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[ES] El aburrimiento es una sensación desagradable y los seres humanos lo experimentan en la vida cotidiana, en el trabajo, en el entretenimiento, o en la educación y la cultura. En dicha investigación, pretendemos explorar la poética del aburrimiento en el arte contemporáneo a través de la indagación en el formalismo y en el conceptualismo, rastreando cómo el aburrimiento afecta a la producción artística, conformándose como una estrategia del arte e influyendo en el espectador. Para realizar este trabajo, iniciamos el estudio de los recursos filosóficos, sociológicos y literarios relacionados con el aburrimiento, con el fin de configurar su rostro y valor. Después, a través de este entendimiento del aburrimiento, rastreamos su manifestación en el arte. Descubrimos que, en efecto, tradicionalmente la impresión establecida del arte ha sido una simulación de ilusión, creando un mundo asombroso en medio de la representación ilusionista de la realidad y la imaginación. Sin embargo, desde las vanguardias, el arte ha roto este lenguaje de la representación ilusionista y ha propuesto otro lenguaje basado en el conceptualismo y en la experiencia pura visual abstracta. Tales rupturas y conflictos con el arte convencional también llevan consigo la posibilidad del aburrimiento en el arte, donde el arte a primera vista ya no es visualmente comprensible y tampoco se basa plenamente en la representación visual. Además, hallamos este vínculo significativo del aburrimiento concretamente en el "Manifiesto Dadá", en el que declara la intención de derrotar el aburrimiento del arte convencional. Sin embargo y paradójicamente el dadaísmo introdujo aquel lenguaje del aburrimiento en el arte, influyendo posteriormente en el arte contemporáneo. Es así que, con el análisis de diversos artistas y estrategias estéticas que utilizan el aburrimiento, revelamos la poética del aburrimiento en el arte contemporáneo., [CA] L'avorriment és una sensació desagradable i els éssers humans l'experimenten en la vida quotidiana, en el treball, l'entreteniment, o l'educació i la cultura. En aquesta investigació, pretenem explorar la poètica de l'avorriment en l'art contemporani a través de la indagació en el formalisme i en el conceptualisme, rastrejant com l'avorriment afecta a la producció artística, conformant-se com una estratègia de l'art i influint en l'espectador. Per a fer aquest treball, iniciem l'estudi dels recursos filosòfics, sociològics i literaris relacionats amb l'avorriment, amb la finalitat de configurar el seu rostre i valor. Després, a través d'aquest enteniment de l'avorriment, rastregem la seua manifestació en l'art. Descobrim que, en efecte, tradicionalment la impressió establida de l'art ha sigut una simulació d'il·lusió, creant un món sorprenent enmig de la representació il·lusionista de la realitat i la imaginació. No obstant això, des de les avantguardes, l'art ha trencat aquest llenguatge de la representació il·lusionista i ha proposat un altre llenguatge basat en el conceptualisme i en l'experiència pura visual abstracta. Tals ruptures i conflictes amb l'art convencional també porten amb si la possibilitat de l'avorriment en l'art, on l'art a primera vista ja no és visualment comprensible i tampoc es basa plenament en la representació visual. A més, trobem aquest vincle significatiu de l'avorriment concretament en el "Manifest Dadà", en el qual declara la intenció de derrotar l'avorriment de l'art convencional. No obstant això i paradoxalment el dadaisme va introduir aquell llenguatge de l'avorriment en l'art, influint posteriorment en l'art contemporani. És així que, amb l'anàlisi de diversos artistes i estratègies estètiques que utilitzen l'avorriment, revelem la poètica de l'avorriment en l'art contemporani., [EN] Boredom is an unpleasant feeling that is experienced by human beings in everyday life, in work, entertainment, education, and culture. In this research, we intend to explore the poetics of boredom in contemporary art through the investigation of formalism and conceptualism, tracing how boredom affects artistic production, turns into an art strategy, and affects the viewer. To carry out this work, we began with the study of philosophical, sociological, and literary resources related to boredom in order to configure its features and value. Later, through this understanding of boredom, we traced its manifestation in art. We discovered that, indeed, traditionally the established impression of art has been a simulation of illusion, creating an amazing world between the illusionistic representation of reality and imagination. However, since the avant-gardes, art has broken this language of illusionist representation and has proposed another language based on conceptualism and pure abstract visual experience. Such ruptures and conflicts with conventional art also bring with them the possibility of boredom in art, where art at first sight is no longer visually understandable and also does not completely depend on visual representation. In addition, we find this significant link between boredom and art specifically in the "Dada Manifesto," which declares the aim of defeating boredom in conventional art. However, paradoxically, Dadaism introduced strategies of boredom into art, which subsequently became influential in contemporary art. Thus, with the analysis of various artists and aesthetic strategies involved with boredom, we have revealed the poetics of boredom in contemporary art.

Esta tesis se ocupa del estudio de una serie de propuestas pictóricas figurativas contemporáneas que giran en torno a lo oculto, lo sombrío, lo extraño y lo inhóspito, términos relacionados con el ámbito de la inquietante extrañeza freudiana. Para contextualizar este estudio, hemos tomado como referencia cuatro exposiciones que se han realizado en esta última década y que trataban aspectos relevantes en relación con dicho tema: Dark Romanticism: From Goya to Max Ernst, Nightfall: New tendencies in figurative painting, This side of Paradise y New Black Romanticism. Su análisis nos ha permitido comprender que, desde el Romanticismo hasta la contemporaneidad, dicho concepto se ha asociado frecuentemente con la idea de extrañamiento y de desarraigo respecto a un mundo que, considerándose íntimamente familiar y conocido, resulta cada vez más ajeno y hostil. Partiendo de este contexto, este trabajo de investigación se ha centrado en el estudio de una serie de poéticas elaboradas por catorce pintoras figurativas europeas nacidas en la segunda mitad del siglo XX que, desde la experiencia del cuerpo y de la conciencia de su propia naturaleza, permiten asimilar una lectura de esa inquietante extrañeza desde una perspectiva que se separa de la propuesta por sus compañeros varones y que se relaciona con los presupuestos ideológicos del feminismo y el ecologismo.

Este articulo hace una revision critica del Museo de Arte Moderno de Bogota durante la administracion de la artista Marta Traba. Con este proposito, la contribucion hace una reinterpretacion de una de las primeras narrativas institucionales sobre la trayectoria del museo, publicada en 1966 por Traba. La revision de esta narrativa muestra la vision que la artista tenia tanto del proceso de institucionalizacion del museo, asi como de sus propios posicionamientos criticos y sobre su ejercicio curatorial.

Tesis de Maestría Esta tesis tiene como objetivo principal investigar los modos en que operó el género en la escena de arte abstracto en Buenos Aires, Argentina entre 1944 y 1954 considerando tanto varones como mujeres artistas. El trabajo se enfoca en un estudio cualitativo de casos de artistas de la escena invencionista: Yente, Lidy Prati, Tomás Maldonado, Diyi Laañ, Gyula Kosice y Raúl Lozza. Utiliza una metodología interdisciplinar que enfatiza la mirada de la historia del arte feminista con los estudios críticos de las masculinidades. Se sostiene que la escena del arte abstracto en Buenos Aires entre 1944 y 1954 estuvo atravesada por el género tanto en el discurso de la abstracción producido por los artistas varones como en las prácticas de y entre los varones artistas entre ellas la homosocialidad entre varones. Estas ideas y prácticas impactaron la producción de las artistas mujeres que participaron y negociaron con la escena y su posterior visibilidad. Fil: Pagnanelli, Ayelén. Universidad Nacional de San Martín. Instituto de Altos Estudios Sociales; Argentina

Este artículo es la versión en español de «On the Spatial Turn, or Horizontal Art History» del historiador del arte polaco Piotr Piotrowski (1952-2015). Fue publicado por primera vez en inglés y en checo en Umění/Art (n.º 5, 2008, pp. 378-383), revista del Instituto de Historia del Arte de la Academia de Ciencias de la República Checa. En 2014 fue traducido al francés por Katarzyna Cohen e incluido en el volumen de Kantuta Quirós y Aliocha Imhoff (eds.), Géo-esthétique (París: B42). Desiderio Navarro lo tradujo para el Congreso de la Asociación Internacional de Críticos de Arte celebrado en Cuba en 2016. Fue publicado luego en los sitios web de Polonica Hispanica y de la revista Criterios. En 2017 fue incluido en el tercer tomo de Denken Pensée Thought Myśl, e-zine de Pensamiento Cultural Europeo. Esta traducción se realizó a partir de la versión francesa de 2014., This article is the Spanish version of «On the Spatial Turn, or Horizontal Art History» by the Polish art historian Piotr Piotrowski (1952-2015). It was published for the first time in English and in Czech in Umění / Art (N.º 5, 2008, pp. 378-383), journal of the Institute of Art History of the Academy of Sciences of the Czech Republic. In 2014 it was translated into French by Katarzyna Cohen and included in the volume by Kantuta Quirós and Aliocha Imhoff (eds.), Géo-esthétique (Paris: B42). Desiderio Navarro translated it for the Congress of the International Association of Art Critics held in Cuba in 2016. It was later published on the Polonica Hispanica websites and the Criterios magazine. In 2017 it was included in the third volume of Denken Pensée Thought Myśl, e-zine de Pensamiento Cultural Europeo. This translation was made from the French version of 2014., Facultad de Bellas Artes

Tesis de Maestría Este trabajo busca realizar un aporte a la historia del arte argentino al estudiar algunas prácticas institucionales del período en cuestión. Se propone, entonces, analizar el discurso sobre la modernidad instaurado por el Museo de Arte de Buenos Aires durante sus primeros cuatro años de existencia, entre 1956 y 1960, en relación con las políticas culturales del Estado, para dar cuenta de cómo Rafael Squirru concebía en ese momento la práctica artística y la gestión institucional. Fil: Dourron, María Sofía. Universidad Nacional de San Martín. Instituto de Altos Estudios Sociales; Argentina

The analysis of the agents that took part in the invention, promotion and broadcasting of photography in the XIX century -photographers, politics, scientists, intellectuals and artists- permit us to reconstruct the photography’s space. These agents, their practices, spaces, institutions and relations constitute a mediation system, which participated actively in the construction of photographic value as a cultural product of modernity. However, the most relevant fact is that we can analyse it as a privileged subject to study for understanding the capacity of artistic practice to suit the needs of modern society. The permanent tension and dialogue among the aesthetic, scientific, technical and commercial appreciation, places photography in an unprecedented space between formal valorisation -next to the institutions and norms of the world of high culture- and the utilitarian logic -close to the patterns of progress and democratic access to the culture-. Thus, it is possible to suggest a theory of mediation for cultural products of modernity: intermediaries influence the construction of the value at the same time that they reveal the state of the cultural object and the needs of the society that consumes it.El análisis de los agentes que participaron en la invención, promoción y difusión de la fotografía en el siglo XIX - fotógrafos, políticos, científicos, intelectuales y artistas- permite reconstruir el espacio de lo fotográfico. Estos agentes, sus prácticas, espacios, instituciones y relaciones constituyeron un sistema mediador que participó de manera activa en la construcción del valor de la fotografía como producto cultural de la modernidad. No obstante, lo más relevante es que se presenta a la investigación científica como un objeto de estudio privilegiado para comprender la capacidad que tuvo la práctica fotográfica para adaptarse a las necesidades de la sociedad moderna. La constante tensión y diálogo entre la apreciación estética, científico, técnica y comercial, sitúa a la fotografía en un espacio inédito entre la valoración formal -cercano a las instituciones y a las normas del mundo de la alta cultura- y la lógica utilitaria -cercana a los patrones de progreso y acceso democrático a la cultura-. De esta manera, es posible plantear una teoría de la mediación para los productos culturales de la modernidad: los intermediarios influyen en la construcción del valor a la vez que revelan el estado del objeto cultural y las necesidades de la sociedad que lo consume.

Esta introducción desarrolla el concepto de la modernidad desde la perspectiva de encuadre teórico-histórico y perspectiva de encuadre didáctica-pedagógica. Facultad de Artes Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación

La tesis surge con el objetivo de aportar una panorámica contextualizada sobre el peso específico alcanzado por el mundo pirenaico aragonés en el amplio periodo evolutivo del arte francés correspondiente a un siglo (1820-1920) Partiendo de la base de que el interés de los investigadores ha sido monopolizado en nuestro país por una reflexión sobre la imagen francesa de lo español centrada eminentemente en el periodo romántico y en la España meridional, en detrimento de otros periodos y de otras regiones españolas que no se ajustan tanto al modelo difundido por lo que se ha dado en llamar el mito hispánico en el extranjero. También del supuesto de que tal inflación ha eclipsado el estudio de otros aspectos interesantes del fenómeno, como es el de su diversidad regional, en modo alguno carente de importancia cuantitativa y cualitativa. La investigación llevada a cabo confirma, por un lado, la incidencia y vigencia de este seductor mito en la labor creativa de un conjunto muy amplio y heterogéneo de artistas franceses que eligieron el Alto Aragón como objeto distintivo de ponderación estética, pero, al mismo tiempo, evidencia claramente el apreciable grado de sensibilidad con que la mayoría de ellos supieron poner en valor sus acentos diferenciales, aportando en su conjunto una clara especificidad a la imagen de lo altoaragonés dentro del periodo de referencia. Un aspecto interesante es que esta imagen parece integrarse con naturalidad en el conjunto de los grandes intereses de la cultura decimonónica francesa, ya a partir de los prolegómenos del realismo francés en que el territorio del Alto Aragón se instaura como un ámbito privilegiado capaz de trascender las limitaciones de un espacio y un tiempo acotados por un marco social propio crecientemente civilizado, normativizado y gris, fuertemente constreñido por los valores racionales de civilización y progreso difundidos en el resto de Europa occidental por la industrialización inglesa. Su presencia en los salones parisinos perdura, con periodos de mayor o menor intensidad, a lo largo de todo el periodo, mereciendo la atención de críticos importantes en un momento verdaderamente brillante de la crítica de arte europea como Théophile Gautier (1830-1872), Charles Blanc (1813-1882), Théophile Thoré (1807-1869), o el gran profeta de la poesía moderna Charles Baudelaire (1821-1867), entre otros. Los comentarios localizados en la bibliografía histórica han sido integrados en el corpus de la tesis, permitiéndonos una aproximación a los intereses e inquietudes más profundos de estos artistas en su relación con el Alto Aragón y, por extensión, de las temáticas hispánicas. El tema permitió a los artistas desarrollar todas las potencialidades estéticas ofrecidas por ciertas privilegiadas porciones de la Europa profunda, reservorios de lo "pintoresco" donde aún palpitaba con todo el vigor la quintaesencia de la vida tradicional, y recrearse con fruición en la vibrante y colorista vida popular española, focalizada, sobre todo, en la singularidad de su elemento humano. Lejos del tópico y la banalización que caracterizan en buena medida a la imagen meridional de lo español en el extranjero, la mayoría de las obras localizadas (conservadas en museos y colección privadas de todo el mundo o desaparecidas por los naturales efectos del paso del tiempo) se fundamentan en una reflexión de índole admirativa que tiende a afirmarse con espléndidos resultados en su conformación plástica, articulándose a tenor de una sintaxis sincera, plena de sentido y de profundidad. Sus singulares valores, expresivos de una nostalgia por la ruralidad en un mundo en plena transformación urbanizadora, y su integración en un contexto cultural más amplio que tiende a conceptualizar las sociedades montañesas en general -las pirenaicas de forma muy particular- como elementos excepcionales, extraños y singulares, rasgos que el realismo y el naturalismo franceses, eminentemente conservadores, valorarán progresivamente en mayor medida a lo largo del siglo, sitúan al tema iconográfico altoaragonés en un interesante punto de confluencias, cuya comprensión podría coadyuvar al esclarecimiento de los rumbos iconográficos adoptados por la pintura española durante el primer tercio del siglo XX a través de los influyentes pinceles de determinadas figuras-clave de nuestra renovación artística, buenos conocedores, a la sazón, del panorama artístico francés: Ignacio Zuloaga (1870-1945) y Joaquín Sorolla (1863-1923). Estos pintores y algunos de sus imitadores y/o seguidores -aglutinados en la etiqueta genérica del costumbrismo español- precedidos por algunos señalados literatos (Benito Pérez Galdós, 1843-1920) asimilan las cartas de nobleza otorgadas al tema por artistas franceses importantes como Adolphe Leleux (1812-1891), Camille Roqueplan 1803-1855), Eugéne Delacroix (1798-1863), Eugéne Devèria (1805-1865), Charles Landelle (1821-1908), Rosa Bonheur (1822-1899), Alexandre Antigna (1817-1878), Alexandre Guillemin (1817-1880), Léon Lhermitte (1844-1925), etc, etc. y encuentran en la idiosincrasia altoaragonesa una importante fuente de inspiración para la renovación de sus propuestas artísticas a principios del siglo XX. Este interés, a su vez, determina la atracción por lo altoaragonés que, en la primera década del siglo XX, experimentaron determinados artistas galos, como los bordeleses William Laparra (1873-1920) y el músico Raoul Laparra (1876-1943), cuyo drama lírico La Jota (estrenado en en la Opéra-Comique de París, el 26 de abril de 1911) supone una interesante aplicación en el campo de lo dramático-musical de la óptica zuloaguesca y de los intereses estéticos de La España Negra.

El presente artículo es una reflexión de orden teórico y metodológico sobre el concepto de Arte Moderno (s. XV-XVIII) aplicado a la universidad española. Un repaso a las ideas que el autor considera fundamentales en el desarrollo de la teoría, docencia e investigación del mencionado período artístico e histórico. This article is a theoretical and methodological reflection about the Modern Art concept (15th-18th centuries) applied to the Spanish University. A review of the ideas that the author considers to be basic in the development of theory, teaching, and research about the abovementioned artistic and historical period.