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As part of a remarkable wave of perennial contemporary art events in Thailand, the Bangkok Biennial was organised for the first time in 2018. Without central curation or funding, the organisational strategy of this artist‐led, open‐access event was strikingly different from the state‐organised Thailand Biennale and the corporate Bangkok Art Biennale that were inaugurated several months later. Through the eyes of the literature on “commoning” as a third way of organising next to the state and market, we explore the “common spaces” that the Bangkok Biennial has produced. Reflecting on arguments articulated in the introduction to this thematic issue, as well as on Chantal Mouffe’s analysis of the detrimental nature of an “exodus strategy” for counter‐hegemonic action, we focus on the connections—if any—of the Bangkok Biennial with the state and corporations. Specifically, we address the following research questions: What are the characteristics of the Bangkok Biennial as a common art event? Which connections with the state and market have its organisers developed? And what are the consequences of this strategy for its sustainability and counter‐hegemonic potential? We conclude that the organisers have consciously resisted developing relationships with the state and market, and argue that this “exodus strategy” is a necessity in Thailand’s socio‐political setting. And while this strategy might endanger the sustainability of this biennial as an art event, we argue that at the same time it supports an infrastructure for counter‐hegemonic action inside and—possibly more importantly—outside art.

This contribution analyzes the much-acclaimed exhibition Dreamstage, initially presented at the Carpenter Center for the Visual Arts in Cambridge, Massachusetts, USA, in 1977. Based on conceptual papers, private correspondences, press releases and reviews, etc., it will claim that, at the time, divergent cultures of knowledge had created divergent objects of "sleep": On the one hand, participating scientists and artists at Dreamstage represented what shall be called "sleep as movement" – by underlining the hidden activities of the sleeping body. Yet, popular cultures regarded sleep as opposing movement – a poetics, that shall be called "sleep as stillness," would frame, or even romanticize, sleep as an act of refusal or pacifistic resistance. In virtue of their constituent logic, both objects were found to collide. Throughout the 20th century, representations of "sleep" and "dreams" were shaped via multiple applications of objectifying/observational, time-based technologies (e.g., Electroencephalography [EEG], Magnetic resonance imaging [MRI], film, or video). This allowed for a circulation between laboratory, cinema, and television, in which knowledge appears to be consolidated again and again. "Sleep as stillness" and "sleep as movement" are thus developed from the case study to better grasp these formations since the late 20th century., Historical Social Research Vol. 48, No. 2 (2023)

Lisa Caspari und Rebekka Schubert setzen sich mit „Euthanasie“-Verbrechen und der Shoah auseinander und berichten in diesem Zusammenhang über ihre Erfahrungen im Rahmen der Bildungs- und Vermittlungsarbeit am Erinnerungsort Topf & Söhne in Erfurt. Damals war es das Unternehmen, dessen Ingenieure die Verbrennungsöfen und die Lüftungstechnik für die Gaskammern in Auschwitz errichteten. Heute ist hier ein Lernort für Mitmenschlichkeit. (DIPF/Orig.)

Die vorliegende Masterarbeit beschäftigt sich mit dem Aufbau und der Entwicklung des Prozesses an sich, sowie den Prozessportfolios in der pädagogischen Arbeit, und in der eigenen künstlerischen und pädagogischen Arbeit der Verfasserin. Hierzu werden die möglichen ersten Ansätze zum Aufzeigen von Prozessen von Künstler*innen wie bspw. Vincent van Gogh untersucht und die Rahmenbedingungen des Prozessportfolios erläutert. Im Zuge dieser Masterarbeit wurde neben einer qualitativen Befragung von 89 Schüler*innen zum künstlerischen Prozess, auch eine qualitative Befragung von 35 Schüler*innen zum Prozessportfolio durchgeführt. Hierbei wurde untersucht, inwieweit das Prozessportfolio die Schüler*innen in ihrem Prozess unterstützt, sowie ob sie das Portfolio als gewinnbringend, oder als weitere Aufgabe wahrnahmen. Die Studie kam zu dem Ergebnis, dass die Schüler*innen, durch die richtigen Rahmenbedingungen, gerne am Prozessportfolio arbeiteten und dieses aktiv gestalteten. This master’s thesis deals with the structure and development of the creative process itself, as well as the process portfolio in the pedagogical work, and in the author's own artistic and pedagogical work. For this purpose, the possible first approaches to show processes by artists such as Vincent van Gogh are examined, and the framework of the process portfolio is explained. In the course of this master’s thesis, in addition to personal questions on the creative process of 89 students, a qualitative survey was carried out among 35 students. It was examined to what extent the process portfolio supported the students in their process and whether they perceived the portfolio as profitable or as an additional task. The study concluded that the students, within the right framework conditions, enjoyed working on the process portfolio and actively designed it. eingereicht von Shari Keplinger, BEd Angefertigt an der Kunstuniversität Linz, Institut für Kunst und Bildung Masterarbeit Universität Linz 2023

Im derzeitigen Kunstdiskurs hat Gegenwartskunst oft viel mehr mit den sogenannten alten Meistern gemein: Damals wie heute lässt man in zuarbeitenden Werkstätten produzieren, nicht die Hand, sondern allein die Idee des Künstlers zählt. Im heutigen Diskurs wird viel über die Originalität gesprochen und ob Objekte durch Replikas ersetzt werden sollte, welche dank aktueller Technologien leicht möglich sind.Lapidarien beinhalten dieses Phänomen schon immer nur im genau entgegengesetzten Sinne. Ein „Lapidarium“ ist ursprünglich eine Bezeichnung für eine Sammlung von Steinwerken (lapis = lateinisch für Stein) die je nach Standort sehr unterschiedliche Objekte (z.B. Skulpturen, Sarkophage, Epitaphe, Meilensteine, Grabsteine,...) umfasst. Moderne Lapidarien präsentieren sich jedoch oft als Depots, welche der Öffentlichkeit nur teilweise zugänglich sind. Hier befindet sich in der Regel das Original - die Kopien ersetzen hier die translozierten Originale, oft auch im öffentlichen Raum, wenn politisch nicht mehr gewollt.Ich möchte verschiedene bestehende Lapidarien bzw. Sammlungen untersuchen beginnend mit dem „Lapidarium of Kings“ in Kopenhagen und deren Gemeinsamkeiten bzw. Unterschiede zu klassischen Museen vergleichen, und weiters auf die Bedeutung der Begriffe Ursprung (Origin), Stein (Stone) – Monument – Gedächtnis (Memory) und Schichten (Layering) genauer eingehen und sie in einem Bezug zur zeitgenössischen Kunst stellen. Weiters werde ich auch auf das Spannungsfeld zwischen Skulptur, Körper und Raum eingehen.Folgende Fragestellungen möchte ich hiermit beantworten: Warum werden Originale durch Kopien ersetzt? Ist ein Lapidarium ein Sakraler Raum, Friedhof der Steine oder Ausstellungsort? Welchen Link zur Stadt oder den Objekten gibt es? Warum sind Lapidarien oft in Depots und welche neue Möglichkeiten ergeben sich dadurch?Im zweiten Teil werde ich ein Konzept für eine fiktiv-subjektiv ausgewählte und eigens kuratierte Lapidarium-Ausstellung präsentieren, welche eine umfassenden Bogen über verschiedenste „lapidarische“ Objekte spannt., In the current art discourse, contemporary art often has much more in common with the so-called old masters: then, as now, it is produced in workshops that work on it; it is not the hand that counts, but the artist's idea alone. In today's discourse there is much talk about originality and whether objects should be replaced by replicas, which are easily possible thanks to current technologies.Lapidariums have always included this phenomenon only in the exact opposite sense. A "Lapidarium" is originally a term for a collection of stone works (lapis = Latin for stone) which, depending on the location, includes very different objects (e.g. sculptures, sarcophagi, epitaphs, milestones, gravestones,...). However, modern lapidaries often present themselves as depots which are only partially accessible to the public. Here is usually the original - the copies replace here the translocated originals, often in the public space either replaced or removed (e.g. if politically no longer wanted).I would like to examine various existing lapidaries and collections, starting with the "Lapidarium of Kings" in Copenhagen, and compare their similarities and differences to classical museums, as well as the meaning of the terms origin, stone, monument, memory, and layering, and relate them to contemporary art. Furthermore, I will also deal with the field of tension between sculpture, body and space.I would like to answer the following questions: Why are originals replaced by copies? Is a Lapidarium a sacred space, a graveyard of stones or an exhibition space? What is the link to the city or the objects? Why are lapidaries often in repositories and what new possibilities do they offer?In the second part I will present a concept for a fictitiously-subjectively selected and specially curated “Lapidarium” exhibition that spans a wide range of "lapidary" objects.

Die Auswirkungen der Klimakatastrophe werden immer spürbarer. Darum ist es auch in der Architektur an der Zeit darauf zu reagieren, sich mit den Problematiken auseinander zu setzen und neue Lösungen zu finden. Das Bauen mit Vorhandenem schafft Möglichkeiten, die CO2 Belastung zu reduzieren. Trotzdem wird der Neubau noch immer dem Bestand vorgezogen. Abriss und wieder neu aufbauen wird als die einfachere Lösung gesehen, jedoch werden dabei wichtige Ressourcen verschwendet. Durch das Bauen mit Bestand werden vorhandene Ressourcen geschont und graue Energie gespart. Gleichzeitig werden Geschichte und Kulturgut bewahrt. Den Bestand kreativ und ökologisch zu nutzen, ist ein wichtiger Schritt, um die Klimaziele erreichen zu können. Teil dieser Arbeit war es, sich mit der Beziehung zwischen Mensch und Natur zu befassen und welche Rolle die Architektur dabei spielt – denn wie wir Natur wahrnehmen, ist ein entscheidender Faktor, um sie zu erhalten. Die Lobau ist der Wiener Teil des Nationalpark Donau-Auen, ein Naturschutzgebiet, das sich am östlichen Rande Wiens befindet. In ihm stehen zwei Gebäude, die im 19. Jahrhundert für den Hofjäger des Kaisers erbaut wurden. In ihnen wurde in den 1970er Jahren das Lobaumuseum eröffnet. Seit 2007 stehen die Häuser unter Denkmalschutz und seit 2009 stehen sie leer. Meine Arbeit versucht das Potential des Ortes aufzugreifen und damit einen Raum zu schaffen, an dem interdisziplinär gearbeitet und geforscht werden kann. Das ehemalige Lobaumuseum soll in seiner ursprünglichen Idee wieder öffnen und den Besucher*innen die Verantwortung zeigen, die der Mensch gegenüber der Natur hat, die Schönheit von Landschaft einfangen und die Vergänglichkeit aller Dinge veranschaulichen., The effects of climate change are becoming increasingly noticeable. It is also high time for architecture to react, deal with the problems and find new solutions. Building with existing structures creates opportunities to reduce CO2 emissions. Nevertheless, new construction is still preferred to using existing buildings. Demolition and rebuilding are seen as the easier solution, even though they are a waste of important resources. The re-use of existing buildings saves grey energy, history and cultural assets. Using existing buildings creatively and ecologically is an important step towards achieving climate goals. Part of this work is dedicated to the relationship between humans and nature and questions the role of architecture in it - as the way we see nature has a crucial role in preserving it.The Lobau is Vienna's part of the Donau-Auen National Park, a nature reserve located on the eastern edge of the city. Inside there are two buildings that were erected in the 19th century for the court hunter of the emperor. In the 1970s the buildings were turned into the Lobaumuseum. They were placed under a preservation order in 2007 and since 2009 they stand abandoned. My work tries to make use of the potential of the venue and create a space where interdisciplinary work and research can take place. The former Lobaumuseum should reopen in its original context and show visitors the responsibility that humans have towards nature, capture the beauty of the landscape, and illustrate the fleetingness of all things.

How do participatory museum projects with forced migrants impact both the museum and the participants? What happens during these projects and what is left of them afterwards? Based on interviews with museum practitioners, facilitators and project participants, the author brings together unique insights into museum work with forced migrants. Her study of participatory projects in Germany, the Netherlands and the UK reveals museums' limiting infrastructures, the shortcomings of their ethical frameworks, and the problems of addressing forced migrants as 'communities'. Outlining the diverging objectives, experiences and outcomes of participatory projects, she suggests how these might be united in practice.

Bad Heilbrunn : Verlag Julius Klinkhardt 2009, 181 S. - (Klinkhardt forschung) - (Zugl.: Augsburg, Univ., Diss., 2008), Der Klimawandel steht beispielhaft für globale Herausforderungen der Gegenwart, bei welchen insbesondere in den nächsten Jahren wichtige Entscheidungen getroffen werden und entsprechendes Handeln erfolgen muss, um langfristig das (Über-)Leben aller Menschen zu sichern. Besonders aus Sicht der Pädagogik werden hier Ansätze und Methoden wichtig, mit welchen dieses vielschichtige und komplexe Thema dargestellt werden kann, um Lernenden nicht nur das notwendige Wissen, sondern auch die erforderlichen Handlungskompetenzen zu vermitteln. Eine Möglichkeit der Vermittlung kann eine Ausstellung sein, welche neben einer multiperspektivischen Herangehensweise unterschiedlichste Medien integrieren und dem Lernenden anbieten kann. Doch welche Inhalte müssen vermittelt werden, um das Thema Klimawandel verstehen zu können, welche Herausforderungen stellen sich dabei und was macht eigentlich eine „gute“ Ausstellung aus? Die vorliegende Arbeit setzt an diesem Punkt an und analysiert mehrere Ausstellungen zum Klimawandel, um neben bewährten Konzepten auch bestehende Defizite und Schwierigkeiten skizzieren zu können. Auf dieser Basis werden konkrete Ansatzmöglichkeiten für die weitere Beschäftigung mit dem Thema formuliert. (Verlag)

Literaturausstellungen bieten zahlreiche Perspektiven für literarästhetische Erfahrungen im Raum. Literatur wird dabei nicht auf ihre Trägermedien reduziert, sondern als immaterieller Gegenstand betrachtet. Diesem Ansatz folgend untersucht Sebastian Bernhardt die didaktischen Potenziale von Ausstellungen, die Literatur mittels Szenografie in den Raum übertragen. Neben einer Systematisierung der Möglichkeiten solcher Übertragungen erschließt er die sich daraus für eine mediale Erweiterung des Literatur- und Medienunterrichts ergebenden Potenziale. Damit liefert er spezifische Einsichten in die genuin literarästhetischen Erfahrungen im Ausstellungsraum.

Katalog der Ausstellung "Die Alpen im Stereoskop", realisiert von der Mediathek Wallis - Sitten, dem Interdisziplinären Zentrum für Gebirgsforschung, in Zusammenarbeit mit dem Kulturverein für das Reisen in der Schweiz, Les Arsenaux, Sitten, vom 30. Juni bis 22. Oktober 2022 Catalogue of the exhibition "The Alps through the stereoscope", produced by the Médiathèque Valais - Sion, the Interdisciplinary Mountain Research Centre, in collaboration with the Association culturelle pour la voyage en Suisse, Les Arsenaux, Sion, from 30 June to 22 October 2022.

The article explores the digital everyday life of recently or currently undocumented migrants in times of Covid‐19 in Finland. It is based on an empirical case study on a collaborative photographic exhibition and workshop including visual images, diaries, interviews, and discussions. The analysis explores the ways in which a photography exhibition and a workshop may depict meaningful moments in digital everyday life as well as open up an understanding of the various vulnerabilities that emerge in the life of the undocumented, as expressed by themselves. The study demonstrates the fundamental importance of communication rights for people in precarious life situations, expressed by themselves in visual images. The insight produced multidimensionally in images, discussions, and interviews illustrates how digital media environment exposes to coerced visibility and requires constant struggle for communicative rights. These struggles take place on the material infrastructural level of devices, chargers, and access, but also on the level of self‐expression and connection on social media platforms. Finally, the article discusses the emancipatory potential of a collaborative exhibition and workshop as a way to encounter and deal with increasingly vulnerable life situations. It points out the relevance of collaborative work as a research method, in providing knowledge from experience as well as space of recognition. publishedVersion

Der Herausforderung, eine Ausstellung über eine Pandemie während einer Pandemie zu gestalten, hat sich das Deutsche Medizinhistorische Museum Ingolstadt (DMMI) angenommen. Die Ausstellung "Die Ingolstädter Maskentonne. Eine Corona-Ausstellung mit medizinhistorischen Bezügen" vom 10. Dezember bis zum 16. Mai 2021 thematisiert die lokalen Strategien der Pandemiebekämpfung in Ingolstadt. Im kuratorischen Prozess war die rasche Entwertung immer neuer Wissensstände zur Covid-19-Pandemie eine stete Begleitung. Die begrenzte Haltbarkeit und der vorläufige Charakter von Wissen zur Pandemie wurden szenografisch wie erzählerisch in der Ausstellung transparent gemacht. Als Ausstellung ist die "Ingolstädter Maskentonne" ein Zwischenstand. Sie verweist auf ihre Nähe zur Gegenwart, indem sie sich von ihr unterscheidet. Für die objektbasierte Vermittlung der (zukünftigen) Geschichte der Covid-19-Pandemie macht sie auf die Rolle von Museen und medizinhistorische Sammlungen aufmerksam., The challenge of creating an exhibition about a pandemic during a pandemic has been taken up by the Deutsche Medizinhistorische Museum Ingolstadt (German Medical History Museum Ingolstadt). The exhibition "Die Ingolstädter Maskentonne. Eine Corona-Ausstellung mit medizinhistorischen Bezügen" ("The Ingolstadt Masked Barrel. A Corona Exhibition with Medical History References") from December 10th to May 16th 2021, focuses on the local strategies of pandemic response in Ingolstadt. In the curatorial process, the rapid invalidation of new knowledge about the Covid 19 pandemic was a constant accompaniment. The limited shelf life and the provisional character of knowledge about the pandemic were made transparent in the exhibition, both scenographically and narratively. As an exhibition, the "Ingolstädter Maskentonne" ("Ingolstadt Masked Barrel") is an intermediate state. It points to its proximity to the present by distinguishing itself from it. For the object-based mediation of the (future) history of the Covid 19 pandemic, it draws attention to the role of museums and medical history collections., Gesundheitskommunikation und Geschichte: interdisziplinäre Perspektiven

Die Dissertation widmet sich der „Biennale der Ostseeländer“, die in Rostock zwischen 1965 und 1989 Exponate aus allen Anrainerstaaten der Ostsee zeigte und mit der Rostocker Kunsthalle 1969 einen frühen Museumsneubau der DDR als Domizil erhielt. Aus der Ausstellung „Bildende Kunst an der Ostsee“, die bereits seit Gründung der Rostocker „Ostseewoche“ zum kulturellen Rahmenprogramm zählte, entstand 1965 die „Biennale der Ostseeländer“. Diese Ausstellung avancierte zur größten internationalen Kunstausstellung der DDR und überlebte die „Ostseewoche“ um mehr als zehn Jahre. Sie stellte sowohl Werke aus sozialistischen Staaten als auch kapitalistischen Ländern rund um die Ostsee aus und bot damit eine eigene Sicht auf die Kunst der Zeit. Durch die genaue Untersuchung der zu einem bedeutenden Teil aus der Biennale hervorgegangenen Sammlung der Kunsthalle Rostock und den zur Ausstellung erhaltenen Quellen werden weitgehend unbekannte Verbindungen und Verflechtungen sichtbar und die Rolle der Künstler in der deutsch-deutschen sowie internationalen Außenpolitik der DDR hinterfragt. Neben den außenpolitischen Dimensionen der Ausstellung ist auch ihre Sonderrolle für die Kulturpolitik der DDR von Bedeutung. Trotz des deutlich artikulierten Wunsches der Veranstalter, Werke des Realismus auszustellen, schaffte die außenpolitisch propagierte Toleranz der DDR auch eine Offenheit für Arbeiten, die den kulturpolitischen Leitlinien in der DDR nicht hätten standhalten können., The dissertation is dedicated to the "Biennale der Ostseeländer" (Biennale of the Baltic Sea Countries), which showed exhibits from all the countries bordering the Baltic Sea in Rostock between 1965 and 1989 and was housed in the Rostock Kunsthalle, an early new GDR museum building, in 1969. The exhibition "Bildende Kunst an der Ostsee" (Visual Arts at the Baltic Sea), which had already been part of the cultural programme since the founding of the Rostock "Ostseewoche" (Baltic Sea Week), gave rise to the "Biennale of the Baltic Sea Countries" in 1965. This exhibition advanced to become the largest international art exhibition in the GDR and outlived the "Baltic Sea Week" by more than ten years. It exhibited works from socialist states as well as capitalist countries around the Baltic Sea and thus offered its own view of the art of the time. By closely examining the collection of the Kunsthalle Rostock, a significant part of which originated from the Biennale, and the sources preserved for the exhibition, largely unknown connections and interconnections become visible and the role of the artists in the German-German as well as international foreign policy of the GDR is questioned. In addition to the foreign policy dimensions of the exhibition, its special role in the cultural policy of the GDR is also significant. Despite the clearly articulated desire of the organisers to exhibit works of realism, the GDR's tolerance propagated in foreign policy also created an openness to works that could not have withstood the cultural policy guidelines in the GDR.

Curatorial action is based on historical presuppo sitions. It is construed from the right to education and having a voice in civil society; however, at the same time it is based on the hierarchies as well as discriminatory exclusion and marginalisation mechanisms of Western modernity. Using Pierre Bourdieu‘s model of alliance building as a basis, the study presents curatorial practices that are suitable for breaking through hegemonic patterns and initiating transcultural exchange processes.

Der Beginn des 20. Jh. war eine Zeit großer Wissenschaftspopulisierung, die sich u.a. auch in den Gesundheitsausstellungen dieser Zeit niederschlug. Nun stellt sich die Frage, inwieweit die gesundheitsbezogenen Vermittlungsformen wissenschaflicher Erkenntnisse auch zur Verbreitung nationalsozialistischer Ideologien und Wertevorstellungen genutzt wurden. Um diese Frage zu untersuchen wurde exemplarisch die Gesundheitsausstellung "Gesundes Leben - Frohes Schaffen", aus dem Jahr 1938 herangezogen. Dabei lag der Fokus auf der "Halle der Selbsterkenntnis" und den darin enthaltenen zwölf Stationen zur Körperleistungsmessung. Die Untersuchung zeigt verschiedene Wissenschaftsvermittlungsformen der Nationalsozialisten auf, die Gesundheitsaufklärungmaßnahmen in Ausstellungen zur Durchsetzung politischer Ziele verwendeten. Diese "eingefärbten Informationen" stellten keine neutrale Informationserweiterung zu einer individuellen Gesunderhaltung dar, sondern dienten der indoktrinären Beeinflussung. So wurde die Vermittlung von Gesundheitswissen hier politisch-ideologisch präsentiert, d.h. mit militärischen Bezügen, vor dem Hintergrund eines funktionalen Frauen- beziehungsweise Mutter-Verständnisses, sowie im Kontext eines systemkonformen "Volksbürgers", der sich als gehorsamer und gesunder Teil des Volkskörpers zu verstehen hat., Wissenschaftskommunikation und Kommunikationsgeschichte: Umbrüche, Transformationen, Kontinuitäten

Besides providing platforms for dialogues on global art and cultural discourse, biennials are highly conducive to the decentralisation of the art world. It goes without saying that each biennial's context, in other words its specific geopolitical framework conditions, organisational forms and promotional structures as well as local actors, plays a decisive part. This study, by way of example, will focus primarily on recently founded biennials in the so-called "Global South" and, in this respect, particularly on the African continent with the objective of identifying both trends and specific needs. Therefore, the funding of biennials worldwide as, for example, undertaken by the European Union or cultural institutes of European countries will be studied and contextualised in order to delineate current trends as well as possible promotion activities within the scope of Germany's foreign cultural and educational policy as well as international cooperation efforts.

Die vorliegende Arbeit untersucht den aktuellen Stellenwert der künstlerischen Ausbildung im Bereich Architektur und Design, dessen Anfang auf Walter Gropius, Hannes Meyer und Mies van der Rohes Bauhaus in Weimar, Dessau und Berlin zurückzuführen ist. Unterschiedliche Ausbildungsstätten versuchten im Zeitalter der Moderne auf kooperativer, handwerklicher, gewissermaßen frei gestalteter Weise neu und somit künstlerisch die Studenten auf das berufliche Leben vorzubereiten. Durch die Überwindung der Grenzen zwischen funktionalen, technischen, handwerklichen, schöpferischen und industriellen Aspekten in Kombination mit pädagogischen Ansätzen und Reformen entstanden zukunftsvisionelle Gestaltungskonzepte, die aufgegriffen und kritisch hinterfragt werden sollen, um eine Besserung oder Gleichstellung heute zu gewährleisten. Ein besonderer Fokus wird hierbei auf die unterschiedlichen Herangehensweisen durch aktives, praktisches und theoretisches Arbeiten der „Bauhäusler“ oder auch „Lehrlinge“ – die Namensprägung der „Auszubildenden“ – mit den verschiedensten Arbeitstechniken gelegt. Weiteres wird ein Bezug zu den Wiener Hochschulen gezogen und die Verbindung von Industrie, Technik, Produktion, Kunst und Lehre mit dem heutigen Faktor der Digitalisierung erforscht. Ein Umnutzungsprojekt, die Informatik-Mittelschule in Penzing am Kinkplatz, 1994 fertiggestellt und durch den Architekten Helmut Richter geplant, die seit mehreren Jahren aufgrund von Baumängeln ungenutzt in Kritik steht, soll eine aktualisierte Pädagogik im Sinne der digitalisierten Welt veranschaulichen, die Wörter Bildung und Ausbildung auswerten und die Möglichkeit geben, Architektur als Lehrfach in das digitale Zeitalter heranzuführen., The present thesis examines the current status of artistic education in field of architecture and design, whose beginnings can be traced back to Walter Gropius, Hannes Meyer and Mies van der Rohe ́s Bauhaus in Weimar, Dessau and Berlin. In the modern age, various educational institutions tried to prepare students for professional life in a new, thus artistically, cooperative, handcrafted, freely designed way. By overcoming the boundaries between functional, technical, creative and industrial aspects in combination with pedagogical approaches and reforms, future visionary design concepts have emerged, which should be taken up and critically questioned today in order to ensure improvement or equalitiy. A special focus is placed on the different approaches through active, practical and theoretical work of the „Bauhäusler“ or also „Trainee“ – the name coinage of the „Apprentices“ – with the most diverse work techniques. Furthermore a connection to the Viennese universities will be drawn and the combination of industry, technology, production, art and teaching with today ́s factor of digitalization will be explored. A conversion project, the informatics middle school in Penzing at Kinkplatz, completed in 1994 and planned by the architect Helmut Richter, which has been under criticism for several years due to construction defects, is intended to illustrate an update pedagogy in the sense of the digitalized world, to evaluate the words education and training and to give the opportunity to introduce architecture as a subject into the digital age.

Les biennales sont des plateformes de dialogue sur les discours artistiques et culturels mondiaux et contribuent de manière non négligeable à la décentralisation de la scène artistique. Chaque biennale étant liée à un contexte particulier, ces liens jouent un grand rôle avec leurs conditions géopolitiques spécifiques, leurs formes d'organisation, leurs structures de financement et leurs acteurs locaux. À titre d’exemple, l'étude qui suit se penche principalement sur les biennales fondées ces dernières années, dans ce que l'on nomme "le sud global", avec un accent sur le continent africain. Il s'agit d'identifier autant les tendances que les besoins particuliers. Il en résulte un examen et une contextualisation des initiatives de financement destinées aux biennales dans le monde, qu’elles soient menées de manière multilatérale par l'UE ou par les instituts culturels des pays européens, afin de déterminer les tendances actuelles ainsi que les potentiels dans le domaine de la politique culturelle et éducative extérieure de l'Allemagne (Auswärtige Kultur- und Bildungspolitik - AKBP) et des coopérations internationales. Besides providing platforms for dialogues on global art and cultural discourse, biennials are highly conducive to the decentralisation of the art world. It goes without saying that each biennial's context, in other words its specific geopolitical framework conditions, organisational forms and promotional structures as well as local actors, plays a decisive part. This study, by way of example, will focus primarily on recently founded biennials in the so-called "Global South" and, in this respect, particularly on the African continent with the objective of identifying both trends and specific needs. Therefore, the funding of biennials worldwide as, for example, undertaken by the European Union or cultural institutes of European countries will be studied and contextualised in order to delineate current trends as well as possible promotion activities within the scope of Germany's foreign cultural and educational policy as well as international cooperation efforts.

Das Deutsche Hygiene-Museum Dresden (DHMD) versteht sich heute als ein Forum für aktuelle Fragestellungen, die sich aus den gesellschaftlichen Umwälzungen unserer Gegenwart ergeben. Aktuell und anhand von historischen Perspektiven werden hier Aspekte des menschlichen Lebens wie Körperanatomie, Leben und Sterben, Sexualität und Ernährung behandelt. Das DHMD erlebte seit 1912 wechselnde politische Systeme und war in diesen maßgeblich an Kampagnen beteiligt. Die Austellungsstücke geben somit auch Auskunft über Wissenstand und Auffassungen ihrer Entstehungszeit und lassen einen Wandel in der Wissensvermittlung deutlich werden. Beispielhaft kann dies an der Sexualaufklärung anhand von Körpermodellen nachvollzogen werden. Die Modelle entwickelten sich von solchen, die die Schwangerschaft und Geburt zeigten und damit die Sexualität zwischen Mann und Frau zum Zwecke der Fortpflanzung propagierten, hin zu einer progressiven Sexualaufklärung, die eine Abkehr von dem normativen Zwei-Geschlechter-Modell durch bunte, teils flauschige intergeschlechtliche Genitalorgane zeigt. Ein solcher Wandel ist ebenfalls in der Kommunikation zu sexuell übertragbaren Krankheiten und Ernährungskampagnen zu beobachten, welche insbesondere durch Plakate in die Öffentlichkeit gebracht wurden. Im Gegensatz dazu ist in der Geschichte der Impfkampagnen so wenig Wandel zu beobachten, dass ein historischer DDR-Aufklärungsfilm aus dem Jahr 1968 genutzt wird, um für die Corona-Schutzimpfung zu werben., The Deutsche Hygiene-Museum Dresden (the German Museum of Hygiene in Dresden) sees itself today as a forum for current questions resulting from the upheavals of our time. Aspects of human life such as body anatomy, life and death, sexuality and nutrition are discussed based on current and historical perspectives. Since 1911, the museum has experienced changing political systems and has been significantly involved in campaigns. The exhibitions thus also provide information about the state of knowledge and perceptions at the time they were created and reveal a change in the way health-related knowledge is conveyed. This can be exemplified by sex education using body models as an example. The models developed from models, which showed pregnancy and birth and thus propagated sexuality between man and woman for the purpose of procreation (a normative binary-gender concept), to models of a progressive sexuality education, which shows colorful, sometimes fluffy intersex genital organs. Such a change can also be observed in communication about sexually transmitted diseases and nutrition campaigns, which have been brought to the public's attention, especially through posters. In contrast, there is so little change in the history of vaccination campaigns that a historical educational film from 1968 is still used to promote the Corona vaccination., Gesundheitskommunikation und Geschichte: interdisziplinäre Perspektiven

Meine Diplomarbeit basiert auf Recherchen über die Partizipation im modernen Museum, die im letzten Semester begonnen wurden. Nachdem ich einige Texte analysierte und die wichtigsten Punkte untersucht hatte, legte ich den Grundstein für mein Projekt. Es besteht aus dem Bau eines Museums für moderne und zeitgenössische Kunst in der Stadt Bari in Süditalien. Bari ist die Hauptstadt der Region Apulien und ist im Prozess der demografischen und städtischen Expansion und viele Gebiete davon sind immer noch Gegenstand von Studien für eine architektonische städtebauliche Verbesserung. Unter diesen Gebieten befindet sich der Bezirk San Cataldo, der um den Leuchtturm der Stadt Bari herum geboren wurde. Die neuen Projekte, die für das Gebiet vorgeschlagen werden, sind die Fußgängerzone des Waterfront, der Bau eines Yachthafens und zweier Museen im Leuchtturmgebäude. Um der Nachbarschaft ein neues Bild zu geben, entschied ich mich, den Bereich neben dem Leuchtturm als Bauplatz zu nutzen. Das Museum verfügt über ein Gebäude von 5000 Quadratmetern, in Foyer, Bar und Panorama-Restaurant Konferenzraum, Büros, Ausstellungsräume, Werkstätten und Technik- und Lagerräume unterteilt. Das Konzept hinter dem Gebäude ist es, das Meer zurück in die Stadt zu bringen. In der Tat, dank der Platzierung mehrerer künstlichen Wasserspiegel außerhalb des Museums, scheint das Gebäude zu schweben. Darüber hinaus, definiert man wegen der Wasserkanalisierung zwei Außenräume, von denen einer als Treffpunkt und der andere für Skulpturenausstellungen im Freien genutzt werden können. Wasser hat nicht nur eine ästhetische Bedeutung und ist rein mit dem Territorium verbunden, sondern auch funktional, da es das Heizkühlsystem der Innenräume des Museums versorgt. Die Ausstellungsräume wechseln sich auf sechs Ebenen ab und sind nach Themen unterteilt. In den ersten Etagen sind die Räume für Fotoausstellungen konzipiert, dann finden wir im dritten und vierten Stock die Ausstellungen moderner und zeitgenössischer Kunst, schließlich sind die obersten Etagen künstlerischen Installationen gewidmet. Ein Element, das alle Ausstellungssäle vereint, ist der Entwurf eines Raumes am Ende jeder Ausstellung für partizipative Aktivitäten im Zusammenhang mit dem ausgestellten Thema, wie Handzeichnung und perspektivische Fotografie. Auf diese Weise entsteht ein neues Zentrum im Stadtteil San Cataldo, das nicht nur die Bürger der Stadt selbst, sondern auch Touristen empfängt, und das Museum wird zu einem integralen Bestandteil der Stadtplanung als Ort der Kultur und Treffpunkt für diejenigen, die die Stadt besuchen und leben., My diploma thesis is based on research on participation in the modern museum, which was started in the last semester. After analyzing some texts and examining the most important points, I laid the foundation for my project. It consists of the construction of a museum of modern and contemporary art in the city of Bari in southern Italy. Bari is the main city of Apulia; she is in the process of demographic and urban expansion and many areas of it are still the subject of studies for architectural urban improvement. Among these areas is the district of San Cataldo, which was born around the lighthouse of the city of Bari. The new projects proposed for the area are the pedestrian zone of the Waterfront and the construction of a marina and two museums in the lighthouse building. In order to give the neighborhood a new picture, I decided to use the area next to the lighthouse as the construction site. The museum has a building of 5000 square meters, divided into foyer, bar and panoramic restaurant, conference room, offices, exhibition rooms, workshops and technical and storage rooms. The concept behind the building is to bring the sea back to the city. In fact, thanks to the placement of several artificial water mirrors outside the museum, the building seems to float. In addition, because of the water channeling, two outdoor spaces are defined, one of which can be used as a meeting place and the other for outdoor sculpture exhibitions. Water not only has an aesthetic meaning and is purely associated with the territory, but also functional, since it supplies the heating cooling system of the interiors of the museum. The exhibition rooms alternate on six levels and are divided into themes. On the first floors, the rooms are designed for photo exhibitions, then on the third and fourth floors we find the exhibitions of modern and contemporary art, finally, the top floors are dedicated to artistic installations. An element that unites all exhibition halls is the creation of a space at the end of each exhibition for participatory activities related to the exhibited theme, such as hand drawing and perspective photography. In this way, a new center is created in the San Cataldo district, which welcomes not only the citizens of the city itself, but also tourists, and the museum becomes an integral part of urban planning as a place of culture and meeting place for those who visit and live the city.

Visuell präsentierte Belege werden in der Wissenschaftskommunikation nicht nur zur Veranschaulichung von wissenschaftlichen Zusammenhängen genutzt, sondern sie stehen mitunter auch stellvertretend für die Evidenz demonstrierter Sachverhalte und suggerieren Objektivität. Verschiedene (visuelle) Evidenzpraktiken können unterschieden werden, welche allerdings auch instrumentalisiert wurden und werden, um politische Strategien oder Ideologien zu legitimieren. Der Beitrag zeigt anhand unterschiedlicher visueller Evidenzen und Evidenzpraktiken in Gesundheitsausstellungen, wie diese in verschiedenen historischen Kontexten zur Wissenschaftskommunikation und politischen Instrumentalisierung eingesetzt wurden. Unsere explorative, historische Analyse zeigt, dass visuelle Evidenzen und Evidenzpraktiken gezielt für politische Propaganda unterschiedlicher politischer Systeme in Gesundheitsausstellungen des Deutschen Hygienemuseums Dresden eingesetzt wurden. Diese politische Instrumentalisierung visueller Evidenzen zeigt sich auch ganz aktuell in der Verbreitung von Falschinformationen zum Thema Impfen und COVID-19., Wissenschaftskommunikation und Kommunikationsgeschichte: Umbrüche, Transformationen, Kontinuitäten

In diesem Artikel stellen wir die Methode des Ausstellungsinterviewrundgangs (AIR) vor und verorten sie in der qualitativen Sozialforschung. Dabei werden das fokussierte Interview und das laute Denken (Thinking Aloud) kombiniert, um Reaktionen auf Ausstellungsexponate (Object Elicitation) zu erheben. Im hier vorgestellten Commons-Forschungsprojekt wurde der AIR in einer selbst entwickelten Ausstellung angewandt. Das Ziel war unmittelbare Reaktionen auf Prinzipien der Commons – das heißt der gemeinwohlorientierten Nutzung von Gütern und Ressourcen – aus verschiedenen Positionen wirtschaftlichen und sozialen Denkens herauszufordern. In der Kontrastierung materialisierter Meinungen in Form der Artefakte und der gemeinsamen sprachlichen wie auch sensorischen Auseinandersetzung können im AIR komplexe Sachverhalte und Fallbeispiele gebündelt zugänglich sowie konfliktreiche Thematiken konkret diskutierbar gemacht werden. In dem Beitrag geben wir Einblick in die Entwicklung, den konkreten Ablauf, die besonderen Charakteristika sowie die Nutzungsmöglichkeiten der Methode – auch jenseits eigens gestalteter Ausstellungen zu Forschungszwecken., In this article we introduce the method of the exhibition interview walk (EIW) and contextualize it within qualitative social research. In the EIW, the focused interview and thinking aloud are combined through object elicitation in a walking conversation. In the commons research project presented here, the EIW method was applied in a specially designed exhibition. The aim was to provoke immediate reactions to commons principles—i.e., the use of goods and resources for the common good—from various positions of economic and social thinking. By contrasting materialized opinions in the form of artifacts, along with joint verbal and sensory analyses in the EIW, complex facts and case studies can be made accessible in a bundled form; all the while conflict-laden topics can be discussed in concrete terms. In this article we provide insight into the development, the concrete procedure, the special characteristics and the possible uses of this method, which can also be applied beyond specially designed exhibitions for research purposes.

While many pathways to post-fossil futures have been articulated, most fail to engage people in imagining themselves as being part of those futures and involved in the transition. Following recent calls for more immersive experiences, the 2019 initiative “Carbon Ruins—An Exhibition of the Fossil Era” (Carbon Ruins) is a performance set around a historical museum from the future, which uses recognisable, culturally powerful physical objects to bridge the gap between abstract scenarios and everyday experiences. Through its physical presence and extensive media coverage, Carbon Ruins struck a chord with scientists, activists, creative professionals, policy makers, civil society organisations, and the general public. Like other imaginary worlds, Carbon Ruins is not finished. It is an open-ended process of narrating, imagining, and representing (the transition to) a post-fossil future. In this article we reflect upon Carbon Ruins as a participatory form of world-building that allows for new ways of knowing, and new ways of being, in relation to post-fossil transitions. We discern three different kinds of authorship that were taken on by participants: as originators, dwellers, and explorers. While the originator makes the future world a recognisable place, the dweller can engage active hope in place of a passive sense of urgency, and the explorer can transform resignation into commitment, with a fresh determination to leave the fossil era behind. Situating Carbon Ruins within a critical political tradition, we find post-fossil world-building to be a form of critique that destabilises accustomed ways of thinking and opens up new fields of experience that allows things to be done differently.