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Simon Roberts’s We English series of photographs produced in 2008 has encountered unprecedented success in Britain and abroad. Recording scenes of outdoor leisure activities in various places in England, it has become in a few years the most exhibited series in the history of British photography. It was also published by Chris Boot as a book of fifty-six photographs. The photos show groups of people involved in a variety of activities like hiking, paragliding, angling, hunting, bird watching, horseracing, tobogganing, “mud-racing”, picnicking, or just strolling and relaxing. As the title of the series invites the viewer to consider the Englishness of the activities represented, We English is first analysed as an update on previous representations of English customs, by looking at the rich intertext in Simon Roberts’s pictures, through centuries of English visual culture from 18th century paintings to contemporary photography. Yet this article aims to establish that there is more to Simon Roberts’s project than merely a cultural theatre where English traditions are re-enacted. It is shown that the photographer has considerably broadened the scope through key aesthetic choices. By exploring the relationship between people and public places, We English turns outdoor leisure and landscape into a social theatre. The sense of community and belonging emerges out of shared environment and space rather than from cultural practices that are reproduced and re-presented over time. This paper argues that this approach allows the photographer to reformulate the question of Englishness and national identity altogether and to offer new perspectives on rural England, with outdoor leisure activities creating a sense of openness and conviviality contrasting with previous notions of a closed, stratified, ethnocentric society. La série de photographies de Simon Roberts intitulée We English (2008) connaît un succès sans précédent en Grande-Bretagne et dans le monde, sous la forme à la fois d’expositions et d’un livre de cinquante-six photographies. Ces images réalisées avec un appareil à chambre grand format représentent des scènes d’extérieurs dans différents lieux d’Angleterre, où des groupes de personnes s’adonnent à tous genres d’activités de loisirs comme la randonnée, le piquenique, la chasse, le parapente, la promenade ou le farniente à la plage. Le titre We English semble inviter les spectateurs à déceler des caractéristiques typiquement anglaises dans les pratiques et les paysages représentés. Cet article interroge donc en premier lieu la notion d’anglicité à travers les loisirs et les paysages photographiés par Simon Roberts. Ceux-ci constituent-ils un simple théâtre culturel où se jouent et se re-jouent les traditions anglaises ? Les images de Simon Roberts présentent certes un très riche intertexte avec toute la culture visuelle anglaise que nous retraçons brièvement de la peinture à la photographie contemporaine. Elles peuvent en cela être considérées comme une contribution de plus à la longue histoire de la représentation des loisirs anglais. Néanmoins, cet article montre comment les choix esthétiques de Simon Roberts tendent à transformer ce théâtre culturel en théâtre social. En effet, au fil des photographies, le sentiment d’appartenance et de communauté semble émerger avant tout du partage de l’espace public et de l’expérience collective, et d’une forme de convivialité. L’anglicité ainsi définie s’avère donc beaucoup plus ouverte et moins ethnocentrique qu’il n’y paraît. Au-delà, la série livre une véritable réflexion sur la notion même d’identité nationale.

Cet ouvrage explore les réécritures de l’Angleterre de la première moitié du XXe siècle dans la fiction contemporaine, en particulier dans The Remains of the Day (K. Ishiguro), Atonement (I. McEwan), Arthur and George (J. Barnes) ainsi que dans la trilogie de Pat Barker consacrée à la Grande Guerre (Regeneration, The Eye in the Door et The Ghost Road).En choisissant de réinvestir les lieux familiers de l’anglicité édouardienne, comme le paysage anglais, la country house et le village, les romans contemporains mettent en critique ces archétypes. De même, le gentleman est perçu comme un modèle inaccessible et aliénant, plutôt qu’un idéal de conduite, alors que la dimension répressive qui lui est associée est systématiquement mise en exergue. En revisitant ces images familières, la littérature contemporaine développe une réflexion métafictionnelle sur le processus d’écriture de l’Histoire où faits historiques et fiction se mêlent, afin de dialoguer avec la tradition littéraire du pays. La dimension éthique du retour vers le passé est évoquée, de même que la possibilité de faire coexister les concepts apparemment antithétiques que sont le postmodernisme et l’humanisme.

International audience; Cet ouvrage explore les réécritures de l’Angleterre de la première moitié du XXe siècle dans la fiction contemporaine, en particulier dans The Remains of the Day (K. Ishiguro), Atonement (I. McEwan), Arthur and George (J. Barnes) ainsi que dans la trilogie de Pat Barker consacrée à la Grande Guerre (Regeneration, The Eye in the Door et The Ghost Road).En choisissant de réinvestir les lieux familiers de l’anglicité édouardienne, comme le paysage anglais, la country house et le village, les romans contemporains mettent en critique ces archétypes. De même, le gentleman est perçu comme un modèle inaccessible et aliénant, plutôt qu’un idéal de conduite, alors que la dimension répressive qui lui est associée est systématiquement mise en exergue. En revisitant ces images familières, la littérature contemporaine développe une réflexion métafictionnelle sur le processus d’écriture de l’Histoire où faits historiques et fiction se mêlent, afin de dialoguer avec la tradition littéraire du pays. La dimension éthique du retour vers le passé est évoquée, de même que la possibilité de faire coexister les concepts apparemment antithétiques que sont le postmodernisme et l’humanisme.

Cet article explore, à travers le concept de nostalgie, la représentation de l’identité anglaise telle qu’elle apparaît dans le roman England, England de Julian Barnes (1998). De manière assez paradoxale, le roman semble profiter de l’engouement de ses contemporains pour le mode nostalgique en même temps qu’il déconstruit, de manière critique, les versions nostalgiques de l’anglicité qui font du passé une marchandise adaptée à l’idéologie du politiquement correct et au marché mondialisé. Bien qu’il dénonce ces constructions inauthentiques de l’identité anglaise qui se révèlent complices de la logique du consumérisme et du simulacre (Jameson), le roman problématise, de façon postmoderniste, la notion d’authenticité, remettant ainsi en question l’existence même d’une conception de l’identité nationale qui serait fidèle à la réalité. En conclusion, l’article se penche sur la dernière section du roman qui semble proposer une esquisse de l’identité anglaise apte à résoudre quelques-unes de ces contradictions. L’auteur semble en effet dire que, s’il est nécessaire d’avoir conscience du caractère inéluctablement fabriqué de toute définition de l’anglicité, il est d’autant plus désirable de prêter attention aux valeurs qui vont définir ce construit. La spécificité de la nostalgie à l’œuvre dans England, England tient au fait que cette nostalgie est tournée vers l’avenir dans la mesure où l’auteur recherche, dans les constructions nostalgiques contemporaines de l’anglicité, les idéaux qui devraient servir de lignes directrices à la construction du futur de la nation. This article focuses on the concept of nostalgia, which appears as a key notion to understand the representation of English identity in Julian Barnes’s 1998 novel, England, England. I show that the text, rather paradoxically, feeds upon the contemporary nostalgic drive at the same time as it critically deconstructs nostalgic versions of Englishness which transform the past into a politically correct global commodity. While it denounces inauthentic constructions of English identity, which are complicit with the logic of consumerism and of the simulacrum (Jameson), the novel, in postmodernist fashion, invalidates the notion of authenticity, thereby putting into question the possibility of ever forging a ‘true’ national identity. The article ends with an examination of the vision of Englishness offered in the final section of the novel as a possible compromise resolving, at least partially, these paradoxes. It indeed seems that the author alerts his readers to the necessity of being aware of the inevitably constructed nature of any version of English identity, and to the attendant importance of choosing the values underlying these constructions. Barnes’s particular type of nostalgia is oriented towards the future in that it consists in exploring today’s constructions of English identity as a quest for the ideals that should act as guidelines for building the nation’s future.

The work of British photographer Ingrid Pollard constantly weaves the threads of imperial history, personal history, and visual and symbolic representations of English identity. Using the genre of the landscape, Ingrid Pollard raises the issue of the symbolic investment of rural and seaside places with values of purity and order in the production of discourses and representations of national identity. In the series « Pastoral Interlude » (1987), the literal intrusion of lone Black figures in Lake District landscapes gives a material reality to the historically and socially produced boundaries which organise the exclusion of Black people from rural spaces. The artist's highly constructed images challenge mainstream narratives of English identity by bringing to the fore more complex layers of history and experience. At the end of the 1980s characterised by the rise of Black photographers, Ingrid Pollard's visual research engaged in a fundamental critical debate on multicultural identities in post-colonial England., Le travail de la photographe britannique Ingrid Pollard tisse des fils entre l'histoire impériale, l'histoire personnelle, et les représentations visuelles et symboliques de l'identité anglaise. Utilisant le genre du paysage, Ingrid Pollard met en question l'investissement symbolique des espaces ruraux et maritimes par des valeurs de pureté et d'ordre, dans la production de discours et représentations identitaires. Dans la série « Pastoral Interlude » (1987), l'intrusion littérale de sujets noirs isolés dans les paysages du Lake District donne une réalité matérielle aux frontières historiquement et socialement produites qui continuent d'organiser l'exclusion des Noirs de ces espaces. Les images très construites de l'artiste mettent à l'épreuve les récits dominants de l'identité anglaise en convoquant des niveaux de lecture historique et subjective plus complexes. À la fin des années quatre-vingt, marquées par l'arrivée de photographes noirs sur la scène artistique, la recherche visuelle d'Ingrid Pollard prend sens dans un débat critique fondamental sur les identités multiculturelles d'une société anglaise post-coloniale.

Même si Peter Ackroyd retourne vers les topoi de la vision romantique de l’anglicité en examinant les ruines selon les principes du sublime, la poétique des ruines qu’il met en œuvre acquiert une fonction éthique plus qu’esthétique. L’image des ruines chez Ackroyd semble avoir évolué vers l’expression d’une éthique de l’altérité, mais il est également possible de lire ses romans à travers le prisme d’une éthique du care. Comme il est possible de le constater dans la conclusion de The House of Dr Dee où triomphent les valeurs de la générosité et de l’attention à l’autre, ou encore dans Chatterton et dans nombre de ses romans, l’éthique de l’attention portée à l’autre dans son invisibilité est au centre des préoccupations de l’auteur. Ces autres frappés d’invisibilité sont les individus socialement défavorisés, comme on peut le constater dans The Great Fire of London ou dans English Music, mais Ackroyd s’intéresse également à l’autre du temps et de la culture dominante. Au cœur des années 80 et 90, dominées par l’ultra-libéralisme, Ackroyd recourt à une poétique des ruines pour inviter le lecteur à prendre en compte les plus vulnérables et traumatisés qui sont partie intégrante d’une culture anglaise que son œuvre n’a jamais cessé de proposer une définition. Even if Ackroyd revisits some topoi of the romantic vision of Englishness by apprehending ruins in sublime terms, his use of a poetics of ruins is less concerned with a moral or aesthetic function than with an ethical one. The ruins image seems to have evolved from the domain of the predominantly aesthetic, to that of ethics, by which I mean the ethics of alterity inspired by Levinas’s writings, but also the branch of ethics that is very much concerned with care. As may be seen in the conclusion of The House of Doctor Dee where the values of generosity are seen to triumph or in Chatterton, but also in many of Ackroyd’s novels, the ethics of attention to the invisible other are promoted. This invisible other may be that of the socially underprivileged, as made clear in The Great Fire of London or in English Music, but also the other of time and of dominant culture. At the heart of the ultra liberal 1980s et 1990s, by resorting to a poetics of ruins, Ackroyd issues less a warning than an invitation to take into account the vulnerable, traumatised side of an English culture that he has tried to define throughout his œuvre.

The essays collected in this volume were partly drawn from the contributions to the 2008 international conference “Julian Barnes and the European Tradition” held at Liverpool Hope University. They cover a large part of Julian Barnes's literary output, including his novels, short stories and non-fiction. Several essays examine Barnes's early novels in the larger context of the writer's persistent pursuit of truth in a postmodernist world which has lost its faith in the reassuring stability and teleology of grand narratives. Another recurrent concern in Barnes's novels which is analysed here pertains to the complex issue of Englishness and the definition of a national identity. Finally, contributors propose a thorough examination of Barnes's recent production and more particularly his preoccupation with death, illness, old age and religion.

La fiction anglaise de la fin du xxe siècle montre que, pour de nombreux auteurs contemporains (Ishiguro, Barker, Swift,…), “ailleurs” signifie en premier lieu l’Angleterre mythique du passé, que l’on souhaite la recréer ou craigne son influence toxique sur le présent. En effet, dans Atonement—un roman écrit en 2001 et se situant à la fin des années 30—les mythes constitutifs de l’anglicité, tels que la “country house”, ou le code de conduite des gentlemen anglais, sont critiqués afin de souligner leur insuffisance en période de guerre—un ailleurs éthique où les valeurs traditionnelles se trouvent radicalement déstabilisées.A travers l’exemple de Briony et de Robbie pendant la seconde guerre mondiale, le roman tisse un maillage de tensions entre identité individuelle et identité collective interrogeant la notion de “rencontre avec l’autre”. Dans Atonement, McEwan essaie ainsi de définir une nouvelle approche éthique de la relation avec l’autre—dont nous évoquerons la proximité avec l’éthique Levinassienne—et ainsi d’expier les péchés collectifs et “historiographiques” du passé.)p Recent fiction has shown that, for many contemporary British writers (Ishiguro, Barker, Swift,. . .), elsewhere means, first and foremost, the mythical England of the past, whether one longs to inhabit it, or dreads its pervasive and toxic influence. Indeed, Atonement—a 2001 novel set in the 1930’s—ironically debunks the pervasive myths of Englishness, such as the English country house or the gentlemanly code of conduct, in order to highlight their inadequacy during war time—an ethical elsewhere where traditional values are radically challenged.Through the examples of Robbie and Briony during WWII, the novel then weaves a network of tensions between collective and individual identities that questions the notion of “encounter with the Other”. In Atonement, McEwan tries to define a new ethical approach of the relationship with the Other—whose proximity with Levinasian ethics will be evoked—and thus to atone historiographically for the collective sins of the past.

International audience; Le phénomène Cool Britannia a remis au premier plan l'identité britannique, notamment en s'appuyant sur sa branche musicale, la vague Britpop, et ses groupes phares comme Blur ou Oasis. En reprenant à leur compte le glorieux héritage culturel du Swinging London et des Beatles à travers leurs chansons, ces artistes illustrent une certaine vision de l'identité britannique, grâce à leurs chroniques sociales mettant en scène la nation et son mode de vie (certaines compositions ont, entre autres, pour thème le fameux Sunday Roast ou les programmes de la BBC). Cette représentation de l'identité semble néanmoins plus proche de l'image d'Epinal, d'une part parce qu'elle repose sur un certain nombre de stéréotypes n'ayant plus réellement cours dans la Grande-Bretagne des années 1990, et d'autre part parce qu'elle semble réduire la britannicité à l'anglicité. Or, lorsque Tony Blair prend les commandes du Parti travailliste, il s'appuie sur le phénomène Cool Britannia, notamment en se rapprochant des artistes susnommés, et tente de donner une image rénovée et moderne de l'identité nationale par le biais de son slogan « New Labour, New Britain ». Il est donc légitime de se demander comment Tony Blair a pu se faire le chantre d'une nouvelle identité britannique, jeune et dynamique, tout en s'appuyant sur un phénomène culturel qui semblait donner de celle-ci une vision réductrice.