieren und reflektieren als auch Folgeuntersuchungen ermöglichen. Das "Quellenmaterial", zusammengestellt von Sophie Bauer, gibt einen Einblick in den Umgang einzelner Museumsinstitutionen mit der COVID-19-Pandemie. Die Häuser Deutsches Museum, Museum Brandhorst und Berlinische Galerie haben im Juni und Juli 2020 auf Sophie Bauers Fragen geantwortet.

Der vorliegende Aufsatz "Can Relational Art Reconstitute a Sense of Connectivity in Pandemic Times?" von Tatjana Schaefer (2020) ist Teil der Publikation "Everything is live now. Das Kunstsystem im Ausnahmezustand" (2021). Elf Einzeltexte, ein Archiv mit über 700 Links zu veröffentlichten Texten zwischen März und Juli 2020, Quellenmaterial in Form von Befragungen, Werkzeuge zu Befragungen und insgesamt 13 künstlerische Arbeiten verschiedener Techniken, die während und zur Pandemie entstanden sind, sollen die Auswirkungen der COVID-19-Pandemie auf das Kunstsystem und auf seine unterschiedlichen Akteur*innen sowohl dokumentieren, archivieren und reflektieren als auch Folgeuntersuchungen ermöglichen. Tatjana Schaefer setzt sich mit der Relational Art in Zeiten der Pandemie auseinander und fragt, ob diese in der Lage sein könne, in pandemischen Zeiten Verbindungen herzustellen und zu wahren: "Can Relational Art Reconstitute a Sense of Connectivity in the Age of Pandemic Times?" Anhand dreier künstlerischer Beispiele von Felix Gonzales-Torres ("Untitled (Fortune Cookie Corner)", 1990 / 2020), Simona Andrioletti & Riccardo Rudi ("Chinese Whispers", seit 2018) und Abir Kobeissi ("Kauf mir einen Aufenthaltstitel / Buy Me A Residence Permit", 2020) rechnet Schäfer der Relational Art beziehungsweise ihrer titelprägenden relationalen Dimension ein Potential zu, sowohl während als auch in den Zeiten nach dem Ausnahmezustand Konnektivität zu verhandeln, wobei diese nicht nur konstruktive Beziehungen schaffe, sondern auch anhaltende Gräben aufdecke oder Zweideutigkeiten der Gegenwart enthülle. Schäfer arbeitet heraus, dass Konnektivität statt als ein statisches Konstrukt oder als ein künstlerischer Stil eher als eine Handlung begriffen werden müsse, die in unterschiedlichen Typen auftreten könne: Sie kann porös, kontinuierlich, symbolhaft, repräsentativ, aktionistisch, physisch, digital, ein- und mehrdeutig auftreten. "The pandemic only highlights this development, as it brings attention to overseen relational dimensions in contemporary society. Here, lies the potential for artistic practice involving the relational – to unveil ambiguities of the present".

Die vorliegenden "Werkzeuge" von Mirella Kleindienst (2021) sind Teil der Publikation "Everything is live now. Das Kunstsystem im Ausnahmezustand" (2021). Elf Einzeltexte, ein Archiv mit über 700 Links zu veröffentlichten Texten zwischen März und Juli 2020, Quellenmaterial in Form von Befragungen, Werkzeuge zu Befragungen und insgesamt 13 künstlerische Arbeiten verschiedener Techniken, die während und zur Pandemie entstanden sind, sollen die Auswirkungen der COVID-19-Pandemie auf das Kunstsystem und auf seine unterschiedlichen Akteur*innen sowohl dokumentieren, archivieren und reflektieren als auch Folgeuntersuchungen ermöglichen. Die "Werkzeuge" umfassen einen Fragenkatalog von Mirella Kleindienst, mit dem die Themenkomplexe 'Das Kunstsystem', 'Der Ausnahmezustand' und 'Kultur – Gesellschaft' aufgespalten und einer kunst-soziologischen Untersuchung unterzogen werden können.

Der vorliegende Essay stellt ein Ausstellungsmöbel in den Mittelpunkt, das meist Teil der Inszenierung, jedoch selten Thema der Interpretation ist. Betrachtet werden die Narrative des Sockels innerhalb der Ausstellung Model Malady, die Shahryar Nashat 2016 im Portikus in Frankfurt am Main zeigte. Zunächst wird anhand der Positionierung der Kunstwerke und ihrer Sockelungen im Raum analysiert, welchen Einfluss sie auf die Rolle der Betrachtenden ausüben. In einem zweiten Schritt fällt der Blick auf die Narrative, die die Materialität der Sockel, ihre Beschaffenheit und ihre Ausrichtung zueinander offenbaren.

Dieser Essay folgt der Frage, unter welchen Voraussetzungen eine Institution der Kritik existiert. Ausgehend vom Format Kunstverein werden die Bedingungen einer kritischen institutionellen Praxis betrachtet. Als bürgerliche Initiativen verstehen sich Kunstvereine als Rahmen für die Verhandlung eines demokratischen Selbstverständnisses. Den Ausgangspunkt der Betrachtung bildet die immanente Kritik der Institutionen, die maßgeblich von künstlerischen Positionen ab den späten 1960er Jahren vorangetrieben wurde und die Bedingungen des Ausstellens reflektierte. Abschließend wird ein Blick darauf geworfen, worin das Potenzial der Kunstvereinstätigkeit unter aktuellen Vorzeichen liegen kann.

Zur Zeit des Nationalsozialismus etablierte sich ein neues Raumkonzept für Ausstellungen, das die ideologischen Grundmuster der faschistischen Kunstauffassung transportierte. Während zuvor der Raum mit dem Bereich zwischen Objekten und Subjekten gebildet wurde, konstituierte das neuere Modell die Wand als abgrenzende Hülle. Umgeben von diesem architektonischen Element konnten Dinge und Menschen kontrolliert werden. Im Kontext der Ausstellung wurden sie so zum Teil des politischen Systems, was den Dogmen des totalitären Regimes entsprach. Dieser Paradigmenwechsel soll in diesem Essay anhand der beiden Ausstellungen Große Deutsche Kunstausstellung (GDK, 1937–1944) und Entartete Kunst (1937) aufgezeigt werden. Das neue Konzept beeinflusst die meisten musealen Räume bis heute. Spätestens in den 1970er Jahren wurde dieses Modell unter dem Label „White Cube“ zu einer der populärsten Gestaltungsweisen von Ausstellungsräumen.

Bei der Vermittlung von Ausstellungen sind biografische Angaben zu Künstler*innen nahezu obligatorisch. Es scheint ein ungeschriebenes Gesetz zu sein, dass in Ausstellungskatalogen von Geburtsdaten, Lebensgeschichte und Referenzen zu lesen ist. Solche Angaben präsentieren sich in der Regel als wertneutrale Faktizitäten. Doch bereits die Auswahl von dem, was geschrieben und so sichtbar gemacht wird, sind subjektiv. So verrät die Reproduktion biografischer Angaben Mannigfaches über die Autor*innen und die als Herausgeber*innen fungierenden Institutionen. Augenscheinlich werden derartig ungeschriebene Gesetze besonders dann, wenn es um die Darstellung derer geht, die von der Norm abweichen und nicht die normativen ‚Kategorien‘ einer Gesellschaft bedienen. Der Einfluss von Kunstpublikationen ist dabei eminent. Als maßgebliches Repräsentationsmittel gravieren sich ihre Inhalte in die Kunstgeschichtsschreibung sowie Diskurse ein, auf ihren Seiten soll das Ephemere einer Ausstellung festgehalten werden. Im Unterschied dazu bleibt die Reflexion über Ausstellungskataloge in kunsttheoretischen Diskursen dagegen häufig aus. Mit der Analyse der documenta 14-Publikation Daybook wird in vorliegender Arbeit versucht, einen kleinen Teil dieser klaffenden Lücke zu füllen. Die documenta gilt als eine der weltweit bedeutendsten Ausstellungsreihen für zeitgenössische Kunst. Sie stellt ein Kulturereignis dar, das erheblichen Einfluss auf die Gesellschaft und auf den Kanon beansprucht. Welche biografischen Informationen finden Interessierte zu Teilnehmer*innen der documenta 14, wenn sie sich nachträglich im Ausstellungskatalog informieren wollen? Im Daybook ist allen Künstler*innen jeweils eine Doppelseite gewidmet. Die übergeordnete Forschungsfrage für diese Arbeit lautet: ⧫ Mit welcher Häufigkeit werden verschiedene biografische Angaben zu Künstler*innen im Daybook sichtbar gemacht? Es ergeben sich konkret folgende Unterfragen, die in Wechselwirkung zueinanderstehen: ⬧ Was bleibt unsichtbar? ⬧ Finden auch Aspekte Erwähnung, die als marginalisiert11 anzusehen sind? Diesbezüglich werden age, race sowie queerness fokussiert. Um den genannten Fragen auf den Grund zu gehen und um zu untersuchen, wie facettenreich die 142 Texte im Daybook sind, werden sie in Close Readings inspiziert. Mithilfe eines umfassenden Kategoriensystems wird ausgewertet, wie es um die Quantität verschiedener biografischer Angaben steht. Es wird untersucht, ob die Aussagen im Kontext der Ausstellung oder davon losgelöst getätigt werden. Mit einem Fokus auf marginalisierte Aspekte in Biografien werden die Informationen im Daybook stichprobenartig mit öffentlich zugänglichem Material verglichen, beispielsweise mit den offiziellen Internetpräsenzen der Künstler*innen. So soll veranschaulicht werden, was im Daybook unsichtbar bleibt. Im Vorfeld sowie während der Ausstellung publizierte die documenta 14 die Zeitschriftenreihe South as a State of Mind, auf deren Seiten ebenfalls manche im Daybook vertretenen Künstler*innen präsentiert werden. Inhaltliche Schwerpunkte wie Kolonialismus, Sexualpolitik oder gesellschaftlicher und politischer Widerstand lassen vermuten, dass marginalisierte Themen artikuliert werden. Aus diesen Gründen sollen diese Magazine teilweise ergänzend in die Analyse miteinbezogen werden. Zuletzt wird ein Blick darauf geworfen, inwiefern für Rezipient*innen transparent ist, wer die Artikel im Daybook verfasst hat und wie multiperspektivisch die Publikation ist. Zur Ergänzung des Materials wurden zwei Expert*innen-Interviews mit einer der Herausgeber*innen sowie dem Bildredakteur der documenta 14-Publikationen geführt.

Am Beispiel zweier Installationen in der Ausstellung Cady Noland am Museum MMK für Moderne Kunst Frankfurt zeigt sich, wie Cady Noland durch ihre kuratorische Präsenz den Blick produziert. Die Betrachtenden werden von ihr als künstlerisches Material stets mitgedacht und ins Kunstwerk integriert. Ihre Arbeiten gehen jedoch nicht in „Theatralität“ auf, denn sie vermitteln zudem die Distanzierung des Publikums, das die Werke nahezu versunken konsumiert. Auf diese Weise gelingt es der Künstlerin, Kunst und Objekthaftigkeit in einer dialektischen Bewegung zu fassen. Somit widersetzen sich Nolands Arbeiten der von Michael Fried 1967 vorgenommenen Trennung von Art and Objecthood.

Bei 'Beyond Kunstgeschichte' handelt es sich um eine Karriereinformationsveranstaltung für angehende KunsthistorikerInnen und GeisteswissenschaftlerInnen, um Berufsperspektiven für Studierende zu eröffnen, mögliche Arbeitsfelder vorzustellen und auf Zusatzkompetenzen aufmerksam zu machen, die man sich während des Studium aneignen sollte. Die Vortragenden werden dabei über ihren eigenen Werdegang berichten und ihre aktuelle Tätigkeit vorstellen. Aufgrund der aktuellen Corona-Situation findet 'Beyond Kunstgeschichte' in diesem Jahr als dreiteilige, digitale Veranstaltung via Zoom-Meeting statt.

Zum Arbeitsalltag von in Museen beschäftigten Wissenschaftlern zählt die Objektinventarisierung. Besonders an kulturgeschichtlichen Museen ist diese Tätigkeit oftmals herausfordernd, da die Institutionen in der Regel über sehr heterogene Bestände verfügen: Alltagskultur tritt neben Meisterwerk. Die sogenannten W-Fragen helfen dabei, sich methodisch den jeweiligen Objekten zu nähern. Blicke in die Vergangenheit und Gegenwart der Methodik verraten, dass nahezu jede Forschergeneration auch immer wieder eigene Fragestellungen zu entwickeln weiß