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Il saggio prende in esame alcune presenze di dipinti astrattisti sui set di film girati e ambuentati a Milano nel corso degli anni sessanta, analizzandone le implicazioni critiche, sociali e simboliche, oltre che la funzione iconica all'interno del film.

Il contributo rende conto dell'importante ruolo svolto daGiusta Nicco Fasola nella diffusione dell'astrattismo in Italia, a livello di riflessione critica, e analizza la figura della studiosa nel suo rapporto con le vicende della critica italiana e internazionale, con particolare attenzione alla sua attività curatoriale in rapporto al gruppo fiorentino dell'Astrattismo classico.

This study revisits and extends McManus and Marsden (2019a) to better understand how and why providing additional explicit information (EI) about learners’ first language (L1) alongside EI and comprehension practice in the second language (L2) improved the accuracy, speed, and stability of L2 comprehension of the French Imparfait, a functionally complex and late-acquired target feature. Building on previous L2 research that has provided instruction about L1 without analyzing L1 knowledge/use, the current study examines learners’ item-by-item comprehension of L1 sentences that was completed during the L2 instruction to better understand the learning mechanisms at play in McManus and Marsden’s (2019a) findings. Two groups of English-speaking learners (L2+L1, L2+L1prac; N = 36) received the same EI about aspect in French, followed by comprehension practice of French and English sentences. The L2+L1 group received additional EI about aspect in English. Results showed no impact of the instruction on L1 accuracy in either group, but the speed of L1 comprehension changed over time in the L2+L1 group. It is argued that the L2+L1 instruction directed attention to and clarified crosslinguistic differences in how L2 and L1 express the same meanings, which rendered the L2 practice more effective for noticing Imparfait and developing appropriate strategies for processing L2 forms. Implications for theory-building and instructional design are discussed.

Il volume ricostruisce le vicende del gruppo di pittori astratti costituitosi a Firenze con i nomi di “Arte d’Oggi” (dal 1947) e, in seguito, di “Astrattismo Classico”, secondo la definizione scelta dal filosofo Ermanno Migliorini nel Manifesto del 1950. Benché la formazione del gruppo si sia consolidata per lo più attorno ai nomi di Vinicio Berti, Bruno Brunetti, Alvaro Monnini, Gualtiero Nativi e Mario Nuti, il fenomeno fu in grado di toccare le esperienze di altri artisti toscani, nonché di inserire l’ambiente artistico fiorentino nel panorama del dibattito nazionale ed internazionale attorno all’astrazione, in anni di cruciale importanza. Dagli esordi post-cubisti ai più rigorosi approdi astratto-geometrici, il percorso di questi artisti ebbe infatti il merito di cogliere alcuni degli aspetti fondamentali di tale dibattito, non solo per quanto riguarda la legittimazione politica, in senso marxista, dell’arte astratta, ma anche nell’articolazione di una posizione italiana sul tema del concretismo e della ricerca di un’integrazione delle arti nello spazio architettonico e urbano.

Il saggio prende in esame gli appunti didattici di Dorazio per il suo corso alla Penn University, conservati presso l'archivio dell'artista. Nell'analizzare questi materiali, emerge un'impostazione basata sulla conoscenza della storia dell'arte e, al tempo stesso, sulla scienza e fisiologia dell'occhio. Un elemento, quest'ultimo, che porta a una divergenza rispetto al modello formalista proposto da Clement Greenberg, critico asssai vicino a Dorazio, e che va ad inserirsi nel filone di pratiche di insegnamento legate ai nascenti Visual Studies.

In this paper, we provide a brief overview of the Primary Languages landscape in England and highlighted the issues it is facing. We present the best practice case of Hackney Education with special attention to its recent CLIL developments. We argue that a CLIL approach has the potential of addressing the challenges of implementing the national MFL entitlement at primary level by reducing the timetabling constraints, expanding the teacher pool, and adapting to children’s cognitive development. Indeed, the delivery of disciplinary contents in another language maximises language input without extra pressure on the timetable. This format can also help address the shortage of qualified language teachers by extending the delivery of primary languages to non-specialist teachers, supported by specialists providing scheme of work, upskilling and contributing to delivery. Finally, the CLIL approach fits the cognitive development – as identified by the RiPL project - of primary school pupils who learn implicitly, by being immersed in the language and using it.

The essay addresses Piero Dorazio's tenure as instructor and Professor of Painting at the Univesrity of Pennsylvania, from 1960 to 1970. Among the process of reshaping of the the teaching of visual arts in the American university, the School of Fine Arts opted for a complex solution, choosing a polytechnic, Bauhaus-based program, while maintaining the categories and terminology of the Beaux-Arts model. Dorazio took this ambiguity further, developing connections between his Deaprtment and the contemporary art world, and promoting the Department's role as a main contributor in the creation of the ICA in Philadelphia. The essay traces the parable of this experience, analyzing its postioning among the debate on the teaching of art in the universities of the Ivy League.

The article identifies a series of jungian elements in the teaching method and contents of Mirko Basaldella's teaching at the Gradiate School of Design at Harvard. While these elements connect Mirko to the discourse of Surrealism, they also contribute to a general reconsideration of the realtionship between the teaching of art and design at college level in America and the contemporary art scene, partially de-constructing the separation between academics and militant criticism suggested by authors such as Clement Greenberg.

Il conributo si propone di delineare caratteri ed evoluzione della produzione dell'artista Valdi Spagnulo a partire dai primi anni 2000. In particolare, si analizza la complessa natura mediale delle opere di Spagnulo, articolata tra pittura, scultura e installazione ambientale, leggendola come un'esplorazione del rapporto tra forme minimali e reazione percettiva, emotiva e intellettuale del fruitore.

Traduzione in italiano del volume di Ariella Azoulay, "Civil Imagination". Nel testo l'autrice mira a costruire una 2ontologia politica della fotografia", rileggendo il prodotto fotografico come risultato di una serie di intrazioni all'interno di una "comuniità" della fotografia. In questo senso, la fotografia va al di là della dimensione prettamente "politica", per caratterizzarsi come medium innanzitutto "civile", legato cioè a un superamento della logica del sistema a favore del discorso sugli individui. In tal senso, vengono esplorate opposizioni - reali o presunte . quali estetico/politico, pubblico/privato, artistico/visuale.

L'articolo propone una rilettura del lavoro di Asger Jorn, e in particolare dei suoi anni italiani

L'articolo analizza il rapporto tra spettatorialità televisiva e fruizione artistica all'interno delle pratiche contemporanee, alla luce dei nuovi modelli di visualità forniti dai social media e dalle pratiche di condivisione iconica online.

The essay analyzes Gianni bertini's contribution to the definition and development of mec-art. Through a deep research into archive and photographic materials, the author reconstructed the peculiar techniques used by the artist, as well as several of his iconographic sources. After introducing mec-art and how its inception corresponded to Bertini's return to pop-like iconic materials, the essay addresses a few aspects of the artist's mec career: the relationship with serialization and the creation of variants; the imagery and the most recurring themes (considered in their historical development); the main exhibitions featuring Bertini's mec-art work; the continuous presence of mec-art in the following phases of the artist's career.

The three entries in the Cagnini Collection catalogue analyze the three scultural works by Mirko Basaldella included in the collection, dating from 1955 to 1960.

Il volume ridefinisce la posizione storica della Pop Art dagli anni sessanta agli anni ottanta, individuandola come "prima età pop" all'interno della periodizzazione del postmoderno.

Il contributo ripercorre le carriere di Mirko Basaldella, Costantino Nivola, Piero Dorazio e Angelo Savelli come docenti nelle università americane di Harvard e Pennsylvania, in un periodo che va dalla metà degli anni cinquanta all'inizio degli anni settanta. La produzione artistica dei quattro autori, anche in relazione ai lavori esposti, è letta in parallelo con la loro attività didattica.

Uno dei più grandi critici d'arte analizza lo stile globale di arte e architettura. Hal Foster, lo stesso autore dello stimato Design & Crime, afferma che una fusione tra architettura e arte è una caratteristica che tende a definire la cultura contemporanea. Identifica dunque uno "stile globale" dell'architettura (quello praticato da Norman Foster, Richard Rogers e Renzo Piano) che è analogo allo stile internazionale di Le Corbusier, Gropius e Mies. Più di qualunque arte, questo stile globale trasmette sia i sogni che le delusioni della modernità. Hal Foster dimostra che uno studio del "complesso arte-architettura" fornisce una comprensione inestimabile di quelle traiettorie sociali ed economiche più ampie che hanno più urgente bisogno di analisi.

Il volume, tradotto in italiano per la prima volta, presenta alcuni concetti fondaentali della critica d'arte contemporanea, gravitanti attorno alle questioni dell'impulso archivistico, dell'esasperazione critica, del kitsch, dell'abietto, del rapporto con la politica.

L'articolo analizza alcune opere di mec-art di Gianni Bertini alla luce dell'interesse dell'artista per i "Miti d'oggi" di Roland Barthes, e la relativa partecipazione alla mostra "Mythologies quotidiennes", curata nel 1964 da Henri Gassiot-Talabot.

Il saggio analizza il percorso di Thomas Stearns al di fuori della produzione di opere in vetro, suo medium prediletto. In particolare, si studia la formazione dell'artista presso la Cranbrook Academy e la sua produzione pittorica e scultorea giovanile, cercando di spiegare la peculiare posizione di Stearns rispetto all'ambiente artistico americano, in qualche modo spiegabile attraverso la dissonanza tra scena epspositiva, mercato e ambiente accademico. Il contributo si conclude con la presentazione della produzione scultorea di Stearns successiva al soggiorno veneziano.

L’articolo prende spunto dall’analisi del fondo d’archivio di Cornell presso gli Archives of American Art dello Smithsonian. In particolare, le sezioni 3 e 4 (“Diaries” e “Sources”) rivelano l’attività di Cornell come teorico del “piano b”, inteso in più sensi: dal marginale all’obsoleto, dalle storie di persone dimenticate ai ritagli di giornale con testimonianze “alternative” in merito a personaggi più o meno noti, le fonti scritte raccolte da Cornell mostrano la stessa sensibilità per gli aspetti nascosti o eccentrici del reale, per le connessioni casuali e le associazioni automatiche, evidente nei lavori dell’artista americano (con processi che fanno pensare, variabilmente, al celebre passo di Breton sul “mercato delle pulci” e al metodo “paranoico-critico” di Dalì). Se l’attività archivistica di Cornell è nota, maggior attenzione meritano i criteri che sembrano governare la selezione dei materiali e, laddove si sia verificato, il loro utilizzo a fini artistici. Inoltre, il modo di presentare le fonti e le annotazioni rende Cornell un autentico precursore della tendenza che Hal Foster ha definito “Impulso archivistico”, peraltro anticipando la preferenza di alcuni artisti guidati da tale impulso (si pensi ad esempio a Tacita Dean) per le storie secondarie e irrisolte, per le missioni fallite o incompiute, per la vicenda trovata per caso e quasi magicamente liberata dall’irrilevanza alla quale sembrava essere condannata.

Il contributo analizza la corrispondenza tra il versante astrattista di Dada e le ricerche sul movimento e sul cinema. In particolare sono presentate le operazioni compiute in tal senso da Man Ray, Marcel Duchamp, Viking eggeling e Hans Richter

L'articolo descrive il progetto "Atlas" dell'artista belga Christoph Fink, un lavoro verbo-visuale multimediale finalizzato all'esplorazione dei rapporti tra corpo e luoghi, e alla mappatura delle interazioni dell'individuo con il mondo.

Cambridge, Massachusetts, 1954. In quella che ancora oggi è considerata una delle principali università americane, in un dipartimento che conta tra le sue file alcuni dei più importanti progettisti, storici e teorici al mondo, impegnati nel portare avanti gli ideali del Bauhaus ereditati direttamente dal grande maestro Walter Gropius, un artista sardo, Costantino Nivola, riceve l’incarico del corso di “Fondamenti del Design”, l’analogo del leggendario Vorkurs. Da questo incarico nascerà un’esperienza tutta italiana, quella del Design Workshop della Harvard University, diretto prima da Nivola (1956-57, poi 1970), poi dal collega Mirko Basaldella (1957-69), nell’ambito della Graduate School of Design. Il laboratorio costituisce una delle più interessanti applicazioni sul campo, oltre che degli insegnamenti del Bauhaus, di quell’idea di «learning by doing» che animava il mondo dei college fin dagli inizi del secolo, e che aveva trovato ampio sostegno nel pensiero di John Dewey. Perché un insegnamento legato al problematico concetto di “Design” viene affidato a due artisti? E perché due artisti italiani, in un momento storico in cui l’America, anche in campo culturale, aveva ormai assunto un ruolo da protagonista? L’autore cerca di rispondere a queste domande a partire da un inquadramento storico e teorico del problema, dalla definizione del “design” e della sua particolare incidenza sui contenuti e le categorie didattiche dell’arte nell’università americana, soprattutto in relazione all’importazione del modello-Bauhaus. Il rapporto con questo ingombrante precedente è affrontato anche allo scopo di spiegare la distanza tra l’arte prodotta dall’avanguardia americana di quegli anni e quella insegnata a livello universitario, esiti rispettivi di due diverse formulazioni del “modernismo”: proprio in questa distanza si colloca il lavoro di docenti di Nivola e di Mirko, ma anche di Bruno Munari, invitato a Harvard per un semestre nel 1967.

Il saggio si propone di rileggere alcuni episodi di scultura italiana degli anni settanta legati al mantenimento della pratica scultorea, intesa come modellato o assemblage, distinta dalle contemporanee applicazioni del concetto nel "campo allargato" indagato dalle avanguardie di quegli anni. In particolare, è adotatto il modello di lettura proposto da Hal Foster rispetto all'idea di "neoavanguardia", vista come riproposizione ed elaborazione aggiornata dei "sintomi" dell'avanguardia storica (astrazione, assemblaggio, rottura, etc.).

L'articolo analizza il lavoro recente di Sonia Costantini, rileggendolo alla luce delle riflessioni internazionali sulla pittura astratta, e in particolare mettendolo in relazione alla concezione di "modernist painting" di Clement Greenberg.

Il saggio ricostruisce i primi anni di attività di De Maria, a Bologna, tra frequentazioni accademiche e prime esperienze di illustratore.

L'articolo analizza alcuni dei più noti lavori di olafur Eliasson mettendo in evidenza come l'uso di tecnologie avanzate, e in particolare di strumenti che utilizzano diversi tipi di energia, riprenda in più di un modo la categoria kantiana del "sublime"

L'articolo prende le mosse dall'analisi di due prodotti recenti, Super Paper Mario e Paper Wars: Cannon Fodder, per ricostruire una possibile storia della presa di coscienza del videogame come medium, in un confronto con la storia, assai più lunga, dei medium artistici tradizionali. I due giochi hanno in comune l'utilizzo ironico, metalinguistico di immagini bidimensionali all'interno di un impianto spaziale tridimensionale, una sorta di inserto di elementi formali del passato in una tecnologia e in un gaming attuali. Il videogame si confronta dunque con la propria storia, mettendola in scena come molta pittura postmoderna ha fatto con la propria. Un grado di consapevolezza che, del resto, ha sempre guidato questo medium complesso, essendo la sua vicenda modellata, con un'accelerazione dei tempi tipica dello sviluppo tecnologico, proprio su quella della pittura, con la quale instaura un dialogo talvolta serio, talvolta ironico, ma sempre guidato da un medesimo clima culturale., The article analyzes two recent video games, Super Paper Mario and Paper Wars: Cannon Fodder, in order to trace a possible history of how video game gained awareness of itself as a cultural medium. A history comparable to the much longer one of traditional artistic mediums. Both games feature an ironic, metalinguistic use of 2-D images within a fully three-dimensional space: a pastiche of formal elements from the past into advanced technology and gaming. Video game foregrounds its history, staging it in a way similar to that used by much postmodern painting. A degree of awareness which has always characterized such a complex medium, whose evolution has been modeled – with an acceleration typical of technological development – on that of painting. The relation between the two has alternatively been serious or ironic, yet always driven by the influence of a shared culture.

The article sums up the contents of a recent study day on public art, pointing out the possible readings (W.J.T. Mitchell, R. Krauss)and unwritten rules of making art in the public sphere

The essay reflects upon some relevant examples of video-installation using materials from the movies. Making art as a way of criticizing and de-constructing another medium is a common tendency in today's culture. These installations allow the artist to challenge the cinematic text by suspending some of the commonly accepted illusions movies are based on: their supposed "embodiness" and the imaginary continuity of diegesis. In video-installations, such suspension is made possible by the refusal of the "somwehere else" movies take place in, obtained through the use of actual space.

The article suggests a reading of some contribution by British sculptors such as Antony Gormley and Rachel Whiteread to an idea of monument based on the idexical nature of remebrance, as derived from Benjamin's concept of history.

The essay suggests a reflection on the aesthetic evolution of simulation video games, paralleling it to that of iper-realism in art. An aesthetic rooted in technology tends to be subject to a technological type of development, more than to a cultural one.