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Im Rahmen des künstlerischen Forschungsprojektes «Unsichtbares und Ungesagtes» sind 10 Gespräche mit internationalen feministischen Regiepersonen entstanden, die sich mit der Frage einer feministischen Ästhetik im zeitgenössischen Kino auseinandersetzen. Gibt es aktuell eine neue Generation feministischer Filmemacherinnen? Inwieweit wird an den Filmästhetiken eine feministische Haltung sichtbar? Die Regisseurin und künstlerische Forscherin Bernadette Kolonko ist diesen und weiteren Fragen im Modus des sich Versammelns, des Zuhörens und des Austausches nachgegangen, um sowohl die filmkünstlerische Arbeit der Interviewten, als auch das gegenwärtige Kino unter dem Aspekt eines Female*Feminist*Gaze zu reflektieren. Mitwirkende: Susanne Heinrich, Laura Bispuri, Kamila Andini, Ester Maria Bergsmark, Anna Sofie Hartmann, Valérie Massadian, Teona Strugar Mitevska, Maryam Touzani, Katharina Wyss und Maura Delpero

В статті надано аналіз розвитку українського історичного кіно початку ХХІ століття через призму формування жанру в новітніх соціально-економічних та політичних умовах. Розглядається визначення історичного кіно, його основні риси, проблема ідентичного відображення реальних подій в ігрових фільмах.Автор узагальнює і доповнює визначення історичного кіно як жанру кіномистецтва, визначає його головні риси. Історичний художній фільм має свої особливості і одна із головних полягає в тому, що він не повинен відображати події минулого, або сьогодення із повною історичною документальністю, зберігаючи в той же час так званий «дух епохи» завдяки костюмам, локаціям, реквізиту, мові. Завдання цього жанру полягає в показі героїв, або героя на тлі епохи, історичних подій через світосприйняття окремих осіб, які можуть бути реальними, так і результатом режисерського вимислу. Художній історичний фільм виглядає як твір на історичну тему, у якому присутні реальні і надумані персонажі, останні при тому можуть бути головними героями, а реальні другорядними. Це твір насичений не стільки спробами екранізувати події на документальній підставі, скільки реконструювати певні історичні події на основі документів, але із авторським-режисерським прочитанням.У статті охарактеризовано українські кінострічки засновані на історичних подіях, розглядається проблема достовірності історичних процесів, відображених в українському кінематографі, особливості формування образу героя. Історичні фільми є незамінним елементом в процесі національно-патріотичного виховання, відображенні історичних подій, які були довгий час замовчувані офіційною історичною наукою за радянських часів, засобом формування національної ідентичності та історичної пам’яті., The article provides an analysis of the development of Ukrainian historical cinema at the beginning of the XXI century through the prism of genre formation in the latest socio-economic and political conditions. The definition of historical cinema, its main features, the problem of identical reflection of real events in feature films are considered.The author summarizes and complements the definition of historical cinema as a genre of cinematography, defines its main features. A historical feature film has its own characteristics and one of the main is that it should not reflect the events of the past or present with full historical documentation, while maintaining the so-called «spirit of the era» through costumes, locations, props, language. The task of this genre is to show the heroes, or the hero against the background of the era, historical events through the worldview of individuals, which may be both real, and the result of director’s imagination. A feature historical film looks like a work on a historical theme, in which there are real and fictional characters, the latter can be the main characters, and the real - supporting. This work is full not so much of attempts to screen events on the documentary basis, as to reconstruct certain historical events on the basis of documents, but with an author’s-director’s viewing.The article describes Ukrainian films based on historical events, considers the problem of reliability of historical processes reflected in Ukrainian cinema, the peculiarities of the formation of the image of a hero. Historical films are an indispensable element in the process of national-patriotic education, a reflection of historical events that have long been silenced by official historical science in Soviet times, a means of forming national identity and historical memory.

In the closing scene of The Last of Us (2016), we see the torso of a young black man who stands naked before a clearing in the forest. As he gazes out at a cascade of water tumbling down to a rocky pool below, the young man's image gradually fades away, absorbed into the landscape. Nothing about this scene, from the blackness of the protagonist to the coniferous forest, has any clear reference point in Tunisian national cinema. Indeed, director Ala Eddine Slim has expressed distaste for being classified as a regional filmmaker, preferring that his work be seen as international, transcending borders. And yet, to the familiar eye, this film belongs unmistakably to Tunisia's postrevolutionary political transition, a time fraught with unpredictable shifts in national identity and the contours of the state. Slim is part of a new generation of Tunisian filmmakers who have won critical acclaim on the international festival circuit since the 2011 revolution. More than a burst of creative energy released by the demise of autocratic rule, their experimental aesthetic emerges, in part, from struggles within Tunisian filmmaking establishment that have shaped the conditions of production under political transition. In this essay, I track the intergenerational conflicts that have prompted to the recent extroversion of young Tunisian filmmakers, who have set their sights beyond the nation for funding and recognition.

Spielfilme weisen ein enormes Quellenpotential für historische Studien auf, das lange Zeit in der historischen Forschung unterschätzt wurde. Aufgrund der engen Wechselbeziehung zwischen dem Medium Film und den Zuschauern als Zielgruppe fungieren Spielfilme zum einen als Spiegel tatsächlicher Begebenheiten und Mentalitäten und zum anderen als Mittel zur allgemeinen Beeinflussung. Gerade in den 1950er-Jahren hatte das Kino zudem einen zentralen Stellenwert für das gesellschaftliche und kulturelle Leben, der weit über den heutigen hinaus geht. Vor diesem Hintergrund werden in der vorliegenden Arbeit auf Basis dreier Arztspielfilme folgende Fragen untersucht: Wie wurde die medizinische Praxis im Spielfilm des ersten Nachkriegsjahrzehnts dargestellt? Welches übergeordnete Medizinbild wurde dem Kinopublikum vermittelt - besonders unter dem Eindruck der NS-Vergangenheit? Welche Auffassungen hatte die Nachkriegspopulation gemäß den Filmen von Krankheit und Heilung unter besonderer Berücksichtigung ihrer sozialen Komponente? Als Untersuchungsgegenstand wurden die Filme Oberarzt Dr. Solm (1954/55) von Paul May, Frucht ohne Liebe (1955/56) von Ulrich Erfurth und Arzt ohne Gewissen – Privat-Klinik Prof. Lund (1959) von Falk Harnack ausgewählt, um ein breites Spektrum der medizinischen Praxis abzudecken. So kommen mit der Schizophrenie, der unfreiwilligen Kinderlosigkeit der Frau und der schweren Herzerkrankung drei verschiedene Kategorien von Krankheiten - psychische, gesellschaftlich konstruierte und organische - zur Darstellung sowie jeweils eine innovative Therapiemethode als Behandlungsoption - Lobotomie bzw. Leukotomie, künstliche Befruchtung bzw. AID (artificial insemination, donor) und Herztransplantation., Feature films contain an enormous potential as sources for historical investigations, which has been underestimated in historical research for a long time. Because of the close interrelation between film as a medium and the audience as target group feature films serve as a mirror of actual facts and mentalities on the one hand and as a tool to influence the general public on the other hand. Particularly in the 1950s cinema was of central value for social and cultural life which exceeded today‘s status by far. In this context, in the present thesis the following issues are scrutinized on the basis of three medical-themed feature films: How was medical practice depicted in feature films of the first post-war decade? What overriding conception of medicine was conveyed to the audience - especially under the impression of the National Socialist past? What perceptions of illness and curing prevailed in the post-war population with special regard to their social component according to the films? The feature films Oberarzt Dr. Solm (1954/55) by Paul May, Frucht ohne Liebe (1955/56) by Ulrich Erfurth and Arzt ohne Gewissen – Privat-Klinik Prof. Lund (1959) by Falk Harnack where chosen as objects of investigation to cover a wide range of medical practice. Thus, with schizophrenia, women’s involuntary childlessness and severe heart conditions three different categories of illnesses - psychological, socially constructed and physical ones - as well as an innovative treatment as a therapeutical option in each instance - lobotomy or leucotomy, artificial insemination or rather AID (artificial insemination, donor) and heart transplants - are portrayed in the films.

Leseprobe ----- Zusammenfassung Anhand von zwei Spiel- und einem Dokumentarfilm setzt sich der Beitrag mit der filmischen Inszenierung sozialer Im/Mobilitat auseinander. Den Ausgangspunkt bildet die These, dass das meritokratische Versprechen eines sozialen Aufstiegs durch Leistung im Kino der Gegenwart irritiert und auf unterschiedliche Weise hinterfragt und problematisiert wird. Nicht nur die Inhalte der Filme, sondern auch die formale Gestaltung weisen ein Spannungsverhaltnis zwischen linearen, narrativen Verlaufen und szenischen Gefugen auf, das wir anhand der Filme Parasite (Sudkorea 2019, Regie: Bong Joon-ho,), Hillbilly Elegy (USA 2020, Regie: Ron Howard) und Jetzt oder Morgen? (Osterreich 2020, Regie: Lisa Weber) untersuchen. Methodisch lasst sich der Beitrag von den affekttheoretischen Thesen der Kultur- und Literaturwissenschaftlerin Lauren Berlants anleiten, die sie in ihrem 2011 erschienenen Buch Cruel Optimism entwickelt hat. Schlusselworter: Meritokratie, Soziale Mobilitat, Klasse, Affekt, Narration ----- On the failure to advance and crisis as a permanent state: Scenes of social im/mobility in contemporary post-meritocratic cinema Summary Based on two feature films and a documentary, Parasite (South Korea 2019, Bong Joon-ho), Hillbilly Elegy (USA 2020, Ron Howard), and Jetzt oder Morgen? (Austria 2020, Lisa Weber), this article examines the cinematic staging of social im/mobility. The underlying thesis is that the meritocratic promise of social advancement through achievement is disrupted, called into question and problematized in contemporary cinema in different ways. Not only the content of these films but also their formal design points to a tension between linear, narrative progressions and scenic structures. The article applies the affect-theoretical approach which the cultural and literary scholar Lauren Berlant developed in her book Cruel Optimism from 2011. Keywords: meritocracy, social mobility, class, affect, narration ----- Bibliographie: Seier, Andrea/Trinkaus, Stephan: Vom Ausbleiben des Aufstiegs und der Krise als Dauer: Szenen sozialer Im/Mobilitat im postmeritokratischen Kino der Gegenwart, GENDER – Zeitschrift fur Geschlecht, Kultur und Gesellschaft, 3-2021, S. 74-88. https://doi.org/10.3224/gender.v13i3.06 ----- Open-Access-Lizenz: Dieser Beitrag ist ab dem 12.10.2023 im Open Access unter der Creative-Commons-Lizenz CC BY 4.0 (Namensnennung 4.0 International) verfugbar. Weitere Informationen zur Lizenz und den Nutzungsbedingungen finden Sie hier .

Der Beitrag widmet sich der filmgeschichtlichen Entwicklung von Transgeschlechtlichkeit. Ein Cinema of Gender Role Change wird von einem eher zeitgenössischen Transgender Cinema unterschieden. Während ersteres auf temporäre Rollenwechsel fokussierte, thematisiert das Transgender Cinema transgeschlechtliche Betroffenheiten. Anhand der fünf publikumswirksamen Spielfilme The Danish Girl (2015), Tomboy (2011), Transamerica (2005), Boys Don’t Cry (1999) und Ma Vie en Rose (1997) werden einige dramaturgische und visuelle Darstellungsmuster des Transgender Cinema beschrieben und hinsichtlich der Frage reflektiert, inwiefern sie zu Deutungen anregen, die die binäre Geschlechterordnung reifizieren bzw. subvertieren. Eine besondere Auseinandersetzung findet das Motiv des Spiegels, das in zeitgenössischen Transgender-Filmen wiederholt eingesetzt wird.

Der vorliegende Artikel versteht sich als ein Beitrag zur Diskussion über die Bedeutung und die Möglichkeiten der Präsentation von historischen Inhalten (insbesondere von sog. Erinnerungsor- ten) im Kontext des Lehrens und Lernens fremder Sprachen. Sein Ziel ist die Reflexion über die Möglichkeiten der Förderung des Interesses von Lernenden sowie über Aktivitäten, die zur Inten- sivierung von ihren Lernprozessen beitragen. Als Beispiel dienen hier zwei Studienfahrten nach Halle (Saale), der Besuch von sich dort befindenden Gedenkstätten (dem ehemaligen Gefängnis Roter Ochse und dem Gertraudenfriedhof), Arbeit mit Dokumenten (darunter mit Gerichtsakten), literarischen Texten und auf historischen Fakten basierenden Spielfilmen. 14 35 59 tekst i dyskurs – text und diskurs

Since SS camp personnel obeyed the strict prohibition against photography in Nazi annihilation, concentration, and work camps, the footage that Allied cameramen shot in such camps during and shortly after their liberation filled this void in visual documentation. Thus, what we imagine went on in Nazi camps while in operation has been shaped by pictures that document their very last stages. So, though the arrival of Allied soldiers was a turning point for survivors, the film that Allied cameramen shot in those days tells us more about the effects of Nazi terror than about survivors’ liberation from it.

Spielfilme stellen für die meisten Lernenden ein attraktives Medium dar, das ein großes Potenzial für sprachliches, interkulturelles, filmästhetisches sowie mediales Lernen besitzt. In der Fremdsprachendidaktik wurden exakte Kriterien für die Filmauswahl sowie vielfältige Methoden zum produktiven Umgang mit Film-werken entwickelt. Trotzdem werden Spielfilme im schulischen Fremdsprachenunterricht relativ selten eingesetzt und noch seltener evaluiert. Das Ziel des vor-liegenden Beitrags ist deshalb, neben einer theoretischen Auseinandersetzung mit der Filmdidaktik, Evaluationsergebnisse eines schulischen Filmprojekts anzwei PASCH-Schulen und zwei deutschen bilingualen Gymnasien in der Slowakei zu präsentieren. Mittels didaktischer Tests wurden Effekte der Filmarbeit auf die Wortschatzerweiterung, den Ausbau des kulturspezifischen Hintergrundwissens sowie den Einfluss auf die "Filmlesefähigkeit" erhoben. Überdies wurden mit je-der Schülergruppe Interviews zu subjektiven Lernerfahrungen durchgeführt. Die Testergebnisse weisen auf positive Effekte hin, die durch die qualitativen Daten noch differenzierter betrachtet werden können.

Die Auseinandersetzung mit der Transgenderthematik auf politischer, gesellschaftlicher und kultureller Ebene wird immer wieder auch medial verhandelt. Um Verständnis und Akzeptanz zu fördern und Diskriminierung und Transphobie entgegenzuwirken, gilt es, das Thema auch pädagogisch aufzuarbeiten. Die Thematik wird aus medizinischer, gesellschaftlicher und rechtlicher Perspektive dargelegt, um anschließend aufzuzeigen, inwiefern sie in der Lebenswelt von Jugendlichen und in der Schule vertreten ist. Dabei wird offensichtlich, dass hinsichtlich pädagogischer Ansätze in der Schule Nachholbedarf besteht. Um Jugendliche für die Identitätsherausforderungen von Transgendern zu sensibilisieren, eignet sich der US-amerikanische Spielfilm „Trans­america“, welcher hier insbesondere im Hinblick auf die Identitätsherausforderungen der Hauptcharaktere medienpädagogisch analysiert wird. In der abschließenden medienpädagogischen Einschätzung wird erörtert, inwiefern der Film auch im Unterricht eingesetzt werden kann., Medienwelten – Zeitschrift für Medienpädagogik, Nr. 6 (2016): Transgender

Die Fachbibliografie konzentriert sich auf Beiträge, welche die Filmbildung im Schulfach Deutsch (als sog. Muttersprache ) ab 1945 betreffen. Eher fachwissenschaftliche oder medienpädagogische Beiträge wurden nur in Ausnahmefällen mitbibliografiert. Teilkommentiert bietet sie zahlreiche Recherchemöglichkeiten. Bremen

Die hier veröffentlichten Ausführungen »Über das Dokumentarische« wollen nicht begrifflich erläutern, was das Dokumentarische ist und was es vom Fiktiven unterscheidet, sondern was dem Film selbst als dokumentarisch gilt und wie das Dokumentarische filmisch hergestellt wird. Ein wesentlicher Unterschied zwischen Spielfilm und Dokumentarfilm ist dabei der Unterschied zwischen einer antizipierenden und einer verfolgenden Kamera., The remarks »On the Documentary« that are published here are not supposed to explain conceptually what exactly the documentary is and by which means it can be distinguished from the fictive, but what the film itself counts to be documentary and how the documentary is produced by film. An essential difference between fictional and documentary film is the difference between an anticipating and a pursuing camera.

Die vorliegende Untersuchung präsentiert am Beispiel des deutschen Kinomarkts die Ergebnisse eines Screening-Ansatzes verschiedener Social-Media-Metriken und -Kanäle. Ziel der Studie ist es zum einen, jene Kommunikationskanäle zu identifizieren, die eine signifikante Absatzwirkung aufweisen. Weiterhin werden die Wechselwirkungen zwischen dem Kommunikationsumfang einzelner Kommunikationskanäle im Zeitverlauf untersucht. Zu diesem Zweck werden autokorrelative sowie kreuzverzögerte Effekte für einen Zeitraum von zwölf Wochen vor dem Kinostart synchron modelliert. Bislang werden Kommunikationsprozesse vor der Markteinführung in Erfolgsfaktorenmodellen für Medienprodukte – ebenso wie in der Diffusionsforschung generell – vernachlässigt. Der Ansatz erlaubt es, Pfadabhängigkeiten im zeitlichen Verlauf unterschiedlicher Kommunikationsangebote zu untersuchen und gibt einen Einblick in deren Wachstumsprozess. Durch Reduktion auf relevante Kommunikationsindikatoren und deren Ausprägung zu frühen Zeitpunkten lässt sich Social-Media-Kommunikation als zusätzliche erklärende Variable in Prognosemodelle für Medienprodukte und andere Vertrauensgüter integrieren., The study examines the pre-release promotional strategies of movies introduced in Germany. These strategies are analyzed with respect to various social media metrics and the channels of communication employed. It aims to identify those pre-release social media channels and indicators that significantly influence sales. Lagged and cross-lagged effects are modeled synchronously for a period of twelve weeks before the theatrical release. Until now, communication processes before the launch have been understudied in comparable success factor and diffusion models. The approach thus allows insights in path dependencies between different social media metrics and their growth process. This is of particular relevance for forecast models, as it allows focusing on relevant indicators and points in time, leading to more parsimonious models.

"Die soziologische Forschung hat die Spielfilmanalyse als Erkenntnismittel zur Gesellschaftsanalyse bisher weitgehend vernachlässigt. Die vorliegende Analyse reiht sich in die aktuellen Bemühungen ein, eine visuelle Soziologie, einschließlich einer Filmsoziologie zu etablieren. Anhand der Ergebnisse eines Forschungsprojektes zur kulturellen Fundierung der Familien- und Geschlechterordnung wird diskutiert, welchen Beitrag Spielfilmanalysen für die soziologische Forschung leisten können. Dafür wird eine Analyse der Filme 'Das doppelte Lottchen' (1950, Regie: Josef v. Baky) und einer seiner Remakes 'Charlie und Louise. Das doppelte Lottchen' (1994, Regie: Joseph Vilsmaier) vorgestellt. Die Spielfilme werden als 'diskursive Ereignisse' in öffentlichen Diskursen verstanden. Die entwickelte Methode knüpft an die wissenssoziologische Diskursanalyse (WDA) an und erweitert sie um audiovisuelle Methoden, insbesondere dient die dokumentarische Videoanalyse als 'Werkzeugkasten'. Herausgearbeitet wird, welche diskursiven Deutungsangebote die Filme dem Publikum hinsichtlich der Lebensform anbieten: Trotz Pluralisierung der Lebensformen konstruieren beide Filme die vollständige Kernfamilie als Ideal und schreiben damit die kulturelle Leitidee einer vermeintlich universellen und vollständigen Eltern-Kind-Familie fort. Die Scheidung der Eltern wird im 1950er-Jahre-Film tabuisiert, im 1990er-Jahre-Film fungiert sie hingegen als Ausgangspunkt der filmischen Erzählung. In dieser Hinsicht lassen sich diskursive Verschiebungen hin zu einer Institutionalisierung und Normalisierung von Trennung und Scheidung aufzeigen, die kulturelle Leitidee der intakten und harmonischen Kernfamilie wird jedoch nicht hinterfragt, sondern im Diskurs aktualisiert." (Autorenreferat) "Sociological research has so far largely underestimated the potential of film analysis as a means of analyzing societal change. The findings presented in this article are part of current efforts to establish a visual sociology, and specifically a sociology of film. Based on a research project on the cultural foundations of the family and gender order, the article is centered on the potential contribution of film analysis for sociological enquiry. For this purpose, it introduces research on the films Das doppelte Lottchen ('Two Times Lotte', 1950, director: Josef von Baky) and its remake Charlie und Louise. Das doppelte Lottchen (1994, director: Joseph Vilsmaier). Both movies are understood as 'discursive events' within broader public discourses. The author's methodology draws on a sociology of knowledge approach to discourse analysis and takes it further by applying audio-visual methods. Documentary video analysis serves as a particularly important toolkit. The article examines the interpretative options with respect to different ways of private life that these movies discursively offer. Both films deny the widely observed social developments towards a pluralization of ways of private life and support an ideal image of the nuclear family. In the 1950 film, the parents' divorce is considered unacceptable, whereas the 1994 remake takes the separation as the starting point of its narration. This discursive transformation can be interpreted as an institutionalization and normalization of separation and divorce. However, the general cultural principle of an intact and harmonious family is not challenged, but rather discursively updated, affirmed and reproduced." (author's abstract)

Gängige Konzepte der Filmbildung werden vorgestellt und in ihren pädagogischen Implikationen diskutiert. Dabei wird kritisch auf das Kanon-Konzept eingegangen sowie auf den vom Autor favorisierten Ansatz, Spielfilme auch als Gegenstand einer narrativen Pädagogik zu verstehen. Concepts of “Filmbildung“ (film education) and educational aversion to the visual sense Common concepts of film education are presented and discussed in their pedagogical implications. In particular, the canon concept is presented as well as the approach favored by the author to understand films as a subject of a narrative educational theory., Medienwelten – Zeitschrift für Medienpädagogik, Nr. 3 (2014): Medienpädagogik vorgestellt: Filmbildung und narrative Pädagogik (TU Dresden)

"The article deals with stylising State Security, by the examples of the DEFA spy films 'Reserviert für den Tod' (Spared for Death, 1963), 'For Eyes only - Streng Geheim' (For Eyes only - Strictly Confidential, 1963) and 'Schwarzer Samt' (Black Velvet, 1964). The author analyses by way of which narratives and stylistic means the MfS was presented in the early 1960s. Topically, these films reproduce all those threat scenarios employed by the SED propaganda to justify the building of the Wall. At the same time State Security acts as an almighty secret service always ready for the defence which is not used to control the population but rather protects it from imminent danger." (author's abstract)

Das titelgebende Zitat von Volker Braun kann als poetische Quintessenz eines vielschichtigen Verständnisses von Arbeit in der DDR gelten. In ihm enthalten sind ein identifikatorisches Verhältnis zur Arbeit, die utopische Bestimmung von Arbeit als nicht entfremdete, schöpferische und ästhetische Tätigkeit sowie eine vom Staatsapparat erzwungene Disziplinierung durch Arbeit. In der vorliegenden Dissertation werden die Inszenierungen von Arbeit und Geschlecht in künstlerischen Diskursen der Dramatik und des Spielfilms der DDR im Zeitraum 1961 bis 1990 analysiert. Die Theatertexte und Filme werden hinsichtlich ihrer Konstruktion von Arbeit, den darin enthaltenen geschlechtsspezifischen Konnotationen sowie den damit verbundenen künstlerischen Inszenierungsstrategien untersucht. Die metaphysischen Bestimmungen von und Zuweisungen an Arbeit werden unter einer poststrukturalistischen Perspektive als historische Konstrukte gefasst, die bestimmter kultureller Moral- und Wertvorstellungen bedürfen, um sich zu entfalten, und gleichzeitig diese Vorstellungen beständig erzeugen und bestärken. In einem Ausblick auf die künstlerischen Arbeiten von ostdeutschen DramatikerInnen und FilmemacherInnen nach 1990 werden die Brüche und Kontinuitäten in der Inszenierung von Arbeit und Geschlecht nach dem Ende der DDR aufgezeigt. Die Dissertation ist das Ergebnis einer Zusammenarbeit. Peggy Mädler übernahm die Analyse der Theatertexte und Bianca Schemel führte die Untersuchung der Spielfilme durch. The citation of Volker Braun that gives this publication its title can be read as the poetic quintessence of a multilayer understanding of work in the GDR. It transports an identificatory relationship to work, the utopian designation of work as not alienated, creative and aesthetic activity as well as the disciplinary role of work that is enforced within the state apparatus. In the dissertation at hand, the performances of work and gender in the artistic discourses of drama and film of the GDR between 1961 and 1990 are analysed. The theatre texts and films are examined with regard to their construction of work, the gender specific connotations contained therein and the associated artistic staging strategies. The metaphysical designations of and assignations to work are conceived of, from a poststructural perspective, as historic constructs that require specific moral concepts and cultural ideals to unfold themselves, and at the same time incessantly produce and reinforce these notions. In an outlook on the artistic works of eastern German dramatists and filmmakers after 1990, the ruptures and continuities in the performance of work and gender after the end of the GDR are brought into focus. The dissertation is the outcome of a collaboration. Peggy Mädler undertook the analysis of the theatre texts and Bianca Schemel conducted the examination of the feature films.

Das titelgebende Zitat von Volker Braun kann als poetische Quintessenz eines vielschichtigen Verständnisses von Arbeit in der DDR gelten. In ihm enthalten sind ein identifikatorisches Verhältnis zur Arbeit, die utopische Bestimmung von Arbeit als nicht entfremdete, schöpferische und ästhetische Tätigkeit sowie eine vom Staatsapparat erzwungene Disziplinierung durch Arbeit. In der vorliegenden Dissertation werden die Inszenierungen von Arbeit und Geschlecht in künstlerischen Diskursen der Dramatik und des Spielfilms der DDR im Zeitraum 1961 bis 1990 analysiert. Die Theatertexte und Filme werden hinsichtlich ihrer Konstruktion von Arbeit, den darin enthaltenen geschlechtsspezifischen Konnotationen sowie den damit verbundenen künstlerischen Inszenierungsstrategien untersucht. Die metaphysischen Bestimmungen von und Zuweisungen an Arbeit werden unter einer poststrukturalistischen Perspektive als historische Konstrukte gefasst, die bestimmter kultureller Moral- und Wertvorstellungen bedürfen, um sich zu entfalten, und gleichzeitig diese Vorstellungen beständig erzeugen und bestärken. In einem Ausblick auf die künstlerischen Arbeiten von ostdeutschen DramatikerInnen und FilmemacherInnen nach 1990 werden die Brüche und Kontinuitäten in der Inszenierung von Arbeit und Geschlecht nach dem Ende der DDR aufgezeigt. Die Dissertation ist das Ergebnis einer Zusammenarbeit. Peggy Mädler übernahm die Analyse der Theatertexte und Bianca Schemel führte die Untersuchung der Spielfilme durch. The citation of Volker Braun that gives this publication its title can be read as the poetic quintessence of a multilayer understanding of work in the GDR. It transports an identificatory relationship to work, the utopian designation of work as not alienated, creative and aesthetic activity as well as the disciplinary role of work that is enforced within the state apparatus. In the dissertation at hand, the performances of work and gender in the artistic discourses of drama and film of the GDR between 1961 and 1990 are analysed. The theatre texts and films are examined with regard to their construction of work, the gender specific connotations contained therein and the associated artistic staging strategies. The metaphysical designations of and assignations to work are conceived of, from a poststructural perspective, as historic constructs that require specific moral concepts and cultural ideals to unfold themselves, and at the same time incessantly produce and reinforce these notions. In an outlook on the artistic works of eastern German dramatists and filmmakers after 1990, the ruptures and continuities in the performance of work and gender after the end of the GDR are brought into focus. The dissertation is the outcome of a collaboration. Peggy Mädler undertook the analysis of the theatre texts and Bianca Schemel conducted the examination of the feature films.