Search

Submitted by Eliana CEH/B (liliprata2000@gmail.com) on 2021-11-09T14:28:36Z No. of bitstreams: 1 Dissertação - Amelia Sampaio Possidonio - 2021 - Completa.pdf: 4689154 bytes, checksum: 9478dfea1482a4f81de3fd1efa18ef5b (MD5) Made available in DSpace on 2021-11-09T14:28:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação - Amelia Sampaio Possidonio - 2021 - Completa.pdf: 4689154 bytes, checksum: 9478dfea1482a4f81de3fd1efa18ef5b (MD5) Previous issue date: 2021-09-16 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES Cette thèse articule art, mémoire et douleur dans le contexte de l'art contemporain. La recherche est menée à partir d'œuvres artistiques qui présentent des problématiques telles que la sensorialité, l'ancestralité, les tensions corporelles, la suffocation et la cécité. Cette poétique s'établit par la discussion avec des artistes, sociologues, philosophes, critiques d'art, et de littérature, etc. Une relation se construit entre les œuvres présentées et les créations pertinentes, soit par la forme, soit par la poétique, soit encore par la conception d'artistes contemporains. La mémoire individuelle et collective est abordée dans une perspective sociologique. L'importance de la mémoire collective est soulignée et mise en évidence par opposition avec la construction de la mémoire individuelle. La mémoire du traumatisme, la douleur et le témoignage sont également abordés par une approche historiographique, sociologique et littéraire. Le traumatisme est aussi pensé dans une perspective de critique d'art. Cette approche contribue à nourrir la discussion entre la production présentée et les œuvres des autres artistes. La réparation apparaît comme une possibilité d'aborder le traumatisme. Ce travail a été réalisé avec le soutien de la Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) – Brésil, Bourse de la demande sociale (DS) – Code de Financement 001 A presente dissertação articula arte, memória e dor sob a égide da arte contemporânea. A pesquisa é realizada a partir dos trabalhos artísticos que apresentam questões como sensorialidade, ancestralidade, tensões corporais, sufocamento e cegueira. Tal poética se estabelece sendo discutida ao longo do texto com o auxílio de artistas, sociólogos, filósofos, críticos de arte, de literatura etc. É construída uma relação com os trabalhos apresentados e a produção de alguns artistas referentes a forma, poética e concepção. A memória individual e coletiva é abordada sob a perspectiva sociológica. A importância da memória coletiva é acentuada e evidenciada frente a construção da memória do indivíduo. Também é abordada a memória do trauma, a dor e o testemunho pelo enfoque historiográfico, sociológico e literário. Assim são solidificadas as questões sobre memória do trauma e a força do testemunho na contemporaneidade. O trauma também é pensado sob uma visão crítica da arte. Tal interpretação contribui para intensificar a discussão entre a produção artística apresentada e as obras dos demais artistas selecionados. A reparação surge como possibilidade de rever o trauma. O presente trabalho foi realizado com apoio da Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior – Brasil (CAPES), bolsa Demanda Social (DS) – Código de Financiamento 001

Submitted by Mirna CEH/B (mirna129@globo.com) on 2021-09-02T14:51:40Z No. of bitstreams: 1 Tese - Leticia de Alencar Bertagna - 2021 - Completa.pdf: 3817580 bytes, checksum: cda6e0ab2d9b998368592dae2d8cf384 (MD5) Made available in DSpace on 2021-09-02T14:51:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese - Leticia de Alencar Bertagna - 2021 - Completa.pdf: 3817580 bytes, checksum: cda6e0ab2d9b998368592dae2d8cf384 (MD5) Previous issue date: 2021-03-02 Universidade Federal de Juiz de Fora - UFJF This research starts from the idea of drift as a fundamental operation to address the artistic process itself, as well as the writing procedure that accompanies it and that aims to articulate a heterogeneous set of works. Choosing the object aqui (here) as a guiding element in the movement of wandering that characterizes the poetic language dealt with in this thesis, we seek to highlight the unfinished, unstable, indeterminate, paradoxical, and ironic character of the artistic exercises that gravitate around it. For this, the investigation presented here follows a methodology in which doubt and hesitation serve as a cloudy horizon for the reflexive development of such aspects, seeking to emphasize the way they interpenetrate. Through the articulation between theory and practice and through the dialogue between my own conceptions and the perspectives present in the works of other artists, this work intends to promote an experience of wandering through thought. Esta pesquisa parte da ideia de deriva como operação fundamental para abordar o próprio processo artístico, bem como o procedimento de escrita que o acompanha e que visa articular um conjunto heterogêneo de trabalhos. Elegendo o objeto aqui como elemento orientador do movimento de errância que caracteriza a linguagem poética tratada nessa tese, procura-se assinalar o caráter inacabado, instável, indeterminado, paradoxal e irônico dos exercícios artísticos que gravitam em torno dele. Para isso, a investigação aqui apresentada segue uma metodologia em que a dúvida e a hesitação servem como horizonte nebuloso para o desenvolvimento reflexivo de tais aspectos, buscando enfatizar o modo como se penetram. Por meio da articulação entre a teoria e a prática e através do diálogo entre concepções próprias e perspectivas presentes em obras de outros artistas, este trabalho pretende promover uma experiência de perambulação pelo pensamento.

Este artigo tem como foco trazer reflexões procedentes de minhas vivências enquanto professor artista, mediando o processo de ensino e aprendizagem de arte contemporânea em uma escola municipal do município de Betim, Minas Gerais. Descrevo e discuto a experiência do ensino de arte contemporânea em conexão com a Abordagem Triangular, sistematizada pela Professora e Pesquisadora Ana Mae Barbosa na década de 80, com a finalidade de analisar seus impactos e elaborar uma proposta pedagógica de ensino e aprendizagem de Arte para as séries finais do Ensino Fundamental. This article has as its objective to reflect about my experiences as an artist teacher of contemporary Art in a public school in the city of Betim, Minas Gerais. I describe and discuss these experiences in connection with the Triangular Approach a system developed by the teacher and researcher Ana Mae Barbosa in the 80’s decade with the purpose of elaborating a pedagogical proposal for the teaching/learning process of Art for the final years of Elementary School.

CNPq Esta tese tem como objetivo investigar os imaginários urbanos traduzidos nas intervenções artísticas de Berna Reale, Bruno Faria e Renata Lucas. Para isso, tenta responder à seguinte questão geral: para quais sentidos as práticas desses artistas convergem no tensionamento com a experiência urbana? Esses artistas passaram a lidar com a cidade não apenas como suporte, mas como a razão na qual suas práticas se estruturam e para a qual se organizam. Considerando que atualmente a cidade ocupa um lugar central para o entendimento da vida contemporânea, isso se desdobrou, nesta tese, em um estudo sobre arte contemporânea brasileira e experiência urbana no século XXI. A partir da necessidade de desvinculação das metanarrativas urbanas das ditas “cidades globais”, o trabalho assume a importância de um estudo que articule arte, cultura e cidade em contextos de sociedades desiguais, nas quais o conflito é fundante das relações sociais e das próprias representações. As produções artísticas investigadas estão situadas em um contexto de arte no qual as regras e os valores da arte tradicional e da arte moderna se tornaram insuficientes para a interpretação do objeto arte. Isso conduziu a linha argumentativa da tese a uma reflexão sobre a crise da representação e do cânone moderno na arte, demonstrando como a arte contemporânea demanda uma ruptura com o conceito tradicional de cultura. Isso aproxima a arte contemporânea das demandas que têm preenchido os debates a respeito da emergência e consolidação de uma epistemologia múltipla que pretende o pós-colonial. Com vistas à articulação teórica do objeto de pesquisa, o trabalho toma como referencial teórico básico a teoria da cultura de Homi Bhabha. Utilizo as categorias de fronteira, hibridismo, negociação e espaço liminar relacionadas às noções de deslocamento, deslizamento e estranhamento oferecidas por Bhabha para a elaboração da chave interpretativa direcionada ao objeto de estudo em questão. Para a articulação metodológica do objeto e definição do procedimento de análise, é utilizado o conceito de performance de Diana Taylor. A construção dos dados se deu por meio da pesquisa documental (de textos, fotos, vídeos e críticas de arte) e de entrevistas semi-estruturadas e conversas com os artistas estudados. A partir da análise empreendida, conclui-se que os trabalhos de arte pesquisados expõem o modo de operação da vida pública enquanto funcionamento de nossa cultura política das cidades contemporâneas. Fazem isso ao mobilizar outras formas de concepção e experimentação do cotidiano urbano; ao se orientarem pela perspectiva da diferença na exposição das tensões políticas e sociais de um espaço social não sincrônico; ao destacar os elementos visíveis que são estrategicamente neutralizados pelas desigualdades que estabilizam as paisagens de poder. Por fim, conclui-se que os limites da arquitetura e do planejamento urbano em traduzir as dimensões de uso do cotidiano da cidade, a fragilidade dos espaços públicos e a estetização da experiência urbana se constituem em lugares epistemológicos da cultura, enquanto as formas de interferir na cidade que os trabalhos artísticos analisados apresentam se configuram como práticas enunciativas/de manifestação que rasuram o projeto instituído da cidade colonial. This thesis has the objective to investigate the urban imaginaries in Berna Reale, Bruno Faria, and Renata Lucas’ artistic interventions. Therefore, I intend to answer this general question: in which way does these artists’ practice converge in a discussion about the urban experience? These artists started to deal with the city not only as a support but the reason from which their practices have been structured and for which they have been organized. Nowadays, the city occupies a central place in the contemporary life understanding. This theme unfolds, in this stage, as a study about the Brazilian urban contemporary art in the 21th century. This work understands the importance of a study which involves art, culture, and city in an unequal society context in the need of untying of the “global cities” urban metanarratives, which the social conflicts are structurant of the social relationships and representations. The artistic productions investigated are situated in an art context which the traditional art’s rules and values aren’t enough to the art object understanding. This fact conducted this thesis’ argumentative line to a reflection on the crises of representation and the canon of modern art. This thesis shows the contemporary art demand a brake of the culture traditional concept. That feature makes closer the contemporary art and the debate on the multiple epistemologies’ emergency and consolidation, with a post-colonial main aim. This work takes as basic theoretical reference the Homi Bhabha’s culture theory as a theoretical articulation between this discussion and my research’s object. I utilize the concepts of border, hybridity, negotiation and liminal space in a relationship with the notions of displacement, slipping, and estrangement which is offered by Bhabha to elaborate understanding keys to my study object in debate. I utilized the Diana Taylor’s performance concept as a methodological articulation of the object and an analysis procedure definition. I made the data construction by means of a documentary research (texts, pics, videos and art critics) and half-structured interviews and conversations with the studied artists. From this analysis, is possible to see that those studied artistic practices are structured and directed in order to expose and to problematize the city spaces’ colonial face. The studied artworks expose the public life as a device for our political culture in contemporaries cities. They do it when they mobilize alternative ways to the concept of urban ordinary life and to the understanding of this life; when they show the political and social conflicts for a non-synchronous social space; when they expose a visible inequality which is neutralized by cities’ landscapes of power. At last, I conclude that the architecture and urban planning are limited when they try to materialize the city’s ordinary use dimensions and that urban space fragility and urban experience excessive aestheticization are cultural epistemological places as devices to build cities. This feature is the main discussion which the artistic works that I wanted to analyze aim to understand as enunciation practices or manifestations that shaves the colonial city project.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:29Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2009-09-28Bitstream added on 2014-06-13T19:08:00Z : No. of bitstreams: 1 almeida_fl_me_ia.pdf: 5431561 bytes, checksum: a6dd4b8bde979f977a23a247058e4365 (MD5) Universidade Estadual Paulista (UNESP) Esta dissertação de mestrado é o resultado de uma investigação sobre o universo feminino nas Artes Visuais. As prováveis tecituras resultantes dos entrelaçamentos de tramas e urdiduras artísticas apontaram para as questões estéticas, as elaborações formais e simbólicas do feminino em suas diversas representações. A pesquisa foi dividida em quatro partes que interligaram-se por um fio condutor: o papel e a força da mulher na história da arte. Na primeira parte, o feminino foi mostrado na sua forma mais ancestral de representação através das estatuetas votivas, denominadas Vênus - a figura da mulher apresentou-se nesse período como força fertilizadora. Na segunda parte, abordou-se a manifestação artística das mulheres após a onda revolucionaria sexista - o feminino é então mostrado como força revitalizadora. A terceira parte foi destinada às artistas (es)colhidas do século XX e XXI que trataram do feminino em suas poéticas artísticas - o feminino é tecido como força convergente. Mulheres Recipientes é finalmente alinhavada na quarta e última parte, que contém o arremate dos fios artísticos tradicionais antigos e contemporâneos com as possíveis leituras das obras em cerâmica da autora - o feminino completa-se como força reconciliadora. Esta disertación de maestría es el resultado de una investigación sobre el universo femenino en las artes visuales. Las probables tesituras resultantes de los entrelazamientos de tramas y urdidoras artísticas apuntaran para las cuestiones estéticas, las elaboraciones formales y simbólicas del femenino en sus diversas representaciones. La investigación fue repartida en cuatro partes que juntan por un hilo conductor: el papel y la fuerza de la mujer en la historia del arte. En la primera parte, el femenino fue enseñado en una forma más ancestral de representación a través de estatuitas votivas, denominadas venus – el imagen de la mujer fue presentada en el ese periodo como fuerza fertilizadora. En la segunda parte, abordo-se la manifestación artística de las mujeres pos la fase revolucionaria sexista – el femenino es demostrado como fuerza revitalizadora. La tercera etapa fue destinada a artistas elegidas del siglo XX y XXI que retratasen del femenino en sus poéticas artísticas – el femenino es el tejido como la fuerza convergente. Mujeres Recipientes es finalmente alinhava en esta cuarta y última etapa que contiene el remate de los hilos artísticos tradicionales antiguos y contemporáneos con las posibles lecturas de las obras en cerámica de la autora – el femenino se completa como fuerza reconciliadora.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2008-10-17Bitstream added on 2014-06-13T19:07:56Z : No. of bitstreams: 1 cavalcante_pj_me_ia.pdf: 794637 bytes, checksum: ca8725784c9cda57cd894701d52fdcec (MD5) Universidade Estadual Paulista (UNESP) Nos últimos anos tenho observado comentários de alunos e colegas acerca das visitas à Bienal Internacional de Arte de São Paulo. Com base nessas observações, tenho elaborado algumas questões acerca da relação entre alunos, professores e as obras que vêem na exposição. Podem se destacar as seguintes: Os visitantes conseguem identificar o que está exposto como obra de Arte? Há uma observação mais detalhada das técnicas, os métodos, os materiais e os estilos que são utilizados pelos artistas? Há uma reflexão sobre a importância dessas obras para a sociedade contemporânea? Há um preparo durante a formação destas pessoas para este tipo de exposição? A habilitação específica interfere na estimulação dos alunos para a apreciação das obras? Há um trabalho de preparação desses alunos desde o início do ano letivo? Costumam buscar referências sobre os artistas da exposição para conhecimento prévio ou posterior dos alunos? Costumam relacionar as obras e os artistas que se expõem com as obras e os artistas de outras épocas? Conseguem distinguir obra de arte de expressão artística? Conseguem observar obras de Arte em ambientes públicos? Demonstram interesse em visitar outras exposições? Todas estas são questões que têm despertado meu interesse sobre o processo de fruição dos alunos e docentes a respeito das obras de arte. Acredito que a investigação constante sobre novos métodos e artistas é de grande importância para que se entenda o processo de avanço no mundo das artes nesse início do século XXI. Meu principal objetivo com este trabalho é transformar os caminhos para essas experiências com obras públicas em algo cada vez mais freqüente, além de refletir e compreender a experiência... En los últimos años he observado comentarios de alumnos y colegas acerca de las visitas a la Bienal Internacional de Arte de São Paulo. Tras estas observaciones he elaborado algunas cuestiones acerca de la relación entre alumnos, profesores y las obras que ven en la exposición. Se pueden destacar las siguientes: ¿Los visitantes consiguen identificar qué se expone como obra de arte? ¿Hay una observación más detallada de las técnicas, los métodos, los materiales y los estilos que han utilizado los artistas? ¿Hay una reflexión sobre la importancia de estas obras para la sociedad contemporánea? ¿Hay una preparación durante la formación de estas personas para este tipo de exposición? ¿La habilitación específica interfiere en la estimulación de los alumnos para la apreciación de las obras? ¿Hay un trabajo de preparación de estos alumnos desde el principio del año lectivo? ¿Se suele buscar referencias sobre los artistas de la exposición para conocimiento previo o posterior de los alumnos? ¿Se suele relacionar las obras y los artistas que se exponen con las obras y artistas de otras épocas? ¿Consiguen diferenciar obra de arte de expresión artística? ¿Consiguen observar obras de arte en ambientes públicos? ¿Demuestran interés en visitar otras exposiciones? Todas estas son cuestiones que han despertado mi interés hacia el proceso de fruición de los alumnos y docentes respecto a las obras de arte. Creo que la investigación constante sobre nuevos métodos y artistas es de gran importancia para que se entienda el proceso de avance en el mundo de las artes en este inicio del siglo XXI. Mi principal objetivo con este trabajo es transformar los caminos para esas experiencias con obras públicas en algo cada vez más frecuentes, además de reflexionar... (Resumen completo clicar acceso eletronico abajo)

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:28Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2008Bitstream added on 2014-06-13T20:28:54Z : No. of bitstreams: 1 franchi_ak_me_ia.pdf: 985553 bytes, checksum: 736d52add54278d94748c6831a58afca (MD5) Universidade Estadual Paulista (UNESP) Neste trabalho busco o entendimento de como se dá a relação dos professores das diretorias de ensino regiões de São José dos Campos e Jacareí (SP), participantes do curso “Estruturação da linguagem expressiva: o fazer e o saber criativo”, com as questões e metodologias voltadas para ensino de arte contemporânea e tecnológica. Este curso foi oferecido pela Faculdade de Ciências e Tecnologia da Universidade Estadual Paulista (UNESP) Campus Presidente Prudente ao projeto de formação continuada de professores TEIA DO SABER da Secretaria da Educação do Estado de São Paulo. O contato destes professores com arte contemporânea e tecnológica se deu por meio de visita ao Festival Internacional de Linguagens Eletrônicas 2005 (FILE), realizado na Galeria de Arte do Serviço Social da Indústria (SESI) e na Casa das Caldeiras, representando mais de 300 artistas deste segmento. A pesquisa se desenvolveu com base nos Parâmetros Curriculares Nacionais Ensino Médio: Linguagens, Códigos e suas Tecnologias; e em reflexões a respeito da arteeducação de Ana Mae BARBOSA (1984, 1988, 1998, 2004); e Fernando HERNÁNDEZ (1998, 2000). Sete questionários respondidos, 2 planos de aula e um retorno de resultados após o plano ter sido levado à prática, são apresentados e analisados. In this academic work I look for the understanding of how it is the relationship of teachers of boards of education regions of São José dos Campos and Jacareí (SP), members of the course Structuring the expressive language: make and know creative, with issues and methodologies aimed at teaching of contemporary and technological art. This course was offered by Faculty of Sciences and Technology of Universidade Estadual Paulista (UNESP) Campus Presidente Prudente to the project of continuing education of teachers A WEB KNOWLEDGE of the Secretary of Education in the State of São Paulo.The contact these teachers with contemporary and technological art was made by visiting the International Festival of Electronic Languages 2005 (FILE) held in the Gallery of Art of Social Service Industry (SESI) and the House of Boilers, representing over 300 artists this segment. The survey was developed based on Parameters National Curriculum High School: Languages, Codes and their Technologies, and reflections about art-education of Ana Mae BARBOSA (1984, 1988, 1998, 2004); and Fernando HERNÁNDEZ (1998, 2000). Seven questionnaires answered, two plans of lesson and one feedback after the plan has been brought to practice, are presented and analyzed.

Submitted by Boris Flegr (boris@uerj.br) on 2021-01-05T16:59:46Z No. of bitstreams: 1 Marina Pereira de Menezes.pdf: 476466 bytes, checksum: 2081a567b09f6de06959e7d3c1ab37a7 (MD5) Made available in DSpace on 2021-01-05T16:59:46Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Marina Pereira de Menezes.pdf: 476466 bytes, checksum: 2081a567b09f6de06959e7d3c1ab37a7 (MD5) Previous issue date: 2007-03-26 Starting from an analysis of practices developed in art school classes, this work presents a proposal of a foundation for art teaching articulated with contemporary art. It objects to create an artistic scholar practice more reflexive and investigative, which valorizes experience, openness, complexity and deepness in the student s cognitive and productive process. It s from the recognition and analysis of the changes, characteristics and questions of contemporary art that it s formulated the proposal where plurality of processes, poetics and experimentations are conceptions that permeate both the discussion about art and the student s production, for which are necessary new postures, objectives and methodologies more aware with the contemporary s time A partir de uma análise das práticas desenvolvidas nas aulas de artes, este trabalho apresenta uma proposta de fundamentação para o ensino de artes articulada à arte contemporânea. Objetiva-se configurar uma prática escolar em artes mais reflexiva e investigativa, que valorize a experiência, a abertura, a complexidade e o aprofundamento no processo produtivo e cognitivo dos alunos. É com origem no reconhecimento e na análise das mudanças, das características e das questões da arte contemporânea, da cultura contemporânea e do ensino de artes que se formula a proposta na qual a pluralidade de processos, de poéticas e de experimentações são concepções que permeiam tanto a discussão sobre arte quanto a produção dos alunos e para a qual são necessárias novas posturas, objetivos e metodologias mais atentos ao momento contemporâneo.