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Emplazado en la ex Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación hoy llamado Edificio Sergio Karakachoff se encuentra el Centro de Arte de la UNLP: un espacio de más de mil metros cuadrados, desarrollado en tres plantas, que reúne las producciones de distintos artistas locales y nacionales que intervienen a través de proyecciones, presentaciones y espectáculos artísticos durante todo el año. En esta entrevista charlamos con la Dra. Natalia Giglietti, prosecretaria del Centro, quien da cuenta de las diferentes propuestas y cursos que se desarrollan, nos habla también de cómo el Centro sirvió como usina de expresión para atravesar la Pandemia del Covid 19 y además pone de manifiesto la importancia de seguir generando archivos y memorias artísticas y culturales desde la UNLP para toda la comunidad., Facultad de Ciencias Económicas

FAPEMIG - Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Minas Gerais CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Esta tese investiga o sistema das artes visuais em Belo Horizonte. Em especial, a relação entre o artista em atividade, hoje, o sistema das artes e o público. O sistema de arte brasileiro, apesar de incluído em um cenário global, é considerado incipiente. Ao mesmo tempo, apresenta realidades díspares entre o eixo Rio-São Paulo e as demais regiões e capitais do Brasil. A tese pretende demonstrar como se configuram, nesses eixos periféricos, em especial, em Belo Horizonte, as relações entre seus agentes, as conexões estabelecidas e a formação de redes no sistema. Os desafios encontrados pelos artistas em atividade na capital mineira são em relação ao seu processo de produção, à divulgação do seu trabalho e à (auto)inserção no mercado. Abordam-se os seguintes aspectos: o impacto das galerias de Arte Contemporânea, as iniciativas independentes, os museus e os espaços institucionais, as residências artísticas, os críticos, os curadores e os produtores culturais e a internet no percurso de expansão do sistema. Nesse contexto, insere-se também o aspecto acerca das normas de validação da arte elaborada hoje e estabelecidas pelo mercado internacional como forma de consolidação, da valorização do processo artístico e da consequente legitimação do artista e da obra de arte. Sua pertinência e sua relevância situam-se em um contexto local, no momento quando se discute a escassez de verba pública e de incentivos destinados à cultura, assim como a necessidade de descentralização e de diversificação da produção artística e a expansão do mercado e o acesso às artes visuais. This thesis researches the visual arts system in Belo Horizonte. In particular, the relationship between the artist, active today, the arts system and the public. The brazilian art system, despite being included in a global scenario, is considered incipient and has different realities between the Rio-São Paulo axis and the other regions and capitals of Brazil. This thesis intends to demonstrate how relationships between their agents in these peripheral axes are configured, especially in Belo Horizonte. The challenges faced by artists working in the capital of Minas Gerais in relation to their production process, dissemination of their work and (self) insertion in the market. The impact of contemporary art galleries, independent initiatives, museums and institutional spaces, artistic residencies, critics, curators and cultural producers and the internet on the system's expansion path. The norms for validating the art created today, which are established by the international arts market as a means of consolidating, evaluating the artistic process and the consequent legitimation of the artist and the work of art. Its expanded relevance in a local context at a time in which the lack of Governmental budgets and cultural incentives are being discussed, as well as the need to decentralize and diversify the artistic production of visual arts is discussed, and the expansion of their access to the arts market.

En un mundo hiperconectado y en constante transformación, las redes sociales han conseguido poco a poco hacerse hueco en el gran mercado de la comunicación visual y convertirse en una gran estrategia de promoción y conexión directa con los seguidores por parte de una marca personal. Muchos artistas se han lanzado a la aventura de las redes sociales para promocionar su trabajo, ya sean ilustradores, diseñadores o pintores, entre otros. Actualmente nos encontramos con empresas que buscan crear su propio contenido, y en un mundo de espacios cada vez más urbanos y creativos, existe una demanda de diseño visual en todas sus formas. Sin embargo, pese a todas las ventajas que pueden ofrecer las redes sociales para el trabajo de un artista, vivir de ello en estas plataformas es un hecho para unos pocos. En este trabajo de investigación nos adentraremos un poco más en lo que esto significa para el creador, tanto en su marca personal como en su sentido psicológico, al mismo tiempo que mencionaremos el arte post internet y el mercado que ha surgido de ello en estas plataformas. Debido a esto, surgen creadores que las redes sociales han visto nacer y otros que han potenciado la difusión de su trabajo a través de ellas, en donde profundizaremos acerca de la relevancia que aportarán sus seguidores en su trayectoria, y cómo lograr su interés y consumo a través de ciertas estrategias resultará esencial para ‘sobrevivir’. Por otro lado, artistas como Lisa Congdon, Aram Bartholl, Richard Prince o Intimidad Romero, entre otros, son algunos de los nombres que seguiremos durante esta investigación como aquellos que han basado su trabajo en las redes sociales o que han logrado el reconocimiento dentro de estas con su trabajo. Quizá el ejemplo más interesante de este proyecto sea el dosier que acompaña, donde es la propia autora de dicha investigación la artista creadora del mismo, que nos acerca hacia el momento actual de la sociedad dentro de las redes sociales. Dentro de este argumento artístico, y también dentro tanto de los objetivos de esta investigación como de los artistas que se mencionarán, esclareceremos lo que confiere la verdadera manera de hacer arte en la etapa histórica de la revolución de internet. Universidad de Sevilla. Grado en Bellas Artes

A partir de considerar la técnica como enigmática y, a la vez, fascinante, se quiere reflexionar sobre su relación con los procesos de creación, su inserción en ambientes de la enseñanza aprendizaje de las artes e intentar develar las posibles dificultades y certezas, pocas veces resaltadas en la formación de artistas. La técnica es y debe ser uno de los principales focos de atención del trabajo de un artista, puesto que esta es el fulcro que une conceptos y medios, gestos y operaciones, para condensar representaciones que se materializan en obras. Con la técnica aprendida y aprehendida se pueden reconocer recorridos que se consolidan al seguir una serie de instrucciones generales que se transforman posteriormente en operaciones que permiten su funcionamiento. En esta investigación se acude al pensamiento de Gilbert Simondon, para proponer una breve meditación que permita entender el movimiento inherente de la técnica, como una oscilación que va desde lo abstracto a lo concreto y, con esto, resalta la importancia de este aprendizaje en el propio trabajo artístico. Pensar los modos con que los artistas trabajan técnicamente se buscan pistas sobre las orientaciones pedagógicas que se deben tener presentes al momento de enseñar (una técnica). Departing from the view of technique as something enigmatic and fascinating at the same time, this paper intends to reflect on technique’s relationship with creative processes, its insertion in arts teaching-learning environments and reveal possible challenges and certainties that are usually left aside in artist’s education. Technique is, and must be, one of the main focuses of attention in an artist work, given that it is the fulcrum that joins together concepts and media, gestures and operations, to condense representations that are later embodied in artworks. With technique learnt and apprehended one can recognize paths reinforced by following a series of general instructions, which are transformed into the operations that allow its working. We refer to Gilbert Simondon’s thoughts to propose a brief meditation that allows understanding the inherent movement of technique as an oscillation that goes from the abstract to the concrete, therefore highlighting the importance of this kind of learning in artistic work itself. Thinking modes with which artists work technically is to look for clues about pedagogical orientations that must be present at the moment of teaching (a technique). Azogues

O objetivo da pesquisa foi determinar as principais características da arte popular na região central do Peru e região metropolitana de Lima. Trata-se de pesquisa qualitativa, tipo aplicada, nível exploratório, método etnográfico, delineamento não experimental. Os instrumentos utilizados foram o guia de entrevista e o guia de observação. A epistemologia que sustenta a investigação é a teoria histórico-cultural de Lev Semionovich Vygotsky. A amostra representativa foi de 20 participantes da região central do Peru e metropolitana de Lima, como integrantes de orquestras típicas, artistas populares e consumidores de cultura. La investigación tuvo por objetivo determinar las principales características del arte popular en la región central del Perú y en Lima Metropolitana. Es una investigación cualitativa, tipo aplicada, nivel exploratorio, método etnográfico, diseño no experimental. Los instrumentos utilizados fueron la guía de entrevista y guía de observación; la epistemología que sustenta la investigación es la teoría histórico-cultural de Lev Semionovich Vigotsky. La muestra representativa fueron 20 participantes de la región central del Perú y Lima Metropolitana como integrantes de las orquestas típicas, artistas populares y consumidores de la cultura. The objective of the research was to determine the main characteristics of folk art in Andean artists and the influence of the market on artistic and aesthetic activity in artists from the Central Region of Peru and in Metropolitan Lima. It is a qualitative research, applied type, exploratory level, ethnographic method, non-experimental design. The instruments used were the interview guide and observation guide; the epistemology that sustains the investigation is the historical-cultural theory of Lev Semionovich Vygotsky. The representative sample was 20 participants from the central region of Peru and Metropolitan Lima as members of the typical orchestras, popular artists and consumers of culture.

El Renacimiento como ya sabemos, supuso un cambio en la concepción del hombre y del mundo tras la Edad Media, pero también conllevó a un cambio en el desarrollo de la cultura, las ciencias y las artes dando un papel protagonista a los artistas. Dentro del movimiento renacentista y del desarrollo que esto supuso en las artes, surgió la labor del mecenazgo. El mecenazgo es una actividad promovida por personas, familias pudientes o instituciones que otorgaban patrocinio a los artistas, científicos o literatos financiando sus proyectos para así fomentar su trabajo y concederles una posición más elevada en la sociedad. Para hablar de mecenazgo nos centraremos en la familia Medici de Florencia y, de cómo gracias a su formación humanista, muchos de sus miembros practicaron esta labor, financiando a artistas para que realizasen obras de arte como medio propagandístico de su poder., The Renaissance, as we already know, meant a change in the conception of man and the world after the Middle Ages, but it also meant a change in the development of culture, science and the arts, giving artists a leading role. Within the Renaissance movement and the development that this entailed in the arts, the work of patronage arose. Patronage is an activity promoted by people, wealthy families or institutions that grant protection to artists, scientists or writers, financing their projects in order to promote their work and grant them a higher position in society. To talk about patronage, we will focus on the Medici family of Florence and how, thanks to their humanistic training, many of its members practiced this work, financing artists to create works of art as a means of propagandizing their power., Departamento de Historia del Arte, Grado en Historia del Arte

Cet article porte sur plusieurs arguments de la thèse doctorale La beauté comme moteur de résilience du « métapersonnage » de Renoir : du XIXe au XXIe siècle, par la même autrice de ce travail. Plus particulièrement, cet article aborde l’analyse iconographique de Four seasons (1993) par l’artiste contemporain Edwin Parker « Cy Twombly » (Cy Twombly, 1928 – 2011), à la lumière de deux créations du maître impressionniste Pierre-Auguste Renoir (1845 – 1919). La vague (1879) et Paysage Bords de Seine (1879) sont deux œuvres où Renoir imprime une marque qui capte l’éphémère à travers la couleur, le mouvement de la lumière et le pleinairisme. Four seasons (1993) est une œuvre qui ne peut pas être comprise comme création contemporaine sans étudier l’empreinte de Renoir dans l’abstraction lyrique américaine - un sceau visible dans la technique, l’usage de la couleur, la thématique et le message de la création. Le besoin de saisir l’harmonie dans une création dans laquelle l’image et le texte se mêlent, représente l’évolution de la même œuvre de Renoir dans la contemporanéité: une création où le message unit image et langage. En tant qu’impressionniste, Renoir revendique la beauté. À ses yeux, ce concept rend hommage à l’harmonie du monde : elle devient moteur d’éducation esthétique et émotionnelle. En parallèle, Cy Twombly participe de l’éducation artistique et sentimentale contemporaine : il sublime la beauté prisée par Renoir, sous forme d’art lyrique., Revista d'Humanitats, Núm. 4 (2020)

Gravar Territórios é uma investigação em Arte e Educação sobre duas ações de cinevideo implementadas em duas escolas, onde ANDAR e GRAVAR foram detonadores para nos aproximarmos do que nos rodeia: as pessoas e os lugares. Acontece num tempo em que comunicamos através de imagens em que se “fotografa para existir”, mas no qual nos afastamos de nós próprios, do outro e do que nos rodeia. Um tempo de urgência para que o Ser Humano tome consciência da sua condição. O trabalho de pesquisa efetuado teve por base a proposta de sair da escola e andar. Andar na rua, na paisagem, nos lugares e encontrar as pessoas… Aqui a transformação acontece na experiência, nos encontros e no caminho onde educador, artista e estudante, caminham lado a lado. Para apurar esta tomada de consciência, proponho, olhar com outros olhos, ouvir com outros ouvidos e Gravar. Gravar, implica olhar, escolher pontos de vista, medir, enquadrar, focar e neste tempo de experimentação acontecem descobertas. Neste processo produzimos um filme documental e um mapa videográfico. Esta produção adopta contextos de trabalho, próximos do cinema documental e onde a câmera se apresenta como mediadora no estabelecimento de novas relações (dentro e fora da escola). Aprendemos sobre filmes, experimentando e produzindo. No seu visionamento percebemos que o cinema nos aproxima, emocionamo-nos com as imagens, deslumbramo-nos com os lugares que ainda não tínhamos visto e identificamo-nos com as pessoas. Acontece algo “mágico”: inexplicável e tão característico do cinema. Enquanto Artista/Investigadora/Educadora, proponho refletir sobre dinâmicas onde cada um possa educar o seu olhar e sobre a necessidade de sair da escola para criar novos contextos de aprendizagem, num processo de liberdade criativa de todos. Recording Territories is an investigation in Art and Education about two cine/video actions implemented in two schools, where WALKING and RECORDING were detonators to get closer to what surrounds us: people and places. This research takes place at a time when we communicate through images in which we “photograph to exist”, but in which we move away from ourselves, from the other and from what is around us. A time of urgency for the Human Being to become aware of his condition. The research work carried out was based on the proposal to leave school and walk. To walk on the street, in the landscape, in places and meeting people... Here the transformation takes place in the experience, in the get-togethers and in the path where educator, artist and student walk side by side. To clarifythis consciousness, I propose to look with different eyes, to listen with different ears and to Record. To record implies looking, choosing points of view, measuring, framing, focusing; and in this time of experimentation discoveries happen. Along the process, we produced a documentary film and a videographic map. This production adopts work contexts, close to documentary cinema and where the Camera presents itself as a mediator to establish new relationships (inside and outside the school). We learned about films, experimenting and producing. When viewing these films we realize that cinema brings us closer, we are moved by the images, we are dazzled by the places we had not yet seen and we identify with people. Something “magical” happens: inexplicable and so characteristic of cinema. As an Artist/Researcher/Educator, I propose to reflect about dynamics where each one can educate their eyes and about the need to go outside the school to create new learning contexts, in a process of creative freedom for all.

Submitted by Júlia Camille Blumenschein (julia.blumenschein@gmail.com) on 2021-07-02T21:12:10Z No. of bitstreams: 1 JULIABLUMENSCHEIN_UNESP_julho2021_parabiblioteca.pdf: 4623695 bytes, checksum: f3934d649d90bf7be871c3654ad4d2c4 (MD5) Rejected by Laura Mariane de Andrade null (laura.andrade@ia.unesp.br), reason: Solicitamos que realize uma nova submissão seguindo as orientações abaixo: - O item ficha catalográfica nos elementos pré-textuais é obrigatório segundo as normas da ABNT, portanto deve constar no arquivo anexo. Se a ficha ainda não foi solicitada à biblioteca, pode ser feito conforme instruções em https://www.ia.unesp.br/#!/sobre-o-campus/biblioteca/servicos/ficha-catalografica/ - A numeração das páginas deve constar na parte superior direita segundo a ABNT; - Os títulos dos itens pré-textuais devem ser alinhados de forma centralizada; - O corpo do item "resumo" deve ser apresentado em espaçamento simples. As mesmas regras servem para o item "abstract"; - As referências devem ser alinhadas à esquerda sem marcação de parágrafo. Caso seja necessário, consulte as normas em: https://www.ia.unesp.br/#!/sobre-o-campus/biblioteca/acervos/normas-tecnicas/ Para detalhes, indicamos o serviço de orientação da biblioteca, através de agendamento pelo https://forms.gle/MC6hXPafRSfUwnNN9. Caso haja dúvidas, consulte a biblioteca. Agradecemos a compreensão. on 2021-07-06T19:36:03Z (GMT) Submitted by Júlia Camille Blumenschein (julia.blumenschein@gmail.com) on 2021-07-07T12:57:34Z No. of bitstreams: 1 JULIABLUMENSCHEIN_UNESP_julho2021_v2.pdf: 4787416 bytes, checksum: 057f1ab1cbcedad3c6392cce357e0344 (MD5) Approved for entry into archive by Laura Mariane de Andrade null (laura.andrade@ia.unesp.br) on 2021-07-12T16:43:58Z (GMT) No. of bitstreams: 1 blumenschein_jc_dr_ia.pdf: 4787416 bytes, checksum: 057f1ab1cbcedad3c6392cce357e0344 (MD5) Made available in DSpace on 2021-07-12T16:43:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 blumenschein_jc_dr_ia.pdf: 4787416 bytes, checksum: 057f1ab1cbcedad3c6392cce357e0344 (MD5) Previous issue date: 2021-05-04 Esta tese tem como objetivo principal problematizar e trazer à tona a discussão: quem é o artista e por que ele cria Arte? A hipótese é a de que a produção artística é inerente e biologicamente necessária ao ser humano, e que o processo criativo do desenvolvimento de obras artísticas estrutura o artista como indivíduo, assim como a Arte é estruturada por ele. Foram encontrados três caminhos que corroboram a necessidade biológica da Arte: evolução da espécie, auto-organização do sujeito e regulação da vida. A escolha de se aproximar do artista pelo ponto de vista biológico se deu devido à possibilidade de um ângulo não usual na observação do propositor de Arte. São usados, principalmente, aspectos das neurociências e áreas afins para se apresentar, então, os caminhos que levam a considerar a causa da necessidade de se desenvolver Arte. This thesis 's main goal is to promote a discussion regarding the question: who is the artist and why does he create Art? The hypothesis offered is that artistic production is inherent, as well as biologically necessary, to the human condition, and the creative process behind the development of artistic works structures the artist as an individual, as much as Art itself is structured by him. Three pathways have been identified which corroborate the biological need for Art: the species's evolution, the subject's self -organization and the regulation of life. The choice to approach the artist from a biological point of view was made due to the fact that it offers an unusual perspective from which to observe Art's creators. The causes for the need to develop Art are presented in light of neurosciences and related areas.

Fernández Moreno, Antonio “Talismán” (Granada 22/07/1925 – Granada 21/01/2007). El libro se articula en una introducción, realizada por Reynaldo Fernández Manzano, sobre su figura y su obra, y una Selección de artículos en la prensa de Antonio Fernández Moreno “Talismán” agrupados temáticamente en cinco capítulos. El primero capítulo está dedicado al humanismo crítico. Pensamientos, cultura y reflexiones que es uno de los ejes de su obra. El segundo capítulo reúne su denuncia y preocupación por el paisaje y en concreto del Albayzín y Sacromonte, un entorno que la posmodernidad y la especulación seguían rompiendo continuamente y que era necesario defender. El 17 de diciembre de 1994 el Albayzín fue declarado por la UNESCO Patrimonio de la Humanidad, uniéndose al mismo lugar que ya existía en la ciudad desde diez años antes, con una nueva denominación: Alhambra, Generalife y Albayzín. Sus artículos inciden en esos valores patrimoniales anticipándose a dicha declaración. En el capítulo tercero se reúnen artículos sobre Granada. El Cuarto está dedicado a la Semana Santa y el quinto a las semblanzas, tanto del campo de la música, como de las artes plásticas, la filosofía, así como a figuras históricas., Fernández Moreno, Antonio “Talismán” (Granada 07/22/1925 – Granada 01/21/2007). The book is divided into an introduction, made by Reynaldo Fernández Manzano, about his figure and his work, and a Selection of articles in the press by Antonio Fernández Moreno "Talismán" grouped thematically into five chapters. The first chapter is dedicated to critical humanism. Thoughts, culture and reflections that is one of the axes of his work. The second chapter brings together his complaint and concern for the landscape and specifically the Albayzín and Sacromonte, an environment that postmodernity and speculation continued to break continuously and that it was necessary to defend. On December 17, 1994, the Albayzín was declared a World Heritage Site by UNESCO, joining the same place that already existed in the city ten years before, with a new name: Alhambra, Generalife and Albayzín. Its articles affect these heritage values in anticipation of said declaration. In the third chapter, articles about Granada are gathered. The fourth is dedicated to Holy Week and the fifth to portraits, both in the field of music, as well as in the plastic arts, philosophy, as well as historical figures.

En este trabajo se presenta un analisis de los niveles y determinantes de la desigualdad de ingresos laborales de los artistas uruguayos y se los compara con grupos de trabajadores no artistas, en base a datos de la Encuesta Continua de Hogares (ECH) para el período 2011-2019. Para ello, se utilizan los índices de Gini y Theil y los ratios 90/10, 90/50 y 50/10, y se aplica la metodología de Shorrocks (2013) basada en el valor de Shapley para la descomposicion de los dos índices mencionados. Los resultados encontrados reflejan altos niveles de desigualdad para los artistas e importantes diferencias respecto a los demas trabajadores, principalmente en lo que refiere al rol de la educacion y de los factores inobservables como variables explicativas de la desigualdad de ingresos laborales.

Submitted by Cecília Raposo (ceciliaraposo@ipcb.pt) on 2021-12-03T14:23:34Z No. of bitstreams: 1 Visualização de Paradigma da desigualdade de Género na Arte Contemporânea.pdf: 6232636 bytes, checksum: f3243d7ec062f03e6a135dbadd9d3dc2 (MD5) Approved for entry into archive by Maria Eduarda Pereira Rodrigues (erodrigues@ipcb.pt) on 2022-01-12T11:54:26Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Visualização de Paradigma da desigualdade de Género na Arte Contemporânea.pdf: 6232636 bytes, checksum: f3243d7ec062f03e6a135dbadd9d3dc2 (MD5) Approved for entry into archive by Maria Eduarda Pereira Rodrigues (erodrigues@ipcb.pt) on 2022-01-12T11:58:07Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Visualização de Paradigma da desigualdade de Género na Arte Contemporânea.pdf: 6232636 bytes, checksum: f3243d7ec062f03e6a135dbadd9d3dc2 (MD5) Made available in DSpace on 2022-01-12T11:59:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Visualização de Paradigma da desigualdade de Género na Arte Contemporânea.pdf: 6232636 bytes, checksum: f3243d7ec062f03e6a135dbadd9d3dc2 (MD5) Previous issue date: 2021 info:eu-repo/semantics/publishedVersion

En nuestro país uno de los sectores que siempre ha sufrido ha sido el de los artistas, artistas de diferentes índoles que no han sido escuchado por las autoridades, recibiendo muy poco apoyo en muchos casos sin ser ayudados, durante la entrada de la pandemia en el país este sector se vio cruelmente afectado. Muchos de los artistas tuvieron que dejar su profesión para generar ingresos económicos, dedicándose a otros tipos de actividades como la venta de comida o algún emprendimiento que les genere ese ingreso que dejó de ingresar desde que el COVID – 19 entró al país. Muchos artistas murieron durante este proceso, otros recibieron apoyo mediante redes sociales, todo esto fue variando hasta la llegada de las vacunas al país y poco a poco los centros de presentación que usan los artistas para mostrar su arte están siendo abiertos con las debidas normas de seguridad. In our country, one of the sectors that has always suffered has been that of artists, artists of different kinds who have not been listened to by the authorities, receiving very little support in many cases without being helped, during the entry of the pandemic into the country this sector was cruelly affected. Many of the artists had to leave their profession to generate economic income, dedicating themselves to other types of activities such as the sale of food or some undertaking that generates that income that stopped entering since COVID - 19 entered the country. Many artists died during this process, others received support through social networks, all this varied until the arrival of vaccines to the country and little by little the presentation centers that artists use to show their art are being opened with the proper regulations of security.

Generarte is a non-profit multidisciplinary art festival that will take place in Buenos Aires, Argentina. The festival will include various activities over three days, including a permanent exhibition, several performing artists, workshops and talks. The project's idea was born with the aim of denouncing - through a cultural and educational approach - gender violence, in one of the most significantly affected regions. At Generarte festival, each stage of the project's creation, from the conceptual core to the implementation of each operational step, will be guided by our key values and professional ethics. We will ensure that we hire professionals strong in a wide variety of event promotions and social issues; they will have to be integrated into the community, to guide us towards the right approach. Generarte will constantly strive to have a positive impact on the local context and demonstrate commitment to sustainability, both individually and as an organization: we will engage in an ongoing dialogue with the community, ensuring that we follow sustainable business practices. info:eu-repo/semantics/publishedVersion

The goal of this study was to determine whether experts attribute a series of images created by people with dementia who were participating in a program of contemporary art education to artists or to people without prior artistic experience. In this way, we sought to obtain an indicator of the artistic quality of the images produced by people with dementia. Participants were 122 specialists in art to whom were presented 30 images, 15 works by professional artists and 15 created by people with dementia. For each of the 15 images created by the people with dementia, we calculated the proportion of experts who attributed the image to a professional artist. The results indicated that, in a significant number of cases, which varied according to the images, the experts attributed the images to professional artists. The judgment of the experts reinforcing the idea of the creative potential of people with dementia.

Cada sociedad determina las categorías etarias que reconoce. La adolescencia es una construcción moderna bastante estigmatizada desde el mundo adulto. Las personas que la atraviesan han sido colocadas en moratoria y sus aportes sistemáticamente invisibilizados. Shoel, Sexse, WSCU, Andrómeda y JEGA, adolescentes quiteños habitantes de sectores urbano-periféricos de la ciudad y, desde su niñez, becarios artísticos de la Fundación FACES, desafiando a la sociedad adultocéntrica ecuatoriana, han decidido, en este momento de sus vidas, auto identificarse como artistas. Esta investigación cualitativa abierta es una invitación para descubrir de su mano y, en los entrecruces del arte y la Antropología Visual, en primera instancia, que busca responder a la pregunta ¿qué estrategias artísticas escogen estos adolescentes para visibilizar públicamente su auto identificación como artistas, y qué significados otorgan a ser artista y a sus producciones, a la hora de establecer relaciones con otros y con la sociedad?

El enfoque que se ha adoptado para esta tesis es bastante inusual y complejo. Por un lado, este texto quiere abordar y examinar una forma de arte específico, la del libro de artista, entendiéndose como lugar de la representación y de la visión, especialmente en sus acepciones expresivas y lingüísticas. Por otro lado, esta especulación se entrelaza con las ‘intenciones’ de la representación anatómica y con sus peculiaridades analíticas que relacionan la forma con el contenido, el conocimiento con la representación gráfica y el espacio con la estructura gramatical. Algunos elementos comunes declinan las especificaciones de ambos enfoques y tratan de reconstruir una metodología de elaboración y desarrollo del pensamiento artístico que pueda conciliar en un solo “cuerpo” el aspecto creativo individual y la capacidad indagatoria de la investigación artística propiamente dicha. Tanto el libro como la práctica anatómica se toman como pretexto para hacer una especulación de análisis de la expresión artística en términos exclusivamente cualitativos. En este sentido, ha surgido una reflexión precisamente del título del Programa de Doctorado al que se refiere la investigación: Investigación en la creación artística: teoría, técnicas y restauración. Los elementos cuestionados se atraviesan y declinan una estructura amplia y vertebrada, que puede identificarse en el trazado de una especie de mapa del pensamiento que en este texto trata de cobrar una forma de símbolo espacial, que va más allá de la representación ortodoxa de lo visible en la superficie bidimensional de una imagen. Se ha intentado aplicar a esta investigación una actitud que existe en la didáctica de la disciplina que enseño, Anatomía Artística, que atraviesa muchas de las acepciones de la práctica académica, poniendo de manifiesto sus aspectos gramaticales y procedurales para destacar las facultades de análisis teórico, interpretación técnica y representación creativa de la imagen que posee esta metodología de enfoque de la forma. Es decir, el procedimiento anatómico posee propiedades de investigación de lo real que, en realidad, hacen de él una estructura portante esencial para examinar el enfoque del proceso creativo, incluso cuando se violan conscientemente sus reglas en virtud de una necesidad expresiva., Tesis Univ. Granada. Departamento de Dibujo

Ya en el título de esta introducción observamos dos características claves de la vanguardia y de la investigación que nos ocupa. Este desconcierto, acompañado de tintes irónicos, no tiene como finalidad actuar en contra del espectador, sino más bien crear un aura de ocurrencias, preguntas, respuestas, sonrisas, juegos y habilidades que ayuden a un acercamiento del concepto de la obra con el público al que va dirigida. Esto ha rondado permanentemente en el presente trabajo y en mi obra, quizá, al leer esta tesis me descubro a mí mismo y a todos los artistas que he y sigo admirando. Se podría ver como un acto de autoafirmación, pero yo lo veo más, si se me permite, como un sueño recurrente. Este ha sido el motor que impulsado todo este trabajo. Lo que pretendemos contar no es únicamente el valor formal de la obra, sino también el procedimiento intelectual que desencadena la pieza en la mente del espectador, que aunque no necesariamente debe ser entendido del tema, debe poseer un grado de sensibilidad óptimo que le ayude a convertirse en parte misma de la pieza y de la experiencia del artista al desarrollarla. Todo es como un enigma. Como una adivinanza. O quizá también como un test dirigido al público. Repetiré más de una vez que el artista no tiene respuestas, sólo preguntas. Es útil observar de que manera los niños inventan los juegos, ese modo de aprendizaje se destaca en el presente trabajo. Es un intento de impulsar humildemente un nuevo modo de entendimiento, y la pretensión de renunciar a los modelos obsoletos que pueblan al mundo, dándole un sentido. He trabajado para destruir los modelos lógicos en un pensamiento capaz de autodefinirse y plantear nuevas realidades., Tesis Univ. Granada. Programa Oficial de Doctorado en: Historia y Artes

Desde la asimilación y asociación de las distintas imágenes que nos llegan a partir de configuraciones cosmológicas y cosmogónicas, extraemos una imagen conjunta que representa el proceso creativo del Universo en cada una de sus etapas. Se trata de encontrar un centro de confluencia desde el que se evidencie la unión entre lo macro y lo micro, para llegar a una esencia creativa inmanente a todas las escalas y, por tanto, también condición de los procesos artísticos. Observamos que el proceso creativo del Universo, dividido en tres fases durante el desarrollo de la tesis, es similar a otros procesos psicológicos, biológicos y físicos semejantes a los que participan de la creación plástica y visual. La mirada aparece como fenómeno perceptivo desde el cual se desarrolla un proceso paralelo. La posición de la mirada media en el paso de lo inconsciente a lo consciente, permitiendo la autoconsciencia y la materialización de imágenes a partir de las sensaciones experimentadas por el ojo. Las imágenes son tomadas como guía durante el desarrollo de esta investigación, simbolizando cada una de las etapas de este proceso y los tránsitos que se producen entre ellas. Finalmente, con ellas se deduce una metodología de inmersión en un centro, esencia de la creación y punto de confluencia para los procesos de emergencia a distintas escalas. Ese centro que se articula, para la persona que crea, es un espacio de experiencia desde lo sensible inherente al cuerpo físico. La experiencia artística acontece integrada en la totalidad, es intensa y amorosa, es una búsqueda de continuidad en lo otro. Al entender la creación desde una perspectiva ampliada, descubrimos la experiencia artística como un proceso de toma de conciencia a distintos niveles y a la persona que crea como figura enamorada. Con esto, concluimos que “hacer es hacerse” pero también es “hacer el mundo” y “estar en el mundo”, lo cual nos carga de responsabilidad., Tesis Univ. Granada. Programa Oficial de Doctorado en: Investigación en la Creación Artística: Teoría, Técnicas y Restauración

Este trabajo se presenta como complemento al aula de educación infantil de 5 años, pretendiendo dar un nuevo enfoque a la transmisión y aprendizaje de nuevos conocimientos. Una educación basada en la manipulación y expresión artística, mediante la cual lograr captar el interés y la motivación del niño hacia los centros de interés y temas cotidianos trabajados en el aula. La primera parte se centra en dar un recorrido a lo largo de la historia del arte para luego enlazarlo con la importancia de el arte en la educación. Después se muestra la metodología y la propuesta de intervención. This work is presented as a complement to the classroom of early childhood education for 5 years, trying to give a new approach to the transmission and learning of new knowledge. An education based on artistic manipulation and expression, through which to capture the interest and motivation of the child towards the centers of interest and daily issues worked in the classroom. The first part focuses on a journey through the history of art and then link it with the importance of art in education. Then the methodology and the intervention proposal are shown.

Fundada en 1979, AIDA tenía como objetivo denunciar a través de acciones creativas la censura y la violencia sufridas por artistas en cualquier parte del mundo. Iniciada en Francia, esta asociación se extendió rápidamente por Holanda, Alemania, Bélgica, Suiza y Estados Unidos. El presente artículo intenta analizar la manera en la que AIDA actuó en la esfera pública transnacional para ejercer presión respecto a las violaciones de los Derechos Humanos de las dictaduras latinoamericanas, estudiando en particular su “campaña por los cien artistas argentinos desaparecidos”. Potenciada por la presencia de exiliados argentinos en el comité ejecutivo de la asociación de París, dicha campaña consistió en una serie de manifestaciones de solidaridad en distintas ciudades que incluyó marchas, conciertos, elaboración de pinturas y postales, así como un libro sobre la represión cultural publicado en París y, poco después, en Madrid. A partir de documentos escritos, visuales y audiovisuales, prensa y entrevistas, este artículo procura reponer esas experiencias de manera de reflexionar sobre la creación como forma de resistencia y de acción contra el autoritarismo en el mundo. Founded in 1979, AIDA aimed to denounce, through creative actions, censorship and violence suffered by artists all over the world. Created in France, this association reached Holland, Germany, Belgium, Switzerland and the United States of America. This paper aims to analyze how this association acted in the transnational public sphere to put pressure on Latin American regimes in relation with Human Rights violations. This work will specially study AIDA’s “campaign for the 100 argentine artists disappeared”. Boosted by the presence of some Argentine exiles in the executive committee in Paris, this campaign included different solidarity demonstrations in different cities, concerts, paintings and postcards, as well as a book on cultural repression published in Paris and, shortly after, in Madrid. Based on written, visual and audiovisual documents, press and interviews, this article seeks to reconstruct these experiences in order to reflect on creation as a form of resistance and action against authoritarianism in the world. Fil: Cristiá, Moira Inés. Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas; Argentina. Universidad de Buenos Aires. Facultad de Ciencias Sociales. Instituto de Investigaciones "Gino Germani"; Argentina

Este ensayo describe el trabajo en el archivo de Héctor «Rayo» Puppo, con el material guardado por el artista del período comprendido entre 1956 y 1987 (etapa previa al surgimiento del grupo Escombros). El archivo incluye catálogos, folletos, artículos, fotografías, fotogramas, diapositivas, negativos, bocetos, gráfica y objetos, entre otros materiales. Se intentará, pues, reflexionar sobre la noción de archivo y la tarea del archivista., This essay describes the work in Héctor «Rayo» Puppo’s archive, with the material kept by the artist from the period 1956-1987 (before the emergence of Escombros group). The archive includes catalogs, brochures, press articles, photographs, photograms, slides, negatives, sketches and objects, among other materials. It is thus suggested a reflection upon the task of the archivist and on the notion of archiving., Facultad de Bellas Artes

Luego de haber trabajado muchos años con el archivo del grupo, entrevistarlos, asistir y participar en sus convocatorias, además de entablar una amistad con alguno de ellos, en este ensayo propongo una semblanza para los lectores y los consultores del archivo de Escombros, artistas de lo que queda., After having worked for many years with the archive of the group, interviewing them, attending and participating in their convocations and besides starting a friendship with one of them, in this essay I propose a semblance for the readers and consultants of the archive of Escombros, artistas de lo que queda., Facultad de Bellas Artes

En octubre de 1979, un grupo de artistas e intelectuales franceses y extranjeros encabezados por la directora de teatro Ariane Mnouchkine crearon AIDA (Association internationale de défense des artistes victimes de la répression dans le monde), con el objetivo de denunciar la censura y las violaciones de Derechos Humanos de artistas en distintos países. La asociación proponía acciones creativas, de manera de ejercer presión internacional sobre los regímenes victimarios. Fundada en París, AIDA se desplegó por varias ciudades francesas, por otros países europeos y en Estados Unidos, empleando las redes de contactos de los miembros para articular acciones. El caso de la represión de la dictadura argentina mereció una importante campaña de repudio, potenciada por la presencia de algunos exiliados argentinos en el comité ejecutivo de la asociación. Bajo el título “Cien artistas argentinos desaparecidos” se coordinaron una serie de manifestaciones de solidaridad en distintas ciudades que incluyeron marchas, elaboración de pinturas y postales, así como de un libro sobre la represión cultural en Argentina publicado en París y, poco después, en Madrid. La mayor manifestación de AIDA de esta campaña, una particular marcha realizada en París el 14 de noviembre de 1981, fue filmada, entre otros, por el cineasta argentino Fernando Solanas, miembro activo de la asociación. La experiencia del exilio, y de la AIDA en particular, aparecen como materia prima de su film de ficción El Exilio de Gardel (1985), así como las imágenes capturadas en aquella jornada son incorporadas a las rodadas para el film. Sustentado en archivos poco explorados (documentos escritos y visuales, correspondencia), prensa y entrevistas, este artículo intentará delinear la acción realizada por AIDA y analizar la manera en la que Fernando Solanas construyó su obra reelaborando la memoria de su experiencia en la asociación. El estudio de esta película permitirá colaborar, a partir de un análisis empírico, a la reflexión y teorización sobre la función de la creación como espacio de resistencia, de acción en la esfera pública transnacional y de memoria de experiencias vitalespersonales y colectivas. In October 1979, a group of French and foreign artists and intellectuals headed by theater director Ariane Mnouchkine created AIDA (Association Internationale de défense des artistes victimes de la répression dans le monde), with the aim of denouncing censorship and violations of Human Rights of artists in different countries. The Association proposed creative actions, in order to exert international pressure on the victimization regimes. Founded in Paris, AIDA was deployed in several french cities, in other european countries and in the United States, using member networks to articulate actions. The case of the repression of the Argentine dictatorship deserved an important campaign of repudiation, boosted by the presence of some argentine exiles in the executive committee of the association. Under the title One hundred argentine artists who disappeared, a series of demonstrations of solidarity were coordinated in different cities, including marches, paintings and postcards, as well as a book on cultural repression in Argentina published in Paris, and shortly afterwards in Madrid. The biggest manifestation of AIDA of this campaign, a particular march in Paris on November 14, 1981, was filmed, among others, by argentine filmmaker Fernando Solanas, an active member of the Association. The experience of exile, and of AIDA in particular, appear as raw material of his fiction film The Exile of Gardel (El Exilio de Gardel, 1985), as well as the images captured on that day are incorporated into the film. Based on little explored archives (written and visual documents, correspondence), press and interviews, this article will try to outline the action taken by AIDA and analyze the way in which Fernando Solanas built his work reelaborating the memory of his experience in the Association. The study of this film will allow to collaborate, from an empirical analysis, to the reflection and theorization on the function of creation as a space of resistance, of action in the transnational public sphere and of memory of personal and collective life experiences. Em outubro de 1979, um grupo de artistas e intelectuais franceses e estrangeiros encabeçados pela diretora de teatro Ariane Mnouchkine criaram AIDA (Association internationale de défense des artistes victimes de la répression dans le monde), com o objetivo de denunciar a censura e as violações aos Direitos Humanos de artistas em diferentes países. A associação proponha ações criativas, de modo de exercer pressão internacional sobre os regímenes homicidas. Fundada em Paris, AIDA se expandiu a outras cidades francesas, a outros países europeus e aos Estados Unidos, usando as redes de contatos dos membros para articular ações. O caso da repressão da ditadura argentina mereceu uma importante campanha de repudio, potenciada pela presencia de alguns exiliados argentinos no comité executivo da associação. Com o título “Cem artistas argentinos desaparecidos” se coordenaram manifestações de solidariedade em diferentes cidades que incluíram marchas, elaboração de pinturas e postais, como também de um livro sobre a repressão cultural na Argentina publicado em Paris, e pouco tempo depois em Madri. A maior manifestação de AIDA desta campanha, uma particular marcha feita em Paris o dia 14 de novembro de 1981, foi filmada, entre outros, por Fernando Solanas, membro ativo da associação. A experiência do exílio e da AIDA em particular, aparecem como matéria prima do seu filme O exílio de Gardel (1985), assim como as imagens capturadas naquele dia são incorporadas às rodadas para o filme. Sustentado em arquivos pouco explorados (documentos escritos e visuais, correspondências), prensa e entrevistas, este artigo procurará delimitar a ação feita por AIDA e analisar o modo em que Fernando Solanas fez sua obra reelaborando a memória da sua experiência na associação. O estudo deste filme permitirá colaborar, apartir de uma análise empírica, à reflexão e teorização sobre a função da criação como espaço de resistência, de ação na esfera pública transnacional e de memória de experiências vitais pessoais e coletivas. Fil: Cristiá, Moira Inés. Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas; Argentina. Universidad de Buenos Aires. Facultad de Ciencias Sociales. Instituto de Investigaciones "Gino Germani"; Argentina

Submitted by Licínia Santos (biblioteca@fba.ul.pt) on 2018-01-25T19:47:10Z No. of bitstreams: 2 ULFBA_Gama_v5_iss10_capa.jpeg: 70884 bytes, checksum: 6f19ae0ccce34e310bd15e3d849ee588 (MD5) ULFBA_G_v5_iss10_p12-15.pdf: 78078 bytes, checksum: 9537a96717c89a8a2252df965e1f0c52 (MD5) Made available in DSpace on 2018-01-25T19:47:10Z (GMT). No. of bitstreams: 2 ULFBA_Gama_v5_iss10_capa.jpeg: 70884 bytes, checksum: 6f19ae0ccce34e310bd15e3d849ee588 (MD5) ULFBA_G_v5_iss10_p12-15.pdf: 78078 bytes, checksum: 9537a96717c89a8a2252df965e1f0c52 (MD5) Previous issue date: 2017-07 info:eu-repo/semantics/publishedVersion

p. 147-158 Desde comienzos del siglo XX, el objetivo de la vanguardia fue la ruptura con los condicionantes que limitaban la comunicación en el hecho artístico. Las tentativas de hacer fluir la comunicación entre artista y público se han basado en diversas estrategias: de la socialización de la creación a la disolución material de la obra como elemento intermedio. Gran parte del arte contemporáneo ha tratado de convertir al público en partícipe, o bien conseguir involucrar al artista en la sociedad. Una tercera salida será la de la presencia física de artista y público en un mismo lugar y mismo tiempo. SI

La presente tesis doctoral contribuye al análisis de la simbología y concepto actual de enfermedad, su repercusión en el plano artístico contemporáneo a través del trabajo de artistas enfermos, así como el vínculo que existe entre la disertación que hemos trazado y el Vitalismo Cósmico de Darío Botero Uribe. Para ello se ha construido una metodología exhaustiva y pormenorizada que permitiera analizar las distintas estrategias artísticas vitalistas, que desarrollan artistas emergentes a la hora de evidenciar, difundir y socorrer un fenómeno tan significativo como es el de la enfermedad; así como analizar el bilingüismo que acontece en el cuerpo enfermo, el síntoma y el sistema de signos y significados que el mismo contiene; reflexionar sobre el significado social de enfermedad en la actualidad construido a partir de metáforas tóxicas y valores inamovibles; por último, estudiar el impacto de la industria farmacéutica y su empoderamiento, partiendo de polémicas obras, por parte de algunos artistas del último siglo, que analizan la enfermedad como negocio, la eclosión de los medicamentos y la co-dependencia que estos generan en el enfermo. La pregunta central de la investigación gira en torno a la posibilidad de que el artista enfermo, utilizando estrategias para su creación, pueda lograr no sólo sanar sino desinfectar el concepto de enfermedad que la sociedad ha construido a partir de falsos valores y metáforas tóxicas de los que se lucra a través de la industria farmacéutica, siempre bajo el prisma del Vitalismo Cósmico., This doctoral thesis is aimed at contributing to the analysis of the symbology and concept of disease as well as its effects on contemporary art through the work of artists who endure it while delving into the connection between the dissertation here drawn and the Cosmic Vitalism of Darío Botero Uribe. In order to achieve the said objectives, a thorough methodology has been made necessary to analyze the various vitalist strategies developed by budding artists when it comes to clarifying and spreading such a meaningful phenomenon as disease, in addition to the bilingual process the diseased body undergoes, namely, the sign and meaning system within it. Not less important are the considerations about the current social significance of disease built on toxic metaphors and unmovable values. Finally, much attention has been paid to the impact of the overpowering pharmaceutical industry taking as a starting point the controversial works by some artists from last century who focused on disease as profitable business, the blooming of widespread medication and the ensuing codependent relationship with the patient. The central question in this research deals with the possibility of the diseased artist being able to not only cure, but also cleanse the concept of disease that society has built on the already mentioned fake values and toxic metaphors with the pharmaceutical industry as its lucrative agent, all from the perspective of Cosmic Vitalism., Tesis Univ. Granada. Programa Oficial de Doctorado en Lenguajes y Poéticas del Arte Contemporáneo

"In this text, you will find the research process to create an online platform for EDUCATION, PROMOTION and PUBLICATION of emerging Colombian art. This process starts with a study of the universe of art in Bogotá, the types of sales, protagonists, important terms and case studies. Continues understanding the different forms of commerce, galleries and online sales. Finishing in the proposal and development of the project, Emergency Room." -- Tomado del Formato de Documento de Grado. "En este texto encontraran el proceso de investigación para la creación de una plataforma online de EDUCACION, FOMENTACIâON y DIVULGACIâON de arte emergente colombiano. Pasa por un estudio del universo del arte en Bogotá de general a puntual, sus tipos de venta, protagonistas, términos importantes, casos de estudio. Continúa, entendiendo las diferentes formas de comercialización, galerías y estado del arte online. Terminando en la propuesta y desarrollo del proyecto Emergency Room." -- Tomado del Formato de Documento de Grado. Magíster en Diseño Maestría

El Lowbrow es un movimiento o corriente artística que surgió gracias a diferentes situaciones que se dieron en la sociedad americana del momento, concretamente en California. Culturas muy diferentes como la de los coches customizados, el hot rod, la cultura tiki, el rock and roll, los amantes del surf, los grafiteros, tatuadores, los punks, hippies o dibujantes de cómic tenían algo en común: se alejaban de las normas establecidas. Todas estas culturas tuvieron una gran influencia en el nacimiento del Lowbrow. Los nuevos artistas que surgían se nutrían de estas, de su estética, de su temática. Todas pertenecían a la cultura popular con la que ellos crecieron y maduraron. Tomaron sus imágenes para crear sus propias obras de arte, pero dándoles un toque de humor e ironía que las convertía en algo artísticamente nuevo. Y además, las usaban para realizar una crítica a la sociedad en la que les había tocado vivir, con la que no estaban de acuerdo: no les hacía feliz el entorno que les rodeaba y decidieron intentar cambiarlo para hacer un mundo más agradable procurando crear situaciones cómicas. Para el mundo de las Bellas Artes esta nueva corriente Lowbrow, también llamada Surrealismo Pop, no podía ser categorizada como arte. Les parecía que la temática se alejaba de las corrientes artísticas elitistas que predominaban especialmente en Nueva York. Pero mucha gente estaba cansada del arte abstracto y necesitaban un arte que llegara a todas las personas, que pudiera ser comprendido por todos. La primera Galería de Arte dedicada a promocionar la obra de estos nuevos artistas nació en California, La Luz de Jesus, y fue una iniciativa muy atrevida; en sus paredes colgaban todo tipo de pinturas y objetos de los artistas pioneros del Lowbrow que ahora son mundialmente reconocidos. También contribuyó la primera revista dedicada a promover este nuevo arte, Juxtapoz. Ambos, La Luz de Jesus y Juxtapoz, fue fundamentales en el comienzo de todos estos artistas y aún hoy en día siguen siendo una galería y una revista de referencia., Tesis Univ. Granada. Programa Oficial de Doctorado en: Arte

El análisis de las causas de la concentración de los artistas en las grandes ciudades ha ido ganando centralidad en los ámbitos académicos en la medida en que se ha destacado su importancia para la economía de las industrias creativas. Los estudios sobre este fenómeno generalmente se basan en las teorías de la clusterización económica, las cuales sólo toman en consideración los factores infraestructurales de localización. A pesar de que de forma creciente se ha criticado este enfoque y se ha reivindicado la importancia de considerar las interacciones sociales, las contribuciones de la sociología de las profesiones artísticas o de la sociología urbana han sido en gran medida ignoradas. Retomando los resultados de estas perspectivas sociológicas el artículo propondrá construir un enfoque más pluridimensional y más crítico respecto al fenómeno de la aglomeración artística, como un fenómeno funcional en la economía postfordista.

Como as pessoas fazem ou criam coisas que passam a ser vistas como obras de arte? Em outras palavras, quando ha artificacao? A resposta a essa pergunta e, ao mesmo tempo, simbolica, material e contextual. Tem a ver com significados, objetos, interacao e instituicoes. Nao procuramos definir o que e arte ou como ela deve ser considerada, mas como e sob quais circunstâncias ela ocorre por meio de observacao metodica e pesquisa em diversos campos. Acrobatas de circos, dancarinos de breakdance, estilistas, chefes de cozinha, grafiteiros, tipografos, fotografos e musicos de jazz sao alguns dos exemplos que exploramos. Essa perspectiva pragmatica e empirica permite que possamos apresentar uma tipologia das formas de artificacao e examinar suas fontes, bem como as questoes de des-artificacao e os obstaculos a artificacao.

Las “Caricaturas contemporáneas” fueron una sección publicada entre 1900 y 1913 en la célebre revista ilustrada Caras y Caretas. Compuesta por una caricatura a color de página completa, en su gran mayoría realizadas por José María Cao, y una rima breve, la serie se centró en personajes famosos por su actuación pública como funcionarios, militares, hombres de ciencia, literatos, actores. Dentro de este repertorio los artistas plásticos, argentinos y extranjeros activos en el país, fueron una presencia habitual. Este artículo propone un recorrido visual por las imágenes de los distintos pintores y escultores que protagonizaron las “caricaturas contemporáneas” con el objetivo de analizar cómo estas representaciones corporizaron muchos de los tópicos asociados entonces con la práctica artística, una actividad valorada y que despertaba curiosidad en el gran público. Se examina así en qué medida estas imágenes plasmaron identidades múltiples –de clase, de género, de nacionalidad– en diálogo con los distintos modelos del ser artista. "Caricaturas contemporáneas" was the name of a section included, between 1900 and 1913, in the famous illustrated magazine Caras y Caretas. It was composed by a full page color caricature, most of them drawn by José María Cao, and a short rime. The series was centered on notorious characters known for their public action as politicians, army men, scientists, writers and actors. Among this cast, Argentinian and foreign visual artists active in the country were a common presence. This article proposes a visual analysis of the various painters and sculptors that appeared in "Caricaturas contempo- ráneas". Our objective is to consider how these representations turned visual many topics associated with the art practice, an activity that was highly praised and that aroused the curiosity of the general public. We examine how these images established multiple identities –of class, gender and nationality– in dialogue with the different artistic models. Fil: Baldasarre, Maria Isabel. Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas; Argentina. Universidad Nacional de San Martín. Instituto de Altos Estudios Sociales; Argentina

Como as pessoas fazem ou criam coisas que passam a ser vistas como obras de arte? Em outras palavras, quando há artificação? A resposta a essa pergunta é, ao mesmo tempo, simbólica, material e contextual. Tem a ver com significados, objetos, interação e instituições. Não procuramos definir o que é arte ou como ela deve ser considerada, mas como e sob quais circunstâncias ela ocorre por meio de observação metódica e pesquisa em diversos campos. Acrobatas de circos, dançarinos de breakdance, estilistas, chefes de cozinha, grafiteiros, tipógrafos, fotógrafos e músicos de jazz são alguns dos exemplos que exploramos. Essa perspectiva pragmática e empírica permite que possamos apresentar uma tipologia das formas de artificação e examinar suas fontes, bem como as questões de des-artificação e os obstáculos à artificação.

Este trabajo de investigación surge de una elección: la del acto de pintar. De las dudas en el comportamiento que esta actitud implica en la actualidad cuando parece que pintar se convierte en una actividad precaria y minoritaria dentro del ambiente que se vive en el campo de las artes plásticas. La necesidad de viajar y de conocer culturas diferentes a la nuestra la he podido llevar a cabo plenamente los últimos seis años, primero gracias a una beca con la Facultad de Bellas Artes de Damasco que me permitió vivir en Siria y Líbano entre los años 2008 y 2010. Lo que comenzó como un viaje apasionante por estos países y sus fronteras buscando un ideal que ya no podía encontrar, aprendiendo y comprobando sobre el terreno de qué manera las autopistas de la comunicación acercan hoy la globalización a lugares recónditos, cuando hace apenas unos años resultaba impensable. Las antenas parabólicas presiden las plazas públicas de las aldeas ofreciendo una información alterada que genera en esas gentes paraísos inexistentes. Después el propósito de este trabajo de investigación quedó relegado a la necesidad de afrontar lo transcurrido en Siria a partir del año 2010, la barbarie, la guerra y todo lo que tiene que ver con el sentimiento de pérdida., Tesis Univ. Granada. Departamento de Pintura

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Ciências da Educação, Programa de Pós-Graduação em Educação, Florianópolis, 2016. Cartografias Afetivas busca, a partir de uma proposição aberta, criar cartografias diversas. A proposta tem o intuito de potencializar afetos e provocar encontros em um processo que se amplia constantemente e que não finda com esta tese. Nesse sentido, cabe observar os modos de atravessamento entre as cartografias que operam por intensidades em diversas teias que tecem e se destecem com a vida. O que conecta uma cartografia à outra é a experiência da afetividade em jogo. O afeto como atravessamento no sentido dado à palavra por Deleuze , como aquilo que nos move, que aumenta nossas potências de agir, e que faz do encontro acontecimento, experiência que proporciona a expansão de todos os corpos dentro dessa relação. Nessas interações, a pesquisa propõe pensar as relações entre educação, arte e vida, apontando reflexões acerca do professor-artista-cartógrafo-etc como um autorretrato poroso, informe, que borra suas formas nos percursos que se desenham na contemporaneidade através de dobras, lógicas de contágios, de rizomas, produzindo rastros, brechas, frestas, fissuras, deslizamentos, trazendo à tona aquilo que nos faz ser o que provisoriamente somos. Uma pesquisa que está em constante conexão com o espaço/arte/tempo/vida/movimentos/transformação. Abstract : Affective Cartography aims to create multiple mappings through open propositions. The research aims at enhancing affects and provoking encounters in a process that constantly expands and does not end with this thesis. In this sense, it is worth noting crossings between cartographies operating by intensities in different webs which weave and unwave with life. What connects one cartography to another is the experience of affectivity which is at stake. Affection as crossing - in the sense given to the word by Deleuze - for what moves us, which increases our powers to act, and that turns an encounter into a happening, an experience that provides the expansion of all bodies within this relationship. In these interactions, the research intends to think the relationship between education, art and life, reflecting the cartographer-teacher-artist etc. as a porous self-portrait, shapeless, which blurs its boundaries in the paths that are delineated in contemporary art practice through folds, logic of contagions, rhizomes, producing tracks, cracks, crevices, cracks, slidings, bringing out what makes us who we provisionally are. This research is in constant connection with the space / art / time / life / movement / transformation.

Las tumbas de los miembros de la élite tebana ramésida, ricamente decoradas, muestran la existencia de artistas cualificados, pintores y escultores, con el mismo grado de especialización que los trabajadores de Deir el-Medina. El presente artículo pretende presentar un proyecto de investigación que comenzó basándose en los artistas reales y que ha pasado a buscar indicios de aquellos artistas tebanos que permanecían activos a comienzos de la dinastía XIX y contemporáneos a Deir el-Medina, The funerary monuments of ramesside Theban officials, richly decorated, show the existence of qualified artists, draftsmen and sculptors as highly-trained as the royal workers of Deir el-Medina. This article aims to present a research project that began based on the royal artists and has gone to look for evidences of those Theban artists who remained active in the early XIXth dynasty and contemporary at Deir el-Medina

Con autorización de la editorial para este capítulo., Introducción y justificación acerca del pequeño volumen colectivo publicado con ocasión de la celebración, en el espacio del Real Jardín Botánico, de la Noche Europea de los Investigadores, Madrid-2016. Se comenta la ocasión, la estrecha relación existente entre el arte y la ciencia y los textos, firmados por varios especialistas, que parten del espacio emblemático y referente del Jardín Botánico para plantear y ahondar en las sugerentes relaciones, intercambios y colaboraciones entre la naturaleza y el arte, entre el arte y la ciencia que, con su creación en el siglo XVIII, comenzaron a cobrar impulso., Programa Marco de Investigación e Innovación Horizonte 2020, bajo las Acciones Marie Sklodowska-Curie de la Comisión Europea, DG-EAC. Comisión Europea bajo el acuerdo de subvención número 721631. Proyecto I+D+i: 50 años de arte en el Siglo de Plata español (1931-1981) (P. E. MINECO ref. HAR2014-53871-P). Proyecto I+D+i: Ciencia y espectáculo de la naturaleza (P.E. MINECO ref. HAR2013-48065-C2-2-P). I.P.: Miguel Ángel Puig-Samper Mulero.

La investigación aborda el tema del autorretrato desde una perspectiva abierta, el autorretrato como la creación de una obra, ya sea fotografía, pintura, dibujo o escultura, en la que el artista representa su propia imagen, y también el autorretrato simbólico o metafórico que proviene del diario íntimo, y a través del cual el artista intenta ordenar sus emociones. Por lo que la investigación considera que el autorretrato no será sólo la representación física del artista, sino cualquier proyección de los conflictos internos que el artista representa en su obra, como la otredad o el doble, retomando el origen etimológico; volver a sacar, revivir el yo, proyectar algo nuevo, elaborado desde dentro., Tesis Univ. Granada. Departamento de Dibujo

Desde la asimilación y asociación de las distintas imágenes que nos llegan a partir de configuraciones cosmológicas y cosmogónicas, extraemos una imagen conjunta que representa el proceso creativo del Universo en cada una de sus etapas. Se trata de encontrar un centro de confluencia desde el que se evidencie la unión entre lo macro y lo micro, para llegar a una esencia creativa inmanente a todas las escalas y, por tanto, también condición de los procesos artísticos. Observamos que el proceso creativo del Universo, dividido en tres fases durante el desarrollo de la tesis, es similar a otros procesos psicológicos, biológicos y físicos semejantes a los que participan de la creación plástica y visual. La mirada aparece como fenómeno perceptivo desde el cual se desarrolla un proceso paralelo. La posición de la mirada media en el paso de lo inconsciente a lo consciente, permitiendo la autoconsciencia y la materialización de imágenes a partir de las sensaciones experimentadas por el ojo. Las imágenes son tomadas como guía durante el desarrollo de esta investigación, simbolizando cada una de las etapas de este proceso y los tránsitos que se producen entre ellas. Finalmente, con ellas se deduce una metodología de inmersión en un centro, esencia de la creación y punto de confluencia para los procesos de emergencia a distintas escalas. Ese centro que se articula, para la persona que crea, es un espacio de experiencia desde lo sensible inherente al cuerpo físico. La experiencia artística acontece integrada en la totalidad, es intensa y amorosa, es una búsqueda de continuidad en lo otro. Al entender la creación desde una perspectiva ampliada, descubrimos la experiencia artística como un proceso de toma de conciencia a distintos niveles y a la persona que crea como figura enamorada. Con esto, concluimos que “hacer es hacerse” pero también es “hacer el mundo” y “estar en el mundo”, lo cual nos carga de responsabilidad., Tesis Univ. Granada. Programa Oficial de Doctorado en: Investigación en la Creación Artística: Teoría, Técnicas y Restauración

Esta tesis desarrolla el Sumakruray como un concepto clave para definir y analizar la función que tiene el arte para el pueblo Kichwa – Otavalo. Esta propuesta nace de un colectivo de artistas denominado Sumakruray que cuestiona el uso de términos como folclor, artesanía, popular, naif, que han sido utilizados por Occidente para denominar las prácticas artísticas de los pueblos indígenas, y establece relaciones de poder y dominación porque ubican al arte indígena en un lugar subalterno. A partir de un debate y consenso colectivo, planteamos la palabra Sumakruray como una estrategia para interpelar el arte como una categoría conceptual que debe regir a todas las propuestas artísticas. Para comprender la agencia del arte kichwa en la actualidad es fundamental poner en escena su dimensión histórica y política. El surgimiento de propuestas como el Sumakruray son el resultado de esa agencia que ha tenido el arte de los pueblos indígenas en diferentes momentos de nuestra historia. Los pueblos indígenas han expresado una estética íntimamente entretejida con su praxis cultural, simbólica y a su dinámica comunitaria. El sumakruray recoge esa visión de la estética y, a partir de ellas, determina la funcionalidad y modos de circulación y producción del arte kichwa. Plantea que la producción artística está íntimamente entretejida con la cultura, lo simbólico y comunitario. El Sumakruray no busca aislar el arte indígena del arte occidental; es un proceso que responde a una historia, a una realidad en la cual es necesario pensar el arte indígena, teorizarlo para definir su funcionalidad, su historia y sus propuestas. Su enfoque es desde una visión incluyente que no desconoce los aportes y la riqueza creativa de las propuestas artísticas de occidente; sí apela por una visión integral de construcción y aprendizaje conjunto que no deslegitime a esos otros modos de hacer y crear que toma como base la interculturalidad.

Esta investigación se configura con la intención de proponer mejoras en las condiciones del sector artístico. Un hilo narrativo planteado que permita analizar, sistematizar y redactar la construcción de un relato como conjunto de instrumentos que guíen en la generación de una residencia de artistas o en la estructuración de proyectos parecidos. Poder trazar un mapa útil que posibilite a las personas interesadas experimentar procesos de este tipo, un recurso didáctico para todos aquellos usuarios que se encuentren interesados por la temática de las residencias de artistas y/o quieran llevar a cabo prácticas similares., Tesis Univ. Granada. Programa Oficial de Doctorado en: Programa Oficial de Doctorado en Arte

Este artículo se presenta como un esfuerzo por estudiar las firmas de artistas contenidas en 20 monumentos públicos mayas del periodo Clasico Tardío. Por medio de un análisis histórico y epigráfico se examinan las representaciones artísticas de las esculturas, su temporalidad y los títulos presentes en las firmas de los tallistas. Esto con el objeto de entender el papel que el escultor maya desempeñó en la creación de una obra determinada, para conocer, en la medida de lo posible, la libertad que dicho escultor tuvo en la creación personal de las imágenes que ilustran el registro escrito. También se menciona la identidad personal de los escultores, su conciencia de clase, así como en la formación técnica de cada uno de ellos. Este artículo demuestra que los escultores mayas que firmaron sus creaciones artísticas fueron los autores intelectuales y materiales de la imagen contenida en los monumentos.