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La recuperación del retablo de San Cristóbal Mártir conservado en la antesacristía de la Catedral de Orihuela y su estudio histórico- artístico y patrimonial ha permitido conocer con detalle su origen y funcionalidad en el templo catedralicio, así como las distintas modificaciones históricas que ha sufrido. La obra está compuesta por un lienzo datado en el siglo XVII en donde se muestra a San Cristóbal y arrodillado a sus pies el sacerdote Cristóbal Ripoll, beneficiado de la Catedral de Orihuela y capellán real. La pintura se ornamenta con decoración Rococó en los laterales y un escudo nobiliario en su coronamiento perteneciente a la familia Timor, quien desde 1760 tuvo su sepultura en el altar donde se ubicaba el lienzo. En la parte inferior se añadió en el siglo XVIII la predela de un antiguo retablo con las advocaciones de santos y mártires vinculados a la identidad religiosa de la Corona de Aragón. The recovery of the altarpiece of San Cristobal Martir, preserved in the ante-sacristy of the Cathedral of Orihuela, and its historical-artistic and patrimonial study, has allowed to know in detail its origin and functionality in the cathedral temple, as well as the different historical modifications that it has suffered. The work is made up of a canvas dating from the 17th century, representing San Cristóbal kneeling, and at his feet the priest Cristóbal Ripoll, beneficiary of the Orihuela Cathedral and royal chaplain. The painting is adorned with Rococo decoration on the sides, and has a noble coat of arms on its crown, which belongs to the Timor family. This family had its grave since 1760, in the altar where the canvas was located. In the lower part, in the 18th century, the predella of an old altarpiece with the dedications of saints and martyrs linked to the religious identity of the Crown of Aragon was added.

El desmontaje de los sitiales altos de la catedral de Plasencia, con motivo de la restauración realizada recientemente por el Instituto del Patrimonio Cultural de España, ha permitido rescatar algunos fragmentos caídos que permanecían en una zona inaccesible. Con la recuperación de estos elementos se ha podido realizar su reintegración y reubicar el tablero con la representación del martirio de Isaías que estaba fuera de lugar y completar con ello el programa iconográfico del conjunto catedralicio., The dismantling of the high honor seats of the cathedral of Plasencia due to the restoration carried out recently by the Institute of Cultural Heritage of Spain, has made it possible to rescue some fallen fragments that remained in an inaccessible area. With the recovery of these elements, it has been possible to reintegrate them and relocate the panel with the representation of the martyrdom of Isaiah that was out of place and thereby complete the iconographic program of the cathedral complex.

espanolEn este articulo se analiza la iconografia de una pieza hallada en la excavacion de Magdala (Migdal, Galilea, Israel). Esta realizada en piedra y cuenta con el dibujo de una Victoria alada sobre una biga, con el latigo al viento para iniciar la marcha, una tipologia de escena con gran trascendencia en la Historia del Arte. Sobre la imagen de la Victoria se encuentra la inscripcion Nikoma(chou), que muy posiblemente hace referencia al nombre del dueno del entalle. El estilo, la iconografia de la pieza y la cronologia del contexto arqueologico remiten a una cronologia del s. I d.C. o algo posterior. Se trata de una pieza excepcional, en base a la combinacion de epigrafia e iconografia en la misma pieza, pues en este caso texto e imagen se relacionan, se complementan y se retroalimentan. Por ello el estudio iconografico del entalle es determinante para comprender el valor artistico de esta diminuta obra de arte. EnglishThis article analyses the iconography of a piece found at the Magdala excavation site (Migdal, Galilee, Israel). It is made of stone and depicts a winged Victory on a chariot, using a whip to initiate the march, a type of scene of great significance in the history of art. Above the image of the Victory is the inscription Nikoma(chou), which most likely refers to the name of the owner of the intaglio. The style, the iconography of the piece and the chronology of the archaeological context suggest a chronology of the 1st century AD or somewhat later. This is an exceptional piece, based on the combination of epigraphy and iconography on the same surface, as in this case text and image are related, and complement each other. For this reason, the iconographic study of the carving is crucial to understanding the artistic value of this tiny work of art.

Resumen Hay muchos retratos de Spinoza, pero ninguno de ellos está bien documentado, al menos suficientemente documentado como para satisfacer las exigencias del método iconográfico. Por falta de argumentos objetivos que permitan identificar a Spinoza entre tantos cuadros y grabados, tal vez podamos considerar que el “verdadero” retrato de Spinoza es el frontispicio de las Opera posthuma de 1677. Abstract Although there are many portraits of Spinoza, none is well documented, or at least sufficiently documented to satisfy the requirements of the iconographic method. Due to the lack of objective arguments that could allow us to identify Spinoza among so many paintings and etchings, we might perhaps consider that the “real” portrait of Spinoza is found on the frontispiece of 1677´s Opera posthuma.

espanolAun cuando ciertos estudios criticos han dado por sentado que con Julieta nace un Almodovar nuevo, un Almodovar menos almodovariano, la escritura del filme trabaja las mismas constantes visuales y narrativas de peliculas anteriores. El objetivo de este trabajo es la catalogacion y el estudio de esas constantes, desde el modo de formalizacion del relato y la incorporacion al mismo de nuevos intertextos, tanto escultoricos, como pictoricos y arquitectonicos, hasta la irrupcion y proliferacion de las cocinas como lugares configuradores de un mapa topografico-sentimental de la protagonista, y el trazado de singulares iconografias en torno al sexo y al rostro femenino. EnglishEven when certain critical theoreticians have claimed that Julieta opens a new Almodovar era, a less Almodovarian period, the film writing revisits the same visual and narrative themes of previous works. The aim of this paper is to study and classify those themes, from way the story is formalized and new intertexts –sculptural, pictorical, architectural– are added, to the irruption and proliferation of the kitchen as the place-origin of an emotional, topographic map of the protagonist, as well as the shaping of unique iconographies around the idea of sex and female visage.

Las investigaciones llevadas a cabo por el cabildo de Zamora en 2010 en su catedral permitieron descubrir dos sepulcros de principios del siglo XV que habían sido tapiados en el siglo XVII. Decorados con relieves y con pinturas murales, fueron recuperados y restaurados en 2011-12 y suponen una importante aportación al corpus del arte sepulcral castellano de la Baja Edad Media. El de don Lope Rodríguez de Olivares muestra un relieve de la Transfiguración, mientras que el de don Alfonso García muestra una pintura mural de la Misa de san Gregorio, notable por ser la más antigua representación de este tema documentada hasta la fecha en la Corona de Castilla., Research carried out by the chapter of Zamora in 2010 in its cathedral led to the discovery of two tombs of the early 15th century that had been walled in the 17th century. Decorated with reliefs and wall paintings, both tombs were recovered and restored in 2011-12 and are a significant addition to the corpus of Castilian sepulchral art of the Late Middle Ages. The one belonging to Lope Rodríguez de Olivares shows a relief of the Transfiguration, while the one belonging to Alfonso García shows a wall painting of the Mass of St Gregory that is the most outstanding, as it is the earliest representation of this theme recorded to this date in the Crown of Castile., Trabajo realizado en el marco del GIR IDINTAR y del Instituto Universitario de Historia Simancas de la Universidad de Valladolid. Queremos dejar constancia de nuestro agradecimiento a D. José Ángel Rivera de las Heras, Director del Museo Catedralicio de Zamora, por las facilidades dadas para el estudio de las obras y por la autorización para publicar nuestras fotografías de las mismas.

Muchas otras divisas analizadas por el grupo están disponibles en: . Preprint del artículo en inglés : The Devices of Emperor Maximilian I of Austria (http://hdl.handle.net/2183/27937) [Resumen] Maximiliano I de Austria (1459-1519), como otros nobles y caballeros de su tiempo, empleó divisas o empresas como forma de representación personal, al margen de su escudo de armas o blasón que lo identificaba como individuo miembro de una estirpe. En este artículo se analizan las divisas que, según testimonios textuales e iconográficos, sabemos que empleó el emperador a lo largo de su vida y se da una explicación del posible sentido de la combinación de las imágenes y los motes de cada divisa. [Abstract] Maximilian I of Austria (1459-1519), like other nobles and knights of his time, used decives or imprese as a form of personal representation, apart from his coat of arms or blazon that identified him as a member of a lineage. This article analyzes the devices that, according to textual and iconographic testimonies, we know that were used by the emperor throughout his life, and offers an interpretation of the meaning of the combination of images and mottoes therein. Esta publicación se ha realizado en el marco del Proyecto I+D+I Biblioteca Digital Siglo de Oro 6, con código: PID2019-105673GB-I00, financiado por el Ministerio de Ciencia e Innovación de España por el programa estatal de Generación del Conocimiento (2020-2022), y se integra en el Grupo de Investigación Hispania (G000208) de la Universidade da Coruña. https://www.bidiso.es/Symbola http://hdl.handle.net/2183/27937

This paper discusses the intense presence of Eros figures in funerary monuments from the region of Macedonia during the roman period, evolving around the perception of death, the familial bonds and social structure that these monuments reveal. Eros, depicted either leaning on or holding an inverted torch, or sleeping on a rock, when placed upon graves is perceived as Eros funéraire. The funerary connotations of Eros figures often assimilate them with Sleep, Death, and the eternal sadness of Death. Especially when used in the funerary monuments of children, these figures accentuate the parental grief for the loss of their children. On the other hand, the childlike representation of Eros symbolizes the eternal beauty of youth and the parental hope that their deceased children will continue enjoying a happy afterlife. En este trabajo se analiza la intensa presencia de figuras de Eros en monumentos funerarios de la región de Macedonia durante la época romana, mostrando la evolución en la percepción de la muerte, los vínculos familiares y la estructura social que estos monumentos revelan. Eros suele representarse apoyado o sosteniendo una antorcha invertida, o durmiendo sobre una roca; y cuando se sitúa sobre tumbas se percibe como Eros funéraire. Las connotaciones funerarias de las figuras de Eros a menudo se asimilan con el Sueño, la Muerte o la eterna tristeza de la Muerte. Especialmente cuando se utilizan en los monumentos funerarios de los niños, estas figuras acentúan el dolor de los padres por la pérdida de sus hijos. Por otro lado, la representación infantil de Eros simboliza la eterna belleza de la juventud y la esperanza de los padres de que sus hijos fallecidos sigan disfrutando de un feliz más allá.

espanolEl grupo Iconografia e Historia del Arte (IHA) de la Universitat Jaume I desarrolla desde hace veinte anos una intensa labor en la Historia del Arte y, en concreto, en es-tudios iconograficos. Uno de sus proyectos principales de los ultimos diez anos ha sido Triunfos Barrocos. Este proyecto tiene como objetivo principal localizar, clasificar, analizar y editar las manifestaciones graficas del arte festivo barroco en todos los terri-torios que formaron parte de la Monarquia Hispanica. Con esta finalidad ya han sido publicados seis volumenes dedicados a los distintos reinos de la corona espanola, mas un septimo volumen recopilatorio. EnglishThe Iconography and History of Art (IHA) Research Group, at the Universitat Jaume I, has been doing an intense work in Art History for twenty years and, in partic-ular, in iconographic studies. One of his main projects of the last ten years has been Baroque Triumphs. The main objective of this project is to locate, classify, analyze and edit the graphic manifestations of Baroque festive art in all territories that were part of the Hispanic Monarchy. For this purpose, six volumes dedicated to the different king-doms of the Spanish crown have already been published, plus a seventh compilation volume.

espanolLos habitantes de las colonias espanolas en el proceso de emancipacion y conformacion de las primeras republicas redisenaron constantemente la alegoria de America tanto en su representacion iconografica como en su concepto. Por lo cual, este texto se propone estudiar el empleo de esta por parte de la Junta Patriotica para organizar, representar y legitimar un sistema administrativo independiente en la Provincia de Cartagena entre 1805 y 1814. En el primer aparte, se explora el uso de elementos iconograficos como parte del aparato simbolico independentista en los momentos de consumacion y consolidacion del Estado de Cartagena. Esto a partir de las monedas acunadas y el sello de la primera pagina de la Constitucion. En el segundo aparte, se analiza la produccion y elaboracion de la emblematica local en el seno de los enfrentamientos entre republicanos y realistas durante 1811 y 1814. Teniendo presente que,la representacion institucional a partir de la imagen indigena un fue un elemento de disputa. Todo lo anterior, se desarrolla a partir de la consulta de documentos constitucionales, filatelicos e imagenes de las alegorias, en su mayoria grabados y dibujos, que reposan en libros y mapas. EnglishThe inhabitants of the Spanish colonies in the process of emancipation and conformation of the first republics constantly redesigned the allegory of America both in its iconographic representation and in its concept. Therefore, this text proposes to study the use of this allegory by the Junta Patriotica (Patriotic Assembly) to organize, represent and legitimize an independent administrative system in the Province of Cartagena between 1805 and 1814. In the first part, we explore the use of iconographic elements as part of the independence symbolic apparatus in the moments of consummation and consolidation of the State of Cartagena. This is based on the minted coins and the seal of the first page of the Constitution. In the second part, the production and elaboration of the local emblematic in the midst of the confrontations between republicans and royalists during 1811 and 1814 is analyzed. Bearing in mind that the institutional representation based on the indigenous image was an element of dispute. All of the aforementioned is developed from the consultation of constitutional and philatelic documents and images of allegories, mostly engravings and drawings, which are found in books and maps.

The Real Fábrica de Sargadelos (Cervo-Lugo), one of the most relevant ceramic centres in the industrial panorama of the 19th century in Spain, introduced on its third stage (1845-1862) a new decorative serie whose main goal was reproducing, with stamping technique, different scenes of Don Quixote. The serie was considered by many as one of the most interesting of its production and used as an iconography model the drawings that the English painter and illustrator John Gilbert (1817-1897) made for a London edition of the novel published by Charles Daly in 1842. As an example of this variant, a number of pieces, which does not exceed ninety, are kept by private collections and public institutions, among which the Museo de Pontevedra stands out for its ten copies., La Real Fábrica de Sargadelos (Cervo-Lugo), uno de los centros cerámicos de referencia en el panorama industrial del siglo XIX en España, introdujo en su tercera etapa (1845-1862) una nueva serie decorativa en la que el motivo principal reproducía, mediante la técnica de estampación, distintas escenas del Quijote. Considerada por muchos como una de las más interesantes de su producción, utilizaron como modelo iconográfico para su elaboración los dibujos que el pintor e ilustrador inglés John Gilbert (1817-1897) realizó para una edición londinense de la novela publicada por Charles Daly en 1842. Como ejemplo de esta variante se conservan en la actualidad un número de piezas que no supera las noventa entre colecciones particulares e instituciones públicas, destacando en el segundo caso el Museo de Pontevedra con diez ejemplares.

En el presente artículo se presenta una revisión de las distintas imágenes con las que se relaciona al actor áureo Cosme Pérez y a su máscara más conocida, Juan Rana. Iniciamos el trabajo con un análisis iconográfico e histórico de su representación más conocida, la de la RAE, y de un cuadro por Gaspar de Crayer en el que se representa la misma figura. Asimismo, efectuamos una disección teatral de una puesta en escena contemporánea en la que aparece por la compañía Ron Lalá. Finalmente, mencionamos una segunda serie, la que aparece en Fortunas de Andrómeda y Perseo de Calderón y realizamos un análisis caligráfico de esta atribución. La conclusión es que no podemos tener certezas de que ninguna de esta estas semblanzas sea, en realidad, la de la máscara Juan Rana y mucho menos la del actor Cosme Pérez.

The geometrical structures within the paintings of traditional byzantine icons bring not only a formal logic, but also a symbology that corresponds to the piece's theology. These structures are responsible for the entirety's harmony and balance. In a comparative analysis between the Hole Trinity paintings by Andrej Rublev (1360-1430) and Claudio Pastro (1948-2016), two relevant artists to the oriental and occidental sacred art's history, respectively, it is possible to verify the importance of this geometrical aspect as a base to the piece's composition and great support to the theme's theological comprehension. From a dialogue with theologians from the XXI and XX centuries, it is possible to verify the human language's insufficiency to transmit the Holy Trinity's mystery in images. Artists from distinct periods painted as to portray the complexity within the theme which is marked in great theologians' literature. With this background in mind, it is possible to observe in the iconographic and iconological analysis of Rublev's and Pastro's paintings how Trinity's representation by these two artists is based on the tradition and mystery of the Orthodoxal and Catholic Churches. The structural and geometrical analysis does not intend to reduce the theme to lines or bi-dimensional figures, but the opposite. It intends to show that these structures have a reason and help in the theological comprehension and description of the piece.

El vareo es una de las fases de la recolección de bellotas, frutos usados como alimento básico o como complemento de la dieta humana desde época prehistórica. Consiste en sacudir las ramas de la encina, u otras especies del género Quercus, sirviéndose de una vara de madera larga y flexible. De esta herramienta no existen hasta el momento evidencias en el registro arqueológico debido a los materiales perecederos utilizados en su fabricación. Esta ausencia puede ser suplida con la información derivada tanto del estudio de la iconografía prehistórica e histórica como del registro etnográfico actual. En este artículo se analizan diversos ejemplos que van desde el Neolítico hasta la actualidad, que demuestran la pervivencia de esta milenaria práctica usada por las sociedades rurales de la Europa mediterránea. The knocking down is one of the stages of acorn harvesting, used as a supplement to human diet from prehistoric times. It consists in shaking tree branches with the help of a long and flexible wooden pole. Due to both the use of perishable materials, there is no evidence for this tool in the archaeological record. The lack of archaeological evidence for this practice can be compensated for with information derived both from the study of certain prehistoric art scenes and from the ethnographic record. Thus, the article analyses various examples, from Neolithic to current times, which show the endurance of this millenary practice, typical of agricultural societies in Mediterranean Europe.&nbsp

espanolEn el marco de la Mision Argentina en Luxor, se llevo a cabo una nueva documentacion fotografica y digitalizacion de la iconografia de la tumba tebana TT49 perteneciente a Neferhotep, quien fuera funcionario bajo el reinado de Ay. En la campana de 2018 la documentacion de epigrafia se focalizo en los cuatro pilares de la capilla funeraria del monumento y se tomaron nuevas fotografias para actualizar el material disponible y proceder a su dibujo digital. Se considera que el analisis de los dibujos digitales y observaciones realizadas durante el proceso de copiado contribuyen al estudio de las especificidades de la tumba. El objetivo del presente trabajo es presentar el proceso de digitalizacion y las estrategias adoptadas para mejorar los dibujos a fin de contribuir al corpus documental y estilistico post-amarniano. EnglishAs part of the tasks of the of the Argentine Mission in Luxor, new photographic documentation and digitalization of the iconography of the Theban tomb TT49, belonging to Neferhotep, was carried out. He was an officer under Ay’s reign. During the 2018 fieldwork, the epigraphic documentation focused on the four pillars of the funerary chapel. The team took new pictures to update the available photographic material and to work on their digital drawings. The analysis of digital drawings and observations made during the copy process contributes to the study of the tomb´s specificities. The aim of this paper is to present the digitalization process and the strategies used to improve the drawings in order to contribute to the post-amarnian documentary and stylistic corpus.

La iglesia de la Compañía de Jesús de Granada constituye uno de los ejemplos capitales del barroco andaluz gracias a sus particularidades artísticas y estilísticas. Sin embargo, la excesiva focalización hacia determinados elementos singulares de la misma por parte de la historiografía motiva una necesaria relectura de otros mucho más desconocidos. Por ello, el presente artículo ofrece un novedoso análisis iconográfico e iconológico de la bóveda de la sacristía (1617-1620), mediante el cual podemos acercarnos a la implantación de la doctrina jesuítica en la Granada de los inicios del siglo XVII.

espanolDurante el Reino Antiguo, podemos encontrar numerosos ejemplos de mujeres que de forma individual eran propietarias de una tumba o de una capilla individual, constituyendo el centro de un programa iconografico y textual. De esta forma, se puede presuponer que esas mujeres de la elite tuvieron cierto poder social vinculado con su estatus, asi como una potencialidad de ostentacion a priori autonoma; dos elementos que, en la cultura egipcia, se relacionaban principalmente con valores masculinos. Es cierto que varias escenas fueron integradas directamente, sin cambio alguno, en esas tumbas donde la figura principal era femenina, pero se necesitaban a veces adaptaciones, lo que demuestra especificidades de genero segun el tipo de actividad representado. El objetivo de este articulo consistira en examinar estas cualidades de genero a traves de la iconografia, especialmente en las escenas en los pantanos, y en cuestionar la dicotomia entre accion/ masculino e inaccion/femenino EnglishDuring the Old Kingdom, we can observe numerous instances of female tomb owners, who constituted the center of the iconographic and textual program of tombs and individual chapels. Thus, these women from the elite may have had some social power related to their status, as well as an autonomous capacity of ostentation, both elements that were linked to male qualities. Although various scenes were directly integrated, without any change, in those tombs where the major figure was a feminine one, some adaptations were sometimes needed, proving that gender specificities influenced the type of activity depicted. Indeed, the aim of this paper will be to analyze these gender qualities on the basis of the iconography, and especially through the “marsh scenes”, as well as to question the dichotomy between action/masculine and inaction/ feminine.

El Museo Franz Mayer de la Ciudad de México al-berga en su colección un par de esculturas de santas mártires fechadas en el siglo XVIII, obras que des-tacan tanto por sus características formales y orna-mentales, como por la singularidad iconográfica que muestra una de ellas. Dichos elementos motivaron el interés para realizar su análisis a partir de dos aproxi-maciones: la primera, en lo concerniente a la calidad de la policromía y la caracterización de los motivos presentes en la indumentaria de las santas, y la se-gunda, en lo relativo a la identificación de una de ellas como la mártir Lucía de Siracusa. El objetivo es llamar la atención a este par de tallas, ejemplos de la producción escultórica novohispana, tanto por la lectura que implica su iconografía, como por el despliegue de los múltiples recursos que el artífice anónimo utilizó para la correcta representación de ricos tejidos y textiles., The Franz Mayer Museum in Mexico City is home to a pair of sculptures representing holy martyrs that date back to the 18th century. The works stand out due to their formal and ornamental characteristics, and the uniqueness of the iconography depicted in one of them. This led to the interest in studying these pieces from two different approaches: first, the quality of the polychromy and the ornamental motifs present in saint¿s apparel, and the second, the identification of one of them as the martyr Lucia de Siracusa. The aim of this study is to draw attention to this pair of carvings as examples of polychrome sculpture in New Spain, taking into account their iconography and the display of multiple resources used by the anonymous sculptor in the correct representation of rich fabrics and textiles., Universidad Pablo de Olavide

Las causas de beatificación y canonización tienen su fundamento en la fama de santidad, en cuya prueba puede tener un papel importante la iconografía en general, que ha formado parte y ha estado presente en la historia de la Iglesia y en su doctrina. Para la comprensión del argumento se presentan los aspectos principales sobre el significado de fama de santidad, el procedimiento canónico de tales causas en el periodo del Barroco y cómo las imágenes de los santos han nacido, se han usado con determinadas finalidades y resultados. Se hace una referencia particular a los decretos de Urbano VIII, ya que la fama de santidad ha dado lugar a manifestaciones de culto que, si verificado y extendido en un tiempo de al menos cien años, podía –y puede hoy día– ser reconocido oficialmente y concluir con la beatificación equipolente, cuya prueba se da en sede procesal mediante testigos y documentos, y entre estos se encuentran las imágenes, en las que es posible encontrar signos de culto atribuido al siervo o sierva de Dios. De ahí la conexión existente entre imágenes y santidad. The causes of beatification and canonisation are based on the fame of sanctity, in the proof of which iconography in general, which has been part of and has been present in the history of the Church and its doctrine, can play an important role. For the understanding of the argument, the main aspects of the meaning of the fame of sanctity, the canonical procedure of such causes in the Baroque period and how images of saints have come into being, have been used for certain purposes and results are presented. Particular reference is made to the decrees of Urban VIII, since the fame of sanctity has given rise to manifestations of worship which, if verified and extended over a period of at least one hundred years, could – and can today – be officially recognised and conclude with equipollent beatification, the proof of which is given in a procedural venue by witnesses and documents, and among these are the images, in which it is possible to find signs of worship attributed to the servant or handmaid of God. Hence the connection between images and sanctity. Les causes de béatification et de canonisation se fondent sur la renommée de sainteté, pour laquelle l'iconographie, primordiale dans l'histoire de l'Église et de sa doctrine, joue un rôle fondamental comme preuve. Pour étayer notre propos, nous présentons les principaux aspects de la signification de la renommée de sainteté, la procédure canonique de ces causes à l'époque baroque et la façon dont les images de saints sont apparues et ont été utilisées. Un intérêt particulier est porté aux décrets d'Urbain VIII. En effet, la renommée de sainteté a donné lieu à des manifestations de culte qui, si elles étaient constatées sur une période d'au moins cent ans, pouvaient – et peuvent aujourd'hui – être reconnues officiellement et conduire à une béatification équipollente, dont l’authenticité est reconnue par le Saint-Siège grâce à des témoins et des documents, parmi lesquels se trouvent les images où il est possible de trouver des signes de culte attribués à la servante ou au serviteur de Dieu, d’où le lien entre images et sainteté.

Este ensayo explora la narrativa gráfica de lo americano creada desde Europa en el siglo xvi, donde la posesión de lo indómito funciona a manera de propaganda para afianzar el poderío español ante las potencias del Viejo Mundo. Para ello estudiamos cómo la escritura de descubridores, conquistadores e historiadores entre los que se encuentran Cristóbal Colón, Fernández de Oviedo y Antonio de Pigafetta, adquiere un carácter ficcional al trasladar en sus descripciones de la frontera americana estereotipos de lo fantástico creados en Europa y atribuidos originariamente a Asia y África. De hecho, la construcción visual del Nuevo Mundo, la cual se basa en las descripciones de estos autores, genera las representaciones gráficas del taller de Theodor de Bry así como las cartografías imperiales del siglo xvi que nos ocupan en este ensayo. Proponemos que tanto los grabados como los mapas generados fungen como un tipo de capital simbólico que permite a Castilla, así como a la Corona, posicionarse de manera hegemónica ante las otras monarquías europeas. En este sentido, no solo se construye el espacio americano y a los seres que lo habitan a través del discurso de lo fantástico, sino que los integrantes de la dinastía Habsburgo llegan a incluirse dentro de estos mapas con una intención política; mitificar su propia estirpe, y con ello justificar su posición de liderazgo. The following essay explores Europe’s graphic narrative of the American Continent regarding the possession of the untamed. We propose sixteenth century iconographies and cartographies, that introduce the New World as a wild territory populated by ungovernable creatures, are a fabricated propaganda that strengthens Spanish hegemony over the powers of the Old World. We suggest the writing of discoverers and historians, among whom are Christopher Columbus, Fernández de Oviedo, and Antonio de Pigafetta, contain fictional elements, because they transfer to the new territories’ stereotypes of the fantastic attributed originally to Asia and Africa. In fact, these narratives become references to construct the visual discourse of the New World, such as the iconographies and maps created by Theodor de Bry. We propose that both cultural productions, engravings and cartographies, work as a type of symbolic capital that allows Castilla as well as the Imperial Crown to place itself in a position of power before the other European monarchies. In this sense, not only the American space is configured through the mythical but also the Habsburg dynasty itself.

The essay analyses the iconography of the sixteenth-century frescoes by the Mannerist painter Bertoja in the ‘Sala del bacio’ of the ‘Palazzo del Giardino’, Parma. The series is interpreted...

espanolLas excavaciones arqueologicas que vienen desarrollandose desde 2008 en el Henket-ankh, el Templo de Millones de Anos de Tutmosis III situado en la orilla oeste de Tebas, han permitido el descubrimiento de una gran cantidad de fragmentos de relieves tanto en arenisca como en caliza. Mientras que una parte del santuario estaria realizada en caliza, la mayoria de las paredes decoradas del templo lo serian en arenisca. El material esta muy fragmentado, y muy poco queda de las estructuras originales del templo. No obstante, el estudio de este material ha permitido elaborar hipotesis sobre algunas de las escenas representadas, asi como plantear posibles propuestas de reconstruccion. Entre estas destacan las de masacre y lista de enemigos o de batalla, un calendario de festividades, procesiones, el arbol ished o el rey en traje de Fiesta Sed. Eran elementos iconograficos que respondian a un programa intencionado en el que cada tipo de representacion, ritual u otro, tendria su lugar en zonas especificas del templo. Estas se intercalarian con escenas de ofrendas a los dioses, en particular a Amon, garante al mismo tiempo que receptor de las gestas del rey. En esta ocasion, se propone una vision integral de lo que se ha podido determinar en cuanto a estas escenas. Aunque, dado el estado del material, son evidentes las limitaciones a las que nos enfrentamos a la hora de descifrar este discurso figurativo, los relieves descubiertos en el Henket-ankh son un testimonio de la complejidad del programa decorativo y simbolico, asi como de la calidad del relieve y de la policromia que una vez existieron en el templo de Millones de Anos de Tutmosis III. EnglishThe archaeological excavations undertaken since 2008 in the Henket-ankh, the Temple of Millions of Years of Thutmose III located on the West Bank of Thebes, have resulted in the discovery of a large number of relief fragments, both in sandstone and limestone. While a part of the sanctuary would have been made of limestone, sandstone was used for most decorated walls of the temple. The material is very fragmented, and very little of the original structures of the temple remains. However, its study has allowed us to elaborate hypotheses about some of the scenes that would have been represented, as well as to suggest possible reconstructions. They included, among others, the massacre and list of enemies or battle, a calendar of festivities, processions, the Ished tree or the king outfitted with the Heb Sed robe. These iconographic elements responded to an intentional program in which each type of representation, ritual or other, had its place in specific areas of the temple. These would be combined with scenes of offerings to the gods, in particular to Amun, guarantor at the same time than recipient of the king’s deeds. This paper aims to present an integral vision of what has been determined in terms of these scenes. Given the state of the material, the limitations that we face when it comes to deciphering this figurative discourse are manifest; however, the reliefs discovered in the Henket-ankh evidence the complexity of the decorative and symbolic program, as well as the quality of relief and polychrome, which once existed in the Temple of Millions of Years of Thutmose III.

Resumen Este artículo estudia el discurso matrimonial inscrito en la pintura colonial neogranadina del siglo XVII y los usos que se le dieron en el contexto pos-tridentino. El estudio se efectúa a través del análisis iconográfico de tres pinturas coloniales centradas en el tema de los Desposorios de María y San José, examinadas en relación con fuentes documentales y textos morales impresos en los siglos XVII y XVIII. La investigación se enmarca en el espacio geográfico del Nuevo Reino de Granada, lugar de difusión del discurso visual protagonista de este texto. Como resultado, el análisis permitió establecer que la imagen colonial de los desposorios de la Virgen y San José funcionó en la Nueva Granada como un mecanismo de difusión del modelo matrimonial desarrollado en el Concilio de Trento. Dicho ejemplo buscaba, como fin último, controlar tanto las actitudes como la sexualidad de los contrayentes. Abstract This paper studies the matrimonial discourse inscribed in neo-granadian colonial painting of the seventeenth century and the uses that were given to it in the posttridentine context. The study is carried out by means of the iconographic analysis of three colonial paintings centered on the subject of the Marriage of the Virgin, examined regarding documentary sources and moral texts printed in the seventeenth and eighteenth centuries. The research is framed within the geographical space of the New Kingdom of Granada, a place of dissemination of the visual discourse, which is the focus of this text. As a result, the analysis enabled to establish that the colonial depicting of the Marriage of the Virgin functioned in New Granada as a disseminating mechanism of the marriage model developed in the Council of Trento. Such an example sought, as the ultimate goal, to control both the attitudes and the sexuality of the contracting parties. Resumo Este artigo estuda o discurso matrimonial inscrito na pintura colonial neogranadiana do século XVII e os usos que foram-lhe dados no contexto póstridentino. O estudo realizado através da análise iconográfica de três pinturas coloniais centradas no tema da O Casamento da Virgem Maria com São José, examinado em relação a fontes documentais e textos morais impressos nos séculos XVII e XVIII. A pesquisa é enquadrada dentro do espaço geográfico do Novo Reino do Granada, local de divulgação do discurso visual protagonista deste texto. Como resultado, a análise permitiu estabelecer que a imagem colonial do Casamento da Virgem Maria com São José funcionou em Nova Granada como um mecanismo de difusão do modelo matrimonial desenvolvido no Concílio de Trento. Este exemplo procurou, como objetivo final, controlar tanto as atitudes como a sexualidade das partes contraentes.

El Camarín de Nuestra Señora del Rosario (1727-1773), considerado por muchos como obra cumbre dentro de su tipología en el Barroco hispano, fue concebido desde sus orígenes, entre otras funciones, con una finalidad simbólica: ser un pequeño palacio celestial. Un proyecto con connotaciones terrenales siguiendo los modelos palaciegos y cortesanos de la época, pero también con muchos elementos que claramente querían hacer de él una porción del cielo en la tierra. Además de estas evocaciones simbólicas, también fue dotado de un potente programa iconográfico centrado en la interacción entre el bien y el mal, así como en la exaltación mariana. Para desarrollar tal programa se va a contar con los mejores artistas de la segunda mitad del siglo XVIII, resultando un conjunto excepcional de gran unidad temática. The Camarín of Our Lady of the Rosary (1727-1773), which is considered the most outstanding work of its kind of the Spanish Baroque, was conceived from its origins for a symbolic purpose: that of being a small celestial palace. A project with worldly connotations, which follows the palace and court designs of the epoch, but also with elements that clearly convert this camarín into a piece of heaven on earth. Besides these symbolic evocations, it was also equipped with a powerful iconography that focuses on the interaction between good and evil and on the exaltation of the Virgin Mary. Such iconography was developed by the best Granada artists of the second half of the eighteenth century, resulting in an exceptional collection with great thematic unity.

The problem of the iconography of a unique image of a deity drawn on the Middle Kingdom rectangular coffin of Sepi III (Cairo CG 28083; B1C; Deir el-Bersha; CT VI, 386) is discussed in the article. It is possible that the god is the first known image of the syncretic double god Re-Osiris. The deity (with a head unusually for Egyptian iconography unfolded in full face) is shown sitting on a throne with the inscription “millions (of years)”. The image of this god could be a visual display of the eschatological plot described in Spell 1130 of the Coffin Texts (the union of Atum(-Re) and Osiris after destruction of the Universe) at the end in the Book of Two Ways, that is represented on the bottom of Sepi’s coffin. El problema de la iconografía de una imagen única de una deidad dibujada en el ataúd rectangular del Reino Medio de Sepi III (Cairo CG 28083; B1C; Deir el-Bersha; CT VI, 386) se discute en el artículo. Es posible que el dios sea la primera imagen conocida del doble dios sincrético Re-Osiris. La deidad (con una cabeza inusualmente desplegada en la cara completa para la iconografía egipcia) se muestra sentada en un trono con la inscripción “millones (de años)”. La imagen de este dios podría ser una muestra visual de la trama escatológica descrita en el Hechizo 1130 de los Textos del Ataúd (la unión de Atum (-Re) y Osiris después de la destrucción del Universo) al final del Libro de las Dos Vías, que está representado en la parte inferior del ataúd de Sepi.

In the last few years, affect has entered the field of politics through both the media and political actors themselves. This article is based on the hypothesis that the images of affect that illustrate contemporary political narratives in the media reflect different visual motifs which are linked to an iconographic tradition that began in the art world. Through the iconographic analysis of images published in the three newspapers in Spain with the largest general readership (El País, El Mundo, and La Vanguardia) from 2011 to 2017, this article identifies three visual motifs of affect: the handshake, the hug, and the kiss. The study of these motifs highlights the survival of certain forms of emotion that are easily recognisable and engage with a longstanding iconographic tradition. At the same time, the article inquiries into the meanings derived from these iconographies and their implications on the representation of politics and of political leaders. The proliferation of motifs of affect in politics then connects with both the mediatisation of politics and an affective turn, which invites us to re-examine the role of emotion in the contemporary public sphere. En la contemporaneidad, la afectividad se ha introducido en el ámbito de la política, tanto por parte de los medios como por parte de los propios actores políticos. El siguiente artículo se centra en la hipótesis de que las imágenes del afecto que ilustran el relato político contemporáneo en los medios se corresponden con distintos motivos visuales que enlazan con una determinada tradición iconográfica iniciada en el mundo del arte. A través del análisis iconográfico de las imágenes publicadas en las cabeceras de los tres periódicos generalistas más leídos en España (El País, El Mundo y La Vanguardia) de 2011 a 2017 se identifican tres motivos del afecto: el apretón de manos, el abrazo y el beso. Mediante su estudio, se pone de relieve la pervivencia de determinadas formas de la emoción fácilmente reconocibles y que dialoga con una larga tradición iconográfica. Al mismo tiempo, se interroga sobre las significaciones derivadas de dichas iconografías en la contemporaneidad y sus implicaciones para la representación de la política y de los líderes políticos. La proliferación de los motivos del afecto en la política conectaría tanto con la mediatización de la política, como con un giro afectivo, que nos invita a reexaminar el papel de la emoción en la esfera pública contemporánea.