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CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior A presente pesquisa emerge de questões relacionadas ao corpo, ao movimento e ao processo de criação em dança. Neste sentido, o percurso – após mudanças em decorrência da pandemia gerada pela covid-19 – considerou o objetivo de tecer uma reflexão sobre processos de criação em dança, em que baseei o estudo nas práticas que desenvolvi enquanto artista/docente e, ainda, mais duas experiências de artistas/docentes, a saber: Fernanda Beviláqua e Gandhi Tabosa. Para o desenvolvimento da pesquisa, recorri aos métodos qualitativos da fenomenologia e da autoetnografia. A escrita autoetnográfica possibilitou-me, na qualidade de artista e pesquisadora, tecer as vivências relatadas, onde as experiências são nutridas de sensações/pensamentos. Utilizei ainda como recurso o questionário e entrevistas, na busca de provocar reflexões a partir das perguntas que conduziram a pesquisa, sendo elas: “quais os desafios que a necessidade do isolamento social em decorrência da pandemia apresentam para o trabalho artístico/pedagógico da dança?”; “Como criar espaços para a experimentação e reflexão sobre corpo e suas poéticas?” Para fazer essas reflexões, realizei uma proposta de costura dos relatos trazidos pelas (os) artistas/docentes convidadas (os) e as minhas experiências, de modo a tramar várias “vozes” de vivências distintas sobre o mesmo período, cada uma com a sua perspectiva. Para alcançar reflexões sobre os processos de criação, a “palavraconceito corponectividade” auxiliou-me a trazer entendimentos sobre corpo, compreendendo o ser humano de modo a ser corponectivo – um todo integral (corpomente atuantes síncronos), de que maneira as dimensões do corpo produzem relações, por exemplo: corpo e o cultural/histórico, corpo e suas singularidades, corpo e o espaço/coletivo, além de que forma essas relações estimulam/influenciam no processo de criação. A partir dos relatos de como ocorreram as aulas e/ou processos, tento destacar pontos-chave das estratégias artístico/pedagógicas que conseguimos desenvolver, buscando, ainda, uma aproximação entre teoria e prática em uma perspectiva do experimentar e refletir, seja durante as aulas ou nos processos de criação. Por fim, observo que essas possibilidades retratam de que jeito cada processo foi nutrido pelas relações das dimensões do corpo, enfatizando então o ser humano resultando no ser corponectivo, ser movente e ser relacional, onde tudo o que somos, o que nos compõe, está no processo, seja de forma visível ou invisível. The following research emerges from matters related to the body, to movement and to the creation process in Dancing. In this regard, the course – after changes due to the pandemic caused by covid-19 – considered the goal of weaving a reflection on creation processes in Dancing, having as a study basis the practices I developed as an artist/teacher and, also, two other artists/teachers' experiences, namely: Fernanda Beviláqua and Gandhi Tabosa. For the development of the research, I resorted to the qualitative methods of phenomenology and autoethnography. The autoethnographic writing enabled me, as an artist and researcher, to weave the reported experiences, where the experiences are nourished by sensations/thoughts. I also used, as a resource, the questionnaire and interviews in an attempt to provoke reflections based on the questions that led the research, being them: what are the challenges that the need for social isolation due to the pandemic presents to the artistic/pedagogical work of dance? How to create spaces for experimentation and reflection about the body and its poetics? To make these reflections, I made a proposal of sewing the reports brought by the invited artists/teachers and my own experiences, to weave several voices from different experiences about the same period, each one with its own perspective. To reach reflections about the creation processes, the "word-concept bodyconnectivity" helped me to bring understandings about the body, understanding the human being as an embodied being – an integral whole (bodymind acting synchronously) and how the dimensions of the body produce relations, such as: body and the cultural/historical, body and its singularities, body and space/collective, and how these relations stimulate/influence the creation process. From the reports of how the classes and/or processes occurred, I try to highlight key points of the artistic/pedagogical strategies we were able to develop, also seeking an approximation between theory and practice in a perspective of experimenting and reflecting, either during the classes or in the creation processes. Finally, I observe that these possibilities portray how each process was nourished by the relations of the body's dimensions, emphasizing the human being as an embodied being, a moving being, and a relational being, where everything that we are, what composes us, is in the process, be it visible or invisible. Dissertação (Mestrado)

Esta pesquisa atenta primeiramente para um desdobramento do meu trabalho de conclusão de curso, que me asegurou o título de licenciada plena em dança pela Universidade Federal do Pará. Esse trabalho (TCC) me oportunizou estudar a dança sob três enfoques: a dança do meu corpo, no corpo do outro e as possibilidades que apresentam os estudos míticos em sofrerem ressignificação para um espetáculo de dança. O atual estudo pretende, além de empreender uma interrelação entre dança, cultura, imaginário e mito igualmente viabiliza minha perspectiva analítica sobre o encadeamento entre duas teorias, naquilo em que uma proporciona à outra, além de investigá-las separadamente. A primeira teoria a ser estudada diz respeito à etnodramaturgia poética do imaginário (LOUREIRO, 2009) e expõe sobre a forma como cada pessoa particulariza o que lê. Através da sua leitura o indivíduo imagina o mito, cenarizando-o, dramatizando-o. esta teoria reflete ainda, o processo que irá desencadear outra teoria, a da conversão semiótica (LOUREIRO, 2007), que também se faz presente em minhas análises acerca das relações travadas entre dança, mito e imaginário. O princípio da conversão semiótica presume o reordenamento de uma das funções presentes na reflexão acerca da arte. Através da análise reflexiva da teoria da etnodramaturgia poética do imaginário, adentro em um universo que procura apoiar-se em dois mitos: Medéia (grego) e Matinta (amazônico) para evidenciar a possibilidade de construção da imaginação pautada em um espaço cênico que se cria simultaneamente ao se ler uma narrativa mítica, permitindo de modo efetivo, a realização atuante de outra teoria, e da conversão semiótica, que prevê a ressignificação desses mitos em espetáculos de dança ou teatro, no âmbito das artes cênicas. Ademais, os dois mitos escolhidos para este estudo são fornecedores de significações simbólicas equivalentes apesar de serem originados em culturas tão distantes. Procuro então, evidenciar essas equivalências tomando como exemplos principais minha própria reflexão sobre o tema, ao atuar em um espetáculo de dança cuja essência resultou da ressignificação do mito da Matinta e ao analisar a atuação do artista que, experenciou os dois mitos ressignificados em obras coreográficas, Jaime Amaral, que dançou também o mito de Medéia. Para tanto, meu objetivo principal consiste em analisar de que forma acontece a conversão semiótica do mito em dança por via do processo da etnodramaturgia poética do imaginário fundamentando-me na identificação e investigação da vinculação, no processo de produção, de uma forma formante e forma formada (PAREYSON, 1993) entre os pontos individualizadores, porém convergentes de cada mito estudado, levando em consideração as culturas pertencentes a cada um. À vista disso, aplico a este estudo entrevistas, pesquisas, bibliografias sobre o tema abordado, assim como pesquisas documentais (filmagens e fotos) do artista em questão que já encenou os mitos sobre os quais se delineará o referente estudo, bem como meus apontamentos contidos no diário de bordo fabricado no laboratório de criação do espetáculo Matintas. This research , attentive primarily to an offshoot of my completion of course work , assured me that the title of full degree in dance from the Federal University of Pará This work ( TCC ) provided an opportunity to study dance me under three approaches : the dance in my body , in the body of the other and the possibilities that present the mythical studies suffer redefinition for a dance . The current study aims , in addition to wage interplay of dance, culture , myth and imagination also enables my analytical perspective on the trigger which provides a theory to another , and investigate them separately. The first theory to be studied concerns the poetic myths etnodramaturgia ( Loureiro , 2009) and expounds on how each person particularize the myth that reads . Through reading the individual imagines the myth , cenarizando it . This particularization arises according to the specific culture that is intrinsic to him , so the universality of myth is revealed when the consonant interpret our path by culture. This theory also reflects the process that will trigger another theory, semiotics conversion ( Loureiro , 2007) , which also is present in my analysis regarding the relationships established between dance , myth and imagination . The principle of semiotics conversion assumes the reordering of some of the features found in the reflection about art . These maintains a hierarchical relationship , and may thus be a dominant depending on the movement of passing objects from one cultural context to another . Then the functions are reorganized and may change the dominance . Through reflective analysis of the theory of poetic etnodramaturgia myths , inside a universe that seeks to rely on two myths : Medea ( Greek ) and Matinta ( Amazon ) to demonstrate the possibility of building the imagination grounded in a scenic area that creates simultaneously to read a mythic narrative , allowing , effectively , the acting of another theory, semiotics conversion, which provides for the redefinition of these myths in dance performances or theater within the theater arts achievement. However, you can extend to other works of art , as this research concerns the way how the myth takes shape in the imagination of each. The way that every photographer should stage in the imagination according to its artistic design . Moreover , the two myths chosen for this study are suppliers of equivalent symbolic meanings although they originated in cultures as far away , try then show these equivalences taking as prime examples my own reflection on the subject , to act in a dance whose resulted essence of reframing the myth of Matinta and analyze the performance of the artist who experienced the two myths reinterpreted in choreographic works , Jaime Amaral . For that, my main goal is to analyze how conversion happens semiotics of myth in dance through the poetic myth etnodramaturgia process basing myself in the identification and investigation of binding , in the production process , a formant shape ( Pareyson , 1993 ) between the individuating points , but each converging myth studied , taking into consideration the crops belonging to each. In view of this part apply to this study , interviews , library research about the topic , as well as documentary research ( footage and photos ) of the artist in question already staged the myths upon which outline the referent study as well as my notes contained in the logbook manufactured in the lab creating the show Matintas.