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O artigo examina o uso de imagens no jornalismo, a sua contribuição na construção social da realidade e o estabelecimento de uma estética da verdade ao longo da evolução técnica dos meios de comunicação. A pesquisa pretende compreender os efeitos das plataformas digitais e das redes sociais na produção e distribuição de informações. Uma hipótese central é que o novo sistema de informação, despojado dos códigos tradicionais do jornalismo e de outros filtros institucionais, cria um espaço onde convergem fatos, realidade e fantasia. Isso facilita a disseminação de fake news e desinformação, enfraquecendo a capacidade da imagem de representar um mundo fora de si mesma. A pesquisa adota uma análise qualitativa do conteúdo das plataformas digitais, a partir da leitura crítica de imagens selecionadas e de uma revisão da literatura, tanto clássica quanto contemporânea.

El artículo aborda el Archivo de la Memoria Trans (AMT) de Argentina como expresión política de resistencia –que busca contribuir a la alteración del sentido en el escenario público– en un orden simbólico eminentemente cisheteronormado. El planteo central gira en torno a la concepción del AMT en tanto práctica intelectual que busca intervenir en la creación de sentido con el objetivo de participar de la construcción de la memoria colectiva desde la perspectiva de las disidencias sexo-genéricas. Con este objetivo, se analiza su condición de archivo digital que altera el régimen de visibilidad y el reparto de lo sensible. Asimismo, se reflexiona sobre el marco productivo de las fotografías y aquellas prácticas que componen el AMT en tanto experiencias performáticas, concibiéndolas como expresión de la mutación del archivo tradicional enmarcadas en la domicialización de los archivos.

El ensayo explora las genealogías que relacionan los actuales sistemas de visión por computadora y de generación de imágenes mediante inteligencia artificial con los usos de la fotografía en las investigaciones científicas del siglo diecinueve. Tomando como casos de estudio las imágenes obtenidas por Étienne-Jules Marey y Francis Galton, el audiovisual fomenta el análisis de las latencias o mutaciones culturales que manifiestan las imágenes operativas de ambas épocas.

O conjunto fotográfico em carte-de-visite intitulado Secca de 1877/78, realizado em colaboração entre José do Patrocínio e Joaquim Antônio Corrêa, mobiliza corpos de retirantes em Fortaleza para compor imaginários sobre os flagelos da fome e da miséria que assolavam a região em período de estiagem. Em conjunto com relatos jornalísticos, as imagens de corpos flagelados constituíram-se como testemunhos visuais da barbárie frente aos moradores da Guanabara que se recusavam a acreditar nas narrativas partilhadas por jornais e por parlamentares demandando políticas de assistência. Associadas a frases que propõem sentidos às imagens, retomamos estas proposições tomando-as como ‘montagens’ pelas quais nos propomos a discutir sobre as relações com o corpo no ato fotográfico a partir das inscrições emergentes naquele contexto e nas composições de arquivo em que as acessamos.

Las actualizaciones recientes de los sistemas operativos de los teléfonos celulares trajeron como novedad la posibilidad de generar fotos en movimiento con sus cámaras digitales. Estas fotos consisten en un video muy breve que termina en una imagen estática, que es la que corresponde al instante de la toma. La foto en movimiento puede entenderse como un nuevo tipo de imagen que combina de, modo muy preciso, dos materias de la expresión preexistentes (el video digital y la fotografía digital) y que sigue ampliando el universo de lo que socialmente se llama “fotografía” para abarcar, por primera vez, imágenes en movimiento. Empleando la noción semiótica de dispositivo, este trabajo analiza la génesis de estas nuevas fotografías, así como también ciertas prácticas novedosas que vienen habilitadas con posterioridad a la toma. Entre ellas, el artículo se detiene en la posibilidad, brindada por el dispositivo, de generar nuevas fotografías estáticas de los instantes previos a la captura original, lo que da lugar a la práctica novedosa de tomar una foto de un momento pasado. Esta particularidad del dispositivo, que tiene la capacidad de desvincular, por primera vez, el instante fotografiado del de la toma, tiene implicancias enunciativas relevantes y puede reconfigurar, en un futuro cercano y con la expansión de los saberes de este arché, la comprensión social de lo que se entienda por “fotografía”.

Este artigo investiga as relações técnicas, estéticas e históricas entre o design, a fotografia e as artes visuais, propondo a compreensão dessas disciplinas não como campos autônomos do conhecimento, e sim expressões intrinsecamente conectadas, cujas influências mútuas contribuem para a compreensão de elementos da cultura visual. Ao adotar uma perspectiva fundamentada no pensamento de Michel Foucault, o texto destaca, também, como a dinâmica entre os saberes, os poderes e os processos de subjetivação permeiam a criação imagética e fomentam movimentos de resistência — que, para o autor, são forças propulsoras para a inovação e para a originalidade. A interseção entre esses campos, permeada pela interdisciplinaridade, revela um panorama com-plexo e dinâmico, em que os limites entre as práticas criativas se diluem e, com isso, abrem espaço para novas abordagens e interpretações que alimentam o tecido cultural contemporâneo.

Esta investigación busca determinar cómo las tradiciones y costumbres generadas en la historia y la cultura de un barrio, se han extrapolado a la red social Facebook; como elemento socializador, manteniendo en la memoria activa; costumbres, lugares y personajes más allá de la distancia, el tiempo y lo espacios. Para este estudio, aplicamos la metodología con un enfoque mixto, en una revisión explorativa-descriptiva de dos instrumentos. El primero, los grupos virtuales de Facebook Barrio de Monserrate y Cuartel primero Monserrate, analizando la información publicada de enero a junio 2023. El segundo instrumento, fueron entrevistas a profundidad realizadas con un experto en redes sociales, una experta en revalorización de costumbres e historia de los pueblos y los administradores de los grupos analizados. El análisis y discusión de los contenidos e interacción de los grupos en Facebook contextualizan el rol que cumple esta red social, en la construcción de estas comunidades y el impacto que representa en la memoria individual y colectiva de sus integrantes, fortaleciendo la identidad barrial, validando a Baltar-Moreno (2022) y el principio de que existe memoria colectiva mientras el grupo social que la mantiene, siga existiendo en el tiempo y en el espacio, para no desaparecer.

En este artículo se trabaja filosóficamente el autorretrato –selfi– producido por los smartphones y su publicación en las redes sociales. Para esto se reflexiona sobre cuestiones de carácter técnico a la luz de lo propuesto por autores como Vilém Flusser, Gilbert Simondon y Gerard Wajcman. Luego, siguiendo la perspectiva psicoanalítica de Jacques Lacan, se aborda la necesidad de la imagen en un sentido estructural del individuo, asunto proyectado hacia la proliferación del autorretrato en Internet. Finalmente, a partir del pensamiento filosófico de Patricio Marchant, se analiza la compulsión fotográfica contemporánea por medio de conceptos tales como donación y envío.

El artículo propone una nueva metodología, el enfoque de las tres perspectivas, para la clasificación de fotografías en archivos. Esta se basa en la intersección de la economía visual y la teoría de la comunicación de masas. Este enfoque entiende el archivo como un fenómeno relacional, en el que las imágenes participan en redes de significación y poder. Las tres perspectivas son el emisor y la producción, la imagen y la circulación, y la audiencia y el consumo, todas enmarcadas en un espacio/tiempo específico. La metodología se aplica al estudio de caso de la colección del proyecto TAFOS, activo entre 1986 y 1998. El enfoque permite múltiples clasificaciones según la versión del archivo, y abre nuevas vías para explorar su potencial comunicativo y expresivo. La propuesta busca fortalecer la continuidad de los archivos fotográficos como agentes vivos y descentrados de la lógica bibliotecológica, promoviendo la diversidad discursiva y resistiendo el totalitarismo que restringe su acción y enunciación.

Tekst jest recenzją zbioru Pisanie i czytanie (o) fotografii – odkrywcy, klasycy, obrazoburcy (2023) Piotra Zawojskiego. Zgromadzone w tomie artykuły zostały poświęcone wybranym tekstom z kanonu fotografologicznego oraz dotyczą fotografii w praktykach artystyczno-teoretycznych. Gatunkowo publikacja mieści się w zakresie doktryn artystycznych tudzież teorii aksjo- i ontologicznych. Subiektywny wybór autora jest reprezentatywny dla narratywizmu. Interpretacje są prowadzone z perspektywy preposteryjnej i (re-)prezentują czas dzisiejszy autora zaangażowanego, co wpisuje się w postkrytyczność współczesnej humanistyki oraz jej afektywność. Takie metahistoryczne i metateoretyczne ujęcie pozwala na postkrytyczne przemyślenie ugruntowanych kwestii fotografii i stawia kluczowe pytanie: co nam dzisiaj daje lektura kanonu? Natomiast meta-metalektura książki pozwala odsłonić istotę postkrytycznej „hermeneutyki podejrzeń” (określenie Rity Felski), której celem jest nowa lektura. Zdaniem recenzentki narzędziem jest tu eseistyka naukowa, której antysystemowa, zaangażowana emocjonalnie forma pokazuje, czym jest afektywne, ergo efektywne pisanie/czytanie i jakie wynikają z tego dzisiaj pożytki.

En este artículo reflexionamos sobre las disputas contemporáneas en torno a la memoria de la dictadura militar brasileña (1964-1985) a partir del análisis de los diferentes caminos recorridos recientemente por una fotografía. Se trata de una imagen tomada por Evandro Teixeira el 21 de junio de 1968, el "Viernes Sangriento". Publicada al día siguiente del episodio en la portada de uno de los diarios de mayor circulación del país, esta imagen se convertiría en uno de los registros fotográficos más conocidos de este período de la historia brasileña, siendo continuamente reproducida en montajes y materiales gráficos en las redes sociales, en publicaciones en diarios y revistas, videos en Youtube y en parte importante de documentales televisivos o producciones independientes sobre la dictadura militar. En el ejercicio de análisis e interpretación de algunos de sus más recientes retomas, indagamos qué historias ella puede revelar y a cuales disputas da lugar en el contexto de tensión política que vivimos actualmente en el país.

A desinformação é um problema crescente na contemporaneidade, e a fotografia tem sido usada como uma ferramenta para credibilizar peças desinformativas. Este artigo discute a importância de compreender os mecanismos complexos por trás da desinformação imagética e como a fotografia pode ser usada para influenciar e formar opiniões. Para analisar a fotografia como estratégia de desinformação, é necessário compreender suas características e estrutura verossímil. Neste sentido, foram selecionadas duas peças desinformativas: “Julgamento de Dilma no período da ditadura militar” e “Povos yanomami no Brasil”, que foram analisadas de acordo com o método de Barthes (1990). Os resultados mostram como a fotografia pode ser usada para manipular a opinião pública sobre governos, crises e atores políticos, e como é importante que jornalistas, educadores e cidadãos estejam atentos a esses mecanismos para navegar com discernimento em um mundo onde a desinformação visual desempenha um papel cada vez mais influente.

W tekście zostaje podjęta refleksja nad relacjami kina i pamięci. Autorka za punkt wyjścia przyjmuje ontologię André Bazina, poszukując w słynnym eseju francuskiego krytyka odpowiedzi na pytanie o funkcję kina jako narzędzia „balsamowania czasu”. Teoretyczną ramą refleksji jest koncepcja pamięci protetycznej Alison Landsberg (obraz jako proteza pamięci) i postnostalgii Vivian P. Y. Lee (obraz jako zapis wspomnień utekstowionych). Autorka zwraca uwagę na rolę fotografii, którą – za Edgarem Morinem i Rolandem Barthes’em – traktuje jako źródło widmontologii kina. Tekst został zainspirowany filmem Babilon (Babylon, 2022) Damiena Chazelle’a, a zwłaszcza jego eseistycznym finałem, zrealizowanym w duchu Historii kina (Histoire/s/ du cinéma, 1988-1998) Jean-Luca Godarda, który autorka przedstawia jako epitafium dla kina czy też raczej dla jego tradycyjnie rozumianego dyspozytywu. (Materiał nierecenzowany).

La fotografía nace a principios del siglo XIX como una herramienta con la que retratar el mundo que nos rodea. Con su aparición, la comunidad científica encontró una aliada con la que traspasar las fronteras del conocimiento. Desde entonces, el binomio fotografía y ciencia ha evolucionado notablemente. La fotografía se ha posicionado no solo como una vía eficaz en la toma de datos, sino también como una herramienta con la que compartir información científica, tanto dentro como fuera del mundo académico. Además, el desarrollo tecnológico de las últimas décadas promueve una interacción casi continuada de la ciudadanía –incluida la comunidad investigadora– con la fotografía. Este hecho ha abierto aún más las opciones a través de las cuales la fotografía puede integrarse en el desarrollo de la carrera científica.

Desde sus comienzos, la fotografía tuvo un importante protagonismo como herramienta documental. Fue utilizada como instrumento en la comunicación y difusión de proyectos de investigación y conservación de la biodiversidad en distintas partes del planeta. En la actualidad, el extraordinario desarrollo tecnológico de la fotografía y su gran popularidad han permitido su uso en la obtención de datos para proyectos científicos de diferente índole, además de facilitar un intercambio mucho más fluido de información entre la comunidad científica y el público –por ejemplo, en programas de ciencia ciudadana. Así, actualmente se plantea un cambio de paradigma para la fotografía, que deja atrás su sentido puramente artístico para desvelar su potencial informativo y generador de conocimiento en el campo de la conservación.

Realizamos la presente reseña a partir de la visualización del documental Lemebel, una revolución marica, proyectado en 2019 en el marco del Festival de cine Latinoamericano de La Plata (FESAALP). El documental autobiográfico reedita las performances de Pedro Lemebel (1952-2015), escritor, artista visual, activista y precursor del movimiento queer en América Latina. Consideramos pertinente destacar que el documental da cuenta de que un cuerpo presente, con sus prácticas y discursos en el escenario público, es político, y, a su vez, colectivo.

Para esta resenha, o filme escolhido é O Fotógrafo de Minamata (2020). A obra cinematográfica de Andrew Levitas é sobre o fotógrafo William Eugene Smith, conhecido por suas fotos nas linhas de frente da Segunda Guerra. Chamado pelo editor-chefe da Life Magazine, sai da quase total reclusão em que vivia e vai para Minamata fotografar a vida dos moradores da cidade japonesa que foi envenenada pelo mercúrio e por dejetos industriais jogados nos rios e no mar pela Chisso Corporation. O Desastre Ambiental de Minamata, como ficou conhecida a tragédia, também foi registrado pelo documentarista Noriaki Tsuchimoto ao longo de 35 anos de sua vida. Considerando a atualidade do tema, a importância de Eugene Smith no fotojornalismo e os documentários de Noriaki Tsuchimoto, pensei no filme como um pretexto para falar de artistas que registraram e denunciaram ao mundo por meio de sua arte, imagens de uma tragédia tão ou mais devastadora que as guerras veiculadas diariamente pelos meios de comunicação.

El objetivo de este trabajo es abordar dos espacios digitales de las ciudades de Benito Juárez y Olavarría, provincia de Buenos Aires (Argentina), que tienen en común el uso de fotografías como el disparador simbólico para la puesta en valor de la memoria y para la promoción de la participación ciudadana. Se utilizó una metodología cualitativa que incluye y complementa la observación de redes sociales y entrevistas. Los principales resultados muestran que ambas propuestas promueven la salvaguarda de un patrimonio inmaterial a través de un registro de espacios, personas, prácticas y lugares de una época pasada. Son dispositivos de comunicación que generan espacios de participación y construyen colectivamente sentidos de pertenencia y valoración. A través de este estudio, se espera contribuir a la discusión sobre al acceso al patrimonio a través de herramientas digitales e interactivas, y se propone producir conocimiento nuevo en torno a los procesos locales de patrimonialización.

Introducción: Se analiza la decantación iconográfica de las gemelas Grady, personajes del filme El resplandor (Stanley Kubrick, 1980), así como su influencia en la cultura de masas. Se determina su estatus paradigmático de una nueva perspectiva de estudio para la obra de Kubrick, incluyendo su corpus fotográfico y el impacto del continuum artes plásticas-artes mecánicas-cultura de masas. Metodología: Se procede a dividir la obra de Kubrick en fotografía y cine, y a hacer uso de la estética comparada, para interrelacionar los contenidos de las tres partes del continuum mencionado. Se aplica el método del análisis «plano a plano» para su cine, a partir de una taxonomía completa de todos los planos que rodó. Resultados: Las principales consecuencias del trabajo son: a) constatar la necesidad de considerar la fotografía como parte relevante del corpus autoral de Kubrick; b) demostrar la capacidad explicativa del continuum mencionado respecto a su corpus cinematográfico; y c) dejar clara la necesidad de profundizar en la fuerte interrelación entre la obra kubrickiana y la cultura de masas. Discusión: Visto lo anterior, es obligado desencajar a Stanley Kubrick de modelos reduccionistas (teoría del autor, teoría del género, historicismo, análisis textual) y aplicarle la nueva perspectiva que se propone. Conclusiones: Al final encontramos un nuevo espacio investigador de gran fertilidad, que abre el estado de la cuestión sobre el estudio de Kubrick, y que nos permitirá profundizar sin límites en su relevancia e influencia como creador visual.

Nos estudos contemporâneos em Comunicação, a fotografia se destaca não apenas como uma expressão estética, mas como um instrumento de construção de narrativas que revelam dimensões sociais, culturais e políticas. Através da imagem, é possível capturar e reinterpretar imaginários, ideologias e identidades. Nesta edição, os artigos apresentados exploram essa complexidade de maneira multifacetada.

Praia do Futuro é uma espacialidade que remonta projetos múltiplos, sobressaltando o comercializado pelo city marketing aos turistas; e os partilhados pela população que habita a capital cearense. Entendendo que estas perspectivas coexistem, confrontam-se e conferem potência diante da produção de imagens como expressão de imaginários, este trabalho se faz em ação de campo orientada em vínculos de proximidade e de afetividade durante os períodos de maio a julho de 2014, de 2016 e de 2019 a fim de refletir sobre as dinâmicas de inscrição com imagens – realizada por mim e por outros sujeitos que conosco praticavam o espaço – constituídas com as entramações ali possíveis. Para, assim, discutir a tessitura de imaginários a partir das práticas narrativas com fotografias que, em meio aos regimes de temporalidades, disputam rumos para a cidade.

La representación fotográfica del espectadortanto dentro como fuera del encuadre de las instantáneas de los atentados de ETA insertas en la prensa española desde finales de la década de los 60 hasta nuestros días atraviesa por diversas etapas. En cada una de éstas se responderá a tres cuestiones: la distancia espacial y temporal a la que se encuentra del lugar de los hechos, los contenidos que ve y cuál es el papel que desempeña.

El siguiente artículo se configura como un capítulo de una investigación mayor en curso, sobre el empleo fotográfico en la prensa asturiana y su capacidad de trasmitir, desde un punto de vista social, los sucesos más destacados de la historia de Asturias, desde 1930 hasta nuestros días. Este amplio marco cronológico se debe a un vacío bibliográfico, donde no existe un estudio unificado del fotoperiodismo asturiano del S. XX y que coloca un aparente punto final a su historia entre la segunda y tercera década del siglo. A partir de aquí, este artículo se centra en el Diario Región, que también carece de una investigación individual en la actualidad. Tras sesenta años de trabajo, su redacción fue un gran apoyo para la fotografía, defensora de su capacidad como medio de comunicación y trasmisión de ideas. De esta forma, gracias a este diario, obtenemos una de las mejores memorias visuales del siglo XX asturiano. [1] Este artículo se trata de un capítulo relativo a una Tesis doctoral en curso, dentro del Programa de Doctorado de Historia del Arte y Musicología de la Universidad de Oviedo, y sufragada gracias al Sistema de Ayudas y Becas Severo Ochoa del Principado de Asturias, actualmente disfrutada.

Las fotografías son un importante documento y testimonio histórico, así como indicios de un pasado en común vinculante, creadoras de realidades y constructoras de imaginarios y representaciones sociales. Bajo estas premisas, se analiza la trayectoria como fotorreportero de Víctor Eduardo Prado Delgado, a través del estudio biográfico e historiográfico de sus fotografías, en el marco de un proyecto político-comunicativo que se desarrolló en Colombia, denominado los Corresponsales de Guerra. Esta iniciativa marcó un importante hito periodístico en la cobertura de hechos relacionados con el accionar de la Fuerza Pública, en un periodo complejo en materia de orden público para el país, de 1963 a 1966.

La presente investigación busca responder, a través de una indagación biblio y hemerográfica, la pregunta por cómo ofrecer una definición sintética y elemental de fotografía vernácula, que incluya los elementos comunes presentados en conceptos emanados de autores especializados, galerías y museos interesados por este género iconográfico. Para responder esta pregunta se analizaron 25 definiciones de fotografía vernácula y se escogieron finalmente 13, correspondientes a los últimos diez años, dadas por académicos de reconocido prestigio interesados en este género, como Geoffrey Batchen y Clément Chéroux, o instituciones con acervos de fotografía vernácula, como el Museo de Arte Moderno de Nueva York o las Swann Galleries. El estudio de las definiciones ha permitido encontrar elementos convergentes y divergentes para poder proponer un concepto definitorio e integrador. En las conclusiones se ponen de relieve los retos que implica encontrar una definición sintética y elemental para la fotografía vernácula.

La presente investigación ofrece un estudio sociocultural de la fotografía periodística en el escenario venezolano mediante la revisión de las imágenes que han recibido reconocimiento internacional en los premios World Press Photo y Pulitzer. A partir del análisis y contextualización de fotografías de corte periodístico y documental, el objetivo ha sido el de reflexionar sobre la función social y usos de la imagen en la contemporaneidad. El corpus ha estado integrado por imágenes de fotógrafos venezolanos o radicados en Venezuela que han sido premiadas con los mencionados galardones: dos fotografías individuales y dos series de fotografías. La más antigua es la foto de Héctor Rondón, de 1962, sobre el suceso conocido como “El Porteñazo”. La segunda de las fotografías y la primera serie tienen como contexto común las protestas y disturbios del 2017 contra el gobierno de Nicolás Maduro. Sus autores son Ronaldo Schemidt y Juan Barreto, respectivamente. La última serie muestra las víctimas del hambre y la desnutrición en Venezuela y fue publicada por The New York Times. Su autora es la fotoperiodista Meridith Kohut. Todas estas fotografías han sido estudiadas empleando una matriz de análisis que incluye la profundización de los conflictos y realidades que muestran, su valor intrínseco como imagen, así como la repercusión y proyección de las mismas. Las conclusiones del trabajo dan cuenta de cómo la visualización de los hechos a través de la fotografía y su reconocimiento internacional afirman las posibilidades de la imagen para aproximarse a la realidad y mostrar sus matices y contrastes. También su valor de denuncia. El que estos premios se otorguen tiempo después de los sucesos registrados permite retomar los temas que documentan, a veces olvidados o desplazados ante la vorágine de nuevos acontecimientos.

Este artigo aborda a prática artística de Rosângela Rennó relacionando-a aos princípios da prática historiadora contemporânea. Com base em uma trajetória sobre as diferentes obras em que a artista convoca o passado como matéria de imaginação, destacam-se, sobretudo, estratégias utilizadas para trazer à tona passados possíveis que confrontassem narrativas celebrativas de passados cristalizados. Propõe-se, assim, uma reflexão sobre a relação entre prática artística e historiadora enquanto meios para histórias públicas, seguindo um percurso metodológico que se inicia com alguns paralelos e aproximações entre artes visuais e história para compreender possíveis usos de materiais históricos nos projetos da artista. Em seguida, correlacionam-se os debates sobre as experiências da “morte da fotografia” e do “fim da história”, no bojo das viradas pictóricas ou visuais como fenômeno de geração, e conclui-se com um exercício de interpretação histórica dos trabalhos de Rosângela Rennó.

El estudio de la cultura visual como campo interdisciplinar brinda diferentes marcos teóricos y metodológicos interpretativos de todas las realidades posibles. La fotografía y el cine en Latinoamérica, con un enfoque contemporáneo post 1945, ha resultado ser una potente herramienta para desencriptar los mecanismos comunicativos de la órbita hispanohablante: no solo como representaciones visuales, sino, más bien, como constituyentes significadores culturales, máxime hoy en día en el ámbito de las nuevas tecnologías.

En un país donde la tradición de fotografía documental en el siglo XX ha estado centralizada en Cuzco, los fotoóleos del ecuatoriano Manuel Quiroz producidos entre 1949 y 1950 sobre Catacaos, una población rural de la costa norte del Perú, representan un caso novedoso, por las características formales y narrativas de la obra y la recepción pública que tuvieron durante la segunda mitad del siglo XX. El objetivo del artículo es exponer este caso aplicando metodología de identificación de la serie de sus fotoóleos originales dedicados a Catacaos y mediante un estudio de contexto a partir del análisis de documentos del álbum personal que elaboró Quiroz sobre su vida pública en el Perú. Por el amplio y heterogéneo reconocimiento que tuvieron los fotoóleos y el fotógrafo, estamos ante un caso inédito en la fotografía peruana y latinoamericana, en el que estas imágenes contribuyeron a que la sociedad reconozca en ellas una historia y una identidad regionales.

No contexto em que imagens efêmeras “viralizam” por alguns dias nas redes sociais e depois são descartadas no fluxo frenético de memória, exaustão e esquecimento, o conjunto de artigos desta edição da Revista Discursos Fotográficos demonstra a relevância dos estudos que indicam as permanências desta linguagem que se propõe a eternizar os instantes. Do mito à história, do Jornalismo à Publicidade comercial, as pesquisas revelam as circularidades e as rupturas que caracterizam a complexa presença da fotografia no século XXI. A diversidade de perspectivas oferece uma edição multifacetada.

Partindo de um olhar anacrônico para interpretar as imagens no presente, este artigo fará uma breve análise teórica de algumas acepções sobre o espaço urbano como espaço de visibilidade e criação artística para a fotógrafa americana Vivian Maier. Ela, que também trabalhava como cuidadora de crianças, fotografou muito as cidades por onde passou e seus personagens, incluindo ela mesma. Sempre acompanhada de sua câmera, cada saída fotográfica era uma nova experiência. Sua obra dialoga com o seu tempo e com a história da fotografia.

Durante la década de los sesenta del siglo pasado hubo imágenes mediáticas –como las fotografías de guerra– que impactaron en el desarrollo de las prácticas artísticas en latitudes lejanas, donde fueron tomadas. El artículo sigue esa hipótesis a partir del análisis de imágenes de acontecimientos bélicos que retrataron a soldados heridos y hombres curvados ante sus enemigos, doblegados en el campo de batalla. Dichas imágenes circularon impresas en medios masivos de comunicación y resonaron con el trabajo de artistas que exploraban la representación de una masculinidad alternativa, más ligada a la vulnerabilidad que provoca la violencia. En particular, se sigue la obra del artista chileno Félix Maruenda, quien incorporó imágenes de la guerra de Vietnam a Peligro (1969), un trabajo colaborativo realizado en la antigua Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Allí exploró, a través de la danza, la escultura y la proyección de imágenes y sonidos, el alcance trans-corporal de los horrores de la batalla. Este artículo expone y analiza cómo el imaginario artístico de Maruenda, en ese entonces experimental e intuitivo, se vio influenciado por imágenes que capturaban, a una distancia física insondable, la afección corporal de otros hombres, al tiempo que se sostiene la hipótesis de que lo mencionado permitió desarrollar una práctica híbrida en cuanto a su materialidad y novedosa respecto a su dimensión performativa.

La popularización en el uso cotidiano de las redes sociales conllevó nuevas formas de construir la identidad, proyectando una narración continua de nuestras vidas y nuestra socialidad, representando el contexto histórico a partir de las fotografías que tomamos. Estos nuevos espacios públicos –es decir, las redes sociales-, se volvieron fundamentales para la realización de las presentaciones del yo de los jóvenes contemporáneos. Instagram, una de las herramientas digitales preponderantes de la cultura visual, se tornó de suma importancia en la construcción identitaria, a partir de fotografías publicadas, que responden a la necesidad de hacer visibles las experiencias, conseguir interacción social y con ella, validación y sentido de pertenencia. En el presente trabajo de investigación, se analizó los modos de presentación del yo a partir de fotografías publicadas en Instagram, de acuerdo a la información compartida por los usuarios, constituyéndose como un lugar donde consiguen ejercer control sobre aquello que comunican.

El presente trabajo aborda la potencialidad de los social media como espacios de diálogo ciudadano en torno a la memoria y la identidad cultural de los territorios y sus habitantes. Desde la perspectiva de la antropología cultural y los estudios sobre la memoria, se presenta una investigación exploratoria basada en el análisis de contenido de dos grupos de Facebook vinculados a la ciudad de Cartagena de Indias (Colombia), acompañados de entrevistas cualitativas con sus administradores y con historiadores del territorio. Los resultados explican algunos de los factores que contribuyen a la popularidad de estos grupos virtuales, basados en el uso de la fotografía vernácula, y evidencian cómo han llegado a complementar o sustituir funciones que antaño estaban restringidas a las instituciones públicas y académicas, los museos y los archivos. Se concluye que, pese a sus limitaciones, estos grupos, nacidos en un contexto histórico y tecnológico determinado, constituyen importantes lugares virtuales de la memoria.

El extenso universo del patrimonio audiovisual abarca diversas áreas. Una de ellas se enfoca en la preservación de acervos fotográficos. El aumento exponencial en la producción de imágenes, derivado del acceso a nuevas tecnologías, ha propiciado su masificación en términos de distribución y consumo. Este escenario invita a reflexionar sobre el papel que juegan los acervos documentales fotográficos en la (re)construcción de una memoria colectiva, tanto en un sentido diacrónico como sincrónico. El caso del Museo Archivo de la Fotografía, ubicado en el corazón de la Ciudad de México, es un espacio concebido como depositario de una memoria visual que muestra las transformaciones de una capital convulsa y culturalmente compleja. En esta entrevista, el antropólogo visual Daniel Vargas (actual director del recinto), aborda no solo los retos que conlleva mantener en óptimas condiciones un acervo que consta de poco más de dos millones de imágenes, sino su incidencia en la construcción de una memoria colectiva.

Os protestos de 2013 no Brasil marcaram a reflexão sobre como diversas tecnologias de comunicação participam das ações coletivas, entre elas, as fotografias, que tiveram um papel preponderante nesses movimentos. Neste artigo, buscamos problematizar o que seriam imagens/fotografias políticas nesta conjuntura brasileira e suas relações com o conceito de democracia. Por meio de uma metodologia exploratória de pesquisa, inventário, descrição e montagem de fotos, discutimos em um relato entre-imagens algumas das agências das fotografias entendidas não somente como prova visual ou registro mnemônico, mas como acontecimentos imagéticos que têm a potência de impulsionar a produção de comum. Usamos como base o arquivo do projeto Atlas #ProtestosBR, visando abordar a constituição comunicacional das narrativas imagéticas desses levantes, e ainda, ativar essa trama de fotos compreendidas como atores-redes cujas rememorações e sobrevivências são tarefas políticas importantes contra o esquecimento e o entendimento reducionista desses movimentos e de seus desdobramentos.

El artículo presenta un análisis de parte de lo archivo de fotos de lo escritor brasileño de la literatura infantil Monteiro Lobato utilizando como metodología la relación entre la fotografía y la literatura. Estas fotografías son interpretados como situaciones que se desarrollan en el tiempo y revelan algunos elementos importantes para el conocimiento de las imágenes de Lobato, cuyas producciones están fechados entre 1910 y 1940. Analizar las fotografías requiere una sucesión de construcciones imaginarias: las circunstancias particulares que dieron lugar a la materialización de la imagen, el pensamiento incrustado en fragmentos fotográficos y, finalmente, lo que no puede ser revelada por procesos químicos y de lo que se imagina a través de las imágenes que sueñan.

El paronama que queremos reflejar en este artículo es aquel que afecta íntimamente a esa simbiosis entre el medio y la imagen. Pero no el que recoge toda la amplia gama del proceso de producción de los medios de comunicación. Sino, expresamente, aquellos que están relacionados con el tratamiento de la imagen y de su nuevo entorno: el digital. En esta panorámica, trataremos de centrarnos en la vertiente histórica del momento de aparición de la imagen en escena y en los elementos que han influido y provocado que el procesado químico tradicional de la fotografía avance hacia otra tecnología, la digital, y los efectos de manipulación que actualmente se integran en este proceso.

Este texto é parte de uma pesquisa mais ampla, aprovada pelo CNPq, que busca investigar as relações entre arte, comunicação, tecnologia e educação. A partir de autores que subsidiam a importância da renovação das posturas ligadas à educação e ao conhecimento, apresenta uma metodologia de pesquisa interativa e multilinguagem que, criada nos anos 1990, recebeu o nome de Foto Voz. Integrando registro de imagens fotográficas, reflexão e discussão de situações-problema, essa metodologia tem sido utilizada em pesquisas que visam a intervenção social, com propostas ligadas à cultura dos participantes, à sua percepção da realidade e à sua subjetividade.

La pandemia de la COVID-19 obligó a los docentes universitarios a reinventarse en el ejercicio pedagógico en un entorno de no presencialidad. Ello supuso un aprendizaje forzado de herramientas digitales y metodologías en clase para un escenario de semipresencialidad. A través de una propuesta muy experimental, hemos combinado una fórmula que aúna la dimensión fotográfica/visual y la textual. Para ello se adaptaron los contenidos de la asignatura “Teoría de la Imagen”, que pasó a pivotar en torno a una entrega práctica basada en un diálogo entre la fotografía y el texto como vehículo expresivo. Una encuesta nos permitió medir el grado de satisfacción de los 120 alumnos.

En este artículo proponemos un análisis de los fotolibros publicados a partir de 2019 sobre la Guerra Civil como una forma de posmemoria. Ese año coincide la publicación de El laberinto mágico, de Julián Barón, Flowers for Franco, de Toni Amengual, War Edition, de Roberto Aguirrezabala, Cristos y anticristos, de Javier Viver y el año siguiente, en 2020, El paseo, de David García y Hombrecino de Susana Cabañero, que inauguran una forma de posmemoria específicamente fotográfica, tanto por cuestiones generacionales, contextuales, discursivas y de publicación. Creemos que estos creadores pueden sumar una cuarta generación a las tres generaciones fotográficas que dibuja Antonio Ansón, que hemos llamado la generación de la memoria colectiva.

Selecionamos dois momentos da trajetória do fotógrafo Pio Figueiroa para discutir um agir que acontece no espaço fluido das fronteiras da fotografia: a atuação no coletivo fotográfico Cia de Foto e o trabalho “O pior é infinito”, em desenvolvimento. O trânsito entre linguagens, o uso de apropriação e a formação de coletivos são práticas que questionam, politicamente, o lugar do fotógrafo e os limiares da fotografia na produção contemporânea. Falas do próprio artista e escritos de Jacques Rancière – e outros autores – são acionados na discussão sobre quem fala, sobre os modos de produção e circulação de imagens nas práticas analisadas.

Internet se ha convertido en un elemento fundamental a la hora de dar testimonio sobre los movimientos migratorios. A ello se le suma la potencialidad de la fotografía como motor de cambio, registro de evidencias y retrato de realidades de distinto corte. Analizar la incidencia propia de esta realidad en la comunicación, sobre todo en un entorno regional, pone de manifiesto su influencia en las transformaciones sociales y demográficas. El objetivo es poner de relieve el valor de la fotografía como archivo documental de los procesos migratorios en el espacio digital. La metodología parte del trabajo exploratorio y analítico descriptivo a partir de fuentes fotográficas, de carácter estadístico y revisión de literatura especializada en el caso de Andalucía (España).

La democratización tecnológica, los nuevos dispositivos y el paradigma digital han desbancado los medios de comunicación tradicionales para adaptarse a unas redes sociales donde todo individuo y su imagen se convierten en retratos de un «yo» publicitario. El presente estudio pretende arrojar luz sobre el proceso del retrato condicionado por este panorama en aquellos medios digitales que se apoderan de la imagen, como es el caso de Instagram, teniendo en cuenta la creación de uno de los fotógrafos con más proyección en el panorama actual. De este modo, se analizarán los retratos de Kito Muñoz, de su método y el de sus coetáneos, para cuestionar su proceso creativo, en tanto que su naturaleza puede ser más documental que publicitaria.

Aldair Mejía es un fotógrafo peruano que se hizo medianamente conocido en el estallido de la protesta social en el Perú durante noviembre de 2020. Su trabajo ha registrado las movilizaciones ciudadanas en el país antes, durante y después de las últimas elecciones presidenciales del año 2021, que dieron como ganador a Pedro Castillo. Este artículo explora y describe, desde la visualidad y usando tres fotografías a modo de objeto de análisis, la representación del reclamo social en este trabajo fotográfico. Se ha utilizado específicamente la metodología del análisis visual y no se pretende generalizar el significado ni la implicancia de las imágenes en otros contextos. La atención se ha centrado en definir qué tipo de discurso visual constituyen estas imágenes en el marco de la enunciación y repetición de mensajes, en su mayoría contrarios, por parte de los medios de comunicación, los poderes económicos y los defensores del statu quo, en un contexto de tensión política entre candidatos y lo que sus figuras representaban hasta el anuncio del ganador oficial.

A celebridade atrelada à transgressão seria um dos efeitos da circulação de fotografias de bandidos nos jornais, a princípio, no formato mug shot e, depois, nas diversas variações produzidas pela atuação policial. Nesse sentido, o circuito de produção da fotografia policial e de imprensa e as transformações do olhar do espectador, entendidos como as pontas de um mesmo processo, são considerados agentes fundamentais na construção da celebridade de bandidos.

Este artículo analiza las fotografías premiadas en los premios World Press Photo entre 2008 y 2013 sobre la crisis financiera de 2008. Nuestros objetivos se centran en analizar la incidencia de este tema en el concurso; en examinar la representación que se realiza de este tema a nivel formal y discursivo, y en observar las diferencias en la representación que se producen cuando entra en juego la narrativa fotográfica, a partir del análisis de las dos modalidades diferentes que ofrece el concurso: la fotografía individual (single) y la serie (story). Los resultados constatan una baja incidencia de este tema en el concurso, un predominio de la concepción de la representación como espectáculo, especialmente en las imágenes individuales frente a las series, que consiguen activar a través de mecanismos narrativos una lectura más reflexiva de las imágenes.

O texto circunscreve aspectos da complexidade significacional de uma fotografia que, em sua circulação, atravessou um século e meio acumulando sedimentos oriundos da vida pública brasileira. Ao conectar imagem e imaginário, a fotografia dos oito cavaleiros converteu-se num objeto simbólico. Em meio à ambivalência em que se inscreve, consagrou-se como imagem fundadora que, partindo da ordem familiar, social e política, concede precedência ao militarismo e o concebe como um poder organizador na vida republicana brasileira.