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Les Doctoriales de l’Europe médiane, de l’espace russe et (post)soviétique, organisées par le Centre de recherche Europes-Eurasie (CREE) en juin 2021, ont réuni des doctorants et jeunes chercheurs autour du thème des archives, considérées à la fois comme outil et objet de recherche. Cette thématique, qui recouvre plusieurs disciplines et concerne plusieurs étapes de l’élaboration d’une thèse, a permis d’enclencher une réflexion fructueuse des participants sur leurs propres pratiques de recherche. Ayant pour objectif de mettre en valeur les travaux de jeunes chercheurs francophones qui contribuent à découvrir des archives inédites, mais aussi à renouveler le regard porté sur des documents déjà étudiés, cette publication entend également contribuer aux études interdisciplinaires des archives et de leurs usages dans les espaces d’Europe centrale et orientale et de l’ex-URSS.

Réflexion sur l'approche par compétences : une formation par la (recherche)-création (2022-2023).

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Programme scientifique - Avignon Université; 1. Une problématique : le vivant en tension |Le vivant nous interroge dans sa tension permanente avec les dynamiques culturelles, politiques, artistiques, économiques et technologiques qui le traversent. Constamment soumis à de nombreuses pressions externes qui peuvent le déformer, le vivant en tension peut être admis comme un mouvement perpétuel de résistance et de négociation, où sa perception et son rôle dans la société sont constamment redéfinis. En conséquence, la culture politique des corps enveloppe les chairs organiques, lunettes performatives et altérantes d’une dimension vivante à dévoiler. Dans un monde de plus en plus numérisé et rationalisé, l’intersection entre la création et le corps vivant donne les moyens d’étudier les enjeux de la communication humaine. Cette rencontre peut nous aider à mieux comprendre les enjeux de domination, transformation et réduction de l’organisme. Pour ce faire, nous avons investi le champ de la recherche-création, en invitant les chercheurs de diverses disciplines et objets de recherche à apporter leur contribution à cette problématique complexe. Des expressions classiques de l’écriture et du langage aux outils de réalité virtuelle, nous explorons aussi bien les nouvelles formes de pédagogie, que les expériences et représentations du vivant. Ce projet collectif permet ainsi de développer une meilleure compréhension de cette tension multifactorielle.2. Une méthodologie : la recherche-création |Notre pratique de la recherche-création vise à mêler recherche et création au sein d’un même processus méthodologique à l’université. La recherche-création fabrique des liens entre la création scientifique et artistique de manière à proposer une exploration organique de notre problématique du “vivant en tension”. Ce cadre de travail articule état de l’art, analyse de corpus et enquête anthropologique à une pratique créative qui s’incarne dans un organisme (chercheur, doctorant, étudiant). Dès lors, une réflexion sur les écritures sensibles peut s’opérer, tout comme d’autres projets scientifiques engagés dans une approche affective et singulière. La recherche-création permet également de répondre aux enjeux contemporains à travers plusieurs leviers pédagogiques : - la création comme initiation à la recherche ;- la création comme transmission des connaissances ;- la recherche-création comme méthode qualitative ;- la recherche-création comme médiation des univers artistiques et culturels.Notre approche a déjà fait l’objet de publications (Renucci et Galli, 2022 ; Galli et Rivière, 2022 ; Galli, 2021) qui ont permis de nourrir la réflexion sur l’offre de formation en SIC du Master Culture et Communication d’Avignon Université : nouveau module disponible en “recherche-création numérique” depuis 2022. 3. Un socle épistémologique : les séminaires de création | Ce programme de recherche ( https://recherche-creation.fr/ ) s’appuie sur un socle de plusieurs séminaires interdisciplinaires (ouverts aux chercheurs, doctorants, étudiants, enseignants, etc.) qui visent à explorer le vivant en tension avec la création : - Le séminaire “Créations inter-masters” (N. Macé-Barbier, D. Galli, G. Rivière) aborde la question des écritures du vivant auprès d’étudiants de différentes promotions de master (théâtre et communication), et avec le soutien d’artistes et d’établissements culturels ;- Le séminaire “Corps vivants et création” (V. Bénéï, D. Galli, G. Rivière, P. Hert) met en place une série d’expérimentations scientifiques dans le cadre de la recherche-création à partir du mouvement et de l’exploration des corps vivants. Ce séminaire implique Avignon Université, l’EHESS et Aix-Marseille Université ;- Le séminaire “Création-Médiation et réalité virtuelle” (C. Garson, D. Galli, G. Rivière) vise à interroger les applications vivantes de la réalité virtuelle dans les champs de l’enseignement et de la création numérique ;- Le séminaire “Création scientifique et communication” (F. Renucci, D. Galli, G. Rivière) interroge les frontières épistémologiques des processus de création à l’université. Entre rencontres, conversations, émotions, fabrications ou échanges documentaires, les traces des relations humaines au cœur de la recherche-création permettent d’approcher une nouvelle histoire anthropologique et communicationnelle du savoir. Enfin, ce programme de recherche vise à proposer un encadrement scientifique et artistique à des étudiants de master ou doctorat qui souhaitent réaliser un manuscrit préparé sous le Label Recherche-Création de l’École Doctorale 537 « Culture et Patrimoine » d’Avignon Université.

International audience; The materialization of autofiction in cinematic practice allows a new identification, adding to the literary author-narrator-character that of the actor. The filmmaker then plays himself generating multiple and interesting procedures of this autofictional presence only possible in audiovisual narration. This article aims to analyse these procedures in French cinematic creation, in which the exhaustiveness and relevance of literary autofiction have a determining influence. The analysis of this practice establishes a double axis. The first classifies the films in a progressive evolution from the factualisation of the fictional (documentary starting point) to the fictionalisation of the factual (fictional starting point). The second analyses them regarding the filmmaker's presence: from the cinéaste-filmeur(e) who stands behind the camera and records the images himself to the cinéaste-acteur/actrice who exclusively appears in front of it. This cinematic exploration of the self situates the filmmaker in all possible positions, developing autofictional procedures that delve into the concepts of postmodern identity and alterity using parody and irony as efficient tools. In this laboratory of the self, filmmakers experiment with the topics they address-cinematic reflection, creative search, intimate self-knowledge, ideological self-criticism, social and political criticism-as well as they create valuable materialisations of resilience, empathy, sisterhood and even pedagogy.

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International audience; What can sound art do in a time of ecological crisis ? The ‪‪sonidista‪‪ Félix Blume, sound taker and craftsman of listening, ingeniously answers the question. By creating situations of shared listening, he transforms the way we pay attention to our environment and the other beings who inhabit it. He thus makes it possible to think, with Vinciane Despret, that the Anthropocene is also a “phonocene” conducive to the rediscovery of the sounds of the earth, and of the songs of others than humans. ‪; Que peut l’art sonore, à l’ère de la crise écologique ? Le sonidista Félix Blume, preneur de son et artisan de l’écoute, répond ingénieusement à la question. En créant des situation de partage de l’écoute, il transforme nos manières de prêter attention à notre milieu et aux autres êtres qui le peuplent. Il permet ainsi de penser, avec Vinciane Despret, que l’anthropocène est aussi un « phonocène » propice à la redécouverte des sons de la terre et des chants des autres qu’humains.

International audience; Les entretiens qui composent ce texte ont été réalisés entre 2020 et 2021 dans le cadre d’une enquête doctorale menée par Fanny Dujardin sur le documentaire sonore et radiophonique. Neuf praticien·nes sonores ont été interrogé·es sur leur manière d’aborder le moment de l’enregistrement. Le croisement de leurs paroles fait résonner des préoccupations communes tout en préservant la singularité de leurs gestes de fabrication. Comment construit-on une situation d’enregistrement ? Comment travaille-t-on à faire émerger la parole des autres ? Quelle écoute est offerte à celles et ceux qui prêtent leurs voix ?

International audience; Que donnent à entendre les œuvres documentaires ? Comment les écritures sonores contemporaines saisissent-elles le réel ? Si le paysage médiatique accorde une place grandissante au documentaire sonore, en particulier avec le développement du podcast, il en est de même dans le champ artistique : le son – qu’il accompagne ou non l’image filmée, qu’il soit document, témoignage ou matière d’une composition – invite à élargir le champ des représentations documentaires.

International audience; Collective musical improvisations are often based on a support called a chord progression which offers improvisers a reference and a framework. This common reference brings a specific cohesion between the improvisers for the exploration of sound spaces that free improvisation could not allow. But such a framework can also prove to be too restrictive. This led to the development of other modes of improvisation that offered more freedom. Various approaches have been proposed to describe the common reference - during the musical performance - enabling to escape the determinism of the improvised form. Most of the the techniques have relied on visual signs. An alternative approach is proposed here, based on sound: not a gesture, not a word, but sound signs, themselves musical. The open grid is a sound language intended to build - in real time and through sound - the common framework for improvisers. The signs of the open grid are not simple melody-signals or riffs as sometimes encountered, but real sound signs presenting plasticity, constituent elements of a protolanguage which offers malleability and discretion, conditions necessary for the musical context. And freedom being one of the objects of this approach, this language was designed to be usable in multiple ways: to be the word of the conductor, or on the contrary to become the common language for all the musicians of an ensemble. The book contains a CD where musical examples are presented. The open grid language is used there in real conditions.; Les improvisations musicales collectives prennent souvent appui sur un support appelé grille harmonique qui offre aux improvisateurs une référence et un cadre. Ce support commun apporte une cohésion spécifique entre les improvisateurs pour l'exploration d'espaces sonores que l'improvisation libre ne pourrait permettre. Mais un tel cadre peut aussi s'avérer trop contraignant. C'est ce qui a conduit au développement d'autres modes d'improvisation offrant plus de liberté. Diverses approches ont été proposées pour décrire – en cours de jeu – le référent commun et échapper ainsi au déterminisme de la forme improvisée. La plupart se sont appuyées sur des signes visuels. Une approche alternative est proposée ici, basée sur le son: pas un geste, pas un mot, mais des signes sonores, eux-mêmes musicaux. La grille ouverte est un langage sonore destiné à construire – en temps réel et par le son – le cadre commun aux improvisateurs. Les signes de la grille ouverte ne sont pas de simples thèmes-signaux ou riffs comme parfois rencontrés, mais de véritables signes sonores dotés de plasticité, éléments constituants d'un protolangage qui offre malléabilité et discrétion, conditions nécessaires au contexte musical. Et la liberté étant l'un des objets de cette approche, ce langage a été conçu pour être utilisable de multiples façons: être la parole du chef, ou au contraire devenir le langage commun à tous les musiciens d'un ensemble. Le livre contient un CD où sont présentés des exemples musicaux. Le langage de grille ouverte y est utilisé en conditions réelles.

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En 2022, à l’occasion de sa quinzième journée d’étude, la revue Les Chantiers de la création a souhaité s’inscrire dans le sillage du travail entamé en 2019 autour des conséquences des transformations environnementales et leurs représentations dans les arts, mais en adoptant cette fois un autre point de vue. En effet, le renversement de perspective est au cœur de nos réflexions : comment les arts peuvent-ils, par le biais de leurs stratégies de création, présenter une nouvelle manière d’appré...

The OA, une série créée par Brit Marling et Zal Batmanglij (Netflix, 2016-2019), met en scène Prairie, une jeune femme portée disparue qui réapparait après sept ans d’absence. Cette dernière confie son histoire à quatre lycéen·nes et une enseignante, dans la pénombre d’une maison abandonnée : drame familial, séquestration, expérience de mort imminente, voyage entre les dimensions, multivers, rencontre avec des créatures cosmiques ou lovecraftiennes... sont au cœur des souvenirs ainsi que des récits que Prairie offre à ses auditeurs dans la partie I. Cet article explore la façon dont le son et la musique participent au caractère ainsi qu’à la narration trouble, tant au niveau formel que générique, de The OA. D’une part, en analysant les textures musicales minimalistes, leur renvoie à d’autres séries, ainsi qu’au cinéma de science-fiction, de l’autre, en montrant que la musique et autres effets sonores diégétiques apparaissent au cœur de l’intrigue, comme autant de territoires incarnés par le son. The OA, a television series created by Brit Marling and Zal Batmangli (Netflix 2016-2019), features Prairie a young missing woman who reappears after seven years of absence. She tells her story to four highschool students and a teacher, in the dim light of an abandoned house : family drama, sequestration, near-death experience, journey between dimensions, multiverse, encounter with cosmic or lovecraftian creatures are at the center of memories as well as stories that Prairie offers to its listeners during part 1. This article explores how sound and music contributes to the OA’s character and distrubing narrative. On one hand, by analyzing minimalistc musical textures, they refer to other series as well as science-fiction cinema. On the other hand, showing music and other diegetic sound effects appearing at the heart of the plot, as territories embodied by sound.

Sylvie Mongin-Algan et Guy Naigeon, appuyés par les comédiens du compagnonnage, rouvrent l’enquête Œdipe sur la trace de questions et de preuves passées inaperçues. De Sophocle, à Jouanneau, Huston ou Freud, en passant par Shakespeare, Cocteau, Mouawad : leurs écrits, parmi bien d’autres, guideront leur pas dans cette recréation d’un mythe connu de tous. C’est l’occasion pour nous de vous convier au Nouveau Théâtre du 8e, lieu de création dont le modus vivendi et la liberté artistique sont u...

When we hear high-pitched sounds, we tend to imagine objects/events that are visually high and sharp. Conversely, when we hear low-pitched sounds, we tend to imagine objects/events that are visually low and rounded. These kinds of intuitive associations linking stimuli perceived by different senses are called "crossmodal correspondences". The goal of this master’s thesis is to contribute to a synthesis of the knowledge on the links between music and crossmodal correspondences. More precisely, we ask ourselves: what are the crossmodal correspondences that can be used in music, and what are the ins and outs of their musical use? The first part of this thesis is an introduction to crossmodal correspondences. The second part attempts to establish a certain number of crossmodal correspondences involving the sense of hearing. Finally, the last part deals with different problems related to the use of crossmodal correspondences in music.; Lorsque nous entendons des sons aigus, nous avons tendance à imaginer des objets/évènements visuellement hauts et pointus. À l’inverse, lorsque nous entendons des sons graves, nous avons tendance à imaginer des objets/évènements visuellement bas et arrondis. Ce genre d’associations intuitives reliant des stimuli perçus par des sens différents sont appelées « correspondances transmodales ». Le but de ce mémoire est de contribuer à une synthèse des connaissances sur les liens entre la musique et les correspondances transmodales. Plus précisément, nous nous demandons : quelles sont les correspondances transmodales utilisables en musique, et quels sont les tenants et les aboutissants de leur utilisation musicale ? La première partie de ce mémoire est une introduction aux correspondances transmodales. La deuxième partie tente d’établir un certain nombre de correspondances transmodales impliquant le sens de l’ouïe. Enfin, la dernière partie aborde différents problèmes relatifs à l’utilisation des correspondances transmodales en musique.

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International audience; Communication donnée lors des XIXe Jornadas de Bizancio, Universidad Complutense de Madrid, 26 febrero 2022, Madrid.

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International audience; The materialization of autofiction in cinematic practice allows a new identification, adding to the literary author-narrator-character that of the actor. The filmmaker then plays himself generating multiple and interesting procedures of this autofictional presence only possible in audiovisual narration. This article aims to analyse these procedures in French cinematic creation, in which the exhaustiveness and relevance of literary autofiction have a determining influence. The analysis of this practice establishes a double axis. The first classifies the films in a progressive evolution from the factualisation of the fictional (documentary starting point) to the fictionalisation of the factual (fictional starting point). The second analyses them regarding the filmmaker's presence: from the cinéaste-filmeur(e) who stands behind the camera and records the images himself to the cinéaste-acteur/actrice who exclusively appears in front of it. This cinematic exploration of the self situates the filmmaker in all possible positions, developing autofictional procedures that delve into the concepts of postmodern identity and alterity using parody and irony as efficient tools. In this laboratory of the self, filmmakers experiment with the topics they address-cinematic reflection, creative search, intimate self-knowledge, ideological self-criticism, social and political criticism-as well as they create valuable materialisations of resilience, empathy, sisterhood and even pedagogy.

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International audience; This paper describes the creative process behind the creation of an audiovisual installation. Titled The Great Acceleration (2021), this installation is built upon scientific data simulating the retreat of the Ross Ice Shelf from 2015 to 2100. The dataset is the result of a computer simulation based on a scientific model provided by researchers from the Laboratory for Sciences of Climate and Environment (LSCE). The paper details the methodology used to offer a sensitive experience of climate change through the analysis of a large amount of data and the creation of generative audiovisual compositions. It describes the artistic approach and how the dataset related to the Ross Ice Shelf activity has been processed in order to create visual compositions and shape sounds. The paper also explains the relationship between these images and sounds and how they react to external outputs such as the presence and movement of visitors within an exhibition space.

Actes de la journée d’études du 15 novembre 2018 au Palais Lascaris (Nice); International audience; Au XVIIe siècle, l’emplacement du pouce ainsi que le point de contact de la main du violoniste sur l’archet varient selon les pays, les régions et les écoles. En 1698, Georg Muffat affirme que la manière italienne diffère des pratiques françaises et allemandes. Trois thèmes orientent ainsi notre regard : a) quels types de renseignements trouve-t-on dans les ouvrages théoriques italiens – et non italiens – lorsqu’ils livrent des informations sur la tenue d’archet italienne ? b) que nous racontent les oeuvres des peintres italiens du XVIIe siècle ? Représentent-elles uniquement des violonistes plaçant le pouce entre les crins et la baguette ? L’univers sonore délimité par la toile laisse apparaître plusieurs « exceptions » allant à l’encontre des informations récoltées dans les traités et méthodes. Huit témoignages iconographiques italiens (Reni, Strozzi, Novelli, Cavallino, Nuvolone, Franceschini, Rossi) offrent un point de vue décalé ; c) la disposition du pouce sous les crins favorise-t-elle la pratique de la polyphonie (accords de trois et quatre sons) ? Cette étude propose une analyse de la tenue d’archet à travers les traités italiens, français et allemands ainsi qu’un détour dans les partitions, les fresques et les peintures italiennes des XVIIe et XVIIIe siècles.

International audience; Publication de la communication : "Un pouvoir sonore ? Entendre et faire entendre l’autorité impériale à Byzance", Modèles, réseaux et échanges curiaux. 52e Congrès de la Shmesp – 43e Rencontres du RMBLF Bruxelles, 20-22 mai 2021. Session 4 : Une société, des réseaux

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International audience; This contribution investigates the fundamental role that Roman colleges played in aristocratic schooling and, in particular, in the education of gentlemen to magnificence, a process discussed here as the transmission and acquisition of a set of techniques that are socially defined and shared. Using documents related to seventeenth- and eighteenth-century Roman colleges, this essay sheds light on the ways in which the techniques of magnificence were imparted to students. In particular, it considers how the spaces in which students lived exemplified magnificence, and how the activities they engaged in as part of their education, such as the chivalric arts and theatre, functioned to train and shape their bodies, voices, and gestures. In addition, this chapter shows how students’ participation in gatherings and performances of academies in the college context provided them with the opportunity to acquire and experiment with ceremonial and behavioural skills and protocols. After college, the young gentlemen would have acquired the cultural models that were fundamental to the social behaviours, cultural production, and consumption systems effective in early modern court society.

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International audience; Centrales pour toutes les disciplines relevant des arts, des lettres et des sciences humaines et sociales, les questions relatives à l'identification, la sélection, le classement, les modalités d’exploitation et de diffusion des matériaux nécessaires à la production de connaissances ne sont pas nées avec l’ère dite « numérique ». En histoire, pour prendre l’exemple qui nous est le plus familier, le rapport à la documentation fut ainsi d’emblée au cœur des réflexions méthodologiques qui ont accompagné la construction des savoirs historiques en discipline et l’émergence du métier d’historien […]

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Unter Frank Castorfs Intendanz wurde an der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz ein gegenkulturelles, künstlerisches und politisches Projekt entwickelt, das sich mit dem Konsens der deutschen Einheit auseinandersetzte, um die Gegenwart in ihrer vielfältigen Konflikthaftigkeit zu befragen. In diesem Artikel untersuchen wir, was von diesem anfänglichen Erbe von 2015 bis 2019 während der Affäre geworden ist, die auf die Übernahme des Hauses durch Chris Dercon, einen belgischen Kurator aus der Kunstwelt, folgte. Sie nahm sehr schnell die Form eines Konfliktes zwischen einer lokalen Idee des Theaters, die die Gentrifizierung Berlins anprangerte, und einer internationalen Auffassung des künstlerischen Schaffens, die als neoliberal kritisiert wurde: durch eine Analyse der Kontroverse mit den methodologischen Ansätzen der pragmatischen Soziologie wird ans Licht gebracht, wie die Frage nach der DDR, der Vereinigung und der deutsch-deutschen Spaltung in der Form von widersprüchlichen Verschiebungen auftaucht. Über den Fall der Volksbühne hinaus beleuchtet diese Affäre die immer noch lebendigen Folgen der Wiedervereinigung in der sich ständig verändernden deutschen Hauptstadt., Under Frank Castorf’s direction, the Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz proposed a counter-cultural artistic and political project that sought to break with the consensus of German unification in order to question the present times in their multiple conflictualities. This article intends to analyse the role of such a legacy in the affair that followed between 2015 and 2019 Castorf’s replacement by Chris Dercon, a Belgian curator from the art world. If the conflict between the two parties took the form of a clash between a local vision of theatre, strongly opposed to Berlin’s gentrification, and an international conception of artistic creation accused of neoliberalism, a study of the controversy with the methodological tools of the pragmatic sociology shows that the question of the GDR, of unification and of their legacy appears in the form of paradoxical displacements and reconfigurations. Beyond the case of the Volksbühne, this affair shows the still vivid consequences of unification in the permanently changing German capital., Sous le mandat de Frank Castorf, la Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz a proposé un projet artistique et politique contre-culturel qui entendait rompre avec le consensus de l’unification allemande pour mieux interroger le présent dans ses conflictualités multiples. Cet article entend observer ce qu’il advient de ce héritage initial dans l’affaire qui a suivi de 2015 à 2019 le remplacement de Castorf par Chris Dercon, curateur belge issu du monde de l’art. Si le conflit entre les deux parties s’est très vite polarisé entre une vision locale du théâtre, fortement opposée à la gentrification berlinoise, et une conception internationale de la création artistique, rapidement accusée de néolibéralisme, une étude de la controverse selon les outils développés par la sociologie pragmatique montre que la question de la RDA, de l’unification et de leur héritage y apparaît sous la forme de déplacements et de reconfigurations paradoxales. Au-delà du cas de la Volksbühne, cette affaire montre les conséquences encore vives de l’unification dans la ville en permanente mutation qu’est la capitale allemande.

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In this contribution, I reflect on creation research/practice-based research/practice as research. I mostly explore the notion of the impact of such practices. I underline the fact that impact can mean various things depending on the type of projects: it can be emotional; it can be a way to influence; or it can act more subtly on the subconscious mind. But impact is always about the intention to induce change. I also discuss the difficulty, most of the time, to have a quantitative approach to impact, since it is often difficult to measure. I suggest, instead, to include a reflection on the planning of impact and its maximization before embarking on a project. I illustrate those points with various examples taken from my own practice., Dans cette contribution, j'étudie la création recherche/la recherche basée sur la pratique/la pratique comme recherche. J'explore principalement la notion d'impact de ces pratiques. Je souligne le fait que l'impact peut signifier différentes choses selon le type de projets : il peut être émotionnel, il peut être un moyen d'influencer, ou il peut agir plus subtilement sur le subconscient. Mais l'impact concerne toujours l'intention d'induire un changement. Je discute également de la difficulté, la plupart du temps, d'avoir une approche quantitative de l'impact, car il est souvent difficile à mesurer. Je suggère plutôt d'inclure une réflexion sur la planification de l'impact et sa maximisation avant de se lancer dans un projet. J'illustre ces points par divers exemples tirés de ma propre pratique.

La prosodie se réfère à la réalisation orale de la parole selon l'usage propre de la langue en général et selon la volonté de l'expression du locuteur en particulier. Les grammairiens, ne disposant pour l'étude des phénomènes prosodiques pas encore des outils techniques modernes, ne pouvaient se servir que de leur proprioception et de la comparaison avec l'étude d'autres phénomènes. Dans l'effort pour décrire les phénomènes qui leur semblent importants, les grammairiens français s'inspirent donc souvent d'autres domaines : la poésie, la rhétorique et la musique. Cet article s’intéresse à la construction de la description de la prosodie dans le domaine de la grammaire du 16e et du début du 17e siècle, et notamment aux apports et aux influences des théories et des modèles d'autres domaines., Prosody refers to the oral realization of a word that is both conventionally appropriate and apt for expression of a particular speaker meaning. Traditional grammarians, who did not have modern technical tools for the study of prosodic phenomena yet, could only use their proprioception and rely on comparison with other phenomena already studied. In their effort to describe the phenomena they considered important, French grammarians thus looked for inspiration in other fields: poetry, rhetoric and music. This article addresses the description of prosody in the grammars of the 16th and early 17th centuries, and in particular the contributions and influences of theories and models from other fields., Studia linguistica romanica 2022.7, 21-50

International audience; As a specialist of Method Acting I would like to detail here how this method came into being, what it consists of, and how, as a practitioner, an actor makes it his own and continues to develop it. I would also like to discuss, based on my experience and that of the many people I have directed, coached and taught, how an actor makes his own method through practice and reflection, based on the teachings he has received and his practice. In particular, I will consider the phenomenological dimension of this process, i.e. the elaboration of a personal method of acting based on lived experience. I will conclude by addressing three questions that are frequently asked about the method.; En tant que spécialiste de la méthode de l'Actors Studio, je voudrais détailler ici quelle a été sa genèse, puis en quoi elle consiste, et comment, en tant que praticien, un acteur la fait sienne et continue à la faire évoluer. Je voudrais aussi discuter, en partant de mon expérience et de celle des nombreuses personnes que j’ai dirigées, coachées, enseignées, de la façon dont un acteur fabrique sa propre méthode par la pratique et la réflexion, à partir des enseignements qu’il a reçus, et de sa pratique. Je considérerai notamment la dimension phénoménologique de ce processus, c’est-à-dire l’élaboration d’une méthode personnelle de jeu à partir de l’expérience vécue. Je terminerai en abordant trois questions qui sont fréquemment posées au sujet de la méthode.

International audience; Science-fictional elements are present on the western stages of the 20th and 21st centuries: science-fiction takes several forms and assumes various functions. To facilitate its study, these pages aim at clarifying the data of the problem (still rarely faced) by proposing historical, historiographical, and theoretical references. Numerous examples of shows are presented - from theater, dance, opera, and performance - in order to try to grasp the phenomenon in its complexity. This paper introduces the issue entitled “Le théâtre de science-fiction : premiers éléments de cartographie”.; Des éléments science-fictionnels sont présents sur les scènes occidentales des XXe et XXIe siècles : la science-fiction y prend plusieurs formes et y assume diverses fonctions. Afin d’en faciliter l’étude, ces pages ont pour objectif d’éclaircir les données du problème (encore rarement affronté) en proposant des repères historiques, historiographiques et théoriques. De nombreux exemples de spectacles sont présentés – ressortissant au théâtre, à la danse, à l’opéra et à la performance –, de manière à essayer de saisir le phénomène dans sa complexité. Ce texte introduit le dossier intitulé « Le théâtre de science-fiction : premiers éléments de cartographie ».

La restitution, au même titre que l'enregistrement, est une situation d'interaction qui fait partie de la pratique documentaire. Cette contribution propose quelques pistes pour penser les enjeux de cette situation de restitution et ses conditions de félicité. Elle se base sur l'expérience de restitution de la pièce sonore, "Le désensableur", qui était dans un premier temps un documentaire, puis une fiction radiophonique. La version fictionnelle ayant eu un effet plus percutant auprès de la personne initialement enregistrée, nous nous interrogerons sur les raisons de cette réception positive.

International audience; This article aims to analyse Roland Barthes’ texts on film practice. His resistance to cinema, linked to his autobiographical writing, is revealed as the impossibility of fetishizing the moving image, which must then be reduced to the photographic, thus defining the obtuse sense. However, through theconception of suspended sense, Barthes detected the emergence of cinematic modernity that, precisely, was capable of overcoming this limit; that is to say, to destroy the action-image and its temporality without stopping its movement. The choice of works by Buñuel, Bergman, Resnais, Pasolini andAntonioni establishes a conception of the suspended sense linked to the suspension of temporality and estrangement that prefigure the Deleuzian time-image. Barthes finds in modern cinema the blind spot of his analytical capacity, that of an image that suspends sense without stopping its movement.; El presente artículo pretende analizar los textos de Roland Barthes sobre la práctica cinematográfica. Su resistencia al cine, vinculada a su escritura autobiográfica, se revela como la imposibilidad de fetichizar la imagen en movimiento, que debe entonces ser reducida a lo fotográfico, definiendo así un sentido obtuso que opone lo fílmico al cine. Sin embargo, a través de la concepción del sentido suspendido, Barthes detectó el surgimiento de una modernidad cinematográfica que era capaz, precisamente, de superar ese límite; a saber, destruir la imagen-acción y su temporalidad sin detener el movimiento. La elección de obras de Buñuel, Bergman, Resnais, Pasolini y Antonioni configura una concepción del sentido suspendido vinculada a la suspensión de la temporalidad y el extrañamiento que prefiguran la imagen-tiempo deleuziana. Barthes halla en la modernidad cinematográfica el punto ciego de su capacidad analítica, la de una imagen que suspende el sentido sin detener su movimiento.

International audience; Quels sont les défis à saisir aujourd'hui dans la recherche et dans la pédagogie en art ? Construit en cinq « miroirs » entrecoupés d'intermèdes poétiques ou introspectifs, ce recueil reflète la volonté de proposer un témoignage qui s'adresse à un large public, et non seulement à des spécialistes, accompagné de l'exigence d'offrir des références issues de plusieurs champs de recherche complémentaires (musicologie, pédagogie, philosophie, sociologie, littérature...).

International audience; This collective work is made up of a dozen studies devoted to Trinité, the flagship work of Stan Musquer, a Guadeloupean painter from Nantes. This singular painting, with its marked crossbreeding, is resolutely anchored in Caribbean transmodernity. While probing the soul of societies whose past and present dynamics it questions, Trinité is linked to the evolution of art in an eminently transhistorical perspective. Crossing several angles and different modes of approach, a dozen researchers and art critics have examined this enigmatic and emblematic work of Stan's painting, to reveal its originality and complexity. The history and sociology of art, semiotics, and decolonial studies are invited to this transdisciplinary crossroads, all perspectives that will enrich the reading of this opus with its marked dialogism.; Esta obra colectiva se compone de una docena de estudios dedicados a Trinité, la obra emblemática de Stan Musquer, pintor guadalupeño de origen nantés. Esta singular pintura, con su marcado mestizaje, está decididamente anclada en la transmodernidad caribeña. Al tiempo que sondea el alma de las sociedades cuya dinámica pasada y presente cuestiona, Trinité se vincula a la evolución del arte en una perspectiva eminentemente transhistórica. Atravesando varios ángulos y diferentes modos de enfoque, una docena de investigadores y críticos de arte han examinado esta obra enigmática y emblemática de la pintura de Stan, para revelar su originalidad y complejidad. La historia y la sociología del arte, la semiótica y los estudios decoloniales están invitados a esta encrucijada transdisciplinar, perspectivas todas ellas que enriquecerán la lectura de este opus con su marcado dialogismo.; Cet ouvrage collectif est composé d’une douzaine d’études consacrées à Trinité, oeuvre-phare de Stan Musquer, peintre guadeloupéen d’origine nantaise. Cette peinture singulière, au métissage marqué, s’ancre résolument dans la transmodernité caribéenne. Tout en sondant l’âme des sociétés dont elle interroge le passé et les dynamiques actuelles, Trinité se rattache à l’évolution de l’art dans une perspective éminemment transhistorique. Croisant plusieurs angles et modes d’approche différents, une douzaine de chercheurs et critiques d’art se sont penchés sur cette oeuvre énigmatique, et emblématique, de la peinture de Stan, pour en révéler l’originalité et la complexité. À ce carrefour transdisciplinaire sont invitées l’histoire et la sociologie de l’art, la sémiotique et les études décoloniales, autant de perspectives qui féconderont la lecture de cet opus au dialogisme marqué.

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International audience; Si les magiciennes sont nommées, les femmes accusées de sorcellerie diabolique restent anonymes jusqu’à ce qu’elles soient dénoncées dans les procès pour sorcellerie où le corps devient motif d’accusation. Leur apparence change au fil des siècles et se révèle être liée à l’histoire du pouvoir.

International audience; Le volume 18 de Musique • Images • Instruments accueille Christophe Vendries comme co-responsable de cette livraison consacrée à La représentation de la musique dans l’Antiquité en proposant une sélection de communications prononcées lors de la table ronde internationale organisée en mars 2015 à son initiative à l’École française de Rome.Cette sélection de dix contributions, qui signe le rapprochement heureux des musicologues avec les historiens et les archéologues, permet de souligner les méthodes utilisées par les historiens de l’Antiquité et les archéologues pour définir leurs corpus, choisir leurs cas d’étude, se pencher sur des thèmes iconographiques particuliers aux civilisations concernées. En tenant compte des supports, des contextes rituels, politiques et sociaux, et de l’utilisation et la réception des images par les contemporains, ce volume thématique se donne pour ambition de faire connaître la continuité et les particularités de ces corpus et méthodes d’analyse à un lectorat de modernistes (musicologues, historiens, historiens de l’art) souvent confronté à la réutilisation des images antiques par les artistes et les théoriciens de la musique depuis le XVIe siècle. Plusieurs spécialistes du monde égyptien, grec, romain, étrusque, habitués à tutoyer l’archéologie, l’iconographie et la musique, étaient invités à proposer des approches diverses. On lira ici l’intégralité du dossier avec des études tantôt ciblées sur le décor d’un seul objet (l’amphore de Baratti), sur un type d’instrument de musique particulier (la cithare dite « rectangulaire » ou la cithare grecque vues par les imagiers de la Grande Grèce) et sur les représentations de l’un des instrumentistes les plus populaires dans l’Empire romain (le tibicen sur les scènes de sacrifice et le choraules des concours grecs). D’autres questionnent la relation entre l’image et l’espace cultuel (l’iconographie des colonnes du temple de Dendara), scrutent les contours d’une iconographie spécifique (celle de Dionysos), analysent la syntaxe des images et l’agencement des codes visuels (les jeux d’images autour de la lyre), énoncent les pièges de l’iconographie romaine (erreurs d’interprétation et énigmes) ou choisissent de traiter certains motifs allégoriques (les Amours musiciens). Toutes ces contributions se sont efforcées d’intégrer les avancées méthodologiques, tant dans le domaine de la musique antique que dans celui de l’iconographie, afin de faire dialoguer musique et images et mesurer sa place dans la culture visuelle des Anciens

International audience; This contribution presents the work of the three founding figures in French scholarship on music iconography. None of them was a scholar working in an academic milieu, but all of them played a prominent role in creating the foundation of this interdisciplinary field in France: Geneviève Thibault de Chambure was a musicologist, collector of music prints, manuscripts, and instruments, curator and concert organizer who initiated a public research collection of visual reproductions; Albert Pomme de Mirimonde, an autodidact art historian who published a prolific series of articles on artworks preserved mainly in French public collections; and François Lesure, a musicologist and librarian, who opened new perspectives in the sociology of music and the use of images in music studies, creating a collection of related monographs.