Search

À rebours d’un progrès technique consistant à voir les logiciels de CAO/PAO (« Conception/Publication Assistée par Ordinateur ») comme une « augmentation » mécanique des possibilités créatives, nous proposons à l’inverse de considérer ce processus, de façon générale, comme une accélération – voire comme une automatisation – de façons de faire traditionnelles. Alors que les designers utilisent au quotidien les mêmes logiciels, ont-ils pleinement conscience de leur histoire et de leurs implications ? Comment cette tendance à la normalisation s’inscrit-elle dans l’histoire des transformations techniques induites par le développement de la computation ? Pour traiter ces enjeux, nous proposons de parcourir sous forme de courtes notices problématisées une série d’objets techniques (logiciels de création, machines, etc.), classés du plus standardisant au plus ouvert. Chacun de ces items comprend trois sous-parties : une description de son caractère standardisant, une critique des valeurs qu’il embarque, et des contre-emplois (antérieurs ou postérieurs) en art et en design. Cette fausse chronologie fait écho au champ de l’« archéologie des médias », qui consiste à envisager la généalogie des techniques non pas dans une logique de progression linéaire, mais comme un examen des impasses, des similarités et des divergences de développements techniques réalisés ou non : en quoi les discours et usages dominants des technologies numériques peuvent-ils être bousculés, déjoués et transformés par des pratiques en art et en design ? Comment l’art et le design peuvent-ils donner à la critique une capacité de transformation ?

À rebours d’un progrès technique consistant à voir les logiciels de CAO/PAO (« Conception/Publication Assistée par Ordinateur ») comme une « augmentation » mécanique des possibilités créatives, nous proposons à l’inverse de considérer ce processus, de façon générale, comme une accélération – voire comme une automatisation – de façons de faire traditionnelles. Alors que les designers utilisent au quotidien les mêmes logiciels, ont-ils pleinement conscience de leur histoire et de leurs implications ? Comment cette tendance à la normalisation s’inscrit-elle dans l’histoire des transformations techniques induites par le développement de la computation ? Pour traiter ces enjeux, nous proposons de parcourir sous forme de courtes notices problématisées une série d’objets techniques (logiciels de création, machines, etc.), classés du plus standardisant au plus ouvert. Chacun de ces items comprend trois sous-parties : une description de son caractère standardisant, une critique des valeurs qu’il embarque, et des contre-emplois (antérieurs ou postérieurs) en art et en design. Cette fausse chronologie fait écho au champ de l’« archéologie des médias », qui consiste à envisager la généalogie des techniques non pas dans une logique de progression linéaire, mais comme un examen des impasses, des similarités et des divergences de développements techniques réalisés ou non : en quoi les discours et usages dominants des technologies numériques peuvent-ils être bousculés, déjoués et transformés par des pratiques en art et en design ? Comment l’art et le design peuvent-ils donner à la critique une capacité de transformation ?

À rebours d’un progrès technique consistant à voir les logiciels de CAO/PAO (« Conception/Publication Assistée par Ordinateur ») comme une « augmentation » mécanique des possibilités créatives, nous proposons à l’inverse de considérer ce processus, de façon générale, comme une accélération – voire comme une automatisation – de façons de faire traditionnelles. Alors que les designers utilisent au quotidien les mêmes logiciels, ont-ils pleinement conscience de leur histoire et de leurs implications ? Comment cette tendance à la normalisation s’inscrit-elle dans l’histoire des transformations techniques induites par le développement de la computation ? Pour traiter ces enjeux, nous proposons de parcourir sous forme de courtes notices problématisées une série d’objets techniques (logiciels de création, machines, etc.), classés du plus standardisant au plus ouvert. Chacun de ces items comprend trois sous-parties : une description de son caractère standardisant, une critique des valeurs qu’il embarque, et des contre-emplois (antérieurs ou postérieurs) en art et en design. Cette fausse chronologie fait écho au champ de l’« archéologie des médias », qui consiste à envisager la généalogie des techniques non pas dans une logique de progression linéaire, mais comme un examen des impasses, des similarités et des divergences de développements techniques réalisés ou non : en quoi les discours et usages dominants des technologies numériques peuvent-ils être bousculés, déjoués et transformés par des pratiques en art et en design ? Comment l’art et le design peuvent-ils donner à la critique une capacité de transformation ?

International audience; La démultiplication et la collecte des « données » numériques à grande échelle, sur lesquelles les citoyens n’ont que peu de « prise », prolonge, dans le champ psychique, la vieille utopie de mesurer chaque entité matérielle du monde. L’invisibilisation (la soustraction à la vue) des opérations de calcul et de traduction propre à l’informatique masque les idéologies (politiques, etc.) qui les sous-tendent : comment faire pour que le code informatique n’ait pas pour seule visée le management des êtres humains ? Pour proposer des réorientations soutenables permettant de desserrer l’emprise des données numériques, il est nécessaire d’aller à rebours des discours inscrivant l’informatique dans une évolution voire dans une révolution. Une étude « archéologique » resituant la notion de donnée depuis le cinéma (Lev Manovich) et la photographie (Vilém Flusser) fait ainsi apparaître des disjonctions entre ce qu’on pensait être nouveau et ce qui était déjà là parmi nous, en latence.

International audience; Le code informatique – cette entité invisible permettant aux programmes et interfaces numériques de fonctionner – est bien plus qu’une entité calculante. En façonnant sous forme de prescriptions les comportements humains de plus en plus finement sous forme, les programmes numériques forment un « milieu technique » spécifique. Selon l’artiste et informaticien Lev Manovich, les technologies numériques engendrent une « culture [où] la majorité des contenus sont organisées par des logiciels. Et pourtant, la plupart des professionnels de la création ne savent rien de l’histoire intellectuelle des logiciels qu’ils utilisent chaque jour ». Or le développement d’une « culture du code » (une compréhension des implications culturelles des langages formels informatiques), se heurte à son caractère énigmatique. En effet, sous couvert de rationalité, le code informatique recouvre des valeurs voire des idéologies par des couches d’abstraction chaque jour plus complexes à déplier. Si l’on entend sous le nom de culture une part de mystère, d’inexplicable pour la raison humaine, en quoi la rationalité énigmatique du code pourrait-elle menacer la possibilité même de faire culture ? Comment faire pour que l’opacité du code ne se transforme pas en gnose, en entité fermée à toute extériorité – soit donc tout le contraire d’une culture ?

International audience; L’histoire du design est traversée de tensions entre l’économie de marché et la recherche de dimensions échappant à la rentabilité et à l’utilité. Proposant une autre direction que les révoltes contre les machines des révolutions industrielles (canuts, etc.), l’artiste et écrivain William Morris souligne l’importance de penser un « art socialiste » qu’il oppose aux « articles manufacturés [qui] ne peuvent avoir aucune prétention à des qualités artistiques » (1891). L’articulation de qualités esthétiques aux objets produits par la machine est, selon Morris, la seule façon de parvenir à une « communauté d’hommes égaux ». Remplaçons « socialiste » par « designer », et nous retrouverons à presque un siècle d’intervalle cette idée d’un écart du monde des objets avec le capitalisme dans les écrits du designer Victor Papanek (1971), pour qui le bridage des activités créatives fait que « la morale et la qualité de la vie [souffrent] immensément sous notre système actuel de production de masse et de capital privé ».Dès lors, deux voies possibles s’ouvrent au designer : ignorer les mutations techniques et se laisser conduire par elles, ou y prendre part et avérer ces « poussées techniques » (Pierre-Damien Huyghe) dans des directions qui lui sembleront soutenables. Alors que les écrits du critique Ivan Illich sur la notion de « convivialité » infusent de façon plus ou moins pertinente des champs du design comme les logiciels libres, comment penser un rapport à la machine qui ne soit pas seulement de l’ordre du « par » ou du « contre », mais qui invite à « avec » ?Nous faisons ici l'hypothèse que l’art et le design ne s’opposent pas dans leur rapport à la technique. La technique ne peut jamais être totalement dominée par les forces du marché ; elle est toujours susceptible d’être déplacée et étendue. De plus, si la machine est ce qui définit en miroir non seulement la part « inhumaine » (Alexandre Saint-Jevin) mais également la part machinique de l’être humain, il est dès lors impossible d’être seulement « contre » elles. Nous verrons ainsi comment, en œuvrant avec les machines, « tout contre » elles, un « faire » reste possible. En nous appuyant sur un corpus d’œuvres d’art et de productions de design, nous analyserons les tensions entre standardisation (Lev Manovich), création et « authentification » des techniques pour penser d’autres rapports aux machines.

International audience; Prenant de l’ampleur au tournant des années 2010, les modalités d’intelligences artificielles dites d’« apprentissage profond » (deep learning) reposent sur une architecture technique structurellement opaque : le programme informatique n’est plus modélisé en amont mais résulte, par rétroaction, du couplage entre des entrées (inputs) et des sorties (outputs) « étiquetées ». En automatisant de plus en plus de tâches – y compris dans les champs de l’art et du design –, ces boîtes noires (black boxes) échappant à l’entendement humain bousculent les actuelles catégories éthiques ou morales. Mais si l’on considère que les machines, par effet de miroir, révèlent la part « inhumaine » de l’humanité, la partition humain/machine a-t-elle encore un sens ? S’inscrivant dans le dépassement de cette opposition, le travail critique des technologies du deep learning par l’art et le design montre comment des capacités considérées comme « humaines » peuvent en fait relever d’un caractère machinique. Dès lors, cela ne conduirait-il pas à remettre en cause l’expression même d’« humanités numériques » ?

International audience; Cette communication se donne pour objet d’étudier l’héritage de la Sémiologie Graphique de Jacques Bertin dans les visualisations de données contemporaines, et plus précisément dans le champ des Cultural Analytics de Lev Manovich.

International audience; Cette communication se donne pour objet d’étudier l’héritage de la Sémiologie Graphique de Jacques Bertin dans les visualisations de données contemporaines, et plus précisément dans le champ des Cultural Analytics de Lev Manovich.

International audience; This article presents the results of a field study on mobile ICT learning processes of repairers and vendors operating in the informal economy sector in Haiti. The main objective of this research was to study the emerging process of learning in an informal environment using mobile technologies employed alternately as a tool to learn and communicate and to build a professional identity. Three theoretical axes were mobilized to analyze the concept: human activity mediated by mobile technologies for learning new skills in informal situations; the influence of social context and social practices in the process of informal learning; the influence of trajectories on skills ‘development in an informal setting. This article presents the results related to the first axis concerning actions mobilized for the appropriation of mobile ICTs and learn the profession. Several actions have been listed. They are organized in a system composed of three interrelated factors that showed that learning strategies, commercial activities and instrumental processes are intrinsically related in the sense that they mutually reinforce one another.

International audience; Encore mal connue, l’ampleur des travaux du chercheur Vilém Flusser est pourtant d’une grande importance pour appréhender la situation contemporaine d’un monde numérique risquant d’aboutir à une société automatisée. Analysant la notion de programme depuis des réflexions sur les mutations de la photographie et de l’écriture, Flusser montre, au contraire, comment les artistes pourraient œuvrer au développement d’un « techno-imaginaire » capable de donner du sens à nos « vies artificielles ».

International audience; Prenant de l’ampleur au tournant des années 2010, les modalités d’intelligences artificielles dites d’« apprentissage profond » (deep learning) reposent sur une architecture technique structurellement opaque : le programme informatique n’est plus modélisé en amont mais résulte, par rétroaction, du couplage entre des entrées (inputs) et des sorties (outputs) « étiquetées ». En automatisant de plus en plus de tâches – y compris dans les champs de l’art et du design –, ces boîtes noires (black boxes) échappant à l’entendement humain bousculent les actuelles catégories éthiques ou morales. Mais si l’on considère que les machines, par effet de miroir, révèlent la part « inhumaine » de l’humanité, la partition humain/machine a-t-elle encore un sens ? S’inscrivant dans le dépassement de cette opposition, le travail critique des technologies du deep learning par l’art et le design montre comment des capacités considérées comme « humaines » peuvent en fait relever d’un caractère machinique. Dès lors, cela ne conduirait-il pas à remettre en cause l’expression même d’« humanités numériques » ?

International audience; Les modes de transmission des savoirs, encore majoritairement marqués par le modèle culturel du livre imprimé, ont pourtant été reconfigurés par le développement des réseaux de télécommunication. Alors que les « humanités numériques » ne décollent vraiment qu’avec l’émergence du Web, les chercheurs en sciences humaines et sociales sont de fait confrontés, dans leurs pratiques, à des programmes et protocoles techniques aux finalités diverses : scientifiques, commerciales, etc. Dès lors, en quoi le Web, en tant que media de production et de diffusion, peut-il nous inciter à repenser la façon dont les savoirs sont élaborés et transmis ? Que peut le design dans ces transformations des modes de recherche ?

International audience; À travers des exemples littéraires comme le Manifeste Dada, cet article cherche à montrer la place croissante occupée par les fonctionnalités logicielles dans la diffusion et la production de contenus culturels inédits. En d’autres termes, nous assistons à l’avènement d’une « culture algorithmique » qui reflète l’influence croissante du numérique et des programmes informatiques dans la production et la diffusion de produits culturels.

International audience; Le regain d’intérêt pour l’intelligence artificielle (IA) des années 2010 engendre des programmes auto-apprenants (deep learning) et potentiellement incontrôlables (black boxes). Ces IA « créatives » investissent progressivement les capacités d’invention et d’imagination, et tendent donc à se substituer aux tâches communément attribuées aux designers. Sous couvert de rentabilité, le risque est alors que le design ne devienne qu’une puissance de production de marchandises et de motifs (patterns) automatisés. Face au formatage des expériences humaines dans ce qu’elles ont de plus singulier, quelles marges de manœuvre peut-on inventer ? Des contre-pouvoirs sont-ils encore envisageables ?

International audience

International audience

International audience

International audience

International audience; Algorithmic culture, or the culture expressed by automated and particularly software-based systems, has started to garner attention only recently, when its social, cultural and economical consequences have started to become clearly perceivable. The Software Art movement between the late nineties and the early 2000s makes an impressive early analysis in this respect, elaborating on the key role that software has already played and creating plenty of critical pioneering artworks consistently tied to that new multifaceted reality. The two authors of this book, both Suisse-based, have taken up the potentially subversive aspects of algorithmic culture, especially the “automated” facets. Already in principle this is a proper answer to all the nostalgic and melancholic celebrations of one hundred years of the Dada art movement. But also in practice the book structure, designed by Raphael Verona, is aesthetically consistent with the topic and with the concept of creolization (being considerably affected by local influences). There is a main essay that spans the whole book through “connected” pages, and its references (plus more related content) are fully illustrated with images throughout the book. All of the above is alternated with a lexicon; Mechanical Turk experiments; short interviews with a small number of artists whose automated and “hybridized” practice reinforce the whole concept; and a final essay by photographer Maxime Guyon, which ends a rich and focused independent production.

International audience; Algorithmic culture, or the culture expressed by automated and particularly software-based systems, has started to garner attention only recently, when its social, cultural and economical consequences have started to become clearly perceivable. The Software Art movement between the late nineties and the early 2000s makes an impressive early analysis in this respect, elaborating on the key role that software has already played and creating plenty of critical pioneering artworks consistently tied to that new multifaceted reality. The two authors of this book, both Suisse-based, have taken up the potentially subversive aspects of algorithmic culture, especially the “automated” facets. Already in principle this is a proper answer to all the nostalgic and melancholic celebrations of one hundred years of the Dada art movement. But also in practice the book structure, designed by Raphael Verona, is aesthetically consistent with the topic and with the concept of creolization (being considerably affected by local influences). There is a main essay that spans the whole book through “connected” pages, and its references (plus more related content) are fully illustrated with images throughout the book. All of the above is alternated with a lexicon; Mechanical Turk experiments; short interviews with a small number of artists whose automated and “hybridized” practice reinforce the whole concept; and a final essay by photographer Maxime Guyon, which ends a rich and focused independent production.

International audience; Algorithmic culture, or the culture expressed by automated and particularly software-based systems, has started to garner attention only recently, when its social, cultural and economical consequences have started to become clearly perceivable. The Software Art movement between the late nineties and the early 2000s makes an impressive early analysis in this respect, elaborating on the key role that software has already played and creating plenty of critical pioneering artworks consistently tied to that new multifaceted reality. The two authors of this book, both Suisse-based, have taken up the potentially subversive aspects of algorithmic culture, especially the “automated” facets. Already in principle this is a proper answer to all the nostalgic and melancholic celebrations of one hundred years of the Dada art movement. But also in practice the book structure, designed by Raphael Verona, is aesthetically consistent with the topic and with the concept of creolization (being considerably affected by local influences). There is a main essay that spans the whole book through “connected” pages, and its references (plus more related content) are fully illustrated with images throughout the book. All of the above is alternated with a lexicon; Mechanical Turk experiments; short interviews with a small number of artists whose automated and “hybridized” practice reinforce the whole concept; and a final essay by photographer Maxime Guyon, which ends a rich and focused independent production.

International audience

International audience; Apparus au cours des années quatre-vingt, les joypads sont devenus l’interface de prédilection pour jouer sur console du fait de leur flexibilité et de leur confort manuel. Suivant les marques, les générations de produits et les types de jeux proposés, des centaines de modèles ont vu le jour.À l’heure de la rupture due aux interfaces gestuelles, ce livre retrace l’évolution des joypads dans le temps. En s’appuyant sur des documents historiques, des interviews de designers et sur l’exploration de la filiation entre manettes elles-mêmes, l’ouvrage décrit les principaux facteurs qui ont influencé leur conception.Par ce travail, les auteurs montrent que les joypads ne sont pas juste un simple périphérique, mais qu’ils sont une manière originale d’aborder l’histoire et la culture des jeux vidéo.

International audience; Apparus au cours des années quatre-vingt, les joypads sont devenus l’interface de prédilection pour jouer sur console du fait de leur flexibilité et de leur confort manuel. Suivant les marques, les générations de produits et les types de jeux proposés, des centaines de modèles ont vu le jour.À l’heure de la rupture due aux interfaces gestuelles, ce livre retrace l’évolution des joypads dans le temps. En s’appuyant sur des documents historiques, des interviews de designers et sur l’exploration de la filiation entre manettes elles-mêmes, l’ouvrage décrit les principaux facteurs qui ont influencé leur conception.Par ce travail, les auteurs montrent que les joypads ne sont pas juste un simple périphérique, mais qu’ils sont une manière originale d’aborder l’histoire et la culture des jeux vidéo.

International audience; Apparus au cours des années quatre-vingt, les joypads sont devenus l’interface de prédilection pour jouer sur console du fait de leur flexibilité et de leur confort manuel. Suivant les marques, les générations de produits et les types de jeux proposés, des centaines de modèles ont vu le jour.À l’heure de la rupture due aux interfaces gestuelles, ce livre retrace l’évolution des joypads dans le temps. En s’appuyant sur des documents historiques, des interviews de designers et sur l’exploration de la filiation entre manettes elles-mêmes, l’ouvrage décrit les principaux facteurs qui ont influencé leur conception.Par ce travail, les auteurs montrent que les joypads ne sont pas juste un simple périphérique, mais qu’ils sont une manière originale d’aborder l’histoire et la culture des jeux vidéo.

International audience

International audience

International audience; In the last five years, the urban computing field has featured an impressive emphasis on the so-called “real-time, database-enabled city” with its synchronized Internet of Things. In Situated Technologies Pamphlets 5, Julian Bleecker and Nicholas Nova argue to invert this common perspective and speculate on the existence of an “asynchronous city.” Through a discussion of objects that blog, they forecast situated technologies based on weak signals that show the importance of time on human practices. They imagine the emergence of truly social technologies that through thoughtful provocation can invert and disrupt common perspective.

International audience; In the last five years, the urban computing field has featured an impressive emphasis on the so-called “real-time, database-enabled city” with its synchronized Internet of Things. In Situated Technologies Pamphlets 5, Julian Bleecker and Nicholas Nova argue to invert this common perspective and speculate on the existence of an “asynchronous city.” Through a discussion of objects that blog, they forecast situated technologies based on weak signals that show the importance of time on human practices. They imagine the emergence of truly social technologies that through thoughtful provocation can invert and disrupt common perspective.

International audience; In the last five years, the urban computing field has featured an impressive emphasis on the so-called “real-time, database-enabled city” with its synchronized Internet of Things. In Situated Technologies Pamphlets 5, Julian Bleecker and Nicholas Nova argue to invert this common perspective and speculate on the existence of an “asynchronous city.” Through a discussion of objects that blog, they forecast situated technologies based on weak signals that show the importance of time on human practices. They imagine the emergence of truly social technologies that through thoughtful provocation can invert and disrupt common perspective.

International audience; La science-fiction, dans sa version littéraire ou cinématographique, a depuis longtemps alimenté les visions technologiques en mettant en scène toutes sortes d’objets « futuristes ». Voitures volantes, vaisseaux spatiaux, stations orbitales et autres robots humanoïdes ont ainsi formé l’ossature de bien des récits. Pour autant, ces artefacts emblématiques semblent absents de notre vie de tous les jours, comme si l’avenir décrit depuis une soixantaine d’années était sans cesse repoussé. Ce qui n’empêche pas certains de continuer à répéter ces mêmes mythes, comme victimes d’une panne d’imaginaire.Doit-on se cantonner à ces visions du futur ? Des imaginaires alternatifs ne sont-ils pas en cours de construction ? Est-ce que cet avenir technologique n’est pas advenu autrement ? Cet ouvrage aborde ces différentes questions et montre comment d’autres champs que la science-fiction explorent des futurs possibles. En s’intéressant à notre rapport aux objets numériques, il montre ainsi comment artistes, designers, programmeurs ou architectes permettent un renouveau des imaginaires technologiques.

International audience; À travers des exemples littéraires comme le Manifeste Dada, cet article cherche à montrer la place croissante occupée par les fonctionnalités logicielles dans la diffusion et la production de contenus culturels inédits. En d’autres termes, nous assistons à l’avènement d’une « culture algorithmique » qui reflète l’influence croissante du numérique et des programmes informatiques dans la production et la diffusion de produits culturels.

International audience; Le regain d’intérêt pour l’intelligence artificielle (IA) des années 2010 engendre des programmes auto-apprenants (deep learning) et potentiellement incontrôlables (black boxes). Ces IA « créatives » investissent progressivement les capacités d’invention et d’imagination, et tendent donc à se substituer aux tâches communément attribuées aux designers. Sous couvert de rentabilité, le risque est alors que le design ne devienne qu’une puissance de production de marchandises et de motifs (patterns) automatisés. Face au formatage des expériences humaines dans ce qu’elles ont de plus singulier, quelles marges de manœuvre peut-on inventer ? Des contre-pouvoirs sont-ils encore envisageables ?

International audience