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El propósito del presente artículo es revisitar, desde otra perspectiva, la de la maternidad, el papel que dos de las temáticas centrales del Surrealismo, las mujeres y el amor, tuvieron en el movimiento. Para el Surrealismo, la maternidad, necesariamente opuesta al deseo, constituía una barrera para la liberación absoluta de las pasiones a la que confiaban el proyecto revolucionario. Desde el punto de vista femenino, la anulación del sujeto que suponía la maternidad era también la de sus deseos y, por tanto, una limitación para su desarrollo como artistas. Ironizando sobre las fórmulas anteriores y creando otras nuevas, la iconografía surrealista de la maternidad será ante todo la de una deconstrucción: la de la imagen que la presentaba como sinónimo de felicidad femenina., The aim of this article is to revise the role of women and love in surrealism from another perspective: that of motherhood. For the surrealists, motherhood, inevitably opposed to desire, was a barrier to the absolute liberation of the passions, a liberation on which they relied in their revolutionary project. From the feminine point of view, the annulment of the subject that motherhood entailed was also an annulment of her desires and so a limitation for the development of artists. While ironizing on previous iconographies and establishing new formulas, the surrealist iconography of motherhood will be, above all, that of a deconstruction: that of the image presenting the mother as a synonym of female happiness.

The establishment of Phoenician colonies in the Iberian Southeast from the 8th century BC led to a significant in-crease in productive and commercial activities with the autochthonous communities. However, prestige goods of high value destined for reduced consumption groups also circulated within these networks. The presence of a scarab found during an archaeological survey in the settlement of Castellar de Librilla (Librilla, Región de Murcia) reveals the inclusion of certain au-tochthonous elites in these circuits. This paper discusses the context, typological classification and comparative analysis of the scarab to better determine its origin and chronological framework. The incorporation of new archaeometric data through scanning electron microscopy (SEM), focused on the gold bezel setting in which the scarab is set, has been essential to improving our understanding of this piece of personal adornment. The results of the iconographic and microanalytic study point to the exceptional value of this artefact, which make it possible to recognise the participation and agency of the autochthonous elites of Castellar de Librilla in the commercial systems of Mediterranean prestige goods. El establecimiento de las colonias fenicias en el Sureste ibérico a partir del siglo VIII a.C. provocó un auge impor-tante de las actividades productivas y comerciales con las comunidades autóctonas. No obstante, en este entramado comercial también se dio un tráfico de elementos de prestigio de elevado valor que se encontraban destinados a círculos de consumo muy reducidos. El hallazgo en prospección de un escarabeo en el asentamiento del Castellar de Librilla (Librilla, Región de Murcia) pone de manifiesto la inclusión de determinadas élites autóctonas en estos circuitos. Este trabajo aborda su contex-tualización, clasificación tipológica y análisis comparativo con la finalidad de determinar la procedencia del escarabeo y su marco cronológico. La incorporación de nuevos datos arqueométricos a través de microscopía electrónica de barrido (SEM), especialmente centrados en las partes de oro, ha sido esencial para mejorar la aproximación sobre este adorno y artefacto de ornamentación personal. Los resultados del estudio iconográfico y microanalítico apuntan al valor excepcional de esta pieza, lo que permite reconocer la participación y capacidad de agencia de las élites autóctonas del Castellar de Librilla en los siste-mas comerciales de bienes de prestigio mediterráneos.

espanolEn este articulo se analiza la iconografia de una pieza hallada en la excavacion de Magdala (Migdal, Galilea, Israel). Esta realizada en piedra y cuenta con el dibujo de una Victoria alada sobre una biga, con el latigo al viento para iniciar la marcha, una tipologia de escena con gran trascendencia en la Historia del Arte. Sobre la imagen de la Victoria se encuentra la inscripcion Nikoma(chou), que muy posiblemente hace referencia al nombre del dueno del entalle. El estilo, la iconografia de la pieza y la cronologia del contexto arqueologico remiten a una cronologia del s. I d.C. o algo posterior. Se trata de una pieza excepcional, en base a la combinacion de epigrafia e iconografia en la misma pieza, pues en este caso texto e imagen se relacionan, se complementan y se retroalimentan. Por ello el estudio iconografico del entalle es determinante para comprender el valor artistico de esta diminuta obra de arte. EnglishThis article analyses the iconography of a piece found at the Magdala excavation site (Migdal, Galilee, Israel). It is made of stone and depicts a winged Victory on a chariot, using a whip to initiate the march, a type of scene of great significance in the history of art. Above the image of the Victory is the inscription Nikoma(chou), which most likely refers to the name of the owner of the intaglio. The style, the iconography of the piece and the chronology of the archaeological context suggest a chronology of the 1st century AD or somewhat later. This is an exceptional piece, based on the combination of epigraphy and iconography on the same surface, as in this case text and image are related, and complement each other. For this reason, the iconographic study of the carving is crucial to understanding the artistic value of this tiny work of art.

Despite the scarcity of representations of medieval Dominican nuns and mulieres religiosae, these images offer valuable information about the origins and development of the cult of certain female Dominican saints, the devotions and spiritual concerns of their patrons and main promoters, and the role played by the female branch of the Order of Friars Preachers in its reform throughout the 15th century. The present paper examines the iconography of three Dominican holy women: saint Catherine of Siena, saint Margaret of Hungary, and Blessed Helen of Vezsprém. New possible interpretations and lines of research will be suggested through the study of the spiritual virilization of these holy women who ended up assuming masculine virtues and bearing manly hearts. Malgré la rareté des représentations de moniales dominicaines médiévales et de mulieres religiosae, ces images offrent des informations précieuses sur les origines et le développement du culte de certaines saintes dominicaines, les dévotions et les préoccupations spirituelles de leurs patrons et principaux promoteurs, et le rôle joué par la branche féminine de l’ordre des frères prêcheurs dans sa réforme tout au long du xve siècle. Le présent article examine l’iconographie de trois saintes dominicaines : sainte Catherine de Sienne, sainte Marguerite de Hongrie et la bienheureuse Hélène de Vezsprém. De nouvelles interprétations possibles et des lignes de recherche seront suggérées à travers l’étude de la virilisation spirituelle de ces saintes femmes qui ont fini par assumer des vertus masculines et porter des cœurs d’hommes. A pesar de la escasez de representaciones de monjas y mulieres religiosae medievales, estas imágenes ofrecen una valiosa información sobre los orígenes y el desarrollo del culto a ciertos santas dominicas, las devociones e inquietudes espirituales de sus mecenas y principales promotores, y el papel desempeñado por la rama femenina de la Orden de Predicadores en su reforma a lo largo del siglo xv. Este artículo examina la iconografía de tres santas dominicas: Santa Catalina de Siena, Santa Margarita de Hungría y la beata Elena de Vezsprém. Se sugerirán nuevas posibles interpretaciones y líneas de investigación a través del estudio de la virilización espiritual de estas santas que llegaron a asumir virtudes masculinas y a llevar corazones de hombre.

espanolAun cuando ciertos estudios criticos han dado por sentado que con Julieta nace un Almodovar nuevo, un Almodovar menos almodovariano, la escritura del filme trabaja las mismas constantes visuales y narrativas de peliculas anteriores. El objetivo de este trabajo es la catalogacion y el estudio de esas constantes, desde el modo de formalizacion del relato y la incorporacion al mismo de nuevos intertextos, tanto escultoricos, como pictoricos y arquitectonicos, hasta la irrupcion y proliferacion de las cocinas como lugares configuradores de un mapa topografico-sentimental de la protagonista, y el trazado de singulares iconografias en torno al sexo y al rostro femenino. EnglishEven when certain critical theoreticians have claimed that Julieta opens a new Almodovar era, a less Almodovarian period, the film writing revisits the same visual and narrative themes of previous works. The aim of this paper is to study and classify those themes, from way the story is formalized and new intertexts –sculptural, pictorical, architectural– are added, to the irruption and proliferation of the kitchen as the place-origin of an emotional, topographic map of the protagonist, as well as the shaping of unique iconographies around the idea of sex and female visage.

Se presenta un asa plástica de lucerna con crismón recientemente hallada en Carthago Spartaria (Cartagena). En este trabajo, se aborda un análisis iconográfico y funcional de esta pieza inédita. El crismón se utiliza frecuentemente en los cuencos o lucernas realizadas en African Red Slip Ware (ARSW) entre los siglos IV y V. Sin embargo, las lucernas tunecinas con reflector son muy escasas. Están ligadas a prototipos paleocristianos en bronce, en los que el reflector permitía un juego de luces y sombras con el motivo en él troquelado. El escaso impacto que tuvieron en la cuenca mediterránea nos permite inferir datos de un uso muy reducido y quizás vinculado a la liturgia de las comunidades cristianas., We analyze a lamp reflector with chrismon recently found at Carthago Spartaria (Cartagena). In this work, an iconographic and functional analysis of this unpublished piece is approached. The chrismon is frequently shown on ARSW bowls or lamps produced between the 4th and the 5th centuries. However, the Tunisian lamp reflectors are very scarce. They are linked to the typological evolution of Early Christian bronze prototypes, in which the reflectors allowed a play of light and shadow with the motif stamped on them. The low impact on the Mediterranean basin allows us to derive data on very little use and perhaps linked to the liturgy of Christian communities.

This paper discusses the intense presence of Eros figures in funerary monuments from the region of Macedonia during the roman period, evolving around the perception of death, the familial bonds and social structure that these monuments reveal. Eros, depicted either leaning on or holding an inverted torch, or sleeping on a rock, when placed upon graves is perceived as Eros funéraire. The funerary connotations of Eros figures often assimilate them with Sleep, Death, and the eternal sadness of Death. Especially when used in the funerary monuments of children, these figures accentuate the parental grief for the loss of their children. On the other hand, the childlike representation of Eros symbolizes the eternal beauty of youth and the parental hope that their deceased children will continue enjoying a happy afterlife. En este trabajo se analiza la intensa presencia de figuras de Eros en monumentos funerarios de la región de Macedonia durante la época romana, mostrando la evolución en la percepción de la muerte, los vínculos familiares y la estructura social que estos monumentos revelan. Eros suele representarse apoyado o sosteniendo una antorcha invertida, o durmiendo sobre una roca; y cuando se sitúa sobre tumbas se percibe como Eros funéraire. Las connotaciones funerarias de las figuras de Eros a menudo se asimilan con el Sueño, la Muerte o la eterna tristeza de la Muerte. Especialmente cuando se utilizan en los monumentos funerarios de los niños, estas figuras acentúan el dolor de los padres por la pérdida de sus hijos. Por otro lado, la representación infantil de Eros simboliza la eterna belleza de la juventud y la esperanza de los padres de que sus hijos fallecidos sigan disfrutando de un feliz más allá.

The formation of the first state system in Europe took place from the conclusion of the Peace of Westphalia in 1648, as a result of the Thirty Years’ War (1618-1648), to the Utrecht (1713), Rastatt-Baden (1714) and Nystad Congresses (1721) which finished the end of the war of the Spanish Succession and the Northern war. The legal fixation of the Westphallian system was accompanied by its public perception and acceptance. First of all, this was demonstrated by International Congresses, which were not only a common negotiation process, but also a place of representation of the significance and culture of each state. In fact, the European Congress was a carefully designed triumph of Рeace within the continent, which required considerable funds, was widely covered in the press and glorified in celebrations, paintings, plastic art, release of commemorative medals, poetry and even fashion. The article presents the most striking examples of iconography of Peace Congresses. The author believes that their performative nature and iconography, emphasizing the European character of Peace and the protopatriotic moods that it evoked, made a significant contribution to the civilization heritage of Europe. La formación del primer sistema estatal en Europa tuvo lugar desde la conclusión de la Paz de Westfalia en 1648, como resultado de la Guerra de los Treinta Años (1618-1648), hasta el Utrecht (1713), Rastatt-Baden (1714) y los Congresos de Nystad (1721) que terminaron el fin de la guerra de Sucesión española y la guerra del norte. La fijación legal del sistema westfaliano estuvo acompañada de su percepción y aceptación públicas. En primer lugar, esto fue demostrado por los congresos internacionales, que no solo fueron un proceso de negociación común, sino también un lugar de representación de la importancia y la cultura de cada estado. De hecho, el Congreso Europeo fue un triunfo cuidadosamente diseñado de Рeace dentro del continente, que requirió fondos considerables, fue ampliamente cubierto en la prensa y glorificado en celebraciones, pinturas, artes plásticas, lanzamiento de medallas conmemorativas, poesía e incluso moda. El artículo presenta los ejemplos más sorprendentes de iconografía de los congresos de paz. El autor cree que su naturaleza performativa e iconografía, enfatizando el carácter europeo de la paz y los estados de ánimo protopatrióticos que evocaba, contribuyeron significativamente al patrimonio civilizador de Europa.

Este trabajo tiene por objetivo llevar a cabo un análisis iconográfico de las emisiones numismáticas de virtudes que se producen tras la muerte y divinización de las mujeres de la dinastía antonina (96-192 d.C) durante el Alto Imperio romano. Se pretende analizar la significación de las virtudes emitidas en relación a estas mujeres tras su divinización. Estas virtudes son consideradas indicativos del papel de género otorgado a las figuras femeninas vinculadas al poder imperial, al mismo tiempo que actúan como exemplas para el resto de mujeres romanas de clase alta. También este análisis pretende conocer tanto la trayectoria vital de estas emperatrices como la imagen pública y discursiva proyectada de ellas tras su muerte. Para ello se ha realizado una comparativa entre las virtudes emitidas tras la defunción y consagración de las emperatrices antoninas, así como de aquellas virtudes emitidas en vida de las mismas. Para la elaboración de este trabajo se ha incorporado el género como categoría de análisis indispensable para afrontar cualquier estudio de estas características. Este texto trata de ser una contribución tanto para la Historia de las Mujeres como para la propia historia del Imperio romano.

En el presente artículo se presenta una revisión de las distintas imágenes con las que se relaciona al actor áureo Cosme Pérez y a su máscara más conocida, Juan Rana. Iniciamos el trabajo con un análisis iconográfico e histórico de su representación más conocida, la de la RAE, y de un cuadro por Gaspar de Crayer en el que se representa la misma figura. Asimismo, efectuamos una disección teatral de una puesta en escena contemporánea en la que aparece por la compañía Ron Lalá. Finalmente, mencionamos una segunda serie, la que aparece en Fortunas de Andrómeda y Perseo de Calderón y realizamos un análisis caligráfico de esta atribución. La conclusión es que no podemos tener certezas de que ninguna de esta estas semblanzas sea, en realidad, la de la máscara Juan Rana y mucho menos la del actor Cosme Pérez.

Este artículo analiza una forma de transmisión iconográfica que se origina en una fuente artística del pasado, el bodegón manierista y barroco, que es readaptado y reformulado por las fuerzas de seguridad para transmitir un mensaje comunicativo de gran impacto: los objetos decomisados en una redada policial son presentados con una forma artística, que llamamos «bodegón policial», que incita inmediatamente al sentido de culpabilidad. Esta práctica sistemática de los diversos cuerpos policiales españoles (Guardia Civil, Policía Nacional, Mossos d’Esquadra, Ertzaintza) nos presenta un método de utilización de un motivo iconográfico como forma comunicativa de un poder de Estado. Este artículo sintetiza algunos de los resultados del proyecto de investigación MOVEP (Los motivos visuales en la esfera pública. Producción y circulación de imágenes del poder en España, 2011-2017), con referencia CSO2017-88876-P, que tiene como objetivo principal analizar la recurrencia, producción y circulación de motivos específicos relacionados con la representación del poder en imágenes aparecidas en la prensa, los medios digitales, el cine y la televisión. This article analyzes a form of iconographic transmission that originates from artistic sources of the past, the Mannerist and Baroque still lifes, which is readjusted and reformulated by the security forces to convey a communicative message of significant impact: the confiscated objects in a police raid are presented in an art form we call «police still life», that immediately incites the sense of guilt. This systematic practice of various Spanish police forces (Civil Guard, National Police, Mossos d’Esquadra, Ertzaintza) presents a method of using an iconographic motif as a communicative form of state power. This article summarizes some of the results of the research project MOVEP (The visual motifs in the public sphere. Production and circulation of images of power in Spain, 2011-2017), with reference CSO2017-88876-P, whose main objective is to analyze the recurrence, production, and circulation of specific motifs related to the representation of power in images appearing in the press, digital media, cinema, and television.

El vareo es una de las fases de la recolección de bellotas, frutos usados como alimento básico o como complemento de la dieta humana desde época prehistórica. Consiste en sacudir las ramas de la encina, u otras especies del género Quercus, sirviéndose de una vara de madera larga y flexible. De esta herramienta no existen hasta el momento evidencias en el registro arqueológico debido a los materiales perecederos utilizados en su fabricación. Esta ausencia puede ser suplida con la información derivada tanto del estudio de la iconografía prehistórica e histórica como del registro etnográfico actual. En este artículo se analizan diversos ejemplos que van desde el Neolítico hasta la actualidad, que demuestran la pervivencia de esta milenaria práctica usada por las sociedades rurales de la Europa mediterránea. The knocking down is one of the stages of acorn harvesting, used as a supplement to human diet from prehistoric times. It consists in shaking tree branches with the help of a long and flexible wooden pole. Due to both the use of perishable materials, there is no evidence for this tool in the archaeological record. The lack of archaeological evidence for this practice can be compensated for with information derived both from the study of certain prehistoric art scenes and from the ethnographic record. Thus, the article analyses various examples, from Neolithic to current times, which show the endurance of this millenary practice, typical of agricultural societies in Mediterranean Europe.&nbsp

En este trabajo presentamos un excepcional vaso figurado hallado en las excavaciones arqueológicas en el oppidum ibérico del Cabeço de Mariola, en la divisoria de las actuales provincias de Alicante y Valencia. En primer lugar, se expone su contexto de aparición, una vivienda destruida en los inicios del s. I a.C. A continuación, se analiza pormenorizadamente el vaso y sus imágenes, que plasman dos escenas de ofrenda acompañadas de danzas procesionales y música. Dichas prácticas se ponen en relación con cultos agrarios muy arraigados en el Mediterráneo antiguo, vinculados con divinidades relacionadas con el cereal y al vino, a las que se ofrecen los primeros frutos. We present an exceptional figured vessel found in the recent archaeological excavations carried out in the iberian oppidum of El Cabeço de Mariola, on the dividing line between the current provinces of Alicante and Valencia. In the first place, its archaeological context is described, a house destroyed in the beginning of the 1st cent. BC. The second part deals in detail with the analysis of the vessel and its images, which depict two offering scenes accompanied by processional dances and music. These ritual practices are associated to agrarian cults deeply rooted in the ancient Mediterranean, related to divinities linked to grain and wine, to whom the first fruits are offered. Trabajo realizado en el marco de los proyectos de investigación PROMETEO/2019/035, LIMOS. LItoral y MOntañaS en transición: arqueología del cambio social en las comarcas meridionales de la Comunidad Valenciana, financiado por la Generalitat Valenciana y PID2019-107264GB-I00 «Paisajes romanos en el sur de la Provincia Tarraconense. Análisis arqueológico de la estructura territorial y modelo socioeconómico» del MINECO.

Le Groupe de nymphes de Nicolas Poussin (Los Angeles, J. Paul Getty Museum) est une esquisse tirée d’un bas-relief antique représentant des divinités marines. Au verso, on trouve un fragment de prescription médicale décrivant un traitement contre la syphilis, ou morbus gallicus. Les origines inconnues de ce mal francese dont la pandémie a envahi l’Italie du xvie siècle ont inspiré à des auteurs comme Fracastoro dans son poème Syphilis une épidémiologie caractérisée par un diagnostic, et un traitement, issus de la mythologie gréco-romaine. La maladie apparaissait comme une habitation du corps humain par une forme serpentine invisible, la sensation de douleur étant ainsi associée à l’expérience haptique exprimée dans le poème de Jacques Sadolet sur la découverte du Laocoon. Poussin a exploré la représentation de la contagion externe et de l’affliction interne à travers deux peintures : La Peste d’Asdod (musée du Louvre) et Le Martyr de saint Érasme (musées du Vatican). À rebours des spécialistes qui, suivant les propos d’Aby Warburg, parlent de survivance (nachleben) d’un passé païen, cet article analyse les œuvres de Poussin à la lumière des propos de Jean Seznec, dans La Survivance des dieux antiques (1939), sur l’ambivalence de la première modernité vis-à-vis de l’Antiquité. Nicolas Poussin’s Groupe de nymphes (Los Angeles, J. Paul Getty Museum) is sketch based on an ancient bas-relief of marine deities. On the verso of the drawing there is a fragmentary medical prescription for treatment of syphilis or morbus Gallicus. The unknown origins of the pandemic of the mal francese that occurred in sixteenth- century Italy prompted an epidemiology, diagnosis of painful symptoms and treatment informed by Greco-Roman mythology in works such as Fracastoro’s poem Syphilis. The disease was understood as the habitation of the human body by a hidden serpentine form, thereby associating the sensation of pain with the haptic experience articulated in Jacopo Sadoleto’s poem on the discovery of the Laocoon. The artist explored the representation of external contagion and internal affliction in two paintings: Plague of Ashdod (Musée du Louvre) and the Vatican Martyrdom of Saint Erasmus. While recent scholars have turned to Aby Warburg in order to consider the nachleben of a daemonic past, this essay is indebted to Jean Seznec’s own understanding of the early modern ambivalence towards Antiquity in La Survivance des dieux antiques (1939). Nicolas Poussins Groupe de nymphes [Nymphengruppe] (Los Angeles, J. Paul Getty Museum) ist eine von einem antiken Flachrelief mit Meeresgottheiten inspirierte Skizze. Ihre Rückseite trägt das Fragment einer ärztlichen Verschreibung, die eine Behandlung gegen Syphilis bzw. Morbus gallicus erläutert. Die unbekannte Ursprung des französischen Leidens, des Mal francese, das im 16. Jahrhundert als Pandemie über Italien hereingebrochen war, hat in Werken wie Fracastoros Gedicht Syphilis zu einer aus der griechisch-römischen Mythologie abgeleiteten Epidemiologie aus der Diagnose schmerz­hafter Symptome und deren Behandlung geführt. Man nahm an, dass bei dieser Krankheit eine unsichtbare schlangenähnliche Gestalt dem menschlichen Körper innewohnte. Dementsprechend war das Schmerzempfinden jener haptischen Erfahrung zugeordnet, die Jacques Sadolet in seinem Gedicht über die Entdeckung des Laokoon zum Ausdruck bringt. Poussin ist der Darstellung der äußerlichen Ansteckung und der innerlichen Krankheit in zwei Bildern nachgegangen: La Peste d’Asdod [Die Pest von Ashdod] (Louvre) und Le Martyr de saint ­Érasme [Das Martyrium des heiligen Erasmus] (Vatikanische Museen). Im Gegensatz zu den Spezialisten, die gegenwärtig in der Tradition Aby Warburgs vom Nachleben einer dämonischen Vergangenheit sprechen, untersucht der vorliegende Artikel Poussins Werke im Licht der von Jean Seznec in Das Fortleben der antiken Götter (1939) konstatierten Ambivalenz der Frühmoderne gegenüber der Antike. Il Gruppo di Ninfe di Nicolas Poussin (Los Angeles, J. Paul Getty Museum) è uno schizzo ispirato da un antico bassorilievo che rappresenta divinità marine. Il retro reca il frammento di una prescrizione medica che descrive un trattamento per la sifilide, o morbus gallicus. Le origini sconosciute di questo mal francese, che invase l’Italia nel xvi secolo, ispirarono autori come Fracastoro nel suo poema La Sifilide a sviluppare un’epidemiologia caratterizzata da una diagnosi, e una cura, ispirata alla mitologia greco-romana. La malattia appariva come un’inabitazione del corpo umano da parte di una forma serpentina invisibile, la sensazione di dolore veniva così associata all’esperienza tattile espressa nel poema di Jacques Sadolet sulla scoperta del Laocoonte. Poussin esplorò la rappresentazione del contagio esterno e dell’afflizione interna in due dipinti: La Peste di Ashdod (Museo del Louvre) e Il Martirio di Sant’Erasmo (Musei Vaticani). In contrasto con gli studiosi che, seguendo Aby Warburg, parlano di sopravvivenza (nachleben) di un passato pagano, questo articolo analizza le opere di Poussin alla luce delle osservazioni di Jean Seznec, in La Survivance des dieux antiques (1939), sull’ambivalenza della prima modernità rispetto all’antichità. El esbozo Grupo de ninfas de Nicolas Poussin (Los Ángeles, J. Paul Getty Museum) está inspirado en un bajorrelieve antiguo que representa divinidades marinas. En el reverso se encuentra un fragmento de una prescripción médica que describe un tratamiento contra la sífilis, o morbus gallicus. Los orígenes desconocidos de este mal francese, cuya pandemia llegó a la Italia del siglo xvi, llevó a que autores como Fracastoro formulara en su poema Sífilis una epidemiología que se caracterizaba por un diagnóstico y un tratamiento inspirados de la mitología greco-romana. La enfermedad se entendía como algo que habitaba el cuerpo y lo hacía de manera serpenteante e invisible, haciendo que la sensación del dolor se asociara a la experiencia háptica expresada en el poema de Jacques Sadolet sobre el descubrimiento del Laocoon. Poussin exploró la representación del contagio externo y de la aflicción interna en dos pinturas: La Peste de Asdod (Museo del Louvre) y El Mártir de San Erasmo (Museo del Vaticano). Contra la posición de especialistas que, siguiendo a Aby Warburg, hablan de la supervivencia (Nachleben) de un pasado pagano, este artículo analiza las obras de Poussin a la luz de las propuestas de Jean Seznec, de Los Dioses de la Antigüedad en la Edad media y el Renacimiento (1939), sobre la ambivalencia de la primera modernidad visa vis de la Antigüedad.

The present article focuses on the crucial role played by the iconography of the palm in the build up of the representation of the roman conceived nilotic landscape. The first part of the article starts with a general introduction covering the rich variety of meanings associated with this particular plant, analyzing a timespan starting from the first evidence recovered in Mesopotamia up to the classic Greek and Roman world. The second part instead is focused on the more specific nilotic context with the aim of highlighting the close link between the African continent, and more specifically Egypt, and the representation of the palm. Finally it is show that the use of the palm in the artistic representation of the roman age nilotic landscape is of paramount importance as an essential marker of the making of the picta nilotica.

La iglesia de la Compañía de Jesús de Granada constituye uno de los ejemplos capitales del barroco andaluz gracias a sus particularidades artísticas y estilísticas. Sin embargo, la excesiva focalización hacia determinados elementos singulares de la misma por parte de la historiografía motiva una necesaria relectura de otros mucho más desconocidos. Por ello, el presente artículo ofrece un novedoso análisis iconográfico e iconológico de la bóveda de la sacristía (1617-1620), mediante el cual podemos acercarnos a la implantación de la doctrina jesuítica en la Granada de los inicios del siglo XVII.

Tabernacle shrines from the period 1180-1400 are rare today, and not a single one is entirely preserved with its original polychromy and in the context for which it was made. Most examples are found in Scandinavia, Italy, and the Iberian Peninsula, which indicates that such shrines were a European phenomenon. This is confirmed by isolated survivals found in intermediate locations in France, Germany, and Slovakia. The similarities between these objects from the north, center, and south of Europe enable us to follow their Europe-wide development. The one country that possesses by far the largest number of preserved tabernacle shrines is Sweden. This is why the present study refers to Swedish examples to identify European types. The first type is the 'Appuna-type' shrines, dating from c. 1200, that contain an early sculpture of the Sedes Sapientiae. The second group are shrines of the Fröskog-type, which are characterized by the presense of reliefs on the interiors of their wings. The third type, more vertical and of architectural character, is called the 'Kil-type' and had its largest spread during the fourteenth century. It was in the relative periphery of the continent, and in modest churches in isolated locations, that tabernacle shrines had the best chances of surviving. The fact that academic art history was not invented precisely there has largely prevented tabernacle shrines from making it into our art-historical handbooks to date. Los retablos-tabernáculo del período 1180-1400 son raros hoy en día, y ninguno se conserva entero, con su policromía original y en el contexto para el que fue producido. La mayoría de ejemplos se encuentran en Escandinavia, Italia y la península ibérica, lo que pone de manifiesto que se trataba de un fenómeno europeo. Esta dimensión viene confirmada por algunos ejemplos aislados en territorios intermedios, en Francia, Alemania y Eslovaquia. La similitud de las obras en el norte, centro y sur de Europa es tal que permite esbozar su desarrollo en términos generales. El país europeo que posee la mayor cantidad de retablos-tabernáculo conservados, es, con diferencia, Suecia. Es por esta razón que, en este estudio, nos referimos a ejemplos suecos para identificar tipologías europeas. El primero es el "tipo Appuna", de alrededor de 1200, que contiene una escultura temprana de la Sedes Sapientiae. El segundo es el "tipo Fröskog", que se caracteriza sobre todo por la presencia de relieves en el interior de las alas. El tercer tipo, más vertical y con marcado carácter arquitectónico, se denomina el "tipo Kil" y tuvo su mayor difusión en el siglo XIV. Fue en la relativa periferia del continente, y en iglesias modestas en localidades aisladas, donde los retablos-tabernáculo tuvieron las mayores probabilidades de sobrevivir. El hecho de que la Historia del Arte como disciplina académica no fuese escrita precisamente allí ha influido en que hayan permanecido poco estudiados hasta hoy en día.

This essay is a critical reflection on the significance of female breasts in the Greek binary system of sex and gender. The study is built on references to breasts in epic poetry, tragedy, and the decorative scenery of Attic pottery. These documentary sources reveal the active role played by women in the Greek funeral rituals, in which women express pain and suffering for the loss of a loved one by means of a lament and body language in which the breasts turned on a special meaning as symbols of gender identity., Cet essai est une réflexion critique sur la signification des seins féminins dans le système binaire grec du sexe et du genre. L'étude est réalisée à partir de références aux seins dans la poésie épique et la tragédie, ainsi que de scènes décoratives dans la céramique attique. Ces sources documentaires mettent en lumière le rôle actif féminin dans les rituels funéraires grecs où les femmes expriment la douleur et la souffrance de la perte d’un être cher par des pleurs et un langage corporel où les seins acquièrent une signification particulière comme marque d’identité sexuelle., Este ensayo es una reflexión crítica del significado de los pechos femeninos en el sistema binario sexo-género griego. El estudio se lleva a cabo a partir de las referencias a los senos en la poesía épica y la tragedia, y las escenas decorativas de las cerámicas áticas. Estas fuentes documentales ponen de manifiesto el protagonismo femenino en los rituales funerarios griegos en los cuales las mujeres expresan el dolor y el sufrimiento por la pérdida de una persona querida mediante los lamentos y el lenguaje corporal en el que los pechos adquieren un significado especial como marca de identidad de género., Molas Font Maria Dolors. Senos que alimentan la vida y acompañan en la muerte. Cuerpo y feminidad en la Grecia antigua. In: Dialogues d'histoire ancienne. Supplément n°19, 2019. Visiones sobre la lactancia en la Antigüedad. Permanencias, cambios y rupturas. pp. 95-112.

Este trabajo se ocupa de la imaginería de la Reconquista desarrollada a partir del programa diseñado por Fray Martín Sarmiento para decorar el Palacio Real nuevo, en general, y de los relieves de las sobrepuertas de la Galería Principal, más en particular. Estas piezas escultóricas, terminadas entre 1753 y 1761, no solo fueron una forma de celebrar las glorias de la monarquía española en el pasado (medieval), sino también, y sobre todo, de publicitar una nueva imagen de la Reconquista que queremos revisar críticamente. Nos centraremos en las estrategias artísticas desarrolladas en la construcción de dichas imágenes de las guerras entre musulmanes y cristianos por parte de los intelectuales y artistas de la Ilustración, dado que fue precisamente en la segunda mitad del siglo XVIII cuando se forjó el mito nacional de la Reconquista. This paper deals with the imagery of the Spanish Reconquest developed from the Friar Martín Sarmiento’s program for the decoration of the new Royal Palace in Madrid, in general, and in the doors’ reliefs of Main Gallery, in particular. These sculptural works, completed between 1753 and 1761, were not only a way to celebrate the glories of Spanish Monarchy in the (Medieval) past, but also, over all, to publicize a new image of the Reconquista that we want to critically revise. Focus will be on the artistic strategies developed in the construction of those images of the Medieval wars between Muslims and Christians, by intellectuals and artists of the Ilustración. In fact, it was precisely in the second half of the eighteenth century when the national myth of the Reconquest was first consolidated. Este trabajo forma parte de la actividad científica del Proyecto I+D "La construcción del imaginario islámico en la península ibérica y el mundo iberoamericano en la Edad Moderna" (IMIS-IBAM), financiado por el Ministerio de Ciencia e Innovación (PID2019-108262GA-I00) y cuyo investigador principal es Iván Rega Castro.

El monográfico al que pertenece este artículo se llama Processions and Royal Entries in the Petrification of Space during the Medieval and Early Modern Periods., Este artículo está sujeto a una licencia CC BY 4.0., [EN] Traditionally, when dealing with the study of urban celebrations in the Middle and Early Modern periods, historiography has accepted the concept of Gesamtkunstwerk to point out the magnificence and diversity of artistic expressions that were part of these ephemeral events. Without totally opposing this idea, reinforced by methodological currents such as the history of emotions, this paper aims to reflect on the concept of urban celebrations. We will provide new perspectives in the study of these performances, especially their short-lived nature, which prevented the people from having access to all the acts and messages that involved these events. To this end, we propose a new approach to documentary and literary sources, from the point of view of the analysis of the Muslim other. We study its visual representation as well as its role as a spectator and active participant, especially as a dancer or musician. This allows us to present a new methodological framework using Valencia as a case study., [ES] Tradicionalmente, al ocuparse del estudio de la fiesta en la edad media y moderna, la historiografía ha aceptado el concepto de obra de arte total para señalar la magnificencia y diversidad de expresiones artísticas que formaron parte de estos eventos efímeros. Sin contraponernos totalmente a esta idea, reforzada por corrientes metodológicas como la historia de las emociones, planteamos este artículo como una reflexión sobre el concepto de fiesta urbana. Para ello, aportaremos nuevas perspectivas de estudio, que tengan en cuenta las características propias de estas celebraciones, en especial su carácter fugaz, lo que impedía que el común de la población tuviese acceso a todos los actos y mensajes que envolvían estos espectáculos. Con tal fin, proponemos un nuevo acercamiento a las fuentes, documentales y literarias, desde el punto de vista del análisis de la alteridad. Nos detendremos en el estudio de la utilización del otro en el aparataje simbólico que envolvía estos actos, además de en su papel no sólo como espectador sino también como participante activo, en especial en el apartado musical. Todo ello nos permitirá un acercamiento novedoso a estos eventos, lo que nos ayudará a conocer mejor a las complejas sociedades en las que se produjeron., This article is part of the Research Project PID2019-105070GB-I00. IMPI2: Antes del orientalismo: Figuras de la alteridad en el Mediterráneo de la Edad Moderna: del enemigo interno a la amenaza turca. PI: Borja Franco, and it was partially supported by the project Petrify-ing Wealth. The Southern European Shift to Masonry as Collective Investment in Identity, c. 1050-1300. This last project has received funding from the European Research Council (ERC) under the European Union’s Horizon 2020 research and innovation programme (grant agreement n. 695515).

NTRODUCCIÓN. Las tradiciones son elementos identitarios de un pueblo, y los juegos de los niños son parte de esta tradición. El objeto de estudio del presente artículo es la cometa. Se realiza a partir de un esbozo histórico, folklórico y lúdico, y el análisis de sus usos y simbolismos de dicho instrumento. MÉTODO. La metodología se ha basado en el análisis de obras de finales del s. XIX e inicios del s. XX que tratan la historia, simbolismo y construcción del juego. Se centra el estudio en la aportación del folklorista Joan Amades, que detalla los diferentes significados y usos de este juguete. Las fuentes secundarias relacionadas con la cometa contextualizan la aportación. A la vez, se ha llevado a cabo una aplicación en el aula, para el posible trabajo competencial, con un grupo de alumnos de ciclos formativos de la familia de actividades físicas. RESULTADOS. La propuesta permite hacer ver al alumnado los juegos existentes en el pasado, la dificultad en su construcción, la práctica y la aplicación al siglo XXI. DISCUSIÓN. Se evidencia que es necesaria una reflexión en torno al pasado y una recuperación de las tradiciones si se quiere mantener la identidad de los pueblos.

Resumen Con el propósito de examinar los procedimientos implicados en el tratamiento técnico de imágenes iconográficas representadas en mapas antiguos, se realizó una investigación cualitativa que analizó el conjunto de prácticas y lineamientos aplicados en las mapotecas de bibliotecas nacionales iberoamericanas para la catalogación y sistematización de estos elementos. Se efectuó una observación estructurada sobre un porcentaje de registros de alto contenido iconográfico disponibles en los catálogos en línea de las bibliotecas de estudio y se cotejaron los datos relevados con la normativa catalográfica vigente y con el método iconológico de Panofsky, proveniente del ámbito de la teoría e historia del arte. Por último, a través de un cuestionario, se recabó información vinculada al establecimiento de políticas y manuales de procedimientos elaborados por estas instituciones para el abordaje de imágenes en cartografía antigua. Abstract With the purpose of examining the procedures involved in the technical treatment of iconographic images represented on early maps, a qualitative investigation was carried out that analyzed the set of practices and guidelines applied in the map libraries of Ibero-American national libraries for cataloging and systematization of these elements. A structured observation was made on a percentage of records with high iconographic content available in the online catalogs of the study libraries and the data collected was compared with the current cataloging regulations and with the iconological method of Panofsky, from the field of theory and art history. Finally, through a questionnaire, information related to the establishment of policies and procedures manuals prepared by these institutions for the approach of images in old cartography was collected.

In this article, we examine the visual motif of the corpse and its presence in the public sphere in times of pandemic from an iconographic, political and anthropological perspective. Through the analysis of the representation of the dead body in images presented by modern media, we reflect on how the formal and iconographic schemes of presentation of death were transformed following the irruption of the Covid-19 pandemic in March 2020. The pandemic scheme, which is unusual from a political and anthropological perspective, assumes a particular approach to the problem of the representation of the dead body (anonymous body, carrier of a virus), encrypted in a dialectic between systematic omission and censorship and displacement of the representation of death towards the cumulative symmetry of empty pits or coffins that prefigure the corpse to come. Pandemic iconography, often based on science fiction imagery, outlines the dehumanized restlessness of a dystopian future. Under these exceptional conditions, some corpses, which are a priori anonymous, stand out, showing, even in the suspended space of Covid-19, the permanence of structural schemes of violence that must be denounced and fought in the present. With that in mind, we also examine the corpses claimed by Black Lives Matter and their distinctive representations, which are very different from those of the victims of the epidemic. Finally, through these references and based on the media treatment of Diego Armando Maradona’s body, we consider the significance of the return of the iconic corpse to the center of the public sphere, which imposes a regime of extreme visibility and goes beyond the representative limits of pandemic exceptionality. En este artículo estudiamos, desde una perspectiva iconográfica, política y antropológica, el motivo visual del cadáver y su presencia en la esfera pública en tiempos de pandemia. A partir del análisis de la representación del cuerpo muerto en las imágenes de los medios de comunicación actuales, hemos tratado de pensar cómo se transformaron los esquemas formales e iconográficos de presentación de la muerte con la irrupción, desde marzo de 2020, de la pandemia de Covid-19. El régimen pandémico, excepcional a nivel político y antropológico, supone un acercamiento particular a la problemática de la representación del cuerpo muerto (cuerpo anónimo, portador de un virus), cifrado en una dialéctica entre un régimen de omisión y censura y el desplazamiento de la representación de la muerte hacia la simetría acumulativa de las fosas o ataúdes vacíos que prefiguran el cadáver por venir. La iconografía pandémica, construida con frecuencia sobre el imaginario de la ciencia-ficción, perfila la inquietud deshumanizada de un futuro distópico. En esas condiciones de excepcionalidad, algunos cadáveres, a priori anónimos, se singularizan, mostrando, aún en el espacio en suspenso de la Covid-19, la permanencia de esquemas estructurales de violencia que se deben denunciar y combatir en presente. En ese sentido, proponemos también estudiar los cadáveres reivindicados por el Black Lives Matter y la peculiar forma representativa que toman, muy diferente a los de las víctimas de la epidemia. Finalmente, desde estas coordenadas y a partir del tratamiento mediático del cuerpo de Diego Armando Maradona, consideramos como significativo el retorno al centro de la esfera pública del cadáver icónico, que impone un régimen de extrema visibilidad y desborda los límites representativos de la excepcionalidad pandémica.

espanolLa serie monetal RRC 441/1 fue emitida a inicios del ano 49 a.C. cuando habia ya estallado la guerra civil entre C. Julio Cesar (cos. I 59 a.C.) y el Senado. Significado y lugar de acunacion. EnglishThe monetary series RRC 441/1 was issued at the beginning of the year 49 B.C. When civil war broke out between C. Julius Caesar (cos. I 59 BC) and the Senate. Meaning and place of minting.

The essay analyses the iconography of the sixteenth-century frescoes by the Mannerist painter Bertoja in the ‘Sala del bacio’ of the ‘Palazzo del Giardino’, Parma. The series is interpreted...

En este trabajo de investigación se exploran los escenarios de la ciudad contemporánea atendiendo a la relación que existe entre las identidades urbanas y los elementos de iconografía más representativos de esos lugares. La identidad social que asumen los individuos se genera en la dinámica de la compleja trama de interacciones que se desarrolla dentro de un contexto cultural determinado. Desde la aparición del urbanismo decimonónico, las ciudades modernas se han reconfigurado según las necesidades espaciales derivadas de las actividades económicas que la burguesía industrial y comercial ha liderado. La evolución de los mercados internacionales, la deslocalización de gran parte de la industria y la lógica cultural inserta en la producción de mercancías en las sociedades del capitalismo avanzado han impulsado el fenómeno global de las marcas corporativas. Compitiendo entre ellas por atraer a inversores, ciudadanos y turistas, las ciudades, convertidas en mercancías, han rediseñado sus identidades recurriendo al fetiche de la marca. [gl] Neste traballo de investigación explóranse os escenarios da cidade contemporánea atendendo á relación que existe entre as identidades urbanas e os elementos de iconografía máis representativos deses lugares. A identidade social que asumen os individuos xérase na dinámica da complexa trama de interaccións que se desenvolve dentro dun contexto cultural determinado. Desde a aparición do urbanismo decimonónico, as cidades modernas reconfiguráronse segundo as necesidades espaciais derivadas das actividades económicas que a burguesía industrial e comercial ten liderado. A evolución dos mercados internacionais, a deslocalización da meirande parte da industria e a lóxica cultural inserida na produción de mercadorías nas sociedades do capitalismo avanzado impulsou o fenómeno global das marcas corporativas. Competindo entre si por atraer investidores, cidadáns e turistas, as cidades, agora convertidas en mercadorías, redeseñaron as súas identidades recorrendo ao fetiche da marca.

On the occasion of the centenary of the mosaic’s discovery of the Twelve Labours of Hercules in Liria (Valencia), this article aims to approach to some aspects overlooked in previous works. Within the study of Roman domestic spaces, the room’s decoration is an essential factor in order to understand its function. Over the years, several studies have focused their efforts on a descriptive analysis of the mosaic, mentioning only the social interpretation, whereas the current trends try to analyze other aspects such as the study of elites and their symbolism. For this reason, our goal in this article is to analyze the social aspect of this pavement, which particular choice of the central motif, which is not random, combined with the twelve labours, makes it an unicum. This selection is related to the identity of the owner of the house, aspect that also we will try to elucidate., Con ocasión del centenario del descubrimiento del mosaico de los Doce Trabajos de Hércules en Liria (Valencia), este artículo pretende abordar aspectos hasta ahora poco tratados en trabajos precedentes. Dentro del estudio de los espacios domésticos romanos entendemos que la decoración de las estancias es una parte vital para la interpretación funcional de las mismas. A lo largo de los años, diversos estudios han centrado sus esfuerzos en realizar un análisis descriptivo del mosaico de Liria, haciendo apenas una mención a la interpretación social del mismo, mientras las tendencias actuales abogan por abordar otros aspectos como el estudio de las élites y su simbología. Por esta razón, nuestro objetivo en este artículo es analizar la vertiente social de este pavimento, cuya particular elección del motivo central, que desde luego no es aleatoria, combinado con las doce tareas, lo convierte en un unicum. Esta selección solía estar relacionada con la identidad del propietario/a de la vivienda, aspecto que también trataremos de dilucidar.

The problem of the iconography of a unique image of a deity drawn on the Middle Kingdom rectangular coffin of Sepi III (Cairo CG 28083; B1C; Deir el-Bersha; CT VI, 386) is discussed in the article. It is possible that the god is the first known image of the syncretic double god Re-Osiris. The deity (with a head unusually for Egyptian iconography unfolded in full face) is shown sitting on a throne with the inscription “millions (of years)”. The image of this god could be a visual display of the eschatological plot described in Spell 1130 of the Coffin Texts (the union of Atum(-Re) and Osiris after destruction of the Universe) at the end in the Book of Two Ways, that is represented on the bottom of Sepi’s coffin. El problema de la iconografía de una imagen única de una deidad dibujada en el ataúd rectangular del Reino Medio de Sepi III (Cairo CG 28083; B1C; Deir el-Bersha; CT VI, 386) se discute en el artículo. Es posible que el dios sea la primera imagen conocida del doble dios sincrético Re-Osiris. La deidad (con una cabeza inusualmente desplegada en la cara completa para la iconografía egipcia) se muestra sentada en un trono con la inscripción “millones (de años)”. La imagen de este dios podría ser una muestra visual de la trama escatológica descrita en el Hechizo 1130 de los Textos del Ataúd (la unión de Atum (-Re) y Osiris después de la destrucción del Universo) al final del Libro de las Dos Vías, que está representado en la parte inferior del ataúd de Sepi.

La intención de este artículo es analizar la evolución de la imagen pública de María Teresa León a lo largo de tres fases: una primera marcada por su presencia activa e influyente durante la Segunda República y la Guerra Civil; una segunda determinada por el silencio y el ostracismo, que se inicia con el exilio y alcanza hasta la Transición; y una tercera de recuperación, impulsada por los estudios desde la perspectiva de género y la búsqueda de modelos y referentes. La metodología seguida se basa tanto en la revisión iconográfica y el análisis de las fuentes, prensa periódica y fondos fotográficos públicos y privados, como en estudiar su repercusión bibliográfica. The intention of this article is to analyze the evolution of the public image of María Teresa León throughout three phases: a first marked by her active and influential presence during the Second Republic and the Civil War; a second determined by silence and ostracism, which begins with exile and reaches until the Transition; and a third of recovery, driven by studies from the gender perspective and the search for models and references. The methodology followed is based both on the iconographic review and the analysis of the sources, periodical press and public and private photographic funds, as well as on studying the bibliographic repercussion of it.

This paper proposes the reconstruction of the Scythian eschatological concepts on the basis of semantics of the Sakhnivka plate composition (4th century BC, Museum of Historical Treasures of Ukraine, branch of the National Museum of History of Ukraine). Taking into account the ritual detour of the sacral center from left to right in the Indo-Iranian tradition, the plate plots show a consecutive visual statement of the episodes of the myth of Kolaxais’ destiny. The culmination scene of the plate includes three figures. The half-turned and full-face iconography of the Goddess shows her belonging to two figures, on her both sides: to a meeting of the bearded Scythian king on the right and a scene with a young Scythian on the left (an image of the young, “regenerated” king / Kolaxais). Only the last figure has a in caftan wrapped from right to left, i.e. the clasp of the “living person” (as opposed to other figures) that confirms his special status of ‘reborn’. Accordingly, scenes show the important episodes of the Scythian eschatological representations connected with posthumous fate, basis for the ideology of funerary rites. Este artículo propone la reconstrucción de los conceptos escatológicos escitas sobre la base de la semántica de la composición de la Placa de Sakhnivka (siglo IV aC, Museo de Tesoros Históricos de Ucrania, rama del Museo Nacional de Historia de Ucrania). Teniendo en cuenta el desvío ritual del centro sacro de izquierda a derecha en la tradición indo-iraní, las gráficas de las placas muestran una declaración visual consecutiva de los episodios del mito del destino de Kolaxais. La escena culminante del plato incluye tres figuras. La iconografía de la Diosa medio vuelta y de rostro completo muestra su pertenencia a dos figuras, a ambos lados: una reunión del rey escita barbudo, a la derecha y una escena con un joven escita a la izquierda (una imagen del rey joven, “regenerado” / Kolaxais). Solo la última figura tiene un caftán envuelto de derecha a izquierda, es decir, el broche de la "persona viva" (a diferencia de otras figuras) que confirma su condición especial de "renacido". En consecuencia, las escenas muestran los episodios importantes de las representaciones escatológicas escita vinculadas al destino póstumo, base de la ideología de los ritos funerarios.

The emblem book, from its very inception and deriving directly from certain editorial practices, is closely related to other illustrated book traditions. One of these is the fable book. This study examines the theoretical premises of the relationship between the fable and the symbolic image in order to understand better the causes of their progressive similarity to emblematic illustration. A secondary focus of this study centers on the specifically Baroque theorizing on the symbolic image, with Jesuit texts given a privileged consideration, since they are so central to this nexus of ideas. The study concludes with an analysis of a concrete example of the mutual influences between one fable (that of the eagle and the beetle) and some of its emblematic representations., Desde su nacimiento, derivado directamente de determinadas prácticas editoriales, el libro de emblemas entra en estrecha comunicación con otros impresos ilustrados. Uno de ellos es el libro de fábulas. Este estudio rastrea los presupuestos teóricos de la relación entre la fábula y la imagen simbólica para entender mejor las causas de su progresiva aproximación a la serie emblemática. En un segundo paso se centra en la teorización específicamente barroca sobre la imagen simbólica, atendiendo de manera privilegiada a los textos jesuíticos, tan centrales en este conjunto de ideas. La investigación concluye observando un ejemplo concreto de interinfluencias entre una fábula (la del águila y el escarabajo) y algunas de sus representaciones emblemáticas.

L'iconografia navale tra l'epoca tardo-romana e almeno il 12 secolo d.C. mostra un particolare tipo di calcese "a uncino" che componeva la testa d'albero delle imbarcazioni. Lo si trova non solo nelle imbarcazioni armate con vela latina, ma anche in quelle armate con vela quadra. Due recenti rinvenimenti archeologici permettono di ipotizzare che non si trattasse di un calcese funzionale a portare la drizza più avanti, per facilitare la manovra dell'antenna durante le virate, come ipotizzato da alcuni studiosi, ma per proteggere la testa d'albero e per sostituire facilmente questo importante elemento dell'attrezzatura in caso di usura o di rottura. Il calcese "a uncino" è spesso enfatizzato nell'iconografia, fatto che suggerisce un suo valore simbolico che dovrà essere indagato. Iconography from the Late Roman period to at least the 12th century AD shows the use of a hook-shaped masthead on sailing vessels. Hook-shaped mastheads are shown not only on lateen-rigged but also on square-rigged vessels. Recent discoveries in archaeological contexts allow us to suggest that the shape was not necessary to keep the halyard as far forward of the mast as possible, to facilitate the movement of the yard while tacking, as supposed by some scholars. Rather, it facilitated the replacement of the masthead and protected the top of the mast. The oversizing of this element in iconography might suggest a symbolic meaning that should be investigated.

The recognition of cultural practices around the archaeological assets documented in the Cundiboyacense highlands, eastern Andes of Colombia, allowed to identify narratives that account for possible relationships between myths, rites, and recorded archaeological assets. Through an ethnoarchaeological and iconographic study in 31 archaeological glasses and 20 ethnographic vessels of the Archaeological Museum of Tunja, it was possible to identify discursive, typological and morphological relationships between the rite of sowing water that is still practiced by highland peasants and the myth of Muisca origin Bachue. El reconocimiento de prácticas culturales en torno a los bienes arqueológicos documentados en el altiplano Cundiboyacense, Andes orientales de Colombia, permitió identificar narrativas que dan cuenta de posibles relaciones entre mitos, ritos y bienes arqueológicos registrados. A través de un estudio etnoarqueológico e iconográfico en 31 copas arqueológicas y 20 vasijas etnográficas del Museo Arqueológico de Tunja se pudo identificar relaciones de tipo discursivo, tipológico y morfológico entre el rito de sembrar agua que aún practican campesinos del altiplano y el mito de origen muisca Bachué.

Tradicionalmente, se ha creído que los reyes helenísticos comenzaron a afeitarse la barba siguiendo el ejemplo de Alejandro Magno. Este artículo propone una nueva visión de esta idea, dado que explica el rostro rapado de Alejandro a través de la juventud de los reyes macedonios. En nuestra opinión, los soberanos de Macedonia fueron presentados muchas veces por sus padres o regentes como eternos adolescentes para permanecer en el poder el mayor tiempo posible. Por lo tanto, la única forma de que cualquier miembro de la dinastía Argead logre una autonomía completa y sea completamente libre era sentarse en el trono. Lo mismo ocurre durante la vida de los generales populares (Parmenion) o consejeros (Aratus). El retrato real creado por los Diadochoi fue un símbolo de poder a través del cual podían gobernar, nunca fue una imitación de uno real. Sin embargo, este retrato real se inspiró en modelos macedonios que presentaban al príncipe Argead como inexperto y débil cuando no llevaban barba.

A monarquia brasileira, estabelecida em pleno processo de independência das colônias americanas, precisava se afirmar diante do crescente movimento republicano que a rodeava não só através da criação de sua própria imagem, mas também das alegorias de seus inimigos. Partindo do projeto de monumento de Francisco de Azevedo Monteiro Caminhoá para comemorar a Guerra do Paraguai, cuja estátua central foi rejeitada pela Academia Imperial de Belas Artes, realizamos um estudo iconográfico e comparativo da corporificação de um Império masculino e, em contraposição, do monstro da tirania ou da anarquia como inimigos abstratos do Império, principalmente através de obras “menores”, mas de alta circulação. The Brazilian monarchy, established in the middle of the independence process of the American colonies, needed to assert itself in the face of the growing republican movement that surrounded it through the creation of its own image, but also the allegories of its enemies. Based on the Francisco de Azevedo Monteiro Caminhoá monument project to commemorate the War of Paraguay, which central statue was rejected by the Imperial Academy of Fine Arts, we aim to makean iconographic and comparative study of the embodiment of a male Empire and, in contrast, of the monster of tyranny or anarchy as abstract enemies of the Empire, mainly through “smaller” but highly circulated works.

Resumen Con la caída de la Monarquía Isabelina en1868 se inicia un período de libertades y la Masonería española podrá actuar dentro de la legalidad. Durante el Sexenio democrático, la Masonería experimentará una eclosión que inaugura su época dorada en España. A lo largo de los convulsos años siguientes numerosas logias españolas se integrarán en la masonería portuguesa buscando una regularidad masónica que no encontraban en las nuevas obediencias españolas. De este período se han conservado algunas medallas que documentamos y analizamos desde la numismática y la iconografía, para arrojar luz sobre esta manifestación del arte masónico español. Abstract After the fall of Isabella II in 1868, Spain witnessed a new era of freedom hitherto unknown. This meant that Spanish Freemasonry could operate publicly within the law. During the Six Year Democracy, Freemasonry experienced the emergence of obedience’s and lodges. During the following turbulent years, many Spanish lodges joined Portugal’s Freemasonry looking for masonic regularity not found in the new Spanish obedience. Some medals related to this period have been preserved and we have analyzed them and their iconography as numismatic objects in order to shed some light on this artistic manifestation of Spanish Freemasonry.

Les Mayas de l’époque classique (200‑900 apr. J.‑C.), et en particulier leur élite royale, ont toujours cherché à se souvenir ; ils ont toujours voulu rendre éternels des épisodes marquants de leur histoire. L’utilisation de l’image (ou plutôt des images) est un des biais qu’ils ont choisi pour y parvenir. Si le dirigeant maya a une préférence pour les stèles afin d’exhiber son portrait, image solennelle et omnipotente, il choisit généralement la peinture (sur murs ou sur céramiques) pour montrer sa famille, ses alliés politiques ou encore ses actions publiques (victoires guerrières, captures de prisonniers, sacrifices, etc.). Les scènes apparaissent alors variées et dynamiques, remplies de détails culturels inaccessibles à d’autres sources historiques. Grâce à ces images millénaires, les acteurs de l’histoire maya nous apparaissent plus vivants que jamais. Los mayas del periodo clásico (200‑900 D.C.), y en particular su élite real, siempre buscaron a acordarse. Siempre procuraron que los episodios significativos de su historia fueran eternos. La utilización de la imagen (o más bien dicho de las imágenes) es uno de los medios escogidos para lograrlo. Si el rey maya prefiere las estelas para exhibir su retrato, imagen solemne y omnipotente, opta generalmente por la pintura (sobre muros o cerámicas) para mostrar a su familia, sus aliados políticos y sus acciones públicas (victorias militares, capturas de prisioneros, sacrificios etc.). Las escenas aparecen variadas y dinámicas, llenas de detalles culturales inaccesibles a otras fuentes históricas. Gracias a estas imágenes milenarias, los actores de la historia maya aparecen más vivos que nunca. The Classic Maya (200‑900 A.D.) and in particular their royal elite, always tried to remember the past. They always strove to create lasting and significant representations of their history. The use of the image (or of images) is one of the means they have chosen to accomplish this. If the Mayan ruler preferred the stelas for his portrait, solemn and omnipotent, he usually selected paintings (on walls or ceramics) to display his family, his political allies, or his noteworthy actions (wars, capture of prisoners, sacrifices). The scenes appear varied and dynamic, full of cultural details inaccessible in other historical sources. Thanks to these millennial images, the actors of Mayan history appear to be more alive than ever.

El objetivo de este trabajo es analizar la iconografía de la salida de los israelitas de Egipto que aparece en los ciclos bíblicos miniados de las haggadot catalanas del siglo XIV, manuscritos hebreos que recogen el texto que se lee durante la Pascua judía. En la mayoría de las haggadot catalanas, la expulsión de los israelitas se representa mediante un grupo de hebreos saliendo de una ciudad que, de acuerdo con el texto bíblico (Ex 12,33-42), llevan masa de pan sin fermentar mientras son observados por los egipcios. El esquema compositivo de las escenas es similar al de los manuscritos cristianos, si bien la dirección compositiva sigue el orden de la lectura hebrea, es decir, de derecha a izquierda. A pesar de las semejanzas evidentes, también se detectan motivos iconográficos generados a partir de ciertos comentarios rabínicos y traducciones e interpretaciones del texto bíblico característicos de los manuscritos hebreos. En cuanto al significado de la escena, algunos investigadores han sugerido una lectura en clave polémica que remitiría a las tensiones existentes entre las comunidades judía y cristiana. Esta lectura interpretativa, sin embargo, también se puede abordar teniendo en cuenta la imagen de la expulsión de los judíos en los manuscritos medievales. The aim of the research is to analyze the iconography of the departure of the Israelites from Egypt that appears in the miniatures of the Catalan haggadot of the 14th century, Hebrew manuscripts that collect the text read during the Passover. In most Catalan haggadot the expulsion of the Israelites is represented by a group of people carrying the unfermented dough, according to the biblical text (Ex 12,33-42). The Hebrew people leave a city while they are being observed by the Egyptians. The compositional scheme is similar to the scenes of the Christian manuscripts, although the compositional direction follows the order from right to left, as is read in Hebrew. In spite of the visible similarities, iconographic motifs generated from certain rabbinic commentaries and biblical translations and interpretations can also be detected, which are exclusive of the Hebrew manuscripts. Regarding the meaning of this scene, some scholars have suggested a polemic message due to the tensions between the Jewish community and the Christian people, but this can also be examined taking into account the image of the expulsion of the Jews in the medieval manuscripts.