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This work aims to analyze Fernanda Magalhães’ artistic productions according to the perspective of perversions. Photographer, performance, and university teacher, Fernanda Magalhães subverts female body representations and offers other perspectives of meaning to the fat female body in her works. In this case, the perversion will not be treated according to an intention harmful to the public space, on the contrary, it will be understood as manifestations of creativity and daring for the confrontation of marbled power codes. Este trabajo tiene como objetivo analizar las producciones artísticas de Fernanda Magalhães desde la perspectiva de las perversiones. Fotógrafa, performer y profesora universitária, Fernanda Magalhães subvierte las representaciones del cuerpo femenino y ofrece otras perspectivas de significado para el cuerpo gordo de las mujeres em sus obras. Em este caso, la perversión no será tratada según uma intención lesiva al espacio público, por el contrario, será entendida como manifestaciones de creatividad y osadía para enfrentar códigos de poder cristalizados. Este trabalho tem como objetivo analisar produções artísticas de Fernanda Magalhães segundo a ótica das perversões. Fotógrafa, performance e professora universitária, Fernanda Magalhães subverte representações do corpo feminino e oferece outras perspectivas de sentido ao corpo gordo feminino em seus trabalhos. Nesse caso, a perversão não será tratada segundo uma intenção nociva ao espaço público, muito pelo contrário, será entendida como manifestações de criatividade e ousadia para o enfretamento de códigos de poder marmorizados.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Partindo do retorno do autor aos estudos literários e tomando a obra de Roland Barthes e Jacques Lacan, no espaço litorâneo em que se dá o encontro entre a psicanálise e a literatura, faremos um percurso pelo tema do corpo em sua relação com a escrita. Uma vez que o ato de escrever, distante do exercício utilitário da linguagem, será considerado como movimento para tocar o futuro corpo do leitor, abordaremos, também, ao lado de um corpo que escreve, o corpo que lê. Ver-se-á que a escrita, ao tecer um nó corpo-linguagem, figura como uma partilha do sensível, uma experiência, dotada de uma singular política. Based on the return of the author to literary studies and taking the work of Roland Barthes and Jacques Lacan, in the coastal space where psychoanalysis and literature meet, we will go through the theme of the body in its relationship with writing. Since the act of writing, far from the utilitarian exercise of language, will be considered a movement to touch the future body of the reader, we will also approach, alongside a body that writes, the body that reads. It will be seen that writing, by weaving a body-language knot, appears as a distribution of the sensible, an experience, endowed with a unique politics.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior O desejo que anima esta tese é a de contribuir para uma filosofia do corpo vivo, a partir de uma composição de conceitos filosóficos, coletados principalmente da filosofia de Gilles Deleuze, com pensamentos e práticas provindos da dança. A tese é composta de quatro movimentos:1) No movimento do DESENHO, inspirada pelo mito grego do labirinto, exponho alguns paradoxos que concernem ao corpo; traço a estratégia de tratar a dança, suas operações de força e de sentido, a partir do conceito de gesto e de seu elemento fundante, a gravidade; por fim, delimito meu campo, propondo o conceito de dança intempestiva, entendida sob três perspectivas: a (est)ética da diferença, a epistemologia prática e a coreopolítica. 2) No movimento da QUEDA, exploro o tema do pensamento a partir de um diálogo entre os dançarinos e dançarinas de contato improvisação e Deleuze. Proponho uma modulação do conceito de pensamento e de consciência que não se pauta no dualismo mente-corpo, a partir dos conceitos deleuzeanos de atual e virtual, bem como do conceito de sensação de consciência, inspirado em Steve Paxton e Nita Little. 3) No movimento do POVOAMENTO, dedico-me a pensar o tema do espaço, do sensível e de seus elementos constituintes: as intensidades. Parto da performance Self Unfinished, do dançarino e coreógrafo Xavier Le Roy, para defender que a dança é programa para constituir e colocar em circulação corpos sem órgãos ou corpos de sensação. 4) No movimento da REPETIÇÃO, são algumas práticas de repetição no universo da dança que disparam o pensamento sobre o tempo. Proponho uma análise das três sínteses do tempo e do conceito Deleuze-Guattariano de ritornelo para explorar a repetição na dança, como retorno da diferença. The desire that animates this dissertation is to contribute to a philosophy of the living body, by the composition of philosophical concepts, collected mainly from Gilles Deleuze’s philosophy, and some thoughts and practices from contemporary dance. The thesis is composed of five movements:1) In DRAWING, inspired by the greek myth of the labyrinth, I expose some paradoxes concerning the body; I trace the strategy of dealing with dance, its force and meaning operations, based on the concept of gesture and its founding element, gravity; finally, I delimit my field, proposing the concept of untimely dance understood from three perspectives: the (aesth)etic of difference, practical epistemology and choreopolitics; 2) In FALLING, I explore the theme of thought by a dialogue between contact improvisation dancers and Deleuze. I propose a modulation of the concepts of thought and consciousness not based on mind-body dualism, but grounded on Deleuzian concepts of actual and virtual, as well as on the concept sensation of consciousness, inspired in Steve Paxton and Nita Little. 3) In PEOPLING, I engage myself in thinking about the space, the sensible and its constituent elements: the intensities. I start from Xavier Le Roy’s performance Self Unfinished, to defend that dance is a program to constitute and to put into circulation bodies without organs or bodies of sensation. 4) In REPEATING, I start with some repetition practices in dance universe to think about time. I propose an analysis of the three syntheses of time as well as the Deleuze and Guattari’s concept of refrain to explore the repetition in dance, as the return of the difference.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Esta tese se dedica a pensar as relações entre o poder e corpo, percorrendo a chamada analítica do poder de Michel Foucault, acompanhando suas demarcações históricas. Trata-se de buscar pelas relações entre o poder e o corpo historicamente ancoradas, segundo uma compreensão ampla da analítica, que começa a ser elaborada pelo filósofo desde o início da década de 1970, percorrendo os cursos, obras e outros textos a partir dos quais é possível resgatar certo projeto de escrita de uma “história política dos corpos”, a ser buscado por nós dentro das várias genealogias propostas por Foucault. Remontando vários capítulos possíveis dessa história política dos corpos, que envolve os corpos assujeitados ao trabalho, aos sistemas de utilidade em geral, ao controle e incitação da sexualidade, abarcando a captura da vida pelo poder e a normalização biopolítica da sociedade, coloca-se em relevo a ideia foucaultiana de que o poder passa pelos corpos. Aplicando-se nos corpos individuais ou coletivos, formando redes de apoio e complexas relações de sujeição, o poder, embora não tenha substância para Foucault, evidencia sua materialidade. Pelo menos até 1976 no pensamento foucaultiano, a concepção de um poder que é material ou físico supõe que, investindo-se nos corpos e mesmo os produzindo, as práticas de poder e de saber constituem subjetividades. Todavia, ao transitarmos pela analítica, aceitando os desafios de termos de lidar com suas inúmeras reformulações e inflexões, seremos deslocados a buscar por uma “história política da população”, quando adentrarmos o curso de 1978 e a abertura para a governamentalidade. Interessa-nos o ponto em que a população, como um sujeito e objeto nas práticas de poder, se mostra como um corpo coletivo biológico e político a ser governado por práticas de Estado, ideia que nos leva não a uma unidade no percurso da analítica, agora transformada em uma analítica da governamentalidade, mas que nos sugere a continuidade das elaborações materialistas de Foucault acerca do poder.

Esta tese se propõe a analisar como o espaço das praças Raul Soares e Liberdade, na cidade de Belo Horizonte - Minas Gerais - Brasil é manifestado por seus diferentes corpos, especialmente através das práticas que estes produzem na ótica da educação não formal. Também traz olhares com ênfase nas ações que os corpos reproduzem nestes locais aos interesses do trabalho, da violência e da sexualidade. Para tanto, pretendeu-se discutir as perspectivas históricas, culturais e sociais destas praças públicas e como se processam nelas relações entre o corpo e as suas apropriações do espaço pelos integrantes da cidade. Compreendendo que a praça é um espaço social que se mantém viva pelas manifestações humanas, e que através de intervenções de seus usuários são criados códigos na cidade e para além dela, pretendeu-se, em específico, também analisar como as interações dos personagens das praças se relacionam com a formação do conhecimento, afastando-se do entendimento desta aprendizagem calcada nos currículos prescritos, tidos como escolarizados; como a comunicação dos personagens das praças se relacionam com os movimentos de adaptação e resistência que (re)configuram estas na contemporaneidade; e como o aparelho público e privado integram as movimentações destes locais. Escolheu-se como recorte de estudo estas duas praças por apresentarem-se em realidades territoriais próximas, aproximadamente dois quilômetros no eixo central da cidade, e mesmo assim manifestarem-se na realidade de sua utilização de formas díspares uma da outra ao que tange aos olhares de seus processos de manutenção, significação e representação para os cidadãos. Foram utilizados os métodos de análise documental, pesquisa bibliográfica, e ambos estes processos se mantiveram permeados por ações etnográficas nos dois espaços durante dois anos e meio da pesquisa em campo. Entre os resultados alcançados, destaca-se que a praça na realidade da cidade é mantida pela criação e recriação dos códigos gerados pelos seus diversos personagens, produzindo processos de aprendizagem entre seus integrantes, os quais se destacam: aqueles que detêm o poder de gestão pública sobre os lugares; outros que, não tendo este poder utilizam-se das praças para o lazer; os trabalhadores nas mais diversas possibilidades de ofertas de atendimento; os turistas que movimentam a máquina econômica da região; os atores marginais que mostram-se em parcela invisíveis por várias políticas aplicadas na cidade; e por fim os cidadãos em geral, que em suas rotinas integram a praça com uma miscelânea de possibilidades de existir e resistir nela. Este trabalho é resultado da parceria firmada pelo acordo de cotutela entre a Universitat de Girona e a Universidade Federal de Minas Gerais. This thesis proposes to analyze how the space of the Raul Soares and Liberdade squares, in the city of Belo Horizonte - Minas Gerais - Brazil, is manifested by their different bodies, especially through the practices that they produce from the perspective of non-formal education. It also brings looks with an emphasis on the actions that the bodies reproduce in these places to the interests of work, violence and sexuality. To this end, it was intended to discuss the historical, cultural and social perspectives of these public squares and how the relations between the body and its appropriation of space by members of the city are processed in them. Understanding that the square is a social space that is kept alive by human manifestations, and that through the interventions of its users codes are created in the city and beyond, it is also specifically intended to analyze how the interactions of the characters in the squares are related with the formation of knowledge, moving away from the understanding of this learning based on the prescribed curricula, considered as schooled; how the communication of the characters in the squares are related to the movements of adaptation and resistance that (re)configure these in contemporary times; and how the public and private apparatus integrate the movements of these places. These two squares were chosen as a study outline because they present themselves in close territorial realities, approximately two kilometers in the central axis of the city, and even so, they manifest themselves in the reality of their use in different ways from each other as far as looks are concerned, of its processes of maintenance, meaning and representation for citizens. The methods of document analysis, bibliographic research was used, and both of these processes remained permeated by ethnographic actions in the two spaces for two and a half years of the research. Among the results achieved, it is noteworthy that the square in the reality of the city is maintained by the creation and recreation of the codes generated by its diverse characters, producing learning processes among its members and the social development of this public place for them, which stand out : those who have the power of public management over places; others who, not having this power, use the squares for leisure; workers in the most diverse possibilities of service offerings; tourists who drive the region's economic machinery; marginal actors who are invisible in part due to various policies applied in the city; and finally, citizens in general, who in their routines integrate the square with a mix of possibilities to exist and resist in it. This work is the result of the partnership established by the Cotutela Process between the Universitat de Girona and the Universidade Federal de Minas Gerais.

The article examines the creation process and final form of A Woman Under The Influnce (1974) by John Cassavetes, whose invention rests on a poetics of instability. From a more comprehensive discussion of the relationship between the method inaugurated by the filmmaker and the frontier he establishes between cinema and other fields, especially theatre, we then proceeded to an analysis that confronts film with a feminist approach. In film analysis, we will pay attention to the way in which the unstable style of films prolongs, duplicates and unfolds equally unstable dramaturgical realities, which he tended to privilege. L'article examine le processus de création et la forme finale de A Woman Under The Influnce (1974) de John Cassavetes, dont l'invention repose sur une poétique de l'instabilité. D'une discussion plus approfondie sur le rapport entre la méthode inaugurée par le cinéaste et la frontière qu'il établit entre le cinéma et d'autres domaines, notamment le théâtre, nous sommes ensuite passés à une analyse qui confronte le cinéma à une approche féministe. Dans l'analyse cinématographique, on sera attentif à la manière dont le style instable des films prolonge, duplique et déploie des réalités dramaturgiques également instables, qu'il a eu tendance à privilégier. O artigo examina o processo de criação e a forma final de A Woman Under The Influnce (1974) de John Cassavetes, cuja invenção repousa numa poética da instabilidade. A partir de uma discussão mais abrangente das relações entre o método inaugurado pelo cineasta e a fronteira que ele instaura do cinema com outros campos, sobretudo o teatro, procedemos então à análise que confronta o filme com uma abordagem feminista. Na análise fílmica, atentaremos para o modo pelo qual o estilo instável dos filmes prolonga, duplica e desdobra realidades dramatúrgicas igualmente instáveis, que ele tendeu a privilegiar.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Esta dissertação teve como objeto de pesquisa os Sete Níveis de Jacques Lecoq, elaborados por ele nos anos de 1980 e, como objetivo, apresentar sua base conceitual, fontes e referências usadas na proposição destas escalas de tensões. Outro objetivo foi compreender como os Sete Níveis podem se atualizar para a sua aplicação hoje, podendo ainda auxiliar ou ser material para criação e preparação corporal nas artes da cena. As metodologias de pesquisa utilizadas foram a pesquisa performativa e a crítica genética (qualitativa). A primeira foi referência para a realização da parte prática cênica da pesquisa realizada no primeiro ano de trabalho, no qual pesquisamos os Sete Níveis como processo de criação e preparação corporal. A crítica genética foi abordada no segundo ano e nos auxiliou para desenvolver a parte conceitual do trabalho, reconstruindo o percurso de criação e experimentação dos Sete Níveis por Jacques Lecoq. Como resultado, constatamos que os Sete Níveis compõem um trabalho técnico cênico que potencializa o preparo corporal do profissional das artes da cena, pois trabalha o corpo em suas diferentes tensões por meio da improvisação, podendo promover um preparo físico aliado à criatividade. Como processo de criação, também alcançamos os resultados esperados criando uma performance que teve como narrativa o corpo em suas diferentes tensões e que foi feita com base nos exercícios dos Sete Níveis. Foi elaborada, por fim, uma conceitualização atualizada dos Sete Níveis apresentando propostas de nomenclaturas para cada um deles no sentido de facilitar a comunicação e orientação didático pedagógica dessa prática, bem como as discussões acerca dessa proposta de trabalho corporal. This dissertation had as object of research the Seven Levels of Jacques Lecoq, elaborated by him in the 1980s and, as objective, to present its conceptual basis, sources and references used in the proposition of these tensions scales. Another objective was to understand how the Seven Levels can be upgraded to its application today, and can also assist or be material for creation and body preparation in the arts of the scene. The research methodologies used were performative research and genetic (qualitative) criticism. The first was a reference for the realization of the scenic practice part of the research carried out in the first year of work, in which we researched the Seven Levels as a process of creation and body preparation. Genetic criticism was addressed in the second year and helped us to develop the conceptual part of the work, reconstructing the path of creation and experimentation of the Seven Levels by Jacques Lecoq. As a result, we found that the Seven Levels compose a scenic technical work that enhances the body preparation of the professional of the arts of the scene, because it works the body in its different tensions through improvisation, and can promote a physical preparation combined with creativity. As a creation process, we also achieved the expected results creating a performance that had as narrative the body in its different tensions and that was made based on the exercises of the Seven Levels. Finally, an updated conceptualization of the Seven Levels was elaborated, presenting proposals of nomenclatures for each of them in order to facilitate the communication and pedagogical didactic guidance of this practice, as well as the discussions about this proposal of body work.

Este estudo versa sobre o processo de imersão em um terreiro de candomblé localizado na Região Metropolitana de Belo Horizonte, percebido e abordado como contexto de experiências culturais, capaz de entrelaçar modos de vida, cosmopercepções, relações intersubjetivas, saberes e práticas sociais distintas. Versões elaboradas pelos integrantes dessa comunidade a respeito das suas próprias vivências nesse contexto, e a riqueza que delas emergem, foram tomadas como pontos de partida para articular diálogos envolvendo diferentes ramos do conhecimento, conferindo ao estudo dessas experiências um caráter marcadamente interdisciplinar. Nessa abordagem, que focaliza os sujeitos e suas interações cotidianas, foram acolhidas contribuições provenientes especialmente dos universos da antropologia, da arte, da educação e dos estudos do lazer. Trata-se, portanto, de uma proposição etnográfica que pretende ampliar os debates sobre manifestações culturais de matriz africana no Brasil, propondo inclusive outras possibilidades de aproximação e de compreensão em relação às suas configurações atuais. The current study deals with the process of immersion in an “candomblé community” located in the metropolitan region of Belo Horizonte (Minas Gerais – Brazil), approached as a context of cultural experiences capable to intertwining different ways of life, cosmoperceptions, intersubjective relations, knowledge and specific social practices. Versions elaborated by the members of this community regarding their own experiences in this context, and the richness that emerge from them, were taken as starting point for articulating dialogues involving different fields of knowledge, giving the study of these experiences a markedly interdisciplinary character. In this approach, which focuses on the subjects and their daily interactions, contributions were received especially from the universes of anthropology, art, education and leisure studies. This work is, therefore, an ethnographic proposition that intends to broaden the debate about certain cultural manifestation of African origins in Brazil, even proposing other possibilities of approximation and understanding related to its current configurations.

Esta é uma pesquisa acerca do método de pesquisa. Ela aborda a produção do conhecimento nas artes e, mais especificamente, a natureza de um certo conhecimento possível a partir do desenho. Discorre sobre os métodos de pesquisa e de interpretação no campo das ciências e, em específico, da história da arte bem como as especificidades do desenho, do livro e da animação. Considera a leitura como processo ativo para a elaboração da escrita e da imagem. A pesquisa coteja a obra de William Kentridge, artista e pesquisador do desenho em movimento, em sua produção de ateliê. Toma como corpus empiricus o flipbook denominado De como não fui ministro d´Estado, trabalho feito para a exposição Fortuna, realizada no ano de 2013 na Pinacoteca do Estado de São Paulo, no Instituto Moreira Salles, no Rio de Janeiro, e na Fundação Iberê Camargo, em Porto Alegre. Busca trabalhar com os desenhos em movimento de Kentridge, percorrendo a individualidade de suas várias páginas, as colocando em relação via montagem em um painel de imagens (Mnemosyne). A escolha pelo flipbook se deu por ser um trabalho cujos desenhos foram feitos quadro-a-quadro, apontando para a dinâmica de ocupação do tempo específica tal qual dos modos de ler o livro. Tal escolha impõe uma abordagem do livro como matéria sensível, como carne primeira (como obra), dando assim especial atenção a seus atributos físicos (ao papel, à impressão, tamanho, etc) e seus estatutos de apresentação e paratextos. A pesquisa explora o princípio de montagem na abordagem do trabalho de Kentrige. Princípio esse que constitui a base da historiografia de Aby Warbug, bem como o sedimento do pensamento sobre história da arte por Georges Didi-Huberman. Aproxima o princípio de montagem dos modos de trabalho do artista em ateliê. Ela apresenta o ateliê como lugar paradoxal do reencontro do outrora com o agora; de escolha que possibilita percorrer caminhos de problemas ao invés de discursos de certezas. Esse lugar preparado para o trabalho é tratado, nesta tese, como espaço de acontecimento. Evidencia a transformação de um dos cômodos do ateliê em que trabalho durante o tempo que a pesquisa se elaborou (2017 a 2021) em lugar da tese. Estão aqui expostos os experimentos realizados, onde as imagens e textos lidos foram afixados nas paredes, criando um espaço imersivo de pesquisa. As perguntas aqui elaboradas (desenhadas) em forma de produção plástica e desdobramentos de pesquisa são nomeadas por consequências. This is a research about methods of research. It aims to discuss the production of knowledge in arts and, more specifically, the nature of a certain knowledge that emerges from drawing. It refers about Research and interpretation methods in Sciences, in particular, the History of Art as well the specificities of Drawing, books and animation. It considers reading as an active process for the elaboration of writing and image. The research collates William Kentridge works – artist and researcher of drawing in motion – considering his atelier production. It takes as a corpus empiricus the flipbook called How I did not become a monster, created for the exhibition Fortuna (2013) at the Pinacoteca do Estado de São Paulo, at the Instituto Moreira Salles (Rio de Janeiro), and at the Fundação Iberê Camargo (Rio Grande do Sul) in Brazil. It works with Kentridge’s moving drawings, going through the individuality of its various pages, placing them in relation between each other via montage in an image panel (Mnemosyne). The flipbook was chosen because it was a work which drawings were made frame-by-frame, pointing to the specific dynamics of occupation of time as well as the ways of reading the book. This choice imposes an approach to the book as a sensitive matter, as first meat (as an ouvre), thus giving special attention to its physical attributes (paper, printing, format, etc.), its presentation and paratext statutes. The research explores the principle of montage in the approach to Kentrige’s work. This principle forms the basis of Aby Warbug’s historiography, as well as the sediment of thought on Art History by Georges Didi-Huberman. It aims to approach the notion of montage to the artist’s work modes in studio. It presents the studio as paradoxical place for the reunion of the past with the present; a place of choice, where it is possible to pass through paths of problems instead of speeches of certainties. In this thesis, that prepared space for work is considered a place of Event (l´Evénement). It highlights the transformation of one of the studio’s rooms where the researcher worked during the time the research was developed (2017 to 2021). Here are exposed the experiments carried out, where those images and texts which had been read were posted on the walls, creating an immersive space for research. The questions elaborated here as visual art production and the research outcome are named as consequences.

We circumscribe and examine, in this theoretical paper, lines of study, conceptual networks and discussions about perception that stand out in the scope of what we call praxiological theories of perceptual intentionality. We are guided, in theoretical and methodological terms, by the phenomenological tradition. We start from the assumption, present in the phenomenological approaches of perception, of the concentricity among the perceptual experience of space, of the own body and of others. Combined with these three concentric axes, we listed, for discussion, the problems of perceptual attention and amodal perception, scheme and body image, and joint attention and mirror neurons. In the analysis, the bonds between perception and action are reinforced, which brings us closer to an embodied and situated conception of subjectivity. Circunscrevemos e examinamos, neste trabalho de cunho teórico, linhas de estudo, redes conceituais e discussões em torno da percepção que se destaquem no âmbito do que denominamos de teorias praxiológicas da intencionalidade perceptiva. Orientamo-nos, em termos teórico-metodológicos, pela tradição fenomenológica. Partimos do pressuposto, presente nas abordagens fenomenológicas da percepção, da concentricidade entre a experiência perceptiva do espaço, do corpo próprio e de outrem. Combinados a estes três eixos concêntricos, elencamos, para a discussão, os problemas da atenção perceptual e da percepção amodal, do esquema e da imagem corporal, e da atenção conjunta e dos neurônios espelho. São reforçados, na análise, os vínculos entre percepção e ação, o que nos aproxima de uma concepção corpórea e situada da subjetividade.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior O objetivo geral da tese foi investigar e analisar como crianças de cinco anos vivenciam experiências em arte a partir da proposição de uma instalação artística num processo de intervenção no contexto de uma Escola Municipal de Educação Infantil - EMEI - de Belo Horizonte, MG. Tivemos como objetivos específicos: descrever e analisar a instalação como processo artístico; discutir e construir com as crianças instalações no espaço escolar; observar como as crianças vivenciam experiências em arte a partir da proposição de instalações artísticas; analisar o que dizem as crianças sobre o processo vivenciado na produção de uma instalação; compreender quais sinalizações emergem da perspectiva das crianças sobre a instalação que possam subsidiar a prática pedagógica na Educação Infantil. Para atingir os objetivos propostos, as crianças foram convidadas a se aproximarem de processos artísticos através da proposição de uma instalação. Estudamos e dialogamos com as crianças sobre concepções de instalação, apresentando para elas Artur Barrio e Ernesto Neto, artistas que se dedicam a essa forma de expressão. Teoricamente, a pesquisa foi ancorada em autores que discutem a relação entre infância e educação (LUZ, 2008; KRAMER; ROCHA, 2011); infância e arte (LOPONTE, 2008; CUNHA, 2015 e 2017); arte e educação (BARBOSA, 2005 e 2012; MACEDO, 2010); arte e experiência (DEWEY, 2010); e corpo e experiência (MERLEAU-PONTY, 2018). Para aprofundamento analítico, foram mobilizados ainda os conceitos de pesquisa com crianças (CRUZ, 2008 e 2010; CORSARO, 2005 e 2009), instalação artística (HUCHET, 2005; TESSLER, 2000); imaginação criadora (VYGOSTKY, 2009); e de experiência estética (DEWEY, 2010). Metodologicamente, nos baseamos na abordagem qualitativa das pesquisas educacionais com procedimentos etnográficos visando a garantir maior rigor na construção, no tratamento e na análise dos dados, combinando diferentes elementos como imersão no campo, observação participante, registro em caderno de notas, gravações em áudio e em vídeo, produção de desenhos e registros diversos pelas crianças, além da realização de entrevistas individuais, em duplas e em grupos. A conjugação de estratégias e de procedimentos para a pesquisa de campo foi feita com base Abordagem Mosaico proposta por Alison Clark (2005). Como resultado, a pesquisa revelou, dentre outras coisas, que as experiências estéticas das crianças no contexto de uma instalação artística ocorrem na relação entre corpo, espaço, tempo, materialidade, experimentação, pesquisa e criação; que uma instalação artística potencializa os elementos constituidores das experiências das crianças; que a relação estabelecida entre arte, infância e metáforas contemporâneas contribui para que tais experiências sejam elaboradas, articulando conhecimento, experimentação e produção; que a construção de instalação artística com crianças da Educação Infantil pode mobilizar inúmeras percepções e experiências estéticas desde que aproxime o ser brincante, instalante e poético das crianças. The general purpose of the thesis was to investigate and analyze how five-year-old children experience art from the proposition of an art installation in a process of intervention in the context of a Municipal School of Early Childhood Education - EMEI - in Belo Horizonte, MG. We also had as specific objectives: to describe and analyze the installation as an artistic process; to discuss and build, with the children, installations in the school space; to observe how the children live experiences in art from the proposition of art installations; to analyze what the children say about the process experienced in the production of an installation; to understand which signs emerge from the children's perspective about the installation that can subsidize the pedagogical practice in Early Childhood Education. In order to achieve the stated objectives, the children were invited to get closer to art processes through the proposition of an installation. We studied and dialogued with the children about installation concepts, introducing Artur Barrio and Ernesto Neto to them, artists who are dedicated to this form of expression. Theoretically, the research was anchored on authors who discuss the relationship between childhood and education (LUZ, 2008; KRAMER; ROCHA, 2011); childhood and art (LOPONTE, 2008; CUNHA, 2015 and 2017); art and education (BARBOSA, 2005 and 2012; MACEDO, 2010); art and experience (DEWEY, 2010); and body and experience (MERLEAU-PONTY, 2018). For further analytical study, the concepts of research with children (CRUZ, 2008 and 2010; CORSARO, 2005 and 2009), art installation (HUCHET, 2005; TESSLER, 2000); creative imagination (VYGOSTKY, 2009); and aesthetic experience (DEWEY, 2010) were also approached. Methodologically, we based our work on the qualitative approach of educational research with ethnographic procedures in order to ensure greater accuracy in the data construction, treatment and analysis, combining different elements such as immersion in the field, participant observation, notebook recordings, audio and video recordings, production of drawings and various records by the children, in addition to conducting individual, in pairs and in groups interviews. The combination of strategies and procedures for field research was based on the Mosaic Approach proposed by Alison Clark (2005). As a result, the research revealed, among other things, that the children’s aesthetic experiences in the context of an art installation occur in the relationship between body, space, time, materiality, experimentation, research, and creation; that an art installation enhances the constitutive elements of children's experiences; that the relationship established between art, childhood and contemporary metaphors contributes for such experiences to be elaborated, articulating knowledge, experimentation and production; that the construction of an art installation with children from Early Childhood Education can mobilize numerous perceptions and aesthetic experiences as long as it brings together the playful, installer and poetic being of the children.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Semelhante a se deixar ser conduzida/o pelo som em uma dança, esta pesquisa de mestrado foi conduzida pelo eco de uma pergunta: O que pode a dança em um currículo que se abra para experimentações, de modo que corpo e pensamento se movimentem e provoquem o aprender com a diferença? Viver encontros que movimentam corpo e pensamento fez com que se apostasse na possibilidade de criar um currículo-dançante, por meio de experimentações com dança no território de um currículo. Essa aposta foi confirmada logo que a Escola Sagração da Primavera se abriu para experimentações, devindo corpo e espaço para dançar. Trata-se de uma escola estadual, localizada na Grande Belo Horizonte, Minas Gerais, que abrange o Ensino Fundamental (EF) e o Ensino Médio (EM). A pesquisa foi realizada com turmas do 8º e do 9º ano do EF, em dias cedidos por quatro professoras das disciplinas de Português, Geografia e Matemática. As experimentações com dança implicaram quatro possibilidades de criação e expressão em dança contemporânea: Improvisação, Contato Improvisação, Videodança e Composição Coreográfica. Esta dissertação explora, assim, uma experimentação com corpo, dança e currículo. Trabalhando com conceitos e compreensões dos estudos curriculares pós-críticos e da filosofia da diferença, cria-se e utiliza-se como metodologia o dançarilhar, isto é: uma composição feita de cartografia + dança e que se inspira tanto nos estudos de Gilles Deleuze e Félix Guattari como no “Andarilho” de Nietzsche para montar a personagem Dançarilha e apostar em um currículo-dançante. O argumento geral aqui defendido é o de que a dança no currículo pode criar um currículo-dançante que, para ser acionado, demanda movimentos, aberturas, a formação de bandos e a criação da aula-experimentação com dança, ao mesmo tempo que abre corpos aos devires e realiza composições com uma dança-menor e outras artes, fazendo o currículo-maior dançar e abrir espaço para o movimento e diferentes formas de expressão com a dança. Assim, movimenta corpos-dançantes e desencadeia, por meio de devires, o aprender com a diferença de cada um/a. O estudo mostra, então, que um currículo-dançante pode provocar outros modos de ensinar e aprender, por meio de uma relação imbricada e sensível entre corpo e pensamento, que faz dançar os corpos e os currículos de maneiras inusitadas, seguindo a linha de um aprender que é resistência e insiste em fazer dançar a diferença no território de um currículo. Similar to letting yourself be guided by sound in a dance, this master's research was conducted by echoing a question: What can dance in a curriculum that opens up to experimentation, so that body and thought move and provoke o learn from difference? Living encounters that move body and thought led to the possibility of creating a dance-curriculum, through experimentation with dance in the territory of a curriculum. This bet was confirmed as soon as the Sagração da Primavera School opened for experimentation, owing body and space to dance. It is a state school, located in Greater Belo Horizonte, Minas Gerais, which covers Elementary School (ES) and High School (HS). The research was carried out with classes in the 8th and 9th year of ES, on days provided by four teachers in the disciplines of Portuguese, Geography and Mathematics. Experiments with dance implied four possibilities for creation and expression in contemporary dance: Improvisation, Contact Improvisation, Videodance and Choreographic Composition. This dissertation thus explores an experimentation with body, dance and curriculum. Working with concepts and understandings of post-critical curriculum studies and the philosophy of difference, dançarilhar is created and used as a methodology, that is: a composition made of cartography + dance and which is inspired both by the studies of Gilles Deleuze and Félix Guattari as in Nietzsche's “Andarilho” to assemble the character Dançarilha and bet on a dance-curriculum. The general argument defended here is that dance in the curriculum can create a dance-curriculum that, in order to be triggered, demands movements, openings, the formation of bands and the creation of a dance experimentation class, while opening bodies to become and make compositions with minor dance and other arts, making the major curriculum dance and open space for movement and different forms of expression with dance. Thus, it moves dance-bodies and triggers, through becoming, learning with the difference of each one. The study shows, then, that a dance-curriculum can provoke other ways of teaching and learning, through an imbricated and sensitive relationship between body and thought, which makes bodies and curricula dance in unusual ways, following the line of a learn that it is resistance and insists on making the difference dance in the territory of a curriculum.

CNPq - Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico O artigo faz uma interpretação do conto Na colônia penal, de Franz Kafka, tomando como princípio de análise nuclear o corpo como ponto de fuga e convergência da lei e do desejo. Tomando como pontos de apoio mais relevantes a interpretação de François Lyotard e a concepção filosófica de Theodor Adorno, advogamos a hipótese hermenêutica de que a narrativa kafkiana faz uma apresentação metafórica da barbárie como inscrição punitiva da lei no corpo, constituindo o inverso da progressão formativa para a cultura e a civilização. The article makes an interpretation of the short story “In the Penal Colony”, by Franz Kafka, taking as a principle of nuclear analysis, the body as the vanishing point and convergence of law and desire. Taking François Lyotard’s interpretation and Theodor Adorno’s philosophical conception as the most relevant support points, we advocate the hermeneutical hypothesis that the Kafkaesque narrative offers a metaphorical presentation of barbarism as apunitive inscription of the law on the body, constituting the inverse of the formative progression for culture and civilization.

This piece aims to identify and comprehend the experiential meanings which are essential to the configuration of the experiences lived through the musicality in capoeira. In order to accomplish that, the chosen procedure was to follow Edmund Husserl (1859-1938) footsteps in the framing of a Phenomenological Archeology of cultures. The “mestres de capoeira” (masters) reports, obtained through suspensive listening and transcribed, were analyzed with successive and deliberate intersections. Many “mestres” report the crossing of this musical experience which, from a pre-reflexive record, leads their bodies to action during the game. The results describe a crucial musical affection that unveil, intersubjectively, a corporeal-psychical openness to the meanings of the occurrences at the “roda”. Such openness shows itself on the pre-reflexive sharings of feelings specific to capoeira, in which the “capoeiristas” (capoeira practioners) show themselves culturally and in an existentially authentical way. This analysis is deepened through a dialogue with Literature, highlighting the intersubjective functionality of the psychical dimension of the bodies in action through connections with Husserl’s work on the original substract of the experiences of the “Other”. O objetivo deste trabalho é compreender os sentidos inerentes à musicalidade vivida em capoeira. Para tanto, se procede seguindo os passos de Edmund Husserl (1859-1938) no enquadre de uma arqueologia fenomenológica das culturas. Os relatos de mestres de capoeira, produzidos sob escuta suspensiva e transcritos, foram analisados mediante sucessivos cruzamentos intencionais. Muitos mestres relatam o atravessamento desta experiência musical que, desde um registro pré-reflexivo, conduz à ação seus corpos durante o jogo. Os resultados descrevem uma afecção musical crucial que inaugura intersubjetivamente uma abertura corpóreo-psíquica aos sentidos dos acontecimentos da roda. Tal abertura se mostra no compartilhar pré-reflexivo de sentimentos próprios à capoeira, em que capoeiristas manifestam-se de modo cultural e existencialmente autêntico. Aprofunda-se a análise à luz do diálogo com a literatura destacando-se a operatividade intersubjetiva da dimensão psíquica no corpo a corpo em ação, articulando-se com as investigações de Husserl sobre o substrato originário das experiências do Outro.

This paper aims to present experiences and meanings of tattoos, from narratives of adult and elderly subjects, based on an interdisciplinary approach. We question: the cult of the young body, the demand of the labor of the adult body, and the hyper vigilance of the aged body, what is the meaning of the tattooed body in such disparate ages? We describe the narratives of adults and the elderly with tattooed bodies from a qualitative research design. Fifteen adults aged between 22 and 67 years participated in the research in two Brazilian capitals, Salvador and São Paulo. Among the concluding ideas are, on the one hand, the tattoo as a metamorphosis, freedom and affirmation of self and, on the other hand, meanings that emphasize the tattoo as a desire for memory in completeness, a way of making the body a place of archives, or the body itself as a full memory file. Este artigo tem por objetivo apresentar vivências e significados de tatuagens a partir de narrativas de sujeitos adultos e idosos, com base em uma abordagem interdisciplinar. Questionamos: do culto ao corpo jovem, da exigência do labor do corpo adulto e da hipervigilância do corpo envelhecido, qual a significação do corpo tatuado em idades tão díspares? Realizamos uma descrição das narrativas de adultos e idosos com corpos tatuados a partir de um desenho de pesquisa qualitativa. Participaram da pesquisa 15 adultos com idades entre 22 e 67 anos em duas capitais brasileiras, Salvador e São Paulo. Entre as ideias conclusivas estão, de um lado, a tatuagem como metamorfose, liberdade e afirmação de si e, de outro, significações que ressaltam a tatuagem como desejo de memória em completude, uma forma de fazer do corpo lugar de arquivo ou o próprio corpo como arquivo de memória completa.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Em um movimento derivado do interesse pela relação entre corpo e figurino, a pesquisa é composta pela proposta de análise de realizações cênicas que conferem a este trabalho a possibilidade de verificar como a identidade de gênero está prescrita no contexto social brasileiro. Assim, as análises são elaboradas a partir de Melindrosa (2014), de Ana Luisa Santos; Fuck Her (2018), de Ludmilla Ramalho; e, por fim, Rosa Púrpura (2014) e A frio (2017) de Berna Reale. A investigação leva em consideração todo o processo de escolha e preparação do corpo, a fim de perceber a potência, especialmente política, que a nudez em cena é capaz de mobilizar. A proposta metodológica abarca um levantamento bibliográfico com viés histórico sobre nudez, a fim de compreender como atualmente a noção de pudor pode contribuir na decisão de desnudar o corpo em cena. Ao compreender os limites sociais para o que é considerado obsceno, é possível buscar nessa relação as implicações políticas que o ato de desnudar representa para a constituição do feminino. Diante disso, é fundamental o aprofundamento em estudos que tratam das questões de gênero, da performance do corpo e da estética do corpo em sua exibição pública. Ademais, vale pontuar que temáticas abordadas neste estudo referentes às representações da imagem feminina, atravessam, de algum modo, todas as realizações cênicas analisadas e constituem em uma igual medida processos de violência sobre o corpo feminino. Como a própria análise pode constatar, esses elementos, na maioria das vezes, estão correlacionados e são evidenciados por meio da própria estrutura das ações performáticas. Além disso, é interessante perceber como tais expressões de violência podem ser vivenciadas de modos distintos pelos diferentes sujeitos femininos. Isso pode ser percebido pelo fato de que, mesmo abordando questões similares, as artistas o fizeram de modo bastante particular.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior O objeto da pesquisa se trata da relação CORPO-ESPAÇO e seu viés pela percepção. O que move essa investigação é potencializar a percepção na arquitetura em prol de uma existência sinestésica (a envolver todo o corpo), de uma existência como ação própria (singular, autônoma do habitante) e de uma existência metamórfica (a transformar o espaço). Assume-se como premissa que a percepção seja o contato primeiro entre corpo e espaço e o ato fundante da experiência espacial e, por isso, potencializá-la na arquitetura significa fomentar esse elo e substanciar múltiplas relações, topologias e espacialidades. Nesse sentido, a ideia expressiva para a existência perceptiva nas três realidades se trata da busca de um espaço a ser formado pelo corpo. Para tal, propõe-se uma noção de arquitetura como experiência, a se constituir em ato, a existir apenas no momento da experiência do habitante como puro acontecimento, algo distendido no tempo e em contínua mutação. Em outros dizeres, uma arquitetura aberta e em formação, que propõe ao habitante a experiência de esculpir o volume arquitetônico interior. A fundamentação dessa noção se inicia pela análise da profundidade, desenvolvida na fenomenologia de Maurice Merleau-Ponty. A profundidade fenomenológica, além de ser responsável pela abertura da percepção em sua existência sinestésica, instaura uma condição de plasticidade que interessa aqui: o corpo formando o espaço e o espaço sendo formado pelo corpo. Uma vez configurada essa dimensão, a análise se direciona para o como do espaço ser criado com autonomia e sincrônico com a experiência de quem o habita, a encenar percepção como ação própria e metamórfica. Estuda-se, assim, o conceito de externalidade de Rosalind Krauss, oriundo de suas pesquisas sobre como a prática artística do Minimalismo fez com que suas esculturas existissem em latência. Diante do estudo dessas duas referências, desdobra-se uma condição, denominada de voluminosidade em externalidade, que possibilita à arquitetura ser formada com singularidade no momento da experiência do habitante. Essa condição encontrará seu emblema nos arquétipos do sequenciamento cinematográfico, labirinto e noite, e ocorrerá no fluxo temporal de uma descontinuidade na continuidade, nas intermitências do próximo e do longínquo, nas indecisões entre o espaço óptico e do espaço tátil e na descentralização do espaço. The object of the research is the BODY-SPACE relationship and its bias through perception. This investigation intends to potentialize the perception in architecture in favor of a synesthetic existence (to involve the whole body), of an existence as its own action (singular, autonomous of the inhabitant) and of a metaphorical existence (that transforms the space). It is assumed as a premise that perception is the first contact between body and space and the founding act of spatial experience, and therefore, to empower it in architecture means to promote this link and substantiate many relationships, topologies and spatialities. In this sense, the expressive idea for the perceptive existence in the three realities is about the search for a space to be formed by the body. To this end, it is proposed a notion of architecture as experience, to be constructed in act, to exist just during the inhabitant's experience as pure event, something stretched in time and constantly changing. In other words, an open and forming architecture, that proposes the experience of sculpting the interior architectonic volume to the inhabitant. The foundation of this notion starts with the depth analysis, developed in phenomenology by Maurice Merleau-Ponty. The phenomenological depth, besides being responsible for opening the perception into its synesthetic existence, establishes a plasticity condition that matters here: the body forming the space and the space being formed by it. Once this dimension is configured, the analysis is directed to how make the space to be autonomously created and synchronous with the experience of who inhabits it, to stage perception as own action and metaphorical. It is studied, therefore, the Rosalind Krauss`s concept of externality, originated from her researches of how the minimalism artistic practice made its sculptures exist in latency. After studying these two references, the research develops a condition, called voluminosity in externality, that allows architecture to be formed with singularity at the time of the inhabitant's experience. That condition will find its emblem in the archetypes of the cinematographic sequencing, labyrinth and night, and will occur in the temporal flow of a discontinuity on the continuity, on the intermittencies of the near and remote, in the decisions between the optical and tactile space and in the decentralization of space.

Este trabalho visa valorizar a memória bombeiro militar no Museu dos Militares Mineiros (MMM) por meio do desenvolvimento de uma proposta de instalação que trabalha com fragmentos de falas de seis participantes da Confraria do Fogo, associação que reúne os bombeiros militares reformados ou da reserva. Fundado em março de 2014 pelo Governo do Estado de Minas Gerais, por meio da Secretaria de Estado de Cultura (SEC-MG), esse equipamento cultural é dedicado às instituições militares mineiras. A coleção nele contida foi ponto de partida do presente estudo com intuito de promover um diálogo entre a instalação, objetos da memória afetiva dos entrevistados e a instituição museológica. Aplicamos uma abordagem interdisciplinar envolvendo aspectos históricos, epistêmicos e afetivos, para elaborar um protocolo de entrevista aos seis bombeiros militares reformados ou da reserva, lhes mobilizando memórias a respeito do ofício de bombeiro. Por meio de um quadro de narrativas, essas entrevistas foram analisadas e fragmentadas em um material auditivo que serviu de suporte para a proposta de instalação. Os fragmentos foram selecionados pela emergência de significados atribuídos aos temas, principalmente ligados ao corpo, artefatos de trabalho, família e fatos marcantes da carreira. O produto dessa investigação é o planejamento da instalação que poderá ser incorporada ao acervo do MMM, em um contexto de revisão de expografia. This work aims to enhance the military memory of bombing at the Museum of Military Miners (MMM) through the development of a facility that works with missing fragments of six participants of the Brotherhood of Fire, an association that brings together retired or reserve military firefighters. Founded in March 2014 by the Government of Minas Gerais, through the Secretary of State for Culture (SEC-MG), this cultural equipment is dedicated to the military institutions of Minas Gerais. The collection contained in it was the starting point of the present study in order to promote a dialogue between the installation, the subjects' affective memory objects and the museum institution. Applicable to an interdisciplinary approach involving historical, epistemic and affective aspects, to draw up an interview protocol for the six retired or retired military firefighters, mobilizing memories and respecting the firefighter's craft. Through a narrative chart, these interviews were analyzed and fragmented into an auditory material that supported a proposed installation. The fragments were selected by the emergence of meanings attributed to the themes related to the body, work artifacts, family and remarkable career facts. The product of this investigation is the installation planning that can be incorporated into the MMM collection in an expography revision context.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Esta tese consistiu na investigação do papel do corpo e do trabalho corporal no Teatro do Oprimido (TO), método criado por Augusto Boal (1931-2009) como base para superação das opressões sociais, políticas e subjetivas dos praticantes. Este objetivo é efetivado por meio de uma abordagem contemporânea crítica e experimental de duas modalidades de TO: Arco-Íris do Desejo – Método Boal de Teatro e Terapia e Teatro Legislativo. Buscase, com a presente investigação, incrementar a compreensão da experiência do corpo no Teatro do Oprimido, visando à conscientização e à desmecanização corporal – relacionando-as com as ações sociais concretas e continuadas, principal objetivo do criador do método. O intuito é analisar o percurso que parte do corpo – sua consciência, estímulo aos sentidos, potencialização da expressividade – até a realização de ações no âmbito subjetivo e no âmbito da política institucional, presentes nessas duas modalidades do Teatro do Oprimido e através das quais busca-se uma emancipação nesses dois aspectos. This research consists of an investigation about the role of the body and the body work in the Theater of the Oppressed (TO), method created by Augusto Boal (1931-2009) as a starting point for overcoming the social, political and subjective oppressions of the practitioners. This objective is achieved through a contemporary critical and experimental approach to two modalities of TO: The Rainbow of Desire – Boal Theater and Therapy Method and Legislative Theater. This research seeks to increase the understanding of the body experience in the Theater of the Oppressed, aiming at body awareness and demechanization – relating them to concrete and continuous social actions, the main objective of the method's creator. The aim is to analyze the path that starts from the body – its consciousness, stimulus to the senses, enhancement of expressiveness – until the performance of actions in the subjective and institutional politics, which are present in these two modalities of the TO, through which an emancipation is sought in these two aspects.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Os museus, constantemente, alteram a organização das exposições e das formas de proporcionar informação ao visitante. São esforços motivados pelo propósito principal de intensificar o engajamento do visitante. Diante disso, esta pesquisa se define pela busca de uma resposta à pergunta: Como ampliar a experiência dos visitantes? Para chegar a resposta, uma análise foi feita a partir das experiências dos visitantes diante da obra de arte Narcissus Garden Inhotim (2009) da artista japonesa Yayoi Kusama com instalação no Instituto Inhotim. Trata-se de um estudo que objetiva explorar os significados das percepções de cada visitante e elaborar uma nova compreensão quanto à percepção do indivíduo, por meio da experiência vivida e consoante com fatos experienciados anteriormente. Uma vez que cada indivíduo envolvido no estudo vive em sociedade e possui valores, estilo e cultura, que lhe são inerentes, alguns desses aspectos são revelados e, assim, nos aproximamos do cerne da experiência vivida. Com uma abordagem investigativa interessada pelo sentido da experiência do visitante, foi aplicado o método de coleta de dados chamado Grounded Theory (GT). Através do uso de filmagens e gravação, seguida de entrevista em autoconfrontação com os visitantes, foi possível construir e desenvolver a análise estruturada pela teoria do Curso da Ação. Tudo sob o ponto de vista do indivíduo marcado pelos significados de sua própria experiência. Apoiados por alguns conceitos da fenomenologia da percepção do filósofo Merleau-Ponty e pelos conceitos de expertise e da aquisição de habilidades, defendidas por Hubert Dreyfus e Stuart Dreyfus, mostramos suas discussões em contrapartida a algumas definições cognitivistas. Pela fenomenologia, tratamos de noções do corpo, engajamento e solicitações do indivíduo incorporado no mundo. Pela expertise e aquisição de habilidades, tratamos de noções da experiência, a partir da apreciação da autora quanto à discussão dos níveis de experiência em comparação com as experiências de vida. A partir da análise da visitação, permite considerar a pesquisa complexa devido aos diversos fatores físicos da obra de arte e da natureza e aos diferentes modos de ação dos atores envolvidos. Além disso, as manifestações corporais, percepções e significados reafirmam tal complexidade da situação vivida. Por fim, os resultados revelam que a experiência do visitante em uma exposição de arte contemporânea a céu aberto pode ser ampliada ao modo como é feito hoje. No momento em que o visitante tem a possibilidade de vivenciar as características de suas “formas de vida” dentro do museu, ele se sente mais próximo, mais engajado com o local. Portanto, a relação existente entre o visitante, a obra de arte e a natureza não deve ser classificada como eficaz ou ineficaz, pois não existe uma forma certa ou errada de se visitar, elas são apenas diferentes e inúmeras. The museums, constantly, alter the organization of exhibitions and the ways of providing information to the visitor. These efforts are motivated by the main purpose of intensifying the visitor's engagement. Therefore, this research is defined by the search for an answer to the question: how to broaden the experience of visitors? To reach the answer, an analysis was made from the experiences of the visitors on the work of art Narcissus Garden Inhotim (2009) of the Japanese artist Yayoi Kusama with installation at the Instituto Inhotim. It is a study that aims to explore the meanings of each visitor's perceptions and to elaborate a new understanding of the individual's perception. Since each individual involved in the study lives in society and has values, style and culture that are inherent to it, some of these aspects are revealed and, thus, we approach the core of the lived experience. With an investigative approach interested in the sense of visitor experience, it was applied the data collection method called Grounded Theory (GT). Through the use of filming and recording, followed by interviews in self-confrontation with visitors, it was possible to construct and develop the analysis structured by the theory of the Course of Action. Everything from the point of view of the individual marked by the meanings of his own experience. Supported by some concepts of the phenomenology of the perception of the philosopher Merleau-Ponty and the concepts of expertise and the acquisition of skills, defended by Hubert Dreyfus and Stuart Dreyfus, we show their discussions in contrast to some cognitive definitions. With the phenomenology of the perception, we deal with notions of the body, engagement and requests of the individual embedded in the world. With the expertise and acquisition of skills, we deal with notions of experience, from a appreciation of the author regarding the discussion of the levels of experience compared with life experiences. From the analysis of visitation, allows to consider the research complex due to the several physical factors of the work of art and nature and the different modes of action of the actors involved. Moreover, the bodily manifestations, perceptions and meanings reaffirm such complexity of the situation lived. Finally, the results reveal that the visitor's experience in an open-air contemporary art exhibition can be enhanced to the way it is done today. At the moment when the visitor has the possibility of experiencing the characteristics of his "life forms" within the museum, he feels closer, more engaged with the place. Therefore, the relationship between the visitor, the work of art and nature should not be classified as effective or ineffective, because there is no right or wrong way to visit, they are only different and countless way to do it.

Although body odor is a completely natural feature, smells emanating from the human body or clothes have been perceived throughout history as a manifestation of one's spiritual world and moral identity. The current study discusses the encounter of Rabbi Jacob Saphir (1822-1886), a famous Jewish traveler, with honorable Muslim. During the event the followers of the holy man do not touch him but smell the special scent of his clothes. The unusual event illustrating the social significance of the odor emitted by distinguished figure's body or clothes among Muslims. It also demonstrates a new insight of Saphir concerning the meaning of body odors in Jewish scriptures. Embora o odor corporal seja uma característica completamente natural, os cheiros que emanam do corpo ou das roupas foram percebidos ao longo da história como uma manifestação do mundo espiritual e da identidade moral. O presente artigo discute o encontro do rabino Jacob Saphir (1822-1886), um famoso viajante judeu, com um honrado muçulmano. Durante o evento, os seguidores do homem santo não o tocam, mas sentem o perfume especial de suas roupas. O evento incomum ilustra o significado social do odor emitido pelo corpo ou pelas roupas de figuras distintas entre os muçulmanos. Também demonstra uma nova visão de Saphir sobre o significado dos odores corporais nas escrituras judaicas.

This paper attempts to show some conditioning factors of Laurent Goldring’s work focused on the representation of the scenic body. As an influential artist in the renewal of the videography and choreography in the last 20 years, Goldring articulates a particular space of expression between photographs and videos, in which the human body appears in a renewed, not to say mind-blowing strangeness, by means of a deconstruction of its habitual postures and symbolizations. It is also presents an analysis of the reflection of his images in some recent choreographic architectures. Este artigo expõe alguns elementos condicionantes do trabalho de Laurent Goldring em torno da representação do corpo cênico. Artista influente na renovação da videografia e coreografia dos últimos 20 anos, Goldring articula particular espaço de expressão, entre fotografias e vídeos, no qual o corpo humano aparece em uma estranheza renovada, para não dizer alucinante, por força da desconstrução de suas habituais posturas e simbolizações. É examinado, ainda, o reflexo de suas imagens em algumas arquiteturas coreográficas recentes.

This text presents an analysis of two collaborative actions directed by Fernanda Magalhães regarding to the issue of visibility of fat women: “Classificações científicas da obesidade” (1997) ("Scientific Classifications of Obesity") and “Ação 8” (Action 8) (2006). Throught these works, Magalhães and other women confront social exclusions, giving to the matter a deconstruction reading of conventions that permeate the cultural imaginary elaborated from elements of art history. Based on authors such as Lynda Nead (1992), Almazán and Clavo (2007) and Rosalyn Deutsche (2008), the text interweaves art and politics and takes into account the power of the body and joint actions in the transgression of hegemonic discourses. Este texto apresenta uma análise de duas ações colaborativas dirigidas por Fernanda Magalhães em prol da visibilidade da mulher gorda: “Classificações científicas da obesidade” (1997) e “Ação 8” (2006). Magalhães, com outras mulheres, confronta exclusões sociais, permitindo uma leitura que visa a desconstrução de convenções que permeiam o imaginário cultural, elaboradas a partir de elementos da tradição da história da arte. À luz de autoras como Lynda Nead (1992), Almazán e Clavo (2007) e Rosalyn Deutsche (2008), busca-se entrelaçar arte e política, levando em conta a potência do corpo e das ações conjuntas na transgressão de discursos hegemônicos.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior As roupas, assim como as nossas peles, são as nossas interfaces com o mundo. Elas podem receber, guardar e transmitir emoções, experiências e produzir significados. Entendemos a epiderme como sendo nossa primeira pele, que cobre e abarca todo o nosso corpo. A roupa é nossa segunda pele, e desde os tempos mais remotos tem as funções de proteger e ornamentar. Chamamos de terceira pele a camada tecnológica que vem sendo "costurada" em nossas roupas. Em 1997, Steve Mann cunhou o termo Computação Vestível, esse termo, ao ser combinado com a arte e a moda, parece solicitar novas denominações, tais como: têxteis eletrônicos, tecidos/roupas inteligentes, sensores têxteis, moda tecnológica, entre outros que melhor abraçam as características de nossas roupas. O maleável, o confortável, o flexível, e o lavável são características próprias das vestimentas. Acreditamos que as tecnologias vestíveis de monitoramento, ao nos mostrarem dados como: batimentos cardíacos, condução da pele, geolocalização, sons, movimentos do corpo, temperatura, entre outros, apresentam dados de intimidade, que têm sido usados inevitavelmente como controle de si mesmo, vigilância e monitoramento, almejando os padrões de beleza e comportamento vigentes. Tais informações capturadas pelo contato com a pele/tecido, nos permitem monitorar/vigiar os nossos corpos 24 horas por dia. Criamse corpos dóceis, disciplinados e úteis para as tecnologias de produção de subjetividades. Nossa hipótese é que tais registros podem funcionar tanto como uma forma de monitoramento e vigilância, quanto para produzir poéticas de memória íntima, que subvertem as nossas percepções sobre o corpo. Para investigar essa questão trabalhamos apoiando-nos na ideia de que os objetos técnicos vestíveis são capazes de criar diários íntimos, que nos fazem questionar como os algoritmos extraem informações sobre o corpo humano, como registram, armazenam e apresentam estes dados. Para tal, nos fazemos valer do pensamento de autores como Gilles Deleuze, Michel Foucault, entre outros, e de artistas tais como Steve Mann, Lygia Clark, Orlan, Stelarc e outros. Clothing, like our skin, is our interface to the world. They can receive, store and transmit meaningful emotions, experiences and productions. We understand the epidermis as being our first skin, which covers and encompasses our body. Clothing, is our second skin, which from the earliest times has the function of protecting and decorating. We call Wearable Computing the third skin technological layer which has been "sewn" in our clothes us. In 1997 Steve Mann coined the term those Wearable Computing, however, this term when combined with art and fashion seems to request new denominations: electronic textiles, smart clothes, textile sensor's, technological fashion, among others, that better embrace the relative characteristics of our clothes. Being malleable, comfortable, flexible, and washable are peculiarities of clothing. We believe that as portable monitoring technologies show us data such as heart beats, skin conduction, geolocation, and body movements, temperature, among others, the intimacy data serves as self-control, surveillance and monitoring, the standards of beauty and behavior. They are information captured by the contact with the skin / tissue, which allows us to monitor/monitor our body 24 hours a day. They create docile bodies, disciplined and useful for technologies of production of subjectivities. However, art, as a tool for revealing the surface of what is hidden, has a power to sumon other possibilities about transport devices, which subvert a notion of an efficient and self-controlled body. We study and propose the poetics of wearable computing as a way of creating tactics for "unruly and indubitable bodies". We advocate that obtaining data of the body through computing, and associated them with other forms of production of memories, such as smartphones, social networks, among others, are a new form of expression, extension and construction of subjectivities. Our hypothesis is that such records can function as a form of monitoring and surveillance as much as to produce innumerable poetic memories which subvert our perceptions about the body. To investigate this issue we are working with the idea that technical objects are able to create intimacy journals, which make us question how algorithm get's body, to do sus job we rela on ideas of Gilles Deleuze, Michel Foucault, among others, and artists of Steve Mann, Lygia Clark, Orlan, Stelarc and others.

O presente trabalho discute a prática corporal no contexto da promoção da saúde, por sua possibilidade em contribuir com a saúde ao aliar o corpo e a cultura. Parte-se do entendimento que as práticas corporais são abalizadas pelos determinantes sociais da saúde, contudo, o seu estímulo parece estar estritamente ligado ao discurso preventivo de doenças. O trabalho foi conduzido à luz da sociologia crítica de Bourdieu. O objetivo do estudo foi analisar as práticas corporais e os seus determinantes sociais no campo da promoção da saúde. O estudo teve como cenário dois Centros Culturais do município de Belo Horizonte e as práticas corporais analisadas foram a capoeira regional e a dança. Participaram do estudo nove capoeiristas e nove dançarinos (as) /bailarinos (as). O trabalho de campo utilizou a técnica de mapa corporal narrado realizado junto aos participantes em, no mínimo, três encontros. Os roteiros semiestruturados partiram do contorno do corpo e desenredavam-se sobre as condições de saúde e vida dos participantes. Os produtos (imagens, narrativas e discursos) foram analisados sob a perspectiva sociológica. Foram atendidas as diretrizes e normas regulamentadoras das pesquisas envolvendo seres humanos (resolução 466/12). As categorias empíricas foram construídas em torno dos conceitos bourdieusianos de habitus, hexis corporal, dominação e capital social. Os resultados evidenciaram que as concepções de saúde presentes no interior das práticas corporais corroboram com a perspectiva biomédica e transitam entre os hábitos alimentares, a ingesta hídrica e as atividades físicas. Em contrapartida, as práticas promovem o despertar do corpo indicando novos caminhos para a hexis corporal dos agentes. A análise dos dados indicou que os corpos femininos possuem uma estética própria determinada socialmente pela dominação masculina. Evidenciou-se a manifestação das dificuldades cotidianas relacionadas às múltiplas jornadas das mulheres: doméstica, profissional. Emergiu entre os agentes o discurso sobre o racismo brasileiro, revelando a dupla determinação sobre o corpo negro, que além do preconceito distingue-se por sua classe social. Nesse sentido, as práticas corporais proporcionam o resgate da cultura afro-brasileira. Os Centros Culturais se mostraram espaços capazes de ampliar o capital cultural dos agentes. Nestes lugares, atua o corpo-cidadão. Conclui-se que a análise de práticas corporais no contexto da promoção da saúde exige um olhar atento aos determinantes sociais da saúde. A teoria de Bourdieu subsidiou a construção de um modelo analítico capaz de desvelar o corpo e as relações estruturais de gênero e raça. Os achados revelaram a singularidade dos corpos, mas também evidenciaram como as interpretações históricas compõem o habitus. O compartilhamento de saberes culturais entre os grupos promove a aceitação da historicidade negra na formação das corporalidades. Mesmo em cenários desfavoráveis, as práticas corporais (re) significam nos espaços da cidade intensificando as experiências do corpo. The present work discusses body practice in the health promotion context, for its possibility to contribute to health uniting body and culture. There is an understanding that body practices are socially determined, however they are strictly stimulated by the disease preventive discourse. The work was conducted in the light of Bourdieu critical sociology. The aim of this study was to analyze the social determinants of body practices in the field of health promotion. The study took place at two cultural centers in the city of Belo Horizonte and the body practices analyzed were regional capoeira and dance. Nine capoeira players and nine dancers have participated in the study. The fieldwork used the body-map storytelling technique conducted with the participants through at least three meetings. The semi structured interview guides started with the body contour and unravel the participants social and life conditions. The products (images, narratives and discourses) were analyzed from a sociological perspective. Guidelines and standards regulating research involving human beings were addressed (466/12 resolution). The empirical categories were built under the bourdieusian concepts habitus, bodily hexis, domination and social capital. The results showed that health notions present in the body practices corroborate with the biomedical perspective and transits between eating habits, water consumption and physical activities. In contrast, the practices promote the awakening of the body indicating new ways for the bodily hexis of the agents. Data analysis indicated that the feminine bodies possess an aesthetic socially determined by masculine domination. It was evident the manifestation of the daily difficulties related to the multiple journeys of women: domestic and professional. It also emerge from the agents the Brazilian racism discourse, revealing the double determination on the black body, which in addition to prejudice is distinguished by its social class. In this sense, the body practices rescue the Afro-Brazilian culture. The Cultural Centers showed themselves spaces capable of enlarge the social capital of the agents. In these places acts the citizen-body. It is conclude that the analysis of body practices in the health promotion context requires an attentive look at the social determinants of health. Bourdieus theory contributed with the construction of an analytical model capable of unveiling the body and the structural relations of gender and race. The findings reveal the body singularities, but also evidence how the historical interpretations compose the habitus. The sharing of cultural knowledge between the groups promotes the acceptance of black historicity in the training of corporealities. Even in unfavorable scenarios, body practices (re) signify in the spaces of the city intensifying the experiences of the body. Keywords: Body Practices, Health Promotion, Social Determinants of Health, Habitus, Body, Gender, Race.

CNPq - Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico Através de uma articulação entre psicanálise e arte, a presente pesquisa traz uma discussão sobre os mistérios que marcam a relação entre corpo e nome na obra de ORLAN. Por meio de sua estética, pretende-se compreender como a ascensão de um nome-próprio possibilita o advir de um corpo para esse sujeito. Para tanto, este trabalho se divide em quatro capítulos principais. Estes fazem um percurso por entre sua densa obra, analisando qual a função do corpo em sua arte. Como será apresentado, a partir de um discurso herético, ORLAN subverte ordens pré-existentes, ulcerando a estética de seu tempo, assim como, a ciência e a própria psicanálise. Dessa forma, por intermédio de seu posicionamento blasfêmico, será analisado como sua obra se constitui através de seu encontro com a psicanálise. Por fim, questiona-se como essa teoria pode se posicionar frente aos mistérios de seu império de imagens. The current research discusses the mysteries involved in the relation between body and proper name in ORLAN’s artistical work. The research aims to understand how the emergence of a proper name enables the artist to develop new concepts of body. Therefore, the study was divided in four chapters analyzing the function of the body in her art. ORLAN subvert pre- existent orders, undermining scientific concepts, the aesthetics of her time and psychoanalysis itself. Hence, through her profane approach, it will be analyzed how her work is constituted throughout her encounter with psychoanalysis. Ultimately, it is discussed where psychoanalysis theories stands when facing ORLAN's multiple images.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior O objeto de estudo deste trabalho é o conceito de corpo presente na obra do filósofo alemão Theodor Wiesengrund Adorno. O objetivo principal foi demonstrar a necessidade de compreensão e aproximação mútua de conceitos como os de natureza, sujeito e objeto, bem como a noção de não-idêntico, para se compreender que conceito ou conceitos de corpo podemos depreender do pensamento adorniano e, para além dele, em uma reflexão atual que inclui uma parte da produção artística. Outro objetivo que se seguiu foi demonstrar, considerando a evidente importância das reflexões multidisciplinares sobre o corpo, a atualidade do pensamento crítico de Adorno e sua potência em relação ao tema geral do corpo, na medida em que procuramos sustentar momentos de centralidade deste conceito no âmbito geral do materialismo do filósofo frankfurtiano. Para esta empresa, além das consagradas reflexões sobre o domínio técnico da natureza, sofrimento, mímesis e a dialética sujeito e objeto, buscamos reorientar o quanto possível tais conceitos temáticos naquilo que eles podem contribuir à compreensão do conceito de corpo, nas suas “vertentes” Körper e Leib, considerando que um empuxo daqueles conceitos em direção ao corpo se encontra presente na obra de Adorno. Essa reorientação tendo o corpo como centro gravitacional das análises, exigiu, primeiramente, que tratássemos do conceito de natureza em uma perspectiva menos de denúncia da história violência e dominação, e mais em uma vertente onto-epistêmica. Seguimos com um capítulo sobre sujeito, objeto e corpo e, por fim, no terceiro momento, apresentamos à luz do que foi abordado anteriormente, reflexões sobre parte da produção artística contemporânea, que consideramos possuir um núcleo essencialmente corporal. A noção de não-identidade mostrou-se aderente e esclarecedora para a compreensão de como Adorno pensou em seus escritos o conceito de natureza, bem como, em certa medida, alguns aspectos da dialética sujeito e objeto e, consequentemente, o conceito de corpo. Por fim, entre os capítulos encontram-se dois excursos: o primeiro tematizando a morte e o segundo o conceito de mímesis. Ambos constituem experiências derivadas do fluxo reflexivo desse trabalho sem, contudo, se apresentarem como indispensáveis à estrutura do mesmo. The subject of this work is the concept of body presents on Theodor Wiesengrund Adorno’s german philosopher. The aim was to demonstrate the necessity of comprehension and conceptual approximation between, the nature, subject and object as well as the non-identity notion, for understanding what concept or concepts of the body we can find on Adorno’s thought, and for beyond that, including a present thinking that includes a part of contemporary art. Another target was to show, considering an evident importance of multidisciplinary reflections about the body, the current critical Adorno’s thought and his powerful related to general topic of the body as far as we try to find to sustain moments of centrality of this concept in the general scope of the Adorno’s materialism. For this, beyond the important themes like technical domination of nature, suffering, mimesis, and the dialectic of subject and object, we try to reconsider these notions to contribute for understanding of body concept, in versions Körper and Leib, considering that an buoyancy of those concepts related to the body could be found in Adorno’s philosophy. This reorientation having the body in the center of analyses, required, first of all, that we tried of the concept of nature in a perspective less than a history denunciation of violence and domination, and more in an epistemic and ontological view. The next chapter is about subject, object and body and then, in the third moment we presented under the light of the previous discussions, some reflections about part of contemporary art that we consider having essentially body core. The notion of non-identity showed up adherent and enlightening to understanding how Adorno thinks in his written the concept of nature, as well as, some aspects about the dialectic of subject - object, and consequently, the body concept. Finally, between the chapters we have two excursus: the first, is about the concept of the death and the second about the concept of mimesis. Both are experiences derived from the reflexive flow of this work without, however, presenting themselves as indispensable to its structure.

O Espetáculo do Gênero é uma dissertação que assume a metáfora do espetáculo teatral para criar uma narrativa sobre a disputa pelos quadros deinteligibilidade do gênero na virada do século XX para o século XXI. Dialogandocom o aparato teórico de Judith Butler, o trabalho realiza uma reflexão sobre osefeitos do combate à ideologia de gênero para a constituição dos regimes deaparecimento público dos corpos. Na primeira cena, Gênesis, apresentamos a origeminternacional da cruzada antigênero protagonizada pelo Vaticano na década de 1990.Na segunda cena, Tupiniquins, as personagens do caso brasileiro do combate àideologia de gênero ganham voz e nos apresentam suas perspectivas sobre esseembate. Na terceira e última cena, Dramaturgia, o narrador, despido, apresenta suaversão da disputa, de forma a promover um encontro das duas cenas anteriores esomar-se ao conjunto de narrativas já apresentadas por pesquisadores tupiniquins.Assumindo que o gênero é constitutivo das lentes de inteligibilidade sociais do mundomoderno, atravessando e ordenando os seus processos de subjetivação, o argumentocentral da nossa dramaturgia repousa na afirmação de que a disputa pelo gênero é,antes de tudo, uma disputa por projetos políticos de poder. Projetos que podem serbalizados pelo caráter autoritário de uma eterna busca da unicidade orgânica perdidaou pelo caráter democrático de um permanente devir rearticulador dasinteligibilidades sociais. Esse é o embate de um espetáculo em aberto. The Gender Spectacle is a masters thesis that incorporates themetaphor of a theatrical spectacle to create a narrative on the dispute forthe frameworks of gender intelligibility at the turn from the 20th to the 21st century.In a dialogue with the theoretical apparatus of Judith Butler, the work proposes areflection on the effects of the battle on gender-ideology in the constitution ofregimes of public apparition of bodies. In the first scene, Genesis, we portray theinternational origin of the anti-gender crusade led by the Vatican in the 1990s. In thesecond scene, Tupiniquins, the characters in the Brazilian scenario of combat togender-ideology emerge and speak of their perspectives on such strife. In the thirdand last scene, Dramaturgy, the narrator, undressed, presents his version of thedispute, in a way to bring together the two previous scenes and add their contributionto the set of narratives presented to date by Brazilian researchers. We base on theassumption that gender is constitutive of the social intelligibility lenses in the modernworld, weaving and ordering its processes of subjectivation. Therefore, the centralargument of our dramaturgy lays on the statement that the dispute of gender is, firstand foremost, a dispute for projects of political power. Projects that may be steered bythe authoritarian character of an eternal quest of the lost organic unicity or by thedemocratic character of a permanent rearticulating becoming of social intelligibilities.Such is the conflict of an open spectacle.

A filósofa francesa Simone Weil (1909-1943) buscou compreender o estatuto do trabalho na vida humana, bem como as formas de opressão operária vigentes em sua época. Ela propôs uma ressignificação do trabalho, visando à liberdade e à dignidade humana. Embora o trabalho seja um tema frequentemente referido nos artigos dedicados a essa pensadora, poucos dentre eles enfatizam a viabilidade de sua proposta na atualidade. Nesse sentido, este artigo visa articular o pensamento weiliano a três teóricos do século XXI. Analisamos as propostas da psicologia do trabalho expressas por Yves Clot e Christophe Dejours. Também analisamos o modelo fenomenológico proposto por Hubert Dreyfus para compreender de que maneira se desenvolvem as habilidades e de que modo elas se expressam no corpo do expert. Estabelecemos, assim, possíveis diálogos com o pensamento weiliano a partir dos conceitos centrais presentes em sua proposta de educação do trabalhador, buscando transpor esses conceitos para nossa realidade. The French philosopher Simone Weil (1909-1943) sought to understand the status of work in human life, as well as the forms of worker oppression in its time. She proposed a re-signification of work, aiming at freedom and human dignity. Although the work is a theme frequently mentioned in the articles dedicated to this thinker, few of them emphasize the feasibility of its proposal at the present time. In this sense, this article aims to articulate the Weil’s thought to three theorists of the 21th century. We analyze the proposals of the psychology of the work expressed by Yves Clot and Christophe Dejours. We also analyze the phenomenological model proposed by Hubert Dreyfus to understand how skills are developed and how they express themselves in the expert’s body. We will thus establish possible dialogues with Weil’s thought, based on the central concepts present in his proposal of education of the worker, seeking to transpose these concepts into our reality.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Esta etnografia com habitantes de Santarém Novo, no nordeste paraense, é fruto de entrevistas ou da prosa cotidiana, algumas ativadoras de um “tempo antigo”, nas quais aparecem relações de vizinhança com bichos, encantados, mães, donos e feiticeiras que habitam o manguezal, o igarapé, a ilha, o mato e caminhos. Estar nesses lugares é frequentar a casa alheia, ao mesmo tempo que as paisagens participam de processos vitais e acontecimentos com uma dupla dimensão que constituem corpos e a socialidade local. Tento traduzir alguns aspectos cosmológicos que compõem essas relações, em diálogo com etnografias realizadas com povos ameríndios e populações amazônicas. Condutas de evitação e limites cotidianos, resguardos, regulamentos para a pesca e tirada de caranguejo revelam uma relação generalizada de predação. Motivados por uma ameaçadora continuidade ontológica entre humanos e “mundo natural”, vive-se uma diplomacia por meio do contraste entre bicho e gente, donos destas paisagens e donos de quintais, um modo de coexistir.

Esta tese propõe um modo de traduzir o espaço da Carretera Interoceánica, também chamada de Estrada do Pacífico, concebida como um corredor global de integração – via Peru, Brasil e Bolívia – e vivida por diferentes caminhos que cruzam a tríplice fronteira MAP – Madre de Dios, Acre e Pando. Trata-se de um exercício de transposição criativa da espacialidade abstrata e geométrica de uma rodovia, para os termos da prática do espaço diferencial de uma geografia de viagem. Esta tradução objetiva dissolver o caráter duro e violento do planejamento territorial capitalista de grande escala, através da densidade afetiva de um espaço de criação compartilhada. A partir de uma viagem de pesquisa coletiva, realizada em 2010, com o propósito de registrar, em áudio e vídeo, as histórias de vida e as geografias cotidianas dos usuários da estrada, um deslocamento acontece entre uma rodovia pensada como modelo de integração viário e um conjunto de caminhos percebidos como diferenças viáveis. À pesquisa sobre um contexto geográfico vem se juntar a pesquisa de uma textura videográfica. Nesta obra, narrativas de viagem, estruturadas em 1102 fragmentos, reunidos em 10 cantos, precedidas de um prólogo e seguidas por uma argumentação metodológica. Uma estrutura que se inspira no desvio feito por Gonçalo M. Tavares, em relação a Os Lusíadas (1572) – a clássica epopeia de Luís V. de Camões – através de Uma Viagem à Índia (2010), uma epopeia ínfima. Um modelo é novamente desviado, aqui, com a função de argumentação crítica e recreativa, sob a forma de uma epopeia acadêmica. Assim, à pesquisa de uma textura contextual vídeo-geográfica vem se juntar, por fim, a tessitura de uma narrativa de viagem. No âmago desta tese encontra-se uma invenção metodológica interessada em apontar e expandir os sentidos de produção do espaço social, a partir da teoria de Henri Lefebvre (1901-91). Isto se dá através de uma prática de tradução espacial composta pelo entrecruzamento de vídeos, palavras e sons. Uma proposição aberta à inscrição dos diferentes posicionamentos dos corpos, com seus pontos de vista singulares e irredutíveis, na trama comum da pesquisa. Um caminho das diferenças espaciais que se exprime através das perspectivas tradutórias reunidas por por Ivo C, um personagem múltiplo, e um Coletivo de pesquisadores: Elvira C, Jandira R, Jean M, Luzia T e Osmar X. Itinerários, paragens e outros deslocamentos que nos levam até as margens do ameríndio igarapé Abismo – a última fronteira do espaço capitalista ocidental. This thesis proposes a way to translate the space of the Interoceanic Highway, also known as the Pacific Highway, conceived as an integration hub – through Peru, Brazil and Bolivia – and lived by the different paths that cross the triple border “MAP” – Madre de Dios, Acre and Pando. An exercise of creative transposition from an abstract spatiality of a road into the terms of a differential spatial practice of a trip. This translation aims to dissolve the harsh and violent character of large-scale capitalist territorial planning through the affective density of a shared creative practice. Starting from a collective research trip, held in 2010, with the purpose of recording, in audio and video, the life histories and daily geographies of the road users, an operation of passage is built between a road, thought as an integration model, and the viable path of the lived differences. Thus, the research of a geographical context is joined by the research about a certain video graphic texture. The reader will find in this work some travel narratives, structured in 1102 fragments, gathered in 10 chants, preceded by a foreword and followed by a methodological argumentation. This structure is inspired by the deviation made by Gonçalo M. Tavares, through the book A Voyage to India (2010), a tiny epic text based on the classic epic text of Luís de Camões (The Lusiads, 1572). Here, these texts are displaced with the function of a critical and a recreational argumentation, in the form of an academic epic text. Thus, to the research of a contextual video-geographical texture comes, finally, the organization of a travel narrative. At the heart of this thesis, there is a methodological invention interested in pointing out and expanding the senses of the production of social space, according to Henri Lefebvre’s theory (1901-91). It happens through a video-geographic translation practice, made up of the intertwining of videos, words and sounds. A place opened to the inscription of the different positions of the bodies, with their singular and irreducible points of view, in the common plot of the research. A path of differences is expressed, therefore, through the perspectives of an academic epic translation gathered by Ivo C, a multiple character, and his Collective of researchers: Elvira C, Jandira R, Jean M, Luzia T and Osmar X. Dislocations, stops and itineraries that take us until the borders of an Amerindian Stream called Abyss – the last frontier of Western capitalist space.

Esta tese teve por objetivo investigar as mudanças da vida social de Belo Horizonte durante o processo de modernização da cidade por meio da análise das estratégias discursivas presentes na revista Alterosa durante o período de 1939-1945. A metodologia utilizada combinou análise de conteúdo de imagem e texto. A escolha deste modelo buscou captar os processos de produção de sentidos nas práticas sociais materializadas nessa revista. O periódico ilustrado, criado em Belo Horizonte em agosto de 1939, foi um importante propagador do ideal de modernidade que se procurava gestar naquele período, no qual a capital mineira vivenciava intensas transformações que acarretaram o desenvolvimento de uma nova dinâmica social na cidade. O contexto nacional estava marcado pelo projeto nacionalista do Estado Novo e pelo estreitamento das relações entre o Brasil e EUA por meio da Política de Boa Vizinhança que objetivava obter o alinhamento do país ao esforço de guerra norteamericano. Este cenário propagandístico era composto principalmente pelos meios de comunicação de massa, dentre eles, o cinema que irradiava a cultura norteamericana como referência de modernidade, mas a imprensa foi igualmente importante por exibir fotografias profusamente, afirmando certa visualidade na cultura urbana da cidade. Esse processo buscava afirmar hábitos e reconfigurar comportamentos sob a lógica da eficiência, em que a família conjugal ganhou centralidade como lugar estratégico para instituir a ordem social. Assim, o padrão corporal feminino foi redefinido visando a maternidade sadia para o aprimoramento da raça, ao mesmo tempo que o corpo masculino foi regulado objetivando sua adequação ao trabalho para o progresso da nação. Juntamente ao controle dos corpos, o discurso da modernidade valorizava a diversão e o cultivo do corpo como práticas modernas. This thesis aimed to investigate the changes of the social life of Belo Horizonte during the process of modernization of the city through the analysis of the discursive strategies present in the magazine Alterosa during the period of 1939-1945. The methodology used combined image and text content analysis. The choice of this model sought to capture the processes of meaning production in the social practices materialized in the magazine. The illustrated periodical, created in Belo Horizonte in August 1939, was an important propagator of the ideal of modernity that was sought to develop in that period, in which the capital of Minas Gerais experienced intense transformations that led to the development of a new social dynamic in the city. The national context was marked by the nationalist project of the Estado Novo and the narrowing of relations between Brazil and the United States through the "Good Neighbor Policy" aimed at achieving the country's alignment with the US war effort. This propagandistic scenario was mainly composed of the mass media, among them, the cinema that radiated the American culture as a reference of modernity, but the press was equally important to display photographs profusely, affirming a certain visuality in the urban culture of the city. This process sought to affirm habits and reconfigure behaviors under the logic of efficiency, in which the conjugal family gained centrality as a strategic place to institute social order. Thus the female body pattern was redefined aiming at healthy motherhood for the betterment of the race, while the male body was regulated aiming at its adequacy to work for the nation's progress. Together with the control of bodies, the discourse of modernity valued fun and cultivation of the body as modern practices.

O presente estudo é resultado de pesquisa desenvolvida no Programa de Pós-Graduação do Mestrado Profissional em Artes – UFMG, na modalidade “Processos de Criação Artística”. Este relato de experiência foi realizado nas aulas de Arte-Teatro com alunos da 1a série do Ensino Médio Técnico Integrado em uma Escola da Rede Federal de Ensino, no interior do Estado do Rio de Janeiro. Ele apresenta investigações sobre possibilidades para o ensino da Arte, especificamente do teatro na escola, através de estudo de caso de processo de encenação e montagem de um espetáculo. O objetivo da pesquisa tem como foco o estudo dos processos realizados na preparação corporal dos alunos e na importância do trabalho do corpo nas aulas de teatro, através da análise da encenação e montagem do espetáculo “MACBETHemer”. The present study is the result of research developed in the Postgraduate Program of the Professional Master in Arts - UFMG, in the "Artistic Creation Processes" modality. This experience report was carried out in Art-Theater classes with students from the 1st grade of Integrated Technical High School in a School of the Federal Education Network, in the interior of the state of Rio de Janeiro. It presents investigations on possibilities for the teaching of art, specifically theater in school, through case study of the process of staging and setting up a show. The objective of the research is to study the processes performed in the students' body preparation and the importance of body work in the theater classes, through the analysis of the staging and assembly of the show "MACBETHemer".

Nesta tese, pretende-se, seguindo a orientação psicanalítica, e partindo de autores que abordam o corpo na literatura e dos inúmeros registros que nos deixou Franz Kafka, explorar a dimensão corporal que, em sua precariedade e recorrente ameaça de falência, promove em nosso autor uma busca diversa e constante de alguma consistência e segurança, que é uma busca de escrita que acabará forjando não somente um estilo, mas a realidade inverossímil, paradoxal, fragmentada e infinita que foi nomeada kafkiana. This thesis intends, through the lens of psychoanalysis, from the works of authors who approach the body in literature and also from countless writings left by Kafka, to explore the corporal dimension which, in its precariousness and ever-present threat of failure, promotes in Kafka a constant and diverse seeking for consistency and security, which is also a search for a writing that eventually establishes not only a style but the seemingly unreal, paradoxical, fragmented, and infinite reality that has been named "kafkian".

Este artigo faz uma breve incursão sobre o tema do corpo no pensamento de Jean-Paul Sartre, buscando esclarecer mal-entendidos frequentes e mostrar que na nossa lida com o mundo tal como concebida pelo filósofo não há a consciência e o corpo – o que há são sujeitos conscientes, que são sujeitos incorporados.

O interesse pelo Yoga tem aumentado nas últimas décadas. Na modernidade, esta prática se situa num campo de poder entre um discurso médico hegemônico e práticas de promoção da saúde que visam à invenção de novos modos de subjetivação. O objetivo deste estudo foi analisar o aprendizado dos praticantes de Yoga para a promoção da saúde. Partiu-se do pressuposto que o Yoga é uma prática educativa que possibilita uma relação do sujeito consigo mesmo e com isso os praticantes desenvolvem o cuidado de si. Foi realizada uma pesquisa de natureza qualitativa, tendo como cenário o núcleo de convivência da Associação dos Servidores Municipais da Prefeitura de Belo Horizonte (ASSEMP). Os dados foram obtidos por meio de 62 horas de observação das aulas de Yoga, entrevistas narrativas com 15 praticantes de Yoga da instituição e análise das cartas redigidas por eles, nas quais foi solicitado que aconselhassem um amigo sobre cuidado. Os dados foram trabalhados na perspectiva de uma analítica pós-crítica do discurso. Os resultados revelaram que o Yoga encontra-se num campo de transição entre os ideários de liberdade da promoção da saúde e, ao mesmo tempo, constitui-se um instrumento do biopoder, reproduzindo discursos hegemônicos no campo da saúde. Os participantes utilizam o Yoga para cuidar do corpo físico, emocional, mental e espiritual. Suas condutas também transitam entre práticas normativas e práticas de cuidado de si. O cuidado de si se revelou como portando os seguintes sentidos: encontro consigo e reconhecimento da necessidade da mudança; ser ativo em relação a si mesmo e à vida; equilíbrio - temperança; a questão da verdade; conhecimento de si; cuidado com o outro; reconexão corpo/alma/espírito. Aprende-se com Yoga a refletir sobre si e, neste refletir, a fazer a conexão consigo, a prestar atenção ao corpo e, neste prestar atenção, a cuidar de si. Há, portanto, diferentes dispositivos que parecem produzir a experiência de si por meio do Yoga. O Yoga como mediador da experiência de si desenvolve a consciência corporal, por meio da qual o corpo se torna também um veículo de aprendizagem por outra via que não somente a razão. Conclui-se que o Yoga tem potencial para provocar práticas de liberdade em educação e saúde e, assim, alcança a promoção da saúde entre cuidado, práticas e experiências de si. The interest in yoga has increased in the last decades. In modernity, this practice lies in a field of power between a hegemonic medical discourse and health promotion practices aimed at the invention of new modes of subjectivation. The objective of the study was to analyze the learning of the practitioners of Yoga for health promotion. It was assumed that Yoga is an educational practice that allows a relation of the subject with himself and with this the practitioners develop the care of themselves. A qualitative research was carried out, taking as a scenario the core of the Association of Municipal Servants of Belo Horizonte (ASSEMP). The data were obtained through 62 hours of observation of the Yoga classes, interviews with 15 Yoga practitioners of the institution and analysis of the letters written by them in which they were asked to advise a friend about care. The data were worked from the perspective of a post-critical analytical discourse. The results revealed that Yoga is a field of transition between the ideas of freedom of health promotion and, at the same time, constitutes an instrument of biopower, reproducing hegemonic discourses in the field of health. Participants use Yoga to take care of their physical, emotional, mental and spiritual bodies. Their behaviors also transpose normative practices and practices of self-care. Self-care has revealed itself with the following meanings: Meet with you and recognize the need for change; Be active in relation to yourself and to life; Equilibrium - Temperance; The question of truth; Knowledge of self; Beware of each other; Reconnection body, soul / spirit. One learns with Yoga to reflect on oneself and in this one to reflect to make the connection with itself, to pay attention to the body and, in this one to pay attention, to take care of itself. There are different devices that seem to produce self-experience through Yoga.Yoga as the mediator of the experience of self develops the body consciousness in which the body also becomes a vehicle of learning by way other than reason. It is concluded that Yoga has the potential to provoke practices of freedom in education and health and, thus, reaches the promotion of health among care, practices and experiences of self.

CNPq - Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico Na medida em que uma mulher é postulada, pela Psicanálise, como mais “próxima” do Real, esta pesquisa buscou averiguar o que uma mulher, ao se oferecer ao olhar, evidencia do nãotodo de seu corpo. O objetivo desta pesquisa, portanto, é contribuir no avanço teórico da Psicanálise no que tange à constituição de um sujeito, de uma mulher, de um corpo e no esclarecimento acerca da noção de não-todo. A partir da análise das obras e dos relatos de duas artistas - Ethel Braga, performista, e Monica Piloni, artista plástica - o que se elucidou é que dizer da noção lógica do não-todo é dizer de algo incógnito, obscuro e enigmático que concerne não só às mulheres, mas a todo e qualquer sujeito. É dizer de uma falta, de um vazio sobre o qual todos os corpos orbitam: o Real. A partir da investigação construída no percurso deste trabalho, a pergunta freudiana “O que quer uma mulher?” transformou-se em “O que quer um sujeito?” e uma possível resposta foi apontada: o que quer um sujeito é um acesso, um vislumbre, um olhar sobre o Real que se apresenta como algo obscuro instalado no corpo. Na tentativa de esclarecer sobre esse obscuro, foi investigado como identificá-lo e como lhe dar visibilidade. É nesse ponto que a arte tem muito a dizer, na medida em que produz, em ato, a imaginarização de um alcance a um corpo todo. Por uma interpretação psicanalítica, três atos foram abordados nesta pesquisa: 1) a constituição do sujeito, de seu corpo, em três dimensões; 2) a importância do olhar tanto na constituição de um corpo que os sujeitos creem que possuem, como também do olhar sustentado pela função de ser objeto a, quer dizer, aquilo que poderia obturar a falta, atribuir (ou identificar) algo no lugar da dimensão Real que permanece inacessível; e, por fim, 3) uma indicação do ato necessário para que um sujeito rompa com a angústia de ser e ter um corpo não-todo: o assentimento. Ao final desta investigação, o que foi possível indicar, a partir daquilo que a arte desnuda ao olhar de seu observador, é que a dimensão Real do corpo se mantém como aquilo que não cessa de não se inscrever e, por isso, não é exposto, de fato, ao olhar. To the extent that a woman is postulated by psychoanalysis as being "closer" to the Real, this research sought to ascertain what a woman, when offering herself to be looked at, reveals of the not-all of her body. The purpose of this research, therefore, is to contribute to the theoretical advance of psychoanalysis in regard to the constitution of a subject, of a woman, of a body and to enlighten the notion of the not-all. From the analysis of the works and reports of two artists - Ethel Braga, a performer, and Monica Piloni, a fine artist - it has been elucidated that to discuss the logical notion of the notall is to say something incognito, obscure and enigmatic that concerns, not only women, but every subject. It`s to say something of an absence, of an emptiness, in which all bodies orbit: the Real. After the research drawn in the course of this work, the Freudian question "What does a woman want?" became "What does a subject want?" and a possible answer was pointed out: what a subject wants is an access, a glimpse, a gaze at the Real that presents itself as something obscure installed in the body. In an attempt to clarify this obscure, it was investigated how to identify it and how to give it visibility. It`s in this moment that art has much to say, in so far as it produces, in act, the imagining of a reach to a whole body. By a psychoanalytic interpretation, three acts were addressed in this research: 1) the constitution of the subject, of his body, in three dimensions; 2) the importance of the gaze, both in the constitution of a body that the subject believed it possess, and also from the gaze sustained by the function of being object a, that is, what could fill the absence, attribute (or identify) something in the place of the Real dimension that remains inaccessible; and, finally, 3) an indication of the act necessary for the subject to rupture from the anguish of being and having a not-all body: the assent. By the end of this investigation, it was possible to indicate, from what art strips to the eye of it`s observer, that the Real dimension of the body remains as that which does not cease to not subscribe and therefore is not exposed, in fact, to the gaze.