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[EN] With John Ruskin’s death in 1900, an intellectual and multifaceted man, who devoted his life to artistic theory and critic, departed. Antithetic in many aspects and comparable in terms of the extent, the contradictions, and the humanism of their works, in this article we follow Ruskin theory’s impact on the artistic dimension of ornament through some works by Le Corbusier. Throughout Le Corbusier’s formative years, we can distinguish a strong tendency towards visual experiences of romantic arts and picturesque values based on Ruskin’s principles. However, the swiss architect would drop this trend when he began to trust industrialization, new constructive techniques, and formal depuration. Once established in Paris, and after publishing his most revolutionary ideas, Le Corbusier retook, in 1925, the field of decorative arts in which he was trained. In order to prove the uselessness of ornament, the influence of Ruskin is perceived in Le Corbusier’s “new spirit” transformed as a guide that encourages to respect the knowledge of the past, the poetry in light and nature, and the value of emotion in architecture., [ES] Con la muerte en 1900 de John Ruskin desaparecía un intelectual multifacético cuya vida estuvo entregada a la teoría y a la crítica artística. Antitéticos en muchas cuestiones y parangonables en cuanto al alcance, las contradicciones y al humanismo de sus obras, en este artículo perseguimos la huella de la teoría ruskiniana sobre la dimensión artística del ornamento, a través de algunas obras de Le Corbusier. A partir de los preceptos ruskinianos en esta cuestión, distinguimos en los años de formación del arquitecto suizo, una fuerte impronta de los valores del pintoresquismo y de la experiencia visual romántica de las artes, que irá abandonando conforme adquiera confianza en la industrialización, las nuevas técnicas constructivas y la depuración formal. Una vez instalado en París, y tras publicar sus ideas más revolucionarias, Le Corbusier volverá, en 1925, al mundo de las artes decorativas en el que se formó. Decidido a convencer de lo prescindible del ornamento, la influencia de Ruskin se percibe transformada en su “nuevo espíritu” como un guía que alienta a respetar el conocimiento del pasado, la poesía presente en la luz y la naturaleza, y el valor de la emoción en la arquitectura., [FR] Avec la mort de John Ruskin en 1900, disparaît un intellectuel éclectique dont la vie fut consacrée à la théorie et la critique artistique. Antithétiques à bien des égards mais comparables par l'ampleur, les contradictions et l'humanisme de leurs œuvres, nous suivrons dans cet article la trace de la théorie ruskinienne à propos de la dimension artistique de l'ornement, à travers certaines œuvres de Le Corbusier. À partir de des préceptes ruskiniens en la matière, on distingue dans les années de formation de l'architecte suisse, une empreinte considérable des valeurs de l'expérience visuelle liées au pittoresque et romantique des arts, qu'il abandonnera au fur et à mesure qu'il prendra confiance dans l'industrialisation, les nouvelles techniques de construction et l'épuration formelle. Une fois installé à Paris, et après avoir publié ses idées les plus révolutionnaires, Le Corbusier revient, en 1925, au monde des arts décoratifs dans lequel il a été formé. Déterminé à convaincre du caractère superflu de l'ornement, l'influence de Ruskin se voit transformée en un "esprit nouveau", tel un guide qui encourage le respect de la connaissance du passé, la poésie présente dans la lumière et la nature, ainsi que la valeur de l'émotion dans l'architecture.

International audience; Situé dans le département du Var, entre Saint Maximin et Manosque, le château de la Verdière est le plus grand château de Provence. Successivement habité par les familles de Castellane, de Vintimillle et de Forbin, la demeure a bénéficié au XVIIIe siècle du concours d'architectes et de décorateurs de talent qui ont laissé à la postérité de remarquables décors intérieurs. Tous les arts décoratifs, en particulier celui de la gypserie, y sont représentés et ce Monument Historique a récemment bénéficié d'une campagne de restaurations exceptionnelle. Illustré par une abondante iconographie et rédigé à partir de documents d'archives inédits, ce livre d'Art, publié 140 ans après une première monographie, offre une étude complète du château, de ses décors et de ses collections, à travers son histoire aussi passionnante que mouvementée.

Catalogue de l'exposition « Henri II. Renaissance à Saint-Germain-en-Laye », musée d'Archéologie nationale, 31 mars-14 juillet 2019.; International audience; Á l'occasion du 500e anniversaire de sa naissance, le musée d'Archéologie nationale – Domaine national de Saint-Germain-en-Laye met à l'honneur Henri II (1519-1559), fils de l'illustre François Ier et de la reine Claude, qui régna sur la France de 1547 à 1559, en organisant dans le château de Saint-Germain-en-Laye une exposition essentiellement dédiée à sa présence dans ce grand domaine royal. Henri II, qui y est né en 1519, choisit en effet d'en faire durant son règne sa principale résidence.Abondamment illustré, le catalogue dresse un panorama complet de la présence d'Henri II à Saint-Germain-en-Laye, du contexte historique à la vie quotidienne. Il retrace en trois sections les multiples facettes du règne d'Henri II : la première met en lumière le souverain et son entourage - la cour, les favoris, le couple royal et sa descendance ; la deuxième révèle son goût manifeste pour le château, la forêt et les lieux de divertissements de Saint-Germain-en-Laye; la dernière montre que cette demeure royale est indissociable de la préparation des différentes campagnes militaires menées par le souverain, mais constitue aussi le cadre régulier de la vie quotidienne.

The Castle of La Barben, located beetween Salon and Aix-en-Provence has been the property of the Forbin family, a prestigious dynasty of local lords, during more than six centuries. Thanks to is abundant collections, archives, paintings and pieces of furniture, the beauty of its gardens and the prestige of several historical figures that sojourned in this famous property, the castle of La Barben remains one of the most interesting monuments of Provence., Séjour de hauts personnages et résidence de grandes familles telles que les Pontevès et plus encore les Forbin pendant six siècles, cette propriété classée est l’un des monuments les plus emblématiques de Provence. Par la richesse de ses collections, la beauté de ses jardins et le souvenir de ses hôtes, la Barben s’affirme, du Roi René à la Princesse Pauline Borghèse, comme l'un des plus remarquables châteaux du Midi. L'ouvrage s'attache tant aux personnages historiques qui ont durablement marqué les lieux qu'aux décors intérieurs et à l'architecture de ce monument complexe.

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International audience; The Forbin family is one of the most prestigious family of Provence during the 17th and 18th centuries. Their castles, private mansions and other properties are remarkable and were imbued by their historical and social importance in France. Organized thanks to the City of Aix-en-Provence and the association "Les Amis des Salons et Jardins d'Olivary", the study day that was devoted to this family in the town-hall of Aix-en-Provence gathered specialists and students and revealed its predominant role in History.; Brillants mécènes, tour à tour bâtisseurs et collectionneurs, les Forbin ont compté dans leurs rangs des parlementaires fameux, des militaires distingués, des femmes d'esprit et des ecclésiastiques célèbres. Ils illustrèrent la Provence par leurs résidences, leurs commandes artistiques et leurs ambitions. Organisée en partenariat avec la Ville d'Aix-en-Provence et les Amis des Salons et Jardins d'Olivary, la journée d'étude du 16 juin 2017 a réuni plusieurs spécialistes qui, à l'aune des découvertes les plus récentes, ont mis en lumières la place prépondérante de cette famille provençale dans la France du XVIIIe siècle.

Introduction Several studies on the international proliferations and appropriations of surrealism have taken notice of the short-lived yet significant Art and Liberty Group (Jama’at al-Fann Wal-Hurriyyah) (1939-1947). Established on January 19, 1939, in Cairo, it comprised a core group of intellectuals and artists who aligned themselves primarily with surrealism. While many of the artists who were affiliated with the Art and Liberty Group did not work in a surrealist style—at least not in wha...

General secretary of the USSR’s Communist Party N. S. Khrushchev paid an official visit to Egypt to celebrate the completion of the first stage of the Aswan High Dam in May 1964; Egypt’s president Gamal Abdul Nasser served as tour guide, escorting the nation’s guest on an excursion to the Egyptian Museum. Following numerous chains of signification for these two men’s tour enable us to address Egypt’s Pharaonic past in multiple mirrors. While touring the Egyptian Museum, Nasser drew his guest’...

Rodin n’est pas connu pour être un de ces artistes de l’Égyptomanie mais il ne s’en intéressa pas moins à l’Égypte, sous de multiples formes. En témoigne tout d’abord sa gigantesque collection d’antiquités, mais aussi la manière dont il construisit son Égypte intérieure, presque invisible, qui réapparut ponctuellement dans son œuvre. Si l’on doit interroger l’Égypte de Rodin comme un des miroirs de l’Égypte antique, il faut aussi la regarder comme un des reflets, nécessaire et bienveillant, d...

Introduction par Fabienne Fravalo Le développement des réflexions autour d’un art pour le peuple après 1900 rencontre les préoccupations des réformateurs pour l’amélioration, tant hygiénique que morale, de son cadre de vie domestique. Parallèlement à l’émergence des HBM apparaissent les premières tentatives de création d’un mobilier également dit « à bon marché ». Après le projet non réalisé du « Foyer moderne » de L’Art dans Tout à l’Exposition universelle de 1900, c’est à Léon Bénouville qu...

Introduction par Fabienne Fravalo Le développement des réflexions autour d’un art pour le peuple après 1900 rencontre les préoccupations des réformateurs pour l’amélioration, tant hygiénique que morale, de son cadre de vie domestique. Parallèlement à l’émergence des HBM apparaissent les premières tentatives de création d’un mobilier également dit « à bon marché ». Après le projet non réalisé du « Foyer moderne » de L’Art dans Tout à l’Exposition universelle de 1900, c’est à Léon Bénouville qu...

Introduction par Catherine Méneux Face à la question sociale, les arts décoratifs s’imposent progressivement comme les médias privilégiés d’un art pour tous. Ils génèrent des débats d’autant plus importants qu’ils sont désormais exposés dans les Salons annuels au nom de l’unité de l’art. En effet, à la suite d’une campagne menée par Victor Champier, directeur de la Revue des arts décoratifs, Roger Marx et quelques autres, la Société nationale des Beaux-Arts crée pour la première fois une sect...

L’égyptomanie, phénomène universel désignant la réutilisation des thèmes décoratifs de l’Égypte ancienne à l’époque moderne, s’est développée dans tous les domaines de l’art. Les études scientifiques la concernant se sont multipliées depuis une vingtaine d’années, mais sont restées cantonnées essentiellement au domaine des créations artistiques majeures (architecture, peinture, sculpture et objets d’art) réalisées le plus souvent en exemplaire unique par des artistes célèbres pour des amateur...

Le présent recueil trouve sa source dans un colloque international organisé à la faveur de la venue à Paris de l’exposition « Le théorème de Néfertiti : itinéraire de l’œuvre d’art, la création des icônes » présentée à l’Institut du monde arabe en 2013. À partir d’un matériau très divers, mêlant art contemporain et documents historiques, l’exposition entendait mettre en relief la gamme des stéréotypes visuels générés par la civilisation égyptienne, ainsi que leur endurance, et parfois leur su...

The rise of modern art at the turn of the twentieth-century in Egypt reveals the complex dynamic of multiple cross-cultural interactions in tandem with the formulation of the nahda renaissance project. In this paper, it will be argued that the neo-pharaonic production of a generation of Egyptian artists referred to as the “pioneers,” illustrates the result of an intricate synthesis of reinventing historical past while claiming a universal culture through the continuous interplay between moder...

De l’architecture aux arts décoratifs et de la peinture au théâtre, ce recueil de textes traite d’œuvres dialoguant avec le patrimoine égyptien dans toutes ses composantes. La notion « d’égyptianisme » se trouve ainsi examinée dans la plus large variété de ses acceptions artistiques, architecturales et critiques, dans le monde occidental comme en Égypte. Les textes révèlent un historicisme artistique de veine égyptienne qui ne se cantonnerait ni à la référence antique, ni au monde occidental : nombreux sont les peintres, les sculpteurs, les cinéastes, les architectes… d’Égypte à avoir intégré des représentations du passé national – pharaonique, copte, médiéval, ottoman, et désormais khédivial ou nassérien – dans leur pratique artistique. À l’encontre de l’image habituelle de l’Égyptomanie, c’est un panorama plus riche et plus diversifié qui prend corps ici à travers divers médias et contextes nationaux. Le présent recueil trouve sa source dans un colloque international organisé à la faveur de la venue à Paris de l’exposition « Le théorème de Néfertiti : itinéraire de l’œuvre d’art, la création des icônes » présentée à l’Institut du monde arabe en 2013. Ce colloque s’est tenu les 26 et 27 juin 2013 en partenariat avec Mathaf : Arab Museum of Modern Art (Doha) sous l’intitulé « L’Égypte en ses miroirs ; art, architecture et critique, à demeure et au-delà (XIXe-XXe siècles) ».

La découverte fascinée des monuments du Caire au XIXe siècle, l’abondante iconographie antiquaire qui en a résulté et circulé, le commerce de leurs fragments, sont à l’origine d’un moment « mamelouk » dans les arts européens, de l’architecture à l’art du verre et de la céramique, que l’on peut suivre dans une large gamme d’expressions, parfois très inattendues, et des intentionnalités non moins insoupçonnées. À travers sa participation aux Expositions universelles et son architecture officielle, l’Égypte elle-même a contribué à forger l’identité visuelle du style mamelouk, lequel, dans des contextes nationaux très distincts, en est venu à exprimer le style islamique par excellence. Le goût des objets a également marqué les réalisations architecturales qui en sont issues.

In 1893 a world’s fair, the World’s Columbian Exposition, was organized in Chicago to commemorate the 400th anniversary of the discovery of America by Christopher Columbus. It contained a so-called “Cairo Street” (fig. 1 and 2), which had been designed by Max Herz Pasha, chief architect of the Comité de Conservation des Monuments de l’Art Arabe in Egypt. The present paper proposes a new, fresh reading of Cairo Street by taking into account its context and thereby offering a picture that corre...

Introduction par Catherine Méneux Comme Louis de Ronchaud l’écrit en 1885, les arts dits industriels ou décoratifs suscitent toute l’attention de l’État. Pour œuvrer au rapprochement entre l’art et l’industrie, les républicains s’appuient sur leurs réformes de l’enseignement et sur une association privée, l’Union centrale des arts décoratifs, fondé en 1882, à la suite de la fusion entre l’Union centrale des Beaux-Arts appliqués à l’industrie et la Société du Musée des arts décoratifs. Présidé...

Khaled Fahmy’s Foucauldian analysis of certain nineteenth-century Egyptian practices based on archival material introduces a rather original notion to modernity studies focused on the encounters between the West and the Arab world: the absence of any sense of an emotional claim to an identity, of any identity crisis among ordinary people in their dealings with the institutions and practices of modernity. Therefore, one may wonder whether this notion of anguish vis-à-vis modernity, or “qalaq” ...

Comment nos peuples peuvent-ils vivre à l’ère spatiale et conserver en même temps leurs racines dans la terre natale ? Comment nos peuples peuvent-ils en même temps concilier l’authenticité qui est l’histoire et le renouvellement qui est l’avenir ? Comment peuvent-ils vivre au siècle de la mondialisation où les frontières et les distances sont éliminées, sans perdre leur essence et leurs caractéristiques ? Comment peuvent-ils s’ouvrir aux horizons de la technologie moderne, sans sacrifier leu...

Introduction par Catherine Méneux Comme Louis de Ronchaud l’écrit en 1885, les arts dits industriels ou décoratifs suscitent toute l’attention de l’État. Pour œuvrer au rapprochement entre l’art et l’industrie, les républicains s’appuient sur leurs réformes de l’enseignement et sur une association privée, l’Union centrale des arts décoratifs, fondé en 1882, à la suite de la fusion entre l’Union centrale des Beaux-Arts appliqués à l’industrie et la Société du Musée des arts décoratifs. Présidé...

International audience; Le château de la Verdière a appartenu à quelques unes des familles les plus importantes de la Provence d'Ancien-Régime : les Castellane, les Vintimille et enfin les Forbin et plus particulièrement la branche d'Oppède à partir du XVIIe siècle. Les travaux effectués dans la deuxième moitié du XVIIIe siècle par Louis-Roch de Forbin d'Oppède puis par ses descendants montrent à quel point les Forbin étaient des bâtisseurs et que leurs relations et leur culture architecturale dépaissaient largement le cadre de la province. La Verdière est une demeure de plaisance dont l'architecture d'inscrit pleinement dans le courant classique qui se manifeste alors en Provence. A une simplicité extérieure s'oppose pourtant une distribution d'une grande complexité. Quant à l'analyse des décors, elle contribue à cette demeure une place de choix dans l'histoire de l'Art du XVIIIe siècle en France.

National audience; Cet article éclaire la fondation de l'un des plus anciens couvents de la ville d'Aix-en-Provence sous l'Ancien-Régime. Avec des fondateurs issus de familles aristocratiques célèbres et des commandes architecturales et artistiques importantes, le carmel d'Aix s'affirme comme l'un des édifices baroques les plus spectaculaires et les plus complexes de la capitale provencale. L'article étudie les réseaux, liens, et les commandes décoratives des différentes communautés qui se succèdèrent dans les lieux jusqu'à aujourd'hui.

Napoléon Ier avait fait réaliser quatre trônes afin de pouvoir disposer en toutes circonstances d’un cadre solennel à la hauteur de son autorité : au château de Saint-Cloud, au palais des Tuileries mais également dans les assemblées représentatives – Corps législatif et Sénat conservateur. Dessinés par des architectes différents, ils furent confiés à l’ébéniste Jacob-Desmalter. Perdant leur valeur d’usage sous la République, ils font désormais partie du patrimoine national et présentent des conditions de conservation variables. The Emperor Napoleon I had four thrones made in order to enjoy a ceremonial setting worthy of his authority in all circumstances: at the Palace of Saint-Cloud, at the Tuileries Palace and also in the representative assemblies, the Corps législatif and the Sénat conservateur. The cabinet-maker Jacob-Desmalter was commissioned to manufacture these thrones, which were designed by various architects. Having lost their practical value under the Republic, they are now part of the national heritage and are in varying states of conservation.

International audience; L'activité d'architecte-bâtisseur contemporain de Viollet-le-Duc est souvent occultée par son action de restaurateur du patrimoine médiéval. Les chantiers, les projets et les écrits à ce sujet sont pourtant prolifiques, ce qui justifie pleinement une réflexion renouvelée sur ses travaux.De ses chantiers à ses projets avortés, de ses théories à la transmission de ses enseignements en la matière, cet ouvrage présente l’apport de Viollet-le-Duc à l’architecture domestique, à l’habitation de son temps, par le biais de treize contributions inédites abordant un aspect souvent oublié de son œuvre. Enrichissant la connaissance de l’architecture civile du XIXe siècle, cette réflexion dépasse les problématiques esthétiques pour faire valoir son esprit réformateur et témoigne définitivement, et contrairement à ce que ses restaurations diocésaines laissent présager, de ses préoccupations modernes et de son ancrage dans la société contemporaine.

Though Walter Crane is very famous for his illustrations, his work as a theoretician is sometimes overlooked. Strongly influenced by John Ruskin and William Morris, Walter Crane developed the idea of the unity of art as an essential condition for a rewarding artistic production and a satisfactory social life. In The Claims of Decorative Art, a collection of essays, he successfully mixed a presentation of architecture and the decorative arts influenced by the Arts and Crafts movement with a sharp criticism of an alienating industrial society based on profit and individualism and a description of socialism as the only way to regain harmony. Opposing division in all its manifestations, he consistently encouraged a cooperation between artists and artisans while working with different socialist groups, trying to transcend the political tensions that often tore them and adopting a patient but firm political position. His unflinching artistic, political and educational commitment is obvious in his writings and his career and testifies to his major role in the resistance to what he described as the negative forces of commercialism.

Le présent article a pour but de présenter un panorama général des travaux historiographiques et artistiques concernant l’art colonial ou baroque au Brésil. Une subdivision thématique, chronologique et géographique ne permet plus une « histoire totale » englobant la production dans son ensemble. Nous avons donc choisi de montrer les axes principaux de l’activité scientifique. Les travaux critiques et la recherche sur le baroque au Brésil sont des champs d’investigation vastes et dynamiques. Le thème intéresse les historiens d’art depuis le xixe siècle et, au xxe siècle, le baroque, symbole de l’art national et de l’origine de la spécificité esthétique brésilienne, s’est transformé en un vaste champ d’investigation. Cette opération n’était pas habituelle en ce qui concerne la production artistique latino-américaine. L’identification du baroque en tant qu’art national et les multiples débats sur les échanges plus ou moins importants avec les sources internationales, tout comme avec les syncrétismes formels locaux, européens, africains ou asiatiques, ont entraîné récemment un élargissement du débat et provoqué une révision des approches traditionnelles. De leur côté, celles-ci se sont transformées et perfectionnées grâce à la mise à disposition et à la systématisation accrues des données sur les arts des xviie et xviiie siècles. The present article aims to present a general panorama of historiographical and artistic literature on colonial, or baroque, art in Brazil. Thematic, chronological, or geographical subdivisions are no longer sufficient for writing a “total history” embracing this production in its entirety. The authors have therefore chosen to focus on the principal orientations of scholarly output. Critical analyses and research on baroque in Brazil are vast and vibrant fields of investigation. A topic of interest to art historians beginning in the nineteenth century, the baroque, a symbol of national art and the origins of a specific Brazilian aesthetic, became in the twentieth century an extensive field of study. Such an operation was unusual for the artistic production of Latin America. The equation of baroque with a national art and the numerous debates on the extent of exchanges with international sources, as well as syncretism with local, European, African, and Asian formal elements, caused the debate to expand and traditional approaches to be revised. These approaches, in turn, were transformed and perfected by the increasing accessibility and systematization of data on arts from the seventeenth and eighteenth centuries. O presente artigo pretende, assim, apresentar uma visão geral sobre a produção historiográfica e artística sobre a arte colonial ou arte barroca no Brasil. Qualquer subárea temática, cronológica e geográfica não permite mais uma “histoire total” que engloba a produção completa, mas optamos de mostrar os eixos principais da produção científica. A produção crítica e a pesquisa sobre o Barroco no Brasil são, ambas, campos vastos e dinâmicos. O tema interessa aos historiadores da arte desde o século xix e, no século xx o Barroco transforma-se numa grade area de interesse, símbolo do nacional e da origem da especificidade estética brasileira, numa operação que nem sempre era regra no que tange a produção artística latinoamericana. A identificação do barroco com o nacional e os múltiplos debates sobre o maior ou menor intercâmbio com as fontes internacionais, assim como os sincretismos formais do local e do europeu, africano ou asiático determinam, recentemente, a ampliação do debate, provocando uma revisão das abordagens tradicionais. Estas, por sua vez, transformam-se, aperfeiçoam-se com a disponibilidade e a sistematização cada vez maior de dados referentes às artes dos séculos xvii e xviii. Der vorliegende Artikel versucht, einen generellen Überblick über die historiographischen und künstlerischen Arbeiten im Bereich der Kolonialkunst, oder Kunst des Barock, in Brasilien zu geben. Eine thematische, chronologische und geographische Unterteilung kann jedoch keiner „totalen Geschichte“ mehr von der Produktion in ihrem Ganzen entsprechen. Dementsprechend konzentriert sich der Artikel auf den Hauptachsen der Forschung. Die kritischen Untersuchungen und die Forschung im Bereich des Barock in Brasilien sind ein vielfältiges und dynamisches Feld. Das Thema interessiert die Kunsthistoriker seit dem 19. Jahrhundert, während sich der Barock im 20. Jahrhundert als Symbol nationaler Kunst und als Ursprung der spezifisch brasilianischen Ästhetik zu einem umfangreichen Forschungsfeld gewandelt hat. Eine ungewöhnliche Entwicklung im Blick auf die künstlerische Produktion Lateinamerikas. Die Identifizierung des Barock als nationale Kunst, die zahlreichen Diskussionen über den mehr oder minder starken Austausch mit internationalen Quellen und mit formalen Synkretismen, seien sie lokaler, europäischer, afrikanischer oder asiatischer Natur, haben unlängst zur Erweiterung der wissenschaftlichen Diskussion beigetragen und ein kritisches Überdenken der traditionellen Herangehensweisen mit sich gebracht. Letztere wiederum verändern und verbessern sich dank der verstärkten Zugänglichkeit und Systematisierung der Daten, die die Künste des 17. und 18. Jahrhunderts betreffen. Questo articolo vuol presentare un panorama generale dei lavori storiografici e artistici relativi all’arte coloniale, o arte barocca, in Brasile. Una suddivisione tematica, cronologica e geografica non consente più di scrivere una “storia totale” che abbracci la produzione nel suo insieme. L’autore del saggio ha pertanto scelto di mostrare gli assi principali della ricerca scientifica. Gli studi critici sul barocco in Brasile costituiscono dei campi di investigazione vasti e dinamici. Il tema interessa gli storici dell’arte dall’Ottocento e, nel Novecento, il barocco, simbolo dell’arte nazionale e dell’origine della specificità estetica brasiliana, è divenuto un vasto spazio di investigazione – un’operazione che non era frequente per la produzione artistica latino-americana. L’identificazione del barocco con l’arte nazionale e i molteplici dibattiti sullo scambio più o meno profondo con le fonti internazionali, o ancora con i sincretismi formali locali, europei, africani o asiatici, hanno condotto di recente ad un allargamento del dibattito e hanno provocato una revisione degli approcci tradizionali. Dal canto loro, questi ultimi si sono trasformati e perfezionati grazie alle sempre maggiori messa a disposizione e sistematizzazione dei dati relativi alle arti del XVII e del XVIII secolo. Este artículo pretende dar un panorama general de los trabajos historiográficos y artísticos relacionados con el arte colonial, o arte barroco, en Brasil. Una subdivisión temática, cronológica y geográfica ya no permite una “historia total”, que abarque el conjunto de la producción. Por lo tanto se tomó el partido de presentar los principales ejes de la actividad científica. En efecto, los trabajos críticos y de investigación sobre el barroco en Brasil son abundantes y dinámicos. Tema de interés para los historiadores del arte desde el siglo xix, el barroco, símbolo del arte nacional y de los orígenes de la especificidad estética brasileña, se ha convertido en un amplio espacio de investigación en el s. xx; fenómeno nada habitual en lo que a la producción artística latinoamericana se refiere. La identificación del barroco como arte nacional y los numerosos debates sobre el intercambio más o menos importante con las fuentes internacionales, con los sincretismos formales locales, europeos, africanos o asiáticos, han acarreado recientemente una ampliación del debate y una revisión de los enfoques tradicionales. Éstos, a su vez, se han visto transformados y perfeccionados gracias al acceso y a la cada vez mayor sistematización de los datos referentes a las artes de los siglos xvii y xviii.

International audience; Le Corbusier a trente-sept ans lorsqu'il fait acte de candidature pour qu'un emplacement lui soit attribué à l'Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes de 1925. Il est bien décidé à se saisir de cette opportunité pour "faire date", avant, pendant et après l'évènement.

International audience

Recherche sur la modernité en architecture. Le premier tome propose une analyse historique détaillée des modèles et des mouvements d'architecture qui s'y rapportent : sont repérées les ruptures, et l'évolution du concept de modernité est suivie. Le deuxième tome est une étude de la détermination constructive à laquelle obéit l'idéologie moderniste. Il est traité du changement d'échelle comme signe de l'architecture moderne. De nombreuses illustration sont proposées, notamment sur l'architecture internationale des années trente.