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Questo contributo intende concentrarsi sulla forma più antica di traduzione intersemiotica: l’ekphrasis. In un’epoca come la nostra, sempre più dominata dalle immagini, praticare l’ecfrasi significa ritenere che le parole, la narrativa e più in generale la letteratura siano in grado di tenere testa all’universo visuale. Per mostrarlo, esaminerò tre opere letterarie del 2010 in cui viene impiegata l’ekphrasis: Point Omega di Don DeLillo, La carte et le territoire di Michel Houellebecq e Autopsia dell’ossessione di Walter Siti.The aim of this paper is to focus on ekphrasis, the oldest form of intersemiotic translation. In an increasingly image-dominated age like ours, using ekphrasis means to believe that words, fiction and more generally literature can compete with the visual universe. In order to show this, three literary works published in 2010 in which ekphrasis is used will be analyzed in detail: Don DeLillo’s Point Omega, Michel Houellebecq’s La carte et le territoire and Walter Siti’s Autopsia dell’ossessione.

Introduzione alla sezione monografica su traduzione intersemiotica e nuove forme di testualità.An introduction to the monographic section on intersemiotic translation and new forms of textuality.

Il mio contributo intende mettere alla prova alcune delle nozioni operative proposte dalla neuroretorica applicandole a uno degli altri filoni di indagine privilegiati dalla narratologia – o meglio, dalle narratologie – del nuovo millennio: la traduzione intersemiotica e, in particolare, lo studio dalle mutevoli relazioni tra linguaggi iconici e linguaggi verbali. Rivolgendomi allo specifico ambito dell’adattamento cinematografico intendo quindi illustrare come l’annosa e spinosa questione della fedeltà possa essere meglio affrontata attraverso l’utilizzo di tali strumenti, nonché di alcune preziose nozioni che costituiscono il corollario teorico della neuronarratologia – la produttiva discrepanza tra script e frame; il concetto di embodied narration; l’interazione tra memoria episodica e memoria semantica – piuttosto che di una banale comparazione tra l’ipotesto e l’intertesto invariabilmente condotta a partire dal piano dell’enunciato. Da una simile premessa si potrebbe così affermare che il successo di un adattamento sia determinato non solo e non tanto dalla rielaborazione della medesima forma del contenuto in una differente materia dell’espressione, quanto piuttosto dalla capacità dell’autore secondo di ricreare analoghi «schemi di negoziazione della conoscenza» in diversi media: come nel caso delle trasposizioni filmiche di Lolita realizzate da Stanley Kubrick (1962) e da Adrian Lyne (1997), oggetto specifico del mio studio.The aim of my paper is to apply some of the insights from the so-called neurorhetoric to the field of intersemiotic translation, thus trying to establish a dialogue between two of the more stimulating theoretical developments of narratology – or, perhaps should I say, of narratologies – in the recent years. Focusing especially on cinematographic adaptation I wish to highlight how the often discussed issue of “fidelity” could be better addressed using analytic tools as the productive friction between script and frame, the concept of embodied narration, the interaction between episodic memory and semantic memory, rather than drawing an obvious comparison between the hypotext and the hypertext based mainly on content. More importantly, my intention is to demonstrate that in such cases the success of an adaptation is not determined by a proper transposition of the same content-form through different expression substances, but it depends on the second author’s skill in re-creating similar “knowledge negotiation schemes” across various mediums and devices. A few texts will be analysed in detail: Vladimir Nabokov’s Lolita, along with two of its best-known adaptations, directed by Stanley Kubrick (1962) and Adrian Lyne (1997).

Parody seems to be one of the essential steps along the process through which an artwork becomes part of the Western canon. Therefore, the elimination, or the distortion of the so-called “aura” is often a prerequisite to be included within our cultural heritage. Looking at the literary history of the Twentieth century, one can see several examples supporting a comparable hypothesis, but some exceptions remain as well.Consider, for instance, the adaptations of Lolita, a novel that, since its publication, has been misrepresented in many ways. Nabokov himself – in a well-known “Afterword” (1956) – blames his readers for been distracted by the sexual implications of the plot on the one hand, ignoring the ironic techniques embodied in its refined texture on the other hand.These remarks are worthy of consideration, though directors such as S. Kubrick and A. Lyne have overlooked, or rather ignored their meaning: the first opted for a classical mise-en-scène in order to neutralize the disturbing potential of the hypotext; the latter emphasized the voyeuristic gaze, trying to seduce the spectator.The aim of my paper is to highlight both the structural and the stylistic issues behind this double “betrayal”, along with its effects on the novel’s aura., Nel percorso di canonizzazione grazie a cui un’opera si trasforma in un classico, la parodia costituisce spesso una tappa obbligata. Si direbbe quindi che la sottrazione dell’aura o, meglio, la manipolazione in chiave dissacrante sia tra i prerequisiti necessari a garantire l’inclusione negli esclusivi ranghi della tradizione. Guardando alla storia letteraria del Novecento si potrebbero d’altronde trovare varie conferme di questa ipotesi, ma anche qualche clamorosa smentita.Si considerino, ad esempio, le trasposizioni filmiche tratte da Lolita, romanzo vittima di innumerevoli fraintendimenti e trasformazioni. Sebbene lo stesso Nabokov si lamentasse della tendenza del grande pubblico a farsi abbagliare dagli aspetti pruriginosi della vicenda, trascurandone il sottile humor, i due registi che si sono cimentati nel portare Lolita sul grande schermo – Stanley Kubrick e Adrian Lyne – sembrano aver frainteso lo spirito di questa indicazione. Nei rispettivi adattamenti ne hanno, infatti, stravolto completamente il senso: l’uno adottando una mise-en-scène di taglio classicheggiante volta a attenuare lo shock prodotto dall’ipotesto; l’altro enfatizzandone il lato scabroso e solleticando gli appetiti voyeuristici dello spettatore.Nel corso della mia analisi intendo dunque ricostruire le motivazioni di un simile, duplice “tradimento”, cercando di illustrare come esso abbia ridefinito l’aura del romanzo nabokoviano, nonché l’intenzione autoriale di partenza.

Al pari di un qualsiasi testo letterario, un testo drammatico può essere trasposto in un ventaglio di infinite messe in scena equivalenti. Pertanto, un’analisi comparata di diversi allestimenti di uno stesso testo teatrale può rivelarne le potenzialità e le latenze, illuminandolo da prospettive nuove, tante quante sono le messe in scena prese in considerazione, e tutte valide. Questo è quanto ci proponiamo di fare all’interno di questo lavoro, analizzando due repliche di due distinte messe in scena di Aspettando Godot: una è quella del Teatro Out Off di Milano, diretta da Lorenzo Loris (2009/2010); l’altra è quella allestita da Francesco Saponaro presso il Teatro Mercadante di Napoli (2010). Grazie a preziosi strumenti come la registrazione in DVD di una replica di ciascuno spettacolo e le interviste gentilmente rilasciate da registi e attori, abbiamo potuto procedere nella nostra analisi partendo dalle componenti non verbali della messa in scena (prima tra tutte la scenografia) per poi comparare i copioni (o meglio le loro ricostruzioni parziali ricavate dalla visione dei DVD). A partire da quest’analisi è stato poi possibile ricavare le priorità traduttive di ciascun cast e l’interpretazione che ne è alla base, trovando conferma dei risultati ottenuti nelle dichiarazioni degli intervistati., Between, Vol 2, N° 4 (2012): L’adattamento: le trasformazioni delle storie nei passaggi di codice

Right from the beginnings of Dante Gabriel Rossetti’s career, his most striking quality lies in his deep commitment to a continual interrelation between the arts of poetry and of painting. This essay aims at revealing the strategies applied to the intersemiotic process taking place between Rossetti’s first Pre-raphaelite canvas, The Girlhood of Mary Virgin, and the two sonnets written to ‘illustrate’ it. To better examine the shift between different media and Rossetti’s own appraisal of such a translating process, reference has been made to some of the great names of the contemporary debate about intersemiotic translation, such as Greimas, Eco and Jakobson. By applying such modern tools of intersemiotic analysis to the artist’s first double work of art it will eventually be clear how Rossetti’s Pre-raphaelite phase is anything but an immature debut in the Victorian artistic scene. Many of the features of his early career are in fact to be found as faithfully maintained in the more complex development of his maturer art. This essay will show how The Girlhood of Mary Virgin and “Mary’s Girlhood” are to be considered as a true manifesto of Rossetti’s entire career and of his appraisal of the relation between the sister arts.

As any literary text, a dramatic text can be translated in a range of endless and equivalent stagings. Therefore, a comparative analysis of different performances of the same play can reveal its latent potentialities and show it to us from new perspectives, as many as the analysed performances, and all of them would be valid. This is what we intend to do through this work, by comparing two different stagings ofWaiting for Godot: the first one by Lorenzo Loris, director of the troupe of the Theatre Out Off, from Milan (2009/2010); the second one is directed by Francesco Saponaro in the Theatre Mercadante, in Naples.Thanks to some useful tools like the DVD recordings of both shows and the interviews kindly granted by the directors, we could start first analyzing the non-verbal elements of each show (most of all the sets), and then comparing the scripts. Finally, we could deduce from such analysis the translation project and the interpretation of each troupe, and find proofs of ours results in the interviews.Al pari di un qualsiasi testo letterario, un testo drammatico può essere trasposto in un ventaglio di infinite messe in scena equivalenti. Pertanto, un’analisi comparata di diversi allestimenti di uno stesso testo teatrale può rivelarne le potenzialità e le latenze, illuminandolo da prospettive nuove, tante quante sono le messe in scena prese in considerazione, e tutte valide.Questo è quanto ci proponiamo di fare all’interno di questo lavoro, analizzando due repliche di due distinte messe in scena di Aspettando Godot: una è quella del Teatro Out Off di Milano, diretta da Lorenzo Loris (2009/2010); l’altra è quella allestita da Francesco Saponaro presso il Teatro Mercadante di Napoli (2010). Grazie a preziosi strumenti come la registrazione in DVD di una replica di ciascuno spettacolo e le interviste gentilmente rilasciate da registi e attori, abbiamo potuto procedere nella nostra analisi partendo dalle componenti non verbali della messa in scena (prima tra tutte la scenografia) per poi comparare i copioni (o meglio le loro ricostruzioni parziali ricavate dalla visione dei DVD). A partire da quest’analisi è stato poi possibile ricavare le priorità traduttive di ciascun cast e l’interpretazione che ne è alla base, trovando conferma dei risultati ottenuti nelle dichiarazioni degli intervistati.&nbsp

This paper explores the passage from the tale Il mantello (1942) to the theatrical adaptation, with the aim of verifying the relationship between literature and theatrical code, investigating the idea of source text and its survival in code-switching.

Metamorphosis is a threshold infringement marking the passage to a new configuration; an intersemiotic translation is also a threshold infringement and a code one. In the comparison between Collodi’s Le avventure di Pinocchio to Luigi Comencini’s 1972 TV adaptation of the same title, and taking into account three further threshold-spaces – intercodical (technical), chronological (historical), and interpretative (ethical-artistic) –, this study aims to interpret the filmic adaptation, based on the addition to the original fabula of metamorphic stages which were not in the source-text: the reversible transformations of Pinocchio the puppet in Pinocchio the boy. Recurrent metamorphoses become narrative plot, associated with a moral meaning; denying Collodi’s narrative gratuitousness and dialectics of disorientation/re-collocation, Comencini replaces these interpretative bets with inferential intuitions connected to an ethical code. Furthermore, the comparison of the TV adaptation with the source-text allows for a clarification of some unresolved or ambigous passages of the latter, casting new light right on the metamorphic nature of Collodi’s Pinocchio.