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Comparing and contrasting Ginzburg's works with 20th century literary trends that broached the meaning of the world and of literature itself, such as Absurdism and the Nouveau Roman, we aim to identify the implications of insignificance from an axiological and a semantic viewpoint.Ginzburg's works create an impression of insignificance using writing style and specific techniques to give the significant and insignificant equal weight. Our main purpose is to show that, from an axiological viewpoint, Ginzburg's works do not promote the small or insignificant at the expense of the large and significant. The author uses understatement to downplay the significant (History, God), then lets it re-emerge, both intentionally through written networks of symbols and recurrences, and subconsciously through the rhythm and musicality of her specific writing style. In a context where everything has a meaning, readers are required to amplify the scope of the written word and interpret the manifold signs and inter-textual references. Indeed, Ginzburg aims to represent a reality where everything has equal importance, precisely because the significant and insignificant are equal when reality is portrayed from a totalising perspective that is inspired by metaphysical cons! iderations and influenced by Jungian psychoanalysis and Jewish mysticism.; Nous nous proposons dans cette étude d’analyser l’œuvre narrative, théâtrale et théorique de l’écrivain italien Natalia Ginzburg (1916-1991) au travers de la notion d’insignifiance. Tout en mettant en évidence les ressemblances et les divergences entre ce corpus et des courants littéraires du XXe siècle qui se sont interrogés sur la question du sens de l’œuvre et du monde tels que l’Absurde et le Nouveau Roman, nous cernerons ce que recouvre d’un point de vue axiologique et d’un point de vue sémantique la notion d’insignifiance.Ce corpus produit un effet d’insignifiance grâce à un style et des procédés d’écriture qui tendent à niveler le signifiant et l’insignifiant. Notre objectif principal est de montrer que d’un point de vue axiologique, l’œuvre ne valorise pas l’insignifiant et le petit au détriment du signifiant et du grand. Grâce à « l’understatement », l’auteur a dissimulé le signifiant (l’Histoire et Dieu) qui réémerge, non seulement intentionnellement de l’écriture, à travers des réseaux de symboles et de récurrences, mais aussi inconsciemment grâce au rythme et à la musicalité spécifiques de ce style. Dans ce système où tout fait sens, le lecteur est appelé à amplifier la portée de ce qui est dit et à expliciter les nombreux indices et références intertextuelles. Par ailleurs, si Ginzburg vise la représentation d’un réel au sein duquel tout aurait une importance égale, c’est parce que signifiant et insignifiant s’équivalent au sein d’une approche totalisatrice du réel qui relève d’une dimension métaphysique influencée par la psychanalyse jungienne et le mysticisme juif.

This study is focused on five of Raymond Carver's collections of short stories. It explores the question of revelation and from this perspective, it also deals with Carver's so-called minimalist style and the evolution of his work. The world in which Carver's characters are evolving is at the same time familiar, common and threatening. Most of the characters are silent, alienated, lost and dehumanized. They are on the edge of a crisis and therefore, they are waiting to be freed or eager for answers about themselves and their future. Thanks to a minimalist style and to the frame of his short stories, Carver is able to combine simplicity and mystery, inviting readers to interact with the text and to go beyond the surface so the text may reveal itself to them. Thus, the question of revelation is at the centre of Carver's work since characters and readers are waiting for things to be unveiled. The aim of this work is to study what kind of revelation the reader, the author and the characters are confronted with and if revelations do take place then, under which conditions.; Cette étude se focalise sur cinq des recueils de nouvelles de Raymond Carver et propose d'en démontrer le caractère épiphanique tout en explorant le style dit minimaliste de Carver et son évolution. L'univers carverien est menaçant avec ses personnages silencieux, isolés, perdus, qui se retrouvent en pleine crise et, ainsi, à un tournant de leur existence. Directement liés à la notion de révélation, l'isolement, la question d'identité ainsi que la renaissance sont des thèmes récurrents importants auxquels les personnages carveriens sont rattachés. Le lecteur se retrouve, quant à lui, confronté à une écriture à la fois simple et mystérieuse. Le cadre des nouvelles, avec leurs fins ouvertes et leurs nombreux détournements ne font qu'entretenir un certain suspense pour le lecteur qui va devoir décortiquer et interagir avec le texte afin d'accéder à une révélation. La question d'épiphanie est alors au centre de l'oeuvre puisque de par son contenu et sa forme, le style carverien va placer ses personnages et ses lecteurs dans l'attente d'une révélation tout en les incitant à se questionner. L'objectif de cette recherche est donc d'étudier quels types de révélations s'offrent à la fois au lecteur, à l'auteur ainsi qu'aux personnages, et sous quelle forme.

International audience; Dario Fo et la relecture des textes et des œuvres consacrés : " rompre le cadre " tel est bien le propos de Dario Fo, lorsqu'il s'empare des " grands textes " et des figures qui s'y attachent. Tout au long de sa longue et riche carrière d'auteur de théâtre, de metteur en scène et d'acteur, Fo n'a cessé de relire, de réévaluer, de corriger (scorreggere : proposer une lecture incorrecte) des auteurs et de leurs œuvres. Il s'agit bien pour lui de rompre le cadre de lecture du texte et de l'image, à double titre : dans le but " arriver à l'os du discours " de le débarrasser de ses ajouts, scories et autres enrobages trompeurs, et de réinterpréter le cadre (il quadro, le tableau en italien) lorsqu'il se propose de " re garder " les tableaux des grands maîtres de la peinture italienne. Sortir du " cadre " de lecture des interprétations autorisées et convenues, pour révéler la vérité cachée, la pensée subversive, la violence du message, l'obscénité de l'image. Dépoussiérer, délivrer, dévoiler pour retrouver le sens premier, populaire, vulgaire, authentique d'une œuvre, telle est la joyeuse tâche que Fo s'est assignée et que nous nous proposons d'interroger, en examinant la lecture iconoclaste " selon Fo " des œuvres de Giotto, de Léonard de Vinci, de Michel-Ange et du Caravage.

National audience; La communication porte sur le lien qui pourrait exister entre choix scéniques et exigence éthique, elle aborde la question d'une esthétique minimaliste et plus précisément encore d'une esthétique pauvre, faisant référence à un " théâtre pauvre " et au courant artistique de l'Arte Povera. Elle explore en particulier la thématique du " moins et du plus ", qui semble être caractéristique du travail de Fo dans la mesure où elle implique celle de la dynamique unissant " choix esthétiques et exigence éthique ".Texte de la communication disponible sur le site : www.sies-asso.org (Dario Fo - Franca Rame : un théâtre en actes) https://www.sies-asso.org/publications/310-dario-fo-franca-rame-un-theatre-en-actes.ou voir la vidéo http://cle.ens-lyon.fr/italien/arts/theatre/les-choix-sceniques-de-dario-fo-une-esthetique-minimaliste-au-service-d-une-exigence-ethique.

Chez Le Clézio, les figures d’entre-deux sont des opérateurs de paradoxes faisant de la littérature un lieu d’incertitudes et le tressage de motifs contribue à une esthétique paradoxale de l’éclat et du lien. Cette esthétique repose aussi sur une éthique du dénuement, un “régime du rien” que nous analysons dans des textes brefs des années 1973, 1978-1980 et 2001 (Mydriase, Trois villes saintes, La Montagne du dieu vivant et L’Enfant de sous le pont) afin de démontrer comment ces textes se lisent à l’aune de la déconstruction, des théories du chaos. Entre nuit noire et aveuglante lumière, Le Clézio privilégie les éclats, les lueurs et les survivances ou revivances. In Le Clézio, the figures of in-between-two are paradoxes operating to make litterature a space of doubt. The weaving of patterns contributes to a paradoxal aesthetics of sparkle and link. This aesthetics is also based on an ethics of bareness, an election of nothing, which we analyze in short stories written in 1973, 1978-1980 and 2001 (Mydriase, Three holly towns, The God’alive Montain et The Child under the bridge) to show how these texts are read from the standpoint of deconstruction and chaos theory. In between black night and blinding light, Le Clézio favours sparkles, gleams, and survivals or revivals.