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N view of the evolution of the history of music, we can see that the art lies in a socio-cultural context and the artist in a particular social bond. From sacred music to secular music, writing and playing music become a way of entertaining and expressing feelings in the so-called romantic period. Today, researchers are proposing the possibility of restoring the brain through music. After presenting neuromusicotherapy, music therapy and their limits, our work will consist in articulating, through a Lacanian psychoanalytic reading, this form of expression and creation with the existence of a subject. With the symptom and the real as a compass, we will focus on the function of musical creation for Robert Schumann. Our hypothesis will contribute to the melancholy clinic. By highlighting some specificities of Schumann’s work, particularly the lied, we will see how composition substituted and suspended the suicide act., Au regard de l’évolution de l’histoire de la musique, nous pouvons repérer que l’art se situe dans un contexte socio-culturel et l’artiste dans un lien social particulier. D’une musique sacrée à la musique profane, écrire et jouer de la musique devient une manière de divertir à l’expression de sentiments à la période dite romantique. Aujourd’hui, des chercheurs proposent la possibilité de restaurer le cerveau par la musique. Après la présentation de la neuromusicothérapie, de la musicothérapie et de leurs limites, notre travail consistera à articuler par une lecture psychanalytique lacanienne cette forme d’expression et de création à l’existence d’un sujet. Le symptôme et le réel comme boussole, nous nous intéresserons à la fonction de la création musicale pour Robert Schumann. Notre hypothèse permettra de contribuer à la clinique mélancolie. En dégageant quelques spécificités de l’œuvre schumanienne notamment le lied, nous verrons comment la composition a fait suppléance et a reporté l’acte suicidaire.

International audience; David Herman's famous distinction between classical narratology, oriented on textual analysis, and post-classical narratology, inserted in a communicative and interactive context, is undoubtedly the fundamental starting point for who wants to analyze the history of narratology. It certainly has the advantage of clearly showing an evolution within narratological studies. However, there are also limitations to this distinction: the one which, in my view, is the main one, is that of dividing the history of narratology into two distinct time periods, with the risk of interpreting this distinction as a way of "breaking" and to ignore the importance of the results obtained by the authors of classical narratology. The aim of my presentation would be to propose an alternative view of the history of narratology based on the distinction between "Aristotelian narratology" on one side and "Nietzschean narratology" on the other one. The theories that are part of Aristotelian narratology, which bring together authors, among others, such as Claude Bremond, Gérard Genette, Seymour Chatman, Wayne Booth, Marie-Laure Ryan, Monika Fludernik and David Herman, share the view of the narrative text understood as a self-sufficient "totality" which would be "naturally" recognized by the reader as a part of his daily experience, whereas for Nietzschean narratology, which would include authors such as Paul de Man, Maurice Blanchot, Jacques Derrida, Wolfgang Iser, Daniel Punday and Andrew Gibson, narrativity would be based on a radical negativity and on the impossibility of structuring a global and definitive sense of literary experience. This distinction has the advantage of avoiding overly clear temporal determinations that distinguish classical narratology (60-70) and post-classical (80-present), by offering a homogeneous, branched view, of the narratological field.

International audience; In Fellini’s Roma, the famous sequence in which ancient frescoes are discovered during the construction of thesubway is a key scene and an allegory of his filmic and artistic approach. But Fellini’s boldness goes further. Duringthe sequence, the filmmaker, using a somewhat fantastic shortcut, breaks through the wall that separates the worldof the living and the forgotten world of ancient figures. He thus uses metalepsis at the heart of the film. Figures whowere about to fade away under the effect of the outside world come again to life in his film, just as, in Virgil, the soulsof the dead, grouped on the banks of the river Lethe, are waiting in the hope of returning to the world of the living.The film has often been compared to a patchwork, or a mosaic, imaging a complex and stratified city. But ratherthan a mosaic, we should speak of threshold crossings, that is to say rhetorical effects, amongst which the main onecould be metalepsis. Fellini’s Roma is not only a melancholic and hectic fresco of a visionary director, but also anever-moving network of initiatory paths. Through the Fellinian shifts and transgressions, it is the incessant renewalof Rome which is shown.

This thesis attempts to achieve two objectives: first, to produce a general analysis of contemporary cinema of spectre where we define its genesis with Ringu (Hideo Nakata, 1998). What distinguishes spectral films from ghost films is the fact that their patterns are intimately linked to technological, social and metaphysical doubts of our contemporary societies. The concept of spectre, defined throughout this research, is intrinsically linked to the history of art and the philosophy of the image and perception. This is how we arrive at the second objective: to propose a theory of our contemporary relationship to the image based on this cinematographic genre. The initial theoretical intuition is that we live in times where the image has a predominant political value, to the point of influencing action and that we can find, in the image itself, the material for thinking about this growing influence. Thus, the "spectral" cinema, as a cinema where the spectre is defined as "an invisible form which will do everything to make itself visible", is to us the very cinema where this power of the image and its part of incarnation are played out.; Cette thèse tente d'atteindre deux objectifs : premièrement, produire une analyse générale du cinéma de spectre contemporain dont nous définissons le point de départ en 1998 avec le film Ringu d'Hideo Nakata. Les films de spectres diffèrent des films de fantômes par le fait que leurs motifs sont à comprendre à partir des doutes technologiques, sociaux et métaphysiques de nos sociétés contemporaines. Par ailleurs, ce concept de spectre, que nous définissons tout au long de la recherche, est intrinsèquement lié à l'histoire de l'art et à la philosophie de l'image. C'est ainsi que nous arrivons au second objectif que tente d'atteindre notre recherche : proposer une théorie de notre rapport contemporain à l'image à partir de ce genre cinématographique. L'intuition théorique de départ est que nous vivons à une époque où l'image a une valeur politique prédominante, au point d'influencer l'agir, et que nous pouvons trouver, en l'image elle-même, une matière pour penser cette influence croissante. Ainsi, le cinéma « spectral », en tant que cinéma où le spectre est défini comme « une forme invisible qui va tout faire pour se rendre visible », nous semble être le cinéma même où se jouent cette puissance de l'image et sa part d'incarnation.

Even if jesters are very popular characters, the very concept barely exists in critical vocabulary. Jesters, which play an important role in every society, can be defined throughout the history of madness, implicating a sociological and anthropological approach, as well as throughout the history of theater, located at the cross-section of arts and literature. This research sheds light on the characteristics and functions of jesters in the 20th century. The 20th century was a post-metaphysical age marked by two significant transformations. First, a “crisis of purpose” defined by Jean-François Mattéi as a loss of meaning in life. Since jesters invite us into a socio-political and a metaphysical critique, it only makes sense to question their role in that matter. Secondly, the 20th century was home to a revolution in drama, seen through linguistic experimentations, the introduction of space in theatrical theory and practice, and the exploitation of new electrical technologies that advanced the art of scenography. As natural explorers of new aesthetic forms, jesters had a great role to play in this revolution. This research questions the use of jesters in the modern times, showing how they echo the dramatic revolution, and therefore help society to overcome the crisis of purpose. The corpus is a selection of theatrical works from Alfred Jarry, Michel de Ghelderode, Samuel Beckett, Roland Dubillard and Alain Badiou. The period of investigation stretches from 1896, the year in which Alfred Jarry’s Ubu Roi premiered, to 2018, marked by the debut of the final segment of Alain Badiou’s saga Ahmed. This study is primarily based on textual analysis, relying heavily on stage performances documented through interviews and press articles. The first section deals with the history of jesters, from Antiquity to the beginning of the 20th century, in order to understand their role in modernity, in contrast. It allows us, in the second part, to show how jesters reappropriated symbolic attributes in modern times, under the form of a typology. The third part returns to the fundamentals of madness, insisting on linguistic creativity and on a complex form of humour, a mix of burlesque and tragic effects. Only with this understanding of jesters can we begin to uncover how they came to be named “morosophs”, meaning “wise fools”, and how they can provide solutions to the crises of modern times.; Malgré l’ancienneté du personnage populaire, la notion de bouffon a tardé à entrer dans le vocabulaire critique des études littéraires. Pourtant le bouffon, qui s’appréhende à travers la fonction sociale de critique dont il s’acquitte, peut se définir par le prisme de l’histoire de la folie, qui implique une réflexion anthropologique et sociologique, et de l’histoire du spectacle, à la croisée de la littérature et des arts. Le présent travail élucide donc, à travers leurs représentations au théâtre, les attributs et les fonctions des bouffons du XXe siècle. Le XXe siècle a été choisi comme cadre temporel car ce siècle est marqué par deux transformations majeures. D’une part, il est frappé par ce que Jean-François Mattéi appelle une « crise du sens », phénomène global de mise en péril de la signification et de l’orientation de l’existence dans une ère post-métaphysique. Le bouffon pouvant être considéré comme un vecteur de critique socio-politique et de médiation métaphysique, interroger son insertion dans une telle crise permet de mettre en lumière les aspects saillants de sa définition. D’autre part et concomitamment, le siècle connaît aussi une révolution théâtrale opérée grâce à la libération des codes langagiers, à l’avènement de l’espace dans la théorie et la pratique théâtrales, et à l’exploitation des moyens électriques nouveaux qui promeuvent l’art de la scénographie. En tant qu’outil d’exploration esthétique, la figure du bouffon permet de mettre en lumière les caractéristiques de cette révolution, et vice-versa. Il s’agit donc ici de questionner le réinvestissement moderne de la figure traditionnelle du bouffon comme reflet de la révolution théâtrale et, par conséquent, comme réponse à la crise du sens. Le corpus réunit une sélection parmi les œuvres théâtrales d’Alfred Jarry, Michel de Ghelderode, Samuel Beckett, Roland Dubillard et Alain Badiou. La période s’étend de 1896, année marquée par la création d’Ubu roi, à 2018, date à laquelle le dernier chapitre de la saga d’Ahmed est proposé à la scène. L’étude repose majoritairement sur l’étude de texte en s’appuyant au maximum sur la réalisation scénique, par l’entremise de témoignages ou d’articles de presse. La première partie est consacrée à un parcours historique du bouffon depuis l’Antiquité afin de mieux mettre en perspective sa modernité dans la deuxième partie, où il fait l’objet d’une typologie. On y voit alors que les bouffons modernes se réapproprient toutes les traditions dans un grand syncrétisme. La troisième partie met l’accent sur les spécificités modernes dans l’inventivité langagière, dans l’exploitation du comique burlesque et dans la promotion d’un humour empreint de tragique. La dernière partie peut alors clarifier les réponses socio-politiques, métaphysiques et théâtrales apportées par ces bouffons qui accèdent au titre de « morosophes », c’est-à-dire de « fous sages ».

Even if jesters are very popular characters, the very concept barely exists in critical vocabulary. Jesters, which play an important role in every society, can be defined throughout the history of madness, implicating a sociological and anthropological approach, as well as throughout the history of theater, located at the cross-section of arts and literature. This research sheds light on the characteristics and functions of jesters in the 20th century. The 20th century was a post-metaphysical age marked by two significant transformations. First, a “crisis of purpose” defined by Jean-François Mattéi as a loss of meaning in life. Since jesters invite us into a socio-political and a metaphysical critique, it only makes sense to question their role in that matter. Secondly, the 20th century was home to a revolution in drama, seen through linguistic experimentations, the introduction of space in theatrical theory and practice, and the exploitation of new electrical technologies that advanced the art of scenography. As natural explorers of new aesthetic forms, jesters had a great role to play in this revolution. This research questions the use of jesters in the modern times, showing how they echo the dramatic revolution, and therefore help society to overcome the crisis of purpose. The corpus is a selection of theatrical works from Alfred Jarry, Michel de Ghelderode, Samuel Beckett, Roland Dubillard and Alain Badiou. The period of investigation stretches from 1896, the year in which Alfred Jarry’s Ubu Roi premiered, to 2018, marked by the debut of the final segment of Alain Badiou’s saga Ahmed. This study is primarily based on textual analysis, relying heavily on stage performances documented through interviews and press articles. The first section deals with the history of jesters, from Antiquity to the beginning of the 20th century, in order to understand their role in modernity, in contrast. It allows us, in the second part, to show how jesters reappropriated symbolic attributes in modern times, under the form of a typology. The third part returns to the fundamentals of madness, insisting on linguistic creativity and on a complex form of humour, a mix of burlesque and tragic effects. Only with this understanding of jesters can we begin to uncover how they came to be named “morosophs”, meaning “wise fools”, and how they can provide solutions to the crises of modern times.; Malgré l’ancienneté du personnage populaire, la notion de bouffon a tardé à entrer dans le vocabulaire critique des études littéraires. Pourtant le bouffon, qui s’appréhende à travers la fonction sociale de critique dont il s’acquitte, peut se définir par le prisme de l’histoire de la folie, qui implique une réflexion anthropologique et sociologique, et de l’histoire du spectacle, à la croisée de la littérature et des arts. Le présent travail élucide donc, à travers leurs représentations au théâtre, les attributs et les fonctions des bouffons du XXe siècle. Le XXe siècle a été choisi comme cadre temporel car ce siècle est marqué par deux transformations majeures. D’une part, il est frappé par ce que Jean-François Mattéi appelle une « crise du sens », phénomène global de mise en péril de la signification et de l’orientation de l’existence dans une ère post-métaphysique. Le bouffon pouvant être considéré comme un vecteur de critique socio-politique et de médiation métaphysique, interroger son insertion dans une telle crise permet de mettre en lumière les aspects saillants de sa définition. D’autre part et concomitamment, le siècle connaît aussi une révolution théâtrale opérée grâce à la libération des codes langagiers, à l’avènement de l’espace dans la théorie et la pratique théâtrales, et à l’exploitation des moyens électriques nouveaux qui promeuvent l’art de la scénographie. En tant qu’outil d’exploration esthétique, la figure du bouffon permet de mettre en lumière les caractéristiques de cette révolution, et vice-versa. Il s’agit donc ici de questionner le réinvestissement moderne de la figure traditionnelle du bouffon comme reflet de la révolution théâtrale et, par conséquent, comme réponse à la crise du sens. Le corpus réunit une sélection parmi les œuvres théâtrales d’Alfred Jarry, Michel de Ghelderode, Samuel Beckett, Roland Dubillard et Alain Badiou. La période s’étend de 1896, année marquée par la création d’Ubu roi, à 2018, date à laquelle le dernier chapitre de la saga d’Ahmed est proposé à la scène. L’étude repose majoritairement sur l’étude de texte en s’appuyant au maximum sur la réalisation scénique, par l’entremise de témoignages ou d’articles de presse. La première partie est consacrée à un parcours historique du bouffon depuis l’Antiquité afin de mieux mettre en perspective sa modernité dans la deuxième partie, où il fait l’objet d’une typologie. On y voit alors que les bouffons modernes se réapproprient toutes les traditions dans un grand syncrétisme. La troisième partie met l’accent sur les spécificités modernes dans l’inventivité langagière, dans l’exploitation du comique burlesque et dans la promotion d’un humour empreint de tragique. La dernière partie peut alors clarifier les réponses socio-politiques, métaphysiques et théâtrales apportées par ces bouffons qui accèdent au titre de « morosophes », c’est-à-dire de « fous sages ».

International audience; The Inflammatorium poenitentiae is a cistercian spiritual exercise that remained unnoticed until now. It aims at fighting against a particular pathology that affects monks: acedia, a sinful psycho-physical disposition that has been often considered as the ancestor of melancholy. This text has the notable advantage of not only giving a theoretical presentation on this monastic affliction, but also engaging ascetic techniques to contain it. The text functions as a spiritual gymnastics shaking the monk, stimulating his imagination, exciting his desire for paradise. In this respect, the Inflammatorium poenitentiae does not propose to fight against acedia as one fights against melancholy - through entertainment and escape, but through techniques of attention restraint.; L’Inflammatorium poenitentiae est un bref exercice spirituel d’origine cistercienne qui est passé jusque-là inaperçu. Il lutte contre un mal particulier qui touche les moines : l’acédie, une disposition physique et psychique peccamineuse qu’on considère souvent comme l’ancêtre de la mélancolie. Ce texte présente le notable intérêt de ne pas se contenter d’un exposé théorique sur ce mal monastique, mais d’engager des techniques ascétiques pour l’endiguer. Le texte fonctionne comme une gymnastique spirituelle secouant le moine, stimulant son imagination, excitant son désir de paradis. En cela, l’Inflammatorium poenitentiae ne propose pas de lutter contre l’acédie comme on lutte contre la mélancolie – par le divertissement et l’évasion, mais par des techniques de contention de l’attention.

La question de l'imagination est envisagée non pas dans l'histoire longue des idées libertines, mais dans le cadre de ce que nous appelons une « conjoncture libertine ». Une controverse, lisible dans trois écrits pendant « la possession de Loudun » (1634-35), montre que le discours en faveur de l'imagination des possédées a pu être mis du côté du libertinage dans le cadre d'une stratégie politique, autour de Richelieu, de définition des idées médicales et d’affirmation de la liberté des auteurs., In this paper, the imagination is not considered within the long history of libertine ideas but within the limited framework of what I call a “libertine conjuncture”. A controversy, which is apparent in three writings during the “Loudun’s possession” (1634-35), shows how the discourse in favor of the possessed was seen as a form of libertinism in the context of the political strategy, established around Richelieu, of definitions of medical ideas and the limitation of the freedom of authors.

This study aims to show how the satiric writings of Elizabethan poet John Donne (1572-1631) display a specific aesthetics, which is also to be found in all his work and not only in his satiric texts. Although it has traditionally been considered as a fringe element in Donne's poetry, satire appears in other writings, thus disclosing a ''satiric spirit''. By playing and distancing himself from the literay, social and religious standards of his time, the poet's work reveals an aesthetics ruled by doubt and melancholy. According to the system of medicine called ''humorism'', melancholy is a black fluid that brings us to humour and comedy : even though they have been rarely examined in Donne studies, these concepts do stand out after a close reading of the least sought-after poems. It thus unites and makes the whole of Donne's poetry coherent. Not only is he the best representative of the metaphysical poets, he is also a satirist as well as a humorist.; Cette étude s'attache à démontrer comment les écrits satiriques du poète élisabéthain John Donne (1572-1631) lui permettent de développer une esthétique propre, qui ne se cantonne pas qu'au corpus satirique strict mais trouve également une résonance dans le reste de son œuvre. Traditionnellement considérée comme une tendance marginale dans sa poésie, la satire chez Donne s'exprime à travers d'autres textes, laissant ainsi transparaître un « esprit satirique ». Le jeu et la prise de distance du poète vis-à-vis des conventions littéraires, sociales et religieuses de son époque nous permettent de mettre au jour une poétique dominée par le doute et la mélancolie. Cette humeur noire, selon la théorie médicale des humeurs, nous conduit vers l'humour et le comique : fort peu examinés chez Donne, ces concepts transparaissent pourtant à la lecture des textes les moins explorés par la critique, dévoilant ainsi une esthétique qui donne sa cohérence au corpus. John Donne n'est pas que le chef de file de la poésie métaphysique : son statut de satiriste lui confère également celui d'humoriste.

This study aims to show how the satiric writings of Elizabethan poet John Donne (1572-1631) display a specific aesthetics, which is also to be found in all his work and not only in his satiric texts. Although it has traditionally been considered as a fringe element in Donne's poetry, satire appears in other writings, thus disclosing a ''satiric spirit''. By playing and distancing himself from the literay, social and religious standards of his time, the poet's work reveals an aesthetics ruled by doubt and melancholy. According to the system of medicine called ''humorism'', melancholy is a black fluid that brings us to humour and comedy : even though they have been rarely examined in Donne studies, these concepts do stand out after a close reading of the least sought-after poems. It thus unites and makes the whole of Donne's poetry coherent. Not only is he the best representative of the metaphysical poets, he is also a satirist as well as a humorist.; Cette étude s'attache à démontrer comment les écrits satiriques du poète élisabéthain John Donne (1572-1631) lui permettent de développer une esthétique propre, qui ne se cantonne pas qu'au corpus satirique strict mais trouve également une résonance dans le reste de son œuvre. Traditionnellement considérée comme une tendance marginale dans sa poésie, la satire chez Donne s'exprime à travers d'autres textes, laissant ainsi transparaître un « esprit satirique ». Le jeu et la prise de distance du poète vis-à-vis des conventions littéraires, sociales et religieuses de son époque nous permettent de mettre au jour une poétique dominée par le doute et la mélancolie. Cette humeur noire, selon la théorie médicale des humeurs, nous conduit vers l'humour et le comique : fort peu examinés chez Donne, ces concepts transparaissent pourtant à la lecture des textes les moins explorés par la critique, dévoilant ainsi une esthétique qui donne sa cohérence au corpus. John Donne n'est pas que le chef de file de la poésie métaphysique : son statut de satiriste lui confère également celui d'humoriste.

International audience; I will analyze the relationship between Bourdieu's critical sociology on one side and “reader-response theory” on the other one, with the aim of deducing some elements for further research. The starting point will be the distinction between “popular novel” and “problematic novel” contained in Umberto Eco's book Il Superuomo di massa published in 1978: according to the Italian author, in the first type of narrative “there will be a struggle of good against evil that will always resolve in favor of the good”, while the second type “on the contrary offers ambiguous purposes”. I will explore the relationship between two subfields of the “literary field” that will be defined as “popular” or “problematic” on one side, and the compositional characteristics of the “Aristotelian” (based on the strength of the mythos) and “Nietzschean” (pervaded by a radical negativity) narratives in the other one. The goal will consist to show how a certain type of narrative would “choose” its own “implied reader”, by means of eliciting some “literary effects” as melancholy or catharsis: the presence or absence of certain compositional elements in the text would arouse the attention of a certain category of readers rather than another.

International audience; In my opinion, in Nietzsche’s work it is possible to find a new epistemological model based, firstly, on a mutual agreement held up by author and reader, during the “act of reading”, founded on the will to “misunderstand” the narrative text, beyond the “reassuring agreement” of understanding the narrative “semblance” (that is composed by a concatenation of events without any strong chronological function), and secondly, on the capacity to produce a general “melancholic effect” and a “cognitive shock” to the reader. Based on, among others, the structure of the interplay between the fiction and the imaginary proposed by Wolfgang Iser (Prospecting, The Fictive and the Imaginary), Ferruccio Masini’s and Eugen Fink’s interpretation of the Nietzsche’s philosophy (founded on the “transfigured dialectic” of play), and Walter Benjamin’s conception of artistic creation influenced by Freud (On some motifs in Baudelaire), my presentation will focus on describing my theoretical approach and point out its originality, after a diachronic description of the “Aristotelian tradition” in the history of the narratology.

International audience; Fatigue is complex, representing simultaneously a physiological, psychological and social phenomenon. The sociological approach attempts to understand the experience of fatigue and its characterization at diverse periods and in various social contexts. After giving a sociological history of different forms of fatigue through the ages (acedia, melancholy, neurasthenia, chronic fatigue syndrome, etc.), this article proposes a social epidemiology of fatigue in the current period. Objectification of working and living conditions allows us to illustrate social inequalities in fatigue and exhaustion, but seems to contradict dominant social representations of fatigue today. It invites a critical discussion of contemporary theories of fatigue (such those of Alain Ehrenberg or Byung-Chul Han), which consider that fatigue is a condition of modern man, overwhelmed by his freedom. More modestly, analysis of the fatigue presented here rests on the capacity to be able to find a good balance between too much investment in work or life (which is exhausting) and not enough investment (which leads to boredom and lack of self-fulfillment). This balance depends on fragile and specific social norms in different professional or social circles and cannot be defined a priori.

Este artículo tiene como objetivo describir y elucidar lo que en la obra de Sergio Chejfec se manifiesta como una dificultad de lectura y cierta resistencia del sentido. Si este hermetismo puede en parte comprenderse como un rechazo generacional de una literatura considerada demasiado límpida y normativa, también tiene que ver con cuestiones propias del autor, en particular la historia familiar y la identidad judía. El tema del imposible descifre –de los signos y de lo real – aparece a menudo en Chejfec, tanto en la ficción como en los ensayos. Se tratará finalmente de proponer una breve tipología de rasgos formales recurrentes en la narrativa que contribuyen a perturbar la linealidad y la transmisión de la información – lo que Lambert Barthélémy denomina « efectos de deriva ». Cet article vise à décrire et élucider ce qui dans l’œuvre de Sergio Chejfec se manifeste comme une difficulté de lecture et une certaine résistance du sens. Si cet hermétisme peut être en partie conçu comme un refus générationnel d’une littérature jugée trop limpide et normative, nous verrons qu’il est aussi lié à des questionnements propres à l’auteur, notamment l’histoire familiale et l’identité juive. La question de l’impossible déchiffrement – des signes et du réel – est souvent traitée par Chejfec, tant dans la fiction que dans les essais. Il s’agira enfin de proposer une brève typologie de traits formels récurrents dans les textes narratifs et qui contribuent à perturber la linéarité et la transmission de l’information – ce que Lambert Barthélémy nomme « effets de dérive ». This article aims to describe and clarify what appears to be in Sergio Chejfec’s work a reading difficulty and some resistance of the meaning. That hermeticism can in part be conceived as a generational refusal of some literature regarded as too limpid and normative, but it is also related to some of the author’s particular questions, such as the familiar memory and the Jewish identity. The impossible decipher – of signs and the reality – is a recurrent pattern, in his narrative fiction works and his essays. Finally this article proposes a brief typology of formal elements which in the narrative texts contribute to disrupt the linearity and the transmission of information – what Lambert Barthélémy calls « meandering effects ».

Fatigue is complex, representing simultaneously a physiological, psychological and social phenomenon. The sociological approach attempts to understand the experience of fatigue and its characterization at diverse periods and in various social contexts. After giving a sociological history of different forms of fatigue through the ages (acedia, melancholy, neurasthenia, chronic fatigue syndrome, etc.), this article proposes a social epidemiology of fatigue in the current period. Objectification of working and living conditions allows us to illustrate social inequalities in fatigue and exhaustion, but seems to contradict dominant social representations of fatigue today. It invites a critical discussion of contemporary theories of fatigue (such those of Alain Ehrenberg or Byung-Chul Han), which consider that fatigue is a condition of modern man, overwhelmed by his freedom. More modestly, analysis of the fatigue presented here rests on the capacity to be able to find a good balance between too much investment in work or life (which is exhausting) and not enough investment (which leads to boredom and lack of self-fulfillment). This balance depends on fragile and specific social norms in different professional or social circles and cannot be defined a priori.

Cet article souligne l’importance accrue des visions intérieures dans les tragédies de Tristan. La grande variété de ces phénomènes irrationnels et leur emploi récurrent en font un élément constitutif de la dramaturgie tragique de l’auteur. Ces visions, qui signent la victoire des dérèglements de l’imagination sur la juste saisie du réel, sont pourtant ambigües : elles invitent tant à une lecture moralisatrice qu’à une lecture esthétique visant l’implication d’un spectateur qu’il faut ébahir., This article stresses the growing importance of inward visions in Tristan’s tragedies. The great variety of these irrational phenomena and their recurring use make them a constitutive element of the author’s tragic dramaturgy. These visions, which register the victory of imaginative derangement over the correct apprehension of reality, are nonetheless ambiguous: they invite a moralizing reading as much as an aesthetic reading aimed at engaging a spectator who must be dazzled.

The work herein is the careful establishment of an anthology, non-exhaustive yet as representative as possible, of circumstantial stories or connivance allusions occurring in fictional, moral, or medicine text from ancient times to the classical Age, dealing with the legendary motif of the Loves of Antiochus and Stratonice. This prolific legend has the major advantage of using medical-moral knowledge about love-sickness to feed a theatrical and mystifying fable, combining the ancient imaginary with the literary history of exemplary anecdotal narratives. The comparative analysis of the motif's treatment allows us to highlight the joint evolution of love-sickness psychology, poetic exempla, and reflections on the shared knowledge and its dissemination in enlightened opinion, over a millennium. This long term, over which this novel corpus is discussed, reveals a central figure in the European collective imagination, that of lovers in suffering, point of origin of varied narrative, poetic, and dramatic developments. The study flourishes in a logic both diachronic and synchronic: diachronic passage from the pagan world to the Christian world, from the ancient world to the modern world, from the time of "legends" to the age of "reason" ; synchrony on the other hand of a story simple enough to seep into universal memory, and nevertheless rich enough to bear all the complexity and evolutions of a major theme of the Occident: love melancholy.; Le présent travail est l'établissement minutieux, d'une anthologie non exhaustive, mais la plus représentative possible, des récits circonstanciés ou des allusions de connivence se rencontrant dans les textes de fiction, de morale ou de médecine, depuis l'Antiquité jusqu'à l'Âge classique, ayant pour sujet le motif légendaire des Amours d’ Antiochus et Stratonice. Cette légende prolifique a pour intérêt majeur d'utiliser les savoirs médico-moraux sur la souffrance amoureuse dans une perspective de fable théâtrale et mystificatrice, alliant l'imaginaire antique et ancien à l'histoire littéraire des narrations anecdotiques à usage exemplaire. L'analyse comparée du traitement du motif permet de mettre en lumière l'évolution conjointe de la psychologie de la maladie d'amour, de la poétique des exempla, et des réflexions menées sur les savoirs partagés et leur diffusion dans l'opinion éclairée, durant un millénaire. La longue durée, sur laquelle le corpus jamais encore réuni est examiné, tend à révéler une figure centrale de l'imaginaire collectif européen, celle de l'amoureux en souffrance, à l'origine des développements narratifs, poétiques et dramaturgiques les plus variés. L’étude s'épanouit dans une logique à la fois en diachronie et en synchronie : diachronie du passage du monde païen au monde chrétien, du monde antique au monde moderne, des temps des « légendes » à l'ère de la « raison » ; synchronie d'une narration assez simplement composée pour entrer dans la mémoire universelle, et suffisamment riche pour porter toute la complexité et les évolutions d'un thème majeur de l'Occident : la mélancolie d'amour.

International audience

National audience; If we had to find a few simple words to express what a suffering human being experiences, no matter what ills are causing the suffering and no matter what circumstances underlie the ills themselves, we could unmistakably say that it is the experience of not being able to go on like this. Suffering can be described, in this same sense, as an alteration in temporality. However, describing suffering as such only makes sense if we already have a conception of normal temporality. Yet for this, philosophical tradition offers not one but four competing conceptions. In the present article, we begin by briefly presenting these different conceptions. We then show how each one sheds light, by way of contrast, on a phenomenon whose meaning thus appears to be essentially negative. But does this phenomenon have a negative meaning only? Doesn't it correspond as much to a transformation as an alteration of temporality? This is what we will strive to establish in the third part of the article by relating suffering to hope, in a paradoxical sense of the term. Of the four conceptions of time likely to shed a contrasting light on the upheavals that suffering introduces into our life experience, the one described by Aristotle in Physics is historically the first. In particular, the notion of succession originates therein. But this conception does not account for what makes time the unit of a past, a present, and a future. In Book XI of Confessions, St. Augustine situated this unit not in nature but in the human mind. Hence, his definition of time as a distension of the soul and the necessary division into physical time and psychic time it entails. Husserl's Lessons on the phenomenology of the consciousness of internal time lend credit to this division, but they illuminate only the internal constitution of the "present", which is at the heart of the psychological conception of time. In Being and Time, Heidegger breaks away from this long-standing tradition; in his view, physical time and psychic also time take root in the temporality of "planning", understood to be a general form of openness to the world. But in our minds, "being" means more than "being in the world"; it also means, and by that very token, "being for death". Anguish is the fundamental experience that brings out this structural identity. As such, it lies at the core of Heidegger's conception of temporality. Nonetheless, is death the ultimate truth of time? This is what Paul Ricoeur denies in establishing an internal relationship between time and narration, for narration not only produces a synthesis of time, it also allows us to assume a future which, granted, presupposes death but does not remain its captive. This supports a fourth conception of time, that summarized by the notion of "narrated time". Narrative resources do not; however, cancel the multiple alterations that suffering introduces into temporality, which, by contrast, can be reduced - as we show in the second part of the article in reference to the preceding conceptions - to four descriptive features: dechronologization, reduction of the present to the instant, breakdown of the plan, and disintegration of the narrative. They explain why, in the presence of suffering, life seems more impossible than death. But at the same time, it leaves us with an enigma: Why doesn't the suffering human being always choose death? This enigma, above all, is the enigma of melancholic suffering. Hence, the privileged place given to melancholy in the last part of the article, where psychiatry encounters philosophy and justifies some distinctions that philosophy alone would not have dared make. A case in point is Minkowski's distinction, in Lived Time, between "activity" and "waiting", and also holds for our own distinction, following Minkowski, between planning time and hoping time, where hoping is to be taken in the deeper sense than implied by the common opposition between "hope" and "despair"

Enigmatic, poetic, fragmentary, abundant, the attraction of Pascal Quignard's work comes from the complex universe of fiction, personal experiences, fabulous stories, extensive documentation and philosophical thoughts, in which some places are homeports, holding the secrets of time. Such places seem to structure the work. The author favors the spirit of places, as if to underline the invisible imaginary links between man, his territory and his past. To study the spirit of places and the origin of myth in the work of Quignard one has to try to understand the recurring evocation, which has become obsessive, of this territory, and his power of creation as writer. With the choice of a double corpus, fiction and philosophy, and a method of interdisciplinary research (literary criticism, anthropology, imagination), our thesis divides into three parts, which will examine in succession the attractiveness of places, then proceed from enchantment to melancholy, and eventually determine the characteristics of the poetic and (the) mythical writing of Quignard. We will find enchanted places that reflect the worldview of the author. They are the true sources of life, imagination and creativity, bringing about reconciliation between man and his past, his territory and his identity, even if melancholy remains fundamental in them. The characters of Quignard are extremely sensitive to all that is lost and forgotten, abandoned homes and places, and to men who are Eve's children in exile. The desire to re-root oneself into the place of the past reveals attachment but also failure, because man is quickly confronted with loss and emptiness. The enchantment remains elusive; melancholy appears constant and opens somber places in his work. To enhance the spirit of place, Quignard makes use of a rich choice of reminiscences, images and myths. His work is at the same time search for, analysis and a quest on man and his place on earth, but it is also a product of imagination and intuition. The complex relations between Fragments, Reminiscences, and Memory in his writing reveal the poetic depth of the work. The narrator also follows moment and instinct, always with the intuition and feelings of a melancholy poet. The writer also uses ancient myths and transforms and enriches them as an effective way to create his own myth of place: myth of (the) loss, myth of (the) return and the myth of (the) origin.; Enigmatique, poétique, fragmentaire, foisonnante, réitérative, l’œuvre de Pascal Quignard attire par son univers complexe composé de fiction, de vécu personnel, de récits fabuleux, d’érudition, de pensées philosophiques, dans lequel on rencontre des lieux qui constituent des ports d’attache et qui détiennent les secrets du temps. Ces lieux semblent structurer l’œuvre. L’auteur s’intéresse à l’esprit des lieux comme pour mieux souligner les liens invisibles et imaginaires qui se tissent entre l’homme, son territoire et son passé. Etudier l’esprit des lieux et le mythe de l’origine chez Quignard, c’est essayer de comprendre l’évocation récurrente de ce territoire devenu obsédant et sa puissance de représentation dans la création de l’écrivain. Avec le choix du double corpus, romanesque et philosophique, avec le choix d’une méthode de recherche pluridisciplinaire (critique littéraire, anthropologie, imaginaire), notre thèse se construit en trois parties, qui abordent successivement la question de l’attirance des lieux, celle du glissement de l’enchantement à la mélancolie, ainsi que les caractéristiques de l’écriture poétique et mythique de Quignard. Nous trouvons des lieux enchantés qui reflètent la Weltanschauung de l’auteur. Véritables sources de vie, de l’imagination et de la création, ils suscitent la réconciliation entre l’homme et son passé, son territoire et son identité, même si la mélancolie y demeure fondamentale. Les personnages de Quignard sont extrêmement sensibles à tout ce qui est perdu et oublié, à des maisons et lieux abandonnés, à des hommes qui sont présentés comme des enfants d’Eve exilés. Le désir de ré-enraciner, de se ré-ancrer dans le lieu d’autrefois révèle l’attachement mais aussi la défaillance, car l’homme se trouve vite confronté à ce qui est perdu, au vide. L’enchantement reste éphémère, la mélancolie nous ouvre la porte des lieux sombres. Pour mettre en lumière l’esprit des lieux, Pascal Quignard a recours à une écriture riche en réminiscences, en images, en mythes. Son œuvre est le fruit de l’imaginaire, de l’intuition. Les relations complexes entre Fragments, Réminiscences, Mémoire dans son écriture révèlent la profondeur poétique de l’œuvre, tandis que le narrateur suit l’instant, la trace des êtres, les appels lointains, toujours avec son intuition, et ses impressions de poète mélancolique. L’écrivain sert également d’anciens mythes, les transforme et les enrichit comme un moyen efficace pour créer son propre mythe des lieux : mythe du perdu, mythe du retour et mythe de l’origine.

From the 1570s in Spain, theorists show deep concern about the impact of melancholy on religious life. Medical and spiritual authors attempt to describe a « religious » melancholy that, although it inherits some features of the old acedia, is completely new, being characterized by new signs: religious zeal, exacerbated guilt (illustrated by the recurring theme of scruples), exacerbated piety, visions and apparitions. These events are considered with utmost suspicion: attributed to the influence of the black bile, to a disordered imagination or to the influence of the devil, they are strongly condemned by medical and religious authorities. Our contribution will describe and analyze this new form of « religious » melancholy. We will examine the links that this new form of melancholy has with reality, its significance and implications., A partir des années 1570 en Espagne, les théoriciens se montrent vivement préoccupés par l’incidence de la mélancolie sur la vie religieuse. Médecins et moralistes s’attachent à décrire une mélancolie « religieuse » qui, bien qu’elle hérite certains traits de l’ancienne acedia, se révèle résolument nouvelle et se caractérise par des signes nouveaux : zèle religieux, culpabilité exacerbée (illustrée par le thème récurrent des scrupules), piété exacerbée, visions et apparitions. Loin de susciter l’adhésion des théoriciens, ces manifestations sont abordées avec la plus grande suspicion : attribuées à l’influence de la bile noire, à une imagination déréglée ou encore à l’influence du démon, ils sont fermement condamnés par les autorités médicales et religieuses. Notre contribution s’attachera à décrire et analyser cette nouvelle forme de « mélancolie » dite religieuse. On s’interrogera sur les liens que cette nouvelle mélancolie religieuse qui préoccupe tant les penseurs entretient avec la réalité, sur ses significations et ses enjeux.

First, we examine the aspects of the political sovereignty on the Shakespearean stage. In the light of Walter Benjamin’s Origin of the German baroque drama (1928) and of Carl Schmitt’s answer to Benjamin in Hamlet or Hecuba (1956), we show that Shakespeare stages the mortality of the political bodies and the new sovereignty of the plotter. Urged to master the art and the tempo of the plot, the prince is nonetheless unable to prevent the decomposition of the state. Then, drawing on the Elizabethan drama, and especially on Hamlet, we question the contemporary effort towards order and synchronization within the city. Hobbes’s theory of political and juridical representation breaks with the mystical conception of political unity and with any inspired legislation, whereas the civil scene is dedicated to the peace between individuals in order to ensure the possibility of a real autonomy in the private sphere. Reciprocally, this autonomy must consolidate the solutions to the problems of melancholy and skepticism conceptualized in Leviathan. While endorsing the tragedy of human condition and of knowledge already put on stage by Shakespeare, Leviathan prevents Schmitt’s exaltation as well as the « pure » violence which, according to Benjamin, lies in the subject’s state of exception. Yet, through the ghosts that Leviathan cannot tolerate within the public sphere, the Shakespearean stage unravels the mechanisms of perpetual order and synchronization without rejecting the law and the project of autonomy., Nous examinons d’abord les aspects de la souveraineté politique sur la scène shakespearienne. À la lumière des analyses consacrées par Walter Benjamin au drame baroque, en 1928, et de la réaction de Carl Schmitt dans Hamlet ou Hécube (1956), nous montrons que Shakespeare met en scène la mortalité des corps politiques et la souveraineté nouvelle de l’intrigant dans le temps terrestre. Sommé de maîtriser l’art et le tempo de l’intrigue, le Prince est néanmoins impuissant à empêcher la décomposition de l’État. En prenant appui sur le drame élisabéthain, notamment sur le vertige mélancolique et sceptique d’Hamlet, nous interrogeons alors l’effort contemporain en vue de l’ordre et de la synchronisation dans la cité. La théorie hobbesienne de la représentation politique et juridique moderne rompt avec la conception mystique de l’unité politique et toute écriture inspirée des lois, tandis que la scène civile y est dédiée à la paix du commerce entre les individus afin de garantir les conditions d’une autonomie réelle dans la sphère privée. Réciproquement, cette autonomie doit pérenniser les solutions à la mélancolie et au scepticisme conceptualisées dans Léviathan. Tout en entérinant la tragédie de l’existence humaine et de tout savoir déjà mise en scène par Shakespeare, Léviathan évite d’emblée l’exaltation schmittienne ainsi que la violence « pure » logée, selon Benjamin, dans l’état d’exception de la subjectivité. À travers les spectres qui, chez Hobbes, n’ont plus droit de cité, la scène shakespearienne défait cependant les mécanismes de l’ordre et de la synchronisation continus, cela sans congédier le droit ni le projet de l’autonomie.

This work concerns on one hand the interrogation on the existence of the even non-existent feminine, extremely rare perversion according to the fundamental papers of the psychoanalysis, and somewhere else on the exploration of the dynamics appropriate(peculiar) to the perverse assembly(editing) in the feminine. If the woman who is situated near(on the side of) love brought Lacan expressed the famous maxim, that of the woman do not exist, because she " is not quite " and because the woman spells only blocked, the perverse woman will turn out to be to the woman(wife). Therefore, the perverse woman advocates the existence of the woman and her possible writing. The perverse assembly(editing) of the perverse woman scoffs at the law of the difference of the sexes by ending in an exaggerated forgery of the formulae of her(it) So, it is about a perversion feminine as imposture. Indeed, the perverse imposture of the perverse woman spreads (displays,deploys) through the artificial identity that the perverse woman makes to counter the other woman, the one who does not exist. Straightaway, imaginary prevalence at the perverse woman is the mechanism which allows the pervert to have the faith in the ownership of a phallus, on one hand widely upper to that of the man, because he (it) is not limited by the détumescence and on the other hand, raising(finding) it to the rank of the exception, because she is the only woman to hold(detain) him(it). The perverse direction (fabrication), the anchoring of which is imaginary, operates in nets meaning of symbolism. Indeed, symbolism, scene (stage) of the law of the difference of the sexes, is scoffed and soiled. So, it is So, it is this other knowledge, kind of " to know ", lauded by the perverse woman who divides the other one, - the bewildered witness(baton), and continues its illusion, its faith, in the credit note of the phallus. However, behind this armor of invincible shows itself an anxiety in the melancholic tint, connected to the insignificance of the female genital organ. So, it is this dismissal of the charges of the woman in which the perverse woman by imposture and enactment invents a place, which establishes (constitutes) the anxiety of which the perverse woman protects himself.; Ce travail porte sur d’une part l’interrogation sur l’existence de la perversion féminine, rarissime voire inexistante d’après les écrits fondamentaux de la psychanalyse, et de l’autre part sur l’exploration de la dynamique propre au montage pervers au féminin. Si la femme qui se situe du côté de l’amour a amené Lacan a énoncé la maxime célèbre, celle de la femme n’existe pas, puisqu’elle n’est « pas toute » et que la femme ne s’écrit que barrée, la femme perverse se révèlera être l’envers de la femme. De ce fait, la femme perverse prône l’existence de la femme et sa possible écriture. Le montage pervers de la femme perverse bafoue la loi de la différence des sexes en aboutissant à une falsification outrancière des formules de la sexuation. Ainsi, il s’agit d’une perversion féminine comme imposture. En effet, l’imposture perverse de la femme perverse se déploie à travers l’identité factice que la femme perverse se fabrique afin de contrer l’autre femme, celle qui n’existe pas. D’emblée, la prévalence imaginaire chez la femme perverse est le mécanisme qui permet à la perverse d’avoir la foi dans la possession d’un phallus, d’une part largement supérieur à celui de l’homme, puisqu’il n’est pas borné par la détumescence et d’autre part, la relevant au rang de l’exception, puisqu’elle est la seule femme à le détenir. La mise en scène perverse, dont l’ancrage est imaginaire, opère dans les filets signifiant du symbolique. En effet, le symbolique, scène de la loi de la différence des sexes, se trouve bafoué et souillé. Ainsi, c’est ce savoir autre, sorte de « sur-savoir », prôné par la femme perverse qui divise l’autre, -témoin sidéré-, et perdure son illusion, sa foi, dans l’avoir du phallus. Toutefois, derrière cette armure d’invincible se révèle une angoisse à la teinte mélancolique, connectée à l’insignifiance du sexe féminin. Ainsi, c’est ce non-lieu de la femme auquel la femme perverse par imposture et simulacre s’invente un lieu, qui constitue l’angoisse de laquelle la femme perverse se prémunit.

This work concerns on one hand the interrogation on the existence of the even non-existent feminine, extremely rare perversion according to the fundamental papers of the psychoanalysis, and somewhere else on the exploration of the dynamics appropriate(peculiar) to the perverse assembly(editing) in the feminine. If the woman who is situated near(on the side of) love brought Lacan expressed the famous maxim, that of the woman do not exist, because she " is not quite " and because the woman spells only blocked, the perverse woman will turn out to be to the woman(wife). Therefore, the perverse woman advocates the existence of the woman and her possible writing. The perverse assembly(editing) of the perverse woman scoffs at the law of the difference of the sexes by ending in an exaggerated forgery of the formulae of her(it) So, it is about a perversion feminine as imposture. Indeed, the perverse imposture of the perverse woman spreads (displays,deploys) through the artificial identity that the perverse woman makes to counter the other woman, the one who does not exist. Straightaway, imaginary prevalence at the perverse woman is the mechanism which allows the pervert to have the faith in the ownership of a phallus, on one hand widely upper to that of the man, because he (it) is not limited by the détumescence and on the other hand, raising(finding) it to the rank of the exception, because she is the only woman to hold(detain) him(it). The perverse direction (fabrication), the anchoring of which is imaginary, operates in nets meaning of symbolism. Indeed, symbolism, scene (stage) of the law of the difference of the sexes, is scoffed and soiled. So, it is So, it is this other knowledge, kind of " to know ", lauded by the perverse woman who divides the other one, - the bewildered witness(baton), and continues its illusion, its faith, in the credit note of the phallus. However, behind this armor of invincible shows itself an anxiety in the melancholic tint, connected to the insignificance of the female genital organ. So, it is this dismissal of the charges of the woman in which the perverse woman by imposture and enactment invents a place, which establishes (constitutes) the anxiety of which the perverse woman protects himself.; Ce travail porte sur d’une part l’interrogation sur l’existence de la perversion féminine, rarissime voire inexistante d’après les écrits fondamentaux de la psychanalyse, et de l’autre part sur l’exploration de la dynamique propre au montage pervers au féminin. Si la femme qui se situe du côté de l’amour a amené Lacan a énoncé la maxime célèbre, celle de la femme n’existe pas, puisqu’elle n’est « pas toute » et que la femme ne s’écrit que barrée, la femme perverse se révèlera être l’envers de la femme. De ce fait, la femme perverse prône l’existence de la femme et sa possible écriture. Le montage pervers de la femme perverse bafoue la loi de la différence des sexes en aboutissant à une falsification outrancière des formules de la sexuation. Ainsi, il s’agit d’une perversion féminine comme imposture. En effet, l’imposture perverse de la femme perverse se déploie à travers l’identité factice que la femme perverse se fabrique afin de contrer l’autre femme, celle qui n’existe pas. D’emblée, la prévalence imaginaire chez la femme perverse est le mécanisme qui permet à la perverse d’avoir la foi dans la possession d’un phallus, d’une part largement supérieur à celui de l’homme, puisqu’il n’est pas borné par la détumescence et d’autre part, la relevant au rang de l’exception, puisqu’elle est la seule femme à le détenir. La mise en scène perverse, dont l’ancrage est imaginaire, opère dans les filets signifiant du symbolique. En effet, le symbolique, scène de la loi de la différence des sexes, se trouve bafoué et souillé. Ainsi, c’est ce savoir autre, sorte de « sur-savoir », prôné par la femme perverse qui divise l’autre, -témoin sidéré-, et perdure son illusion, sa foi, dans l’avoir du phallus. Toutefois, derrière cette armure d’invincible se révèle une angoisse à la teinte mélancolique, connectée à l’insignifiance du sexe féminin. Ainsi, c’est ce non-lieu de la femme auquel la femme perverse par imposture et simulacre s’invente un lieu, qui constitue l’angoisse de laquelle la femme perverse se prémunit.

International audience; The broad sense currently used of the term melancholy approaches this latter to depression. This article establishes the limits and particularities of the psychiatric discourse and proposes a psychopathological analysis of the melancholic object. This distinction depression/melancholy is clinically relevant since the particular listening of the non-substantiality of the object pointed here concerns the regression of the analyst rather than the empathy and understanding. The focus on the somatic dimension (insomnia) also results clinically important.; La generalización de la noción de melancolía acerca la melancolía de la depresión. El presente artículo precisa los límites y particularidades del discurso psiquiátrico y analiza el problema del objeto melancólico desde la psicopatología. Esta distinción depresión/melancolía tiene repercusiones clínicas importantes en tanto la escucha particular de la no-substancialidad del objeto propuesta pone el acento en la capacidad de regresión del analista, por sobre la comprensión y la empatía, y también por el lugar que da a su aspecto somático (insomnio).; Le sens large de la notion de mélancolie utilisée actuellement approche cette dernière de la dépression. Dans cet article sont établis les limites et les particularités du discours psychiatrique dans l’analyse psychopathologique de l’objet mélancolique. Cette distinction dépression/mélancolie aura d’importants effets cliniques, étant l’écoute particulière de la non-substantialité de l’objet soulevée par l’article plus concernée par la capacité de régression de l’analyste que par la compréhension et l’empathie. L’attention portée à la dimension somatique (insomnie) a aussi des effets cliniques.

Laughter and melancholy constitute the dominant atmosphere of the novels of Milan Kundera. These are the two faces of his attitude about man’s narcissism and of which his characters are reflections. But man is never the person he thinks he is. Kundera expresses this vision of man through the narrators in his novels, who explore the comic and the miserable aspects of the characters appearing in them. Given the fact that the experience of Kundera is reflected in the characters’ situations, on one hand, the narrator endorses a function of self-criticism. On the other hand, this narrator reflects the novelist, sometimes taking even the name of Kundera himself, and presents his image of the novelist which Kundera believes himself to be. Therefore, Kundera is not free of narcissism. Nevertheless, the novel is the only place that allows him to ponder over his narcissistic subjectivity by the way of relativization. For Kundera, the novel enables him to escape momentarily the condition of Narcissus, by the solitary and serious game of writing in the margins of hypothesis., Le rire et la mélancolie constituent l'ambiance dominante des romans de Milan Kundera. Ce sont les deux faces de son attitude vis-à-vis du narcissisme de l'homme reflété par ses personnages. Comme Narcisse, l'homme n'est jamais celui pour qui il se prend. Le narrateur présente cette vision kundérienne de l'homme, en racontant le comique et la misère des personnages. Comme le vécu de Kundera se reflète dans les situations des personnages, ce narrateur assume d'un côté une fonction d'autocritique. Mais d'un autre côté, ce narrateur reflète également le romancier, en prenant jusqu'au nom même de Kundera, et présente son image du romancier que croit être Kundera. Ainsi, Kundera lui-même n'est pas non plus hors de l'emprise narcissique. Néanmoins, le roman est le seul espace qui lui permet de méditer sa subjectivité narcissique en la relativisant. Pour Kundera, le roman permet d'échapper momentanément à la condition de Narcisse, grâce au jeu solitaire et sérieux de l'écriture dans les marges de l'hypothèse.

International audience; This article discusses the ways in which Robert Burton’s Anatomy of Melancholy (1621) inherited and transformed the various European traditions of thinking about melancholy. It divides these traditions into four categories—medical, natural-philosophical, moral-philosophical, and theological—and surveys their conceptual contents from antiquity to the late Renaissance. Whilst the Anatomy summarises these traditions, it also modified them in notable ways, fusing medical and moral theory, but also extending the reach of medicine into the religious domain. Paradoxically, however, Burton’s medicalisation of the moral and theological traditions of melancholy gave them a conceptual coherence which they had previously lacked, and contributed to their persistence beyond the seventeenth century.

The identity crisis is one of the major themes in the novels of Isabelle Hausser, particularly in these four novels '' The magicians of the soul'','' A family comedy'','' The kids' table’ 'and ''The passage of the shadows''. In the fictional universe of the author, her characters are continuously questioning both their identity and the world around them. They fall into a distressing situation and are upset when they discover the inevitable demolition of their former self-image, which they had never doubted before. From this moment, the confidence of these characters no longer exists. People face an unstable world full of doubts where they “will never know the whole truth” and they must live with “the knowledge that they have not understood”. So they become sometimes pitiful and melancholy. Moreover, in her novels, Isabelle Hausser remarkably emphasizes the process of understanding in her characters their identity crisis and the hope of recognizing their identity through friendship, music and especially the attitude of accepting life as it is. This idea could be considered as a little wisdom in the melancholy novels of Isabelle Hausser.; L’identité en crise est le thème majeur des romans d’Isabelle Hausser, particulièrement dans les quatre romans suivants : ‘’Les magiciens de l’âme’’, ‘’Une comédie familiale’’, ‘’La table des enfants’’ et ‘’Le passage des ombres’’. Dans l’univers romanesque de cet auteur, les héros s’interrogent en permanence non seulement sur l’identité de leur entourage mais aussi sur la leur. Ils sont tombés dans une situation angoissante et très perturbée dans laquelle ils découvrent la destruction irrésistible de leur ancienne image d’eux-mêmes, celle dont ils ne doutaient jamais. A partir de ce moment là, la confiance dans l’unité de soi n’existe plus pour ces personnages. Plus que jamais, face à un monde instable et plein de doutes, ces hommes de notre temps ne ‘’sauront jamais toute la vérité’’. Ils sont condamnés à vivre avec la remise en question des certitudes. Alors, l’homme moderne devient parfois pitoyable et mélancolique. D’ailleurs, dans ses romans, Isabelle Hausser souligne remarquablement le processus de la prise de conscience par ses personnages de leur crise identitaire. Elle esquisse aussi l’espoir qu’ils ont de connaître un peu leur identité à travers l’amitié, la musique, et elle suggère une attitude raisonnable : accepter la vie telle qu’elle est. Cette idée pourrait être considérée comme une marque de sagesse dans l’œuvre mélancolique d’Isabelle Hausser.

The identity crisis is one of the major themes in the novels of Isabelle Hausser, particularly in these four novels '' The magicians of the soul'','' A family comedy'','' The kids' table’ 'and ''The passage of the shadows''. In the fictional universe of the author, her characters are continuously questioning both their identity and the world around them. They fall into a distressing situation and are upset when they discover the inevitable demolition of their former self-image, which they had never doubted before. From this moment, the confidence of these characters no longer exists. People face an unstable world full of doubts where they “will never know the whole truth” and they must live with “the knowledge that they have not understood”. So they become sometimes pitiful and melancholy. Moreover, in her novels, Isabelle Hausser remarkably emphasizes the process of understanding in her characters their identity crisis and the hope of recognizing their identity through friendship, music and especially the attitude of accepting life as it is. This idea could be considered as a little wisdom in the melancholy novels of Isabelle Hausser.; L’identité en crise est le thème majeur des romans d’Isabelle Hausser, particulièrement dans les quatre romans suivants : ‘’Les magiciens de l’âme’’, ‘’Une comédie familiale’’, ‘’La table des enfants’’ et ‘’Le passage des ombres’’. Dans l’univers romanesque de cet auteur, les héros s’interrogent en permanence non seulement sur l’identité de leur entourage mais aussi sur la leur. Ils sont tombés dans une situation angoissante et très perturbée dans laquelle ils découvrent la destruction irrésistible de leur ancienne image d’eux-mêmes, celle dont ils ne doutaient jamais. A partir de ce moment là, la confiance dans l’unité de soi n’existe plus pour ces personnages. Plus que jamais, face à un monde instable et plein de doutes, ces hommes de notre temps ne ‘’sauront jamais toute la vérité’’. Ils sont condamnés à vivre avec la remise en question des certitudes. Alors, l’homme moderne devient parfois pitoyable et mélancolique. D’ailleurs, dans ses romans, Isabelle Hausser souligne remarquablement le processus de la prise de conscience par ses personnages de leur crise identitaire. Elle esquisse aussi l’espoir qu’ils ont de connaître un peu leur identité à travers l’amitié, la musique, et elle suggère une attitude raisonnable : accepter la vie telle qu’elle est. Cette idée pourrait être considérée comme une marque de sagesse dans l’œuvre mélancolique d’Isabelle Hausser.

Dans le contexte de la relation, en apparence paradoxale, qu’entretient le XIXe siècle avec la religion, l’article montre comment la conversion fournit un principe esthétique de garantie de l’autorité et de genèse des formes littéraires.The article focuses on the paradoxical relationship that existed between religion, authority and authorship throughout the nineteenth century, to show how, either explicitly or implicitly, the paradigm of conversion provided an aesthetic principle that profoundly molded new forms of authorship as well as a new “philosophy of composition”.

Diese Dissertation über Die Ausgewanderten von W.G. Sebald (1992) führt eine mikroskopische Untersuchung der Schreibweise, ein “Röntgenbild” des Textes und dessen heterogener Materialität durch. Die Studie legt die binäre Struktur des Werks an den Tag, beschreibt die Vielschichtigkeit der stilistischen und narrativen Strategien, die Unterordnung des Signifikanten unter den kategorischen Imperativ des Signifikaten, aber auch den Vorrang des tangentialen und indirekten Zeichens. Sie kommentiert ebenfalls die sonderbare Einschachtelung der direkten Rede und den melancholischen Gestus des Erzählers, und arbeitet die eigenartige Dimension der Intertextualität im Rahmen der vom Bachtinschen Modell stark abweichenden sebaldischen Polyphonie heraus. Der zweite Teil geht auf die kulturkritische Dimension ein, die durch die ideologische Konstellation der Frankfurter Schule, beziehungsweise durch die Dialektik der Aufklärung von Horkheimer und Adorno tief geprägt ist. Die museale deutsche Prosa des Schriftstellers, die an diejenige Adalbert Stifters, infolge der narrativen Einschachtelungen aber auch an die Virtuosität Thomas Bernhards erinnert, ist mit Glücks- oder Schönheitsmomenten verziert, die das Unerhörte der Shoah umso mehr unterstreichen. Im dritten Teil steht die Thematik von Exil und Heimat im Mittelpunkt des Interesses. Es wird deutlich, dass W.G. Sebald eine Literatur des Exils umschreibt, mit der er Umgang und geistigen Austausch gepflegt hat, die er erforscht und kommentiert hat. Hier ist ein “Chor von Ausgewanderten” zu hören, der die Tragödie des modernen Menschen zum Ausdruck bringt, This thesis on The Emigrants by W.G. Sebald (1992) focuses on a microscopic and detailed study of Sebald’s writing in its specificity, a radiography of the text and of its heterogeneous materiality. The study pays attention to the binary structure of the work, the complexity ot the stylistic and narrative strategies, the way the signifier obeys the categorical imperative of the signified and the primacy of tangential and oblique signs ; it also deals with the singular linking of reported speech and underlines the melancholic gesture of the narrator. It appears that intertextuality owns a particuliar specificity because the polyphony it creates differs from the Bakhtinian model. The second part deals with cultural criticism (Kulturkritik) which owes a lot to the ideological model of the Frankfurt School and to Horkheimer and Adorno’s Dialectic of Enlightenment in particular. The museum-like German prose of the author, which recalls that of Adalbert Stifter, but also, thanks to narrative nesting, emulates the virtuosity of Thomas Bernhard, is embellished with happy or beautiful “moments” which underline and emphasize the unprecedentedness of the extermination camps. The third part will set out the themes of exile and the native country. The study underlines that The Emigrants reconstructs a literature of exile that the author, a professor of German literature, has perused, studied and analysed. The chorus of emigrants that can be heard imparts what the tragedy of modern man amounts to., Cette thèse consacrée à Die Ausgewanderten de W.G. Sebald (1992) procède à une étude microscopique et détaillée de l’écriture dans sa singularité, une radiographie du texte et de sa matérialité hétérogène. L’étude montre la structure binaire sous-jacente de l’ouvrage, la complexité des stratégies stylistiques et narratives, la manière dont le signifiant se soumet à l’impératif catégorique du signifié mais aussi la prééminence de signes tangentiels et obliques ; elle s’intéresse également à la singularité de l’enchaînement des discours rapportés et met en lumière le geste mélancolique du narrateur sébaldien. Il apparaît que l’intertextualité revêt une spécificité particulière puisque la polyphonie sébaldienne est orientée différemment de celle envisagée par M. Bakhtine. La deuxième partie s’attache à étudier la critique de la civilisation (Kulturkritik) dans une œuvre fortement marquée par la constellation idéologique de l’École de Francfort et plus précisément par « La Dialectique de la Raison » de Horkheimer et d’Adorno. La prose allemande muséale de l’auteur, qui rappelle celle d’Adalbert Stifter mais aussi, par ses emboîtements narratifs, emprunte la virtuosité bernhardienne, est incrustée de « moments » de bonheur ou de beauté qui mettent en évidence et soulignent l’inouï du monde concentrationnaire. Les thématiques de l’exil et du pays natal sont au centre des intérêts de la troisième partie. L’étude s’attache à montrer que l’ouvrage réécrit en quelque sorte une littérature de l’exil que l’auteur, professeur de littérature de langue allemande, a eu l’occasion de fréquenter mais aussi d’analyser. C’est un « chœur d’exilés » qui se fait entendre dans Die Ausgewanderten et qui manifeste la tragédie de l’homme moderne.

This paper examines the uses of the terms 'folly' and 'madness' in the Middle Ages and Renaissance and proposes that the forms of discourse associated with these concepts, in the theatre and elsewhere, have significant cultural resonance.; A partir d'un examen des usages des termes de 'folly' et 'madness' en anglais au Moyen Age et à la Renaissance, cette communication propose que les formes de discours associés à ces concepts, dans le théâtre et ailleurs, possèdent des résonances culturelles très significatives.

Richard Wagner's poetic and musical writing involve stakes which cannot be ignored and which enlighten a unique creation the implications of which exceed the simple frame of the opera. However, their revealing can only take place if the melancholy of Wagner is taken into account, and if the confusions which still persist in the apprehension of this psychopathology are abandoned. The current considerations indeed let few hope to the notion of melancholic creativity. Nevertheless, within a particular psychic logic, the Master of Bayreuth chose to create a music which was going to be able to support the being of its subject in a world which was for him totally decadent; L'écriture poétique et musicale de Richard Wagner repose sur un certain nombre d'enjeux qui ne peuvent être ignorés et qui éclairent une création unique dont les implications dépassent le simple cadre de l'opéra. Toutefois, leur mise en évidence ne peut s'opérer qu'à la condition de prendre en compte la mélancolie de Wagner, tout en évitant les confusions qui persistent dans l'appréhension de cette psychopathologie. Aujourd'hui encore, celles-ci laissent en effet paraître une place bien problématique à la notion de créativité mélancolique. Pourtant, au sein d'une logique psychique particulière, le Maître de Bayreuth fit bien le choix de créer une musique qui allait être à même de supporter l'être de son sujet dans l'enfer d'un monde dont il percevait la décadence

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Doctors and biologists of the classical period, either being from Hippocrates or Aristotle, describe and explain the alterations of reasoning on a physiological point of view and try to establish a typology of troubles affecting the psukhê and phrenes by distinguishing various and specific pathologies such as mania, epilepsy and melancholy. Method and reasoning lead to rationality; they may seem opposite to the Platonist dissertation and to the descriptions of the tragedy which give a divine origin to reason troubles. According to Plato, mania, either being erotic, poetic, mantic or telestic is shown as a benefit for those who are attached by it, whereas in the tragedy, reason troubles are describe as an alteration of phrenes and connecting to suffering and to destruction. This documentary corpus emphasizes that madness is polymorphous and that there is no united representation of delirium. Therefore, between them, agreements exist in the fields of description of symptoms of some affections, especially of mania, like the vocabulary being used to explain the reason troubles. It seems that these dissertations were born of a basis of common beliefs of which they develop a specific appearance, allowing to restore a representation of ordinary madness, representation incomplete and defective indeed, but that tries to be as near as possible to sociocultural realities and to mentalities of that period; Les médecins et les biologistes de l'époque classique, qu'il s'agisse des Hippocratiques ou d'Aristote, décrivent et expliquent les altérations du raisonnement d'un point de vue physiologique et tentent d¤établir une typologie des troubles qui affectent la psukhè et les phrenes en distinguant diverses pathologies spécifiques telles que la mania, l'épilepsie et la mélancolie. Méthode et raisonnement tendent vers la rationalité, ils peuvent paraître en opposition avec le discours platonicien et les descriptions du théâtre tragique qui attribuent une origine divine aux troubles de la raison. Chez Platon, la mania, qu'elle soit érotique, poétique, mantique ou télestique est présentée comme un bienfait pour les personnes qui en sont atteintes, tandis que dans la tragédie, les troubles de la raison sont décrits comme une altération des phrenes et associés à la souffrance et à la destruction. Ces ensembles documentaires soulignent que la « folie » est polymorphe et qu'il n'existe pas de représentation unifiée du délire. Cependant, entre eux, des accords existent dans les domaines de la description des symptômes de certaines affections, notamment de la mania, comme du vocabulaire employé pour dire les troubles de la raison. Il semble que ces discours soient issus d¤une base de croyances communes dont ils développent un aspect spécifique, nous permettant ainsi de restituer une représentation de la « folie » ordinaire, représentation certes incomplète et imparfaite, mais qui tente d¤être la plus proche possible des réalités socioculturelles et des mentalités de cette l¤époque

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International audience; Melancholia posits the intersection of the biological and the symbolic, ambivalently motivating and undermining the imaginary (viz. for example, Kristeva's “On the melancholic imaginary”). That reverberates across history in assessments of loss, mourning and absence. “Acedia,” the radical melancholy of the Egyptian monks of early Christianity, the “noontime demon” of sloth, entails the temptation of demonic thoughts and the proliferation of images, an otiose, immobilised hankering. Their chiaroscuro deserts are the spiritual landscape of the Promethean myths of transgressive fantasies of knowledge. The melancholy utopia of Burton, under the mask of mad Democritus, pits the meditative individual against repressive society. Melancholy has been either a foreboding of the tragic human condition or a lucid self-analysis. Historically, solipsistic melancholia may mark the elegiac transformation of meditation as transitive upon the epic dimension of the actual world (the Homeric “home”) to its modern, self-constitutive power as “trauerspiel.” With Kierkegaard, “acedia” becomes “tristitia,” a despair grown self-conscious between sin and passion: the solitary misanthropists or the scornful elect. Looking both towards medieval times and to the Renaissance, Dürer's figure is linked to sloth and to geometry, a blasphemous picture of the creative artist anticipating Blake and/or Romantic irony. Both the early modern and the post-modern periods entertain a peculiarly intimate relationship with melancholy because they are two moments of the history of ideas when “A New Philosophy calls all in doubt.” Deconstruction is a questioning of the metaphysical value on which Western humanism has been grounded, from the Reformation on and through the Enlightenment. A symptom of the periodic angst and restlessness of the Western subject when confronted with the necessity to redefine itself in the world. Literary melancholy has various avatars that come to the fore at times of existential crisis, from Renaissance man's Faustian sprezzatura to Romantic agony, post-modern pastiche and openness.

This article examines one of the best-known texts of the English Restoration, John Bunyan's The Pilgrim's Progress (1678) in the light of contemporary medical attacks against religious dissenters. After a brief survey of the so-called " medical revolution " of the seventeenth-century and its consequences in religion, we argue that the composition (and reception) of Bunyan's text must be analysed in the light of those changes in medical discourse. Although Bunyan was necessarily aware that dreams and allegories were considered to be the productions of diseased minds, his choice of these modes of expression creates a tension, from the very beginning of the allegory, between natural and supernatural explanations of authorial inspiration., Cet article examine l'un des principaux textes de la Restauration anglaise, The Pilgrim's Progress de John Bunyan (1678), dans le cadre des attaques médicales portées contre les dissidents religieux. Après un survol de la révolution médicale du XVIIe siècle et de ses conséquences dans le domaine religieux, nous postulons que la composition et la réception de l'allégorie de Bunyan doivent être analysées dans le contexte des bouleversements du discours médical. Alors même que Bunyan ne pouvait ignorer que rêves et allégories étaient considérés comme les manifestations littéraires d'esprits en proie à des tourments d'ordre pathologique, le choix même de ces modes d'expression place le texte, dès son ouverture, sous le signe d'une tension entre explication naturelle et supernaturelle de l'inspiration.

http://www.etudes-episteme.org/2e/?melancolie-enthousiasme-et-folie; National audience; This article examines one of the best-known texts of the English Restoration, John Bunyan's The Pilgrim's Progress (1678) in the light of contemporary medical attacks against religious dissenters. After a brief survey of the so-called " medical revolution " of the seventeenth-century and its consequences in religion, we argue that the composition (and reception) of Bunyan's text must be analysed in the light of those changes in medical discourse. Although Bunyan was necessarily aware that dreams and allegories were considered to be the productions of diseased minds, his choice of these modes of expression creates a tension, from the very beginning of the allegory, between natural and supernatural explanations of authorial inspiration.; Cet article examine l'un des principaux textes de la Restauration anglaise, The Pilgrim's Progress de John Bunyan (1678), dans le cadre des attaques médicales portées contre les dissidents religieux. Après un survol de la révolution médicale du XVIIe siècle et de ses conséquences dans le domaine religieux, nous postulons que la composition et la réception de l'allégorie de Bunyan doivent être analysées dans le contexte des bouleversements du discours médical. Alors même que Bunyan ne pouvait ignorer que rêves et allégories étaient considérés comme les manifestations littéraires d'esprits en proie à des tourments d'ordre pathologique, le choix même de ces modes d'expression place le texte, dès son ouverture, sous le signe d'une tension entre explication naturelle et supernaturelle de l'inspiration.

International audience; "Une tradition qu'on fait en général remonter à l'Esprit des lois (1748) de Montesquieu, celle du « despotisme oriental » , donne à voir le sultan comme un être cruel, exerçant un pouvoir tyrannique à la fois sur le harem, symbole de sa puissance virile, et sur ses sujets, réduits en « esclavage ». L'image que donnent les voyageurs de l'Empire ottoman, au siècle des Lumières, en est profondément affectée, et rares sont ceux qui, comme Potocki, ironisent sur la turcophobie de leurs contemporains : ils ont, dit-il, « épuisé leur curiosité à visiter les monuments de la Grèce, et n'envisagent les Turcs que comme les destructeurs des objets de leur culte » . (...)"Mais cette figure du pouvoir, même contesté, continue d'exercer une irrésistible fascination sur les voyageurs français de la première moitié du XIXe siècle. Nerval, Du Camp, Gautier, parmi d'autres, donnent à voir, à travers leurs récits de voyage, un sultan « mélancolique » en la personne d'Abdul-Medjid (1839-1861), dont le portrait fait étrangement penser à la condition de l'artiste solitaire. "

International audience; The aim of this paper is to show the ambivalence of the idea of melancholy in seventeenth-century England from the specific perspective of the melancholic gaze. If the perturbation of the senses and of visual perception may be seen by physicians as a pathological condition, this can also lead the melancholic to develop visionary powers, which can be understood as a remedy against melancholic distemper, as Robert Burton shows in his Anatomy of Melancholy.

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