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Il y a une puissance du fragile qui se manifeste dans le phenomene et la question des fissures a l’œuvre dans differents domaines sensibles : la texture des villes, les arts contemporains. Celles-ci sont aussi bien materielles que mentales, et se fondent dans un devenir-ruine propre a des territoires existentiels. Nous pouvons ressentir un tel processus dans le jeu entre l’exterieur et l’interieur des bâtiments de certaines villes, ou avec certaines creations. Le temps se niche dans les asperites, les traces, les details infimes, participant d’une decomposition clandestine des structures d’un ordre. Un futur anterieur se manifeste a travers des spectralites vivantes, delicates, constituees par l’experience des copresences dans la sedimentation urbaine, ou bien avec une esthetique de la vacance. A contrario des modelisations systemiques ont lieu les vagabondages mentaux, les choses passageres, le trouble dont nous faisons l’experience dans les espaces sensibles. Plus le systeme (urbain, visuel, mediatique, politique, economique) se cloture sur lui-meme et plus les lignes de fuite prosperent. Les surfaces hypermodernes sont perforees par des anfractuosites secretes, la fissure devient une faille, ou un glissement de terrain. Il s’agit de rendre compte de l’imperfection du reel, d’entrapercevoir le monde en ses mouvements obscurs, selon une anthropologie singuliere.

This thesis explores the contemporary communicational space on the basis of the installation form. The challenge is to consider how installation manages to create or renegotiate forms of visibilities in a media-orientated society in which exhibitions have become the norm of what is visible. These sensitive reformulations result from the scenography movement, defined as a process of creation and representation through which “communicational scenography” may be contained. The artistic installation is the archetypal space that will be used to undertake this reflection. Using a corpus of contemporary art installations, we will analyse the processes by which installation leads to a heterogeneous experience of space, which typically favours the immersion of the visitor and the reversal of frameworks which serve to make the real world intelligible. These processes make installation a space which allows for experimentation with the sensory experience in relation to spatial layouts which redefine its division. Installation may be appreciated as a form of scenography constituting of communicational processes and practices which tend to insert themselves in between the aesthetic experience and the social experiment of space. The “anthropological communication of the sensible”, promoted by all sorts of artistic devices, illustrates precisely the way in which installation, as a social stage, transforms both our perception and methods of communication. To grasp and put into perspective these issues, which criss-cross between the disciplines of communication and aesthetic, this reflection will focus upon space specifically within the museum. The museum, acting as both a set designed space and a stage of materialised exhibition, makes it possible to observe how the communicational paradigm intervenes in cultural practices through the role played by space, here defined as a “scene”. Initially considered in the typical environment of museum heterotopia, installation will be observed over the course of its derritorialisation in social space, but also through circular and reflexive processes that it may have on our perspective. In the end, it is a question of whether installation, a not only an artistic practice, can act as a medium or a template to analyse the contemporary communicational space and, further still, as a hypothetical “society of installation”., Cette thèse explore l’espace communicationnel contemporain à partir de la forme installative. L’enjeu est d’envisager comment dans une société médiatisée où l’exposition est devenue la norme du visible, l’installation parvient à créer ou renégocier dans l’espace social des formes de visibilités. Ces reformulations sensibles proviennent du geste scénographique, tout à la fois processus de création et de représentation, à travers lequel peuvent être circonscrites des « scénographies communicationnelles ». L’installation artistique est l’espace archétypal servant à entreprendre cette réflexion. À partir d’un corpus d’installations artistiques contemporaines, nous analysons les processus par lesquels l’installation conduit à une expérience hétérogène de l’espace tendant favoriser l’immersion du visiteur et le renversement des cadres qui servent à intelligibiliser le réel. Ces processus font de l’installation un espace permettant d’expérimenter le sensible à l’aune d’agencements spatiaux qui en redéfinissent le partage. L’installation peut être conçue comme une forme scénographique constitutive de pratiques et de processus communicationnels tendant s’intercaler entre l’expérience esthétique et l’expérimentation sociale de l’espace. La « communication anthropologique du sensible » favorisée par des dispositifs artistiques de toutes sortes, permet justement d’illustrer comment l’installation, devenue une scène sociale, transforme tout à la fois notre perception et nos modes d’êtres communicationnels. Pour saisir et mettre en perspective ces enjeux à cheval entre les disciplines de la communication et de l’esthétique, cette réflexion prend comme point d’appui l’espace muséal. Le musée, espace scénographié et régime d’exposition matérialisé, permet d’observer comment le paradigme communicationnel intervient dans les pratiques culturelles à travers le rôle que joue l’espace, alors conçu comme une « scène ». L’installation d’abord envisagée dans le milieu typique de l’hétérotopie muséale, sera observée au fil de ses déterritorialisations dans l’espace social, mais aussi à travers des processus circulaires et réflexifs qu’elle provoque sur notre regard. Il s’agit finalement de se demander comment l’installation non plus seulement artistique peut faire lieu de support ou de modèle pour analyser l’espace communicationnel contemporain et plus loin, une hypothétique « société de l’installation ».

This thesis explores the contemporary communicational space on the basis of the installation form. The challenge is to consider how installation manages to create or renegotiate forms of visibilities in a media-orientated society in which exhibitions have become the norm of what is visible. These sensitive reformulations result from the scenography movement, defined as a process of creation and representation through which “communicational scenography” may be contained. The artistic installation is the archetypal space that will be used to undertake this reflection. Using a corpus of contemporary art installations, we will analyse the processes by which installation leads to a heterogeneous experience of space, which typically favours the immersion of the visitor and the reversal of frameworks which serve to make the real world intelligible. These processes make installation a space which allows for experimentation with the sensory experience in relation to spatial layouts which redefine its division. Installation may be appreciated as a form of scenography constituting of communicational processes and practices which tend to insert themselves in between the aesthetic experience and the social experiment of space. The “anthropological communication of the sensible”, promoted by all sorts of artistic devices, illustrates precisely the way in which installation, as a social stage, transforms both our perception and methods of communication. To grasp and put into perspective these issues, which criss-cross between the disciplines of communication and aesthetic, this reflection will focus upon space specifically within the museum. The museum, acting as both a set designed space and a stage of materialised exhibition, makes it possible to observe how the communicational paradigm intervenes in cultural practices through the role played by space, here defined as a “scene”. Initially considered in the typical environment of museum heterotopia, installation will be observed over the course of its derritorialisation in social space, but also through circular and reflexive processes that it may have on our perspective. In the end, it is a question of whether installation, a not only an artistic practice, can act as a medium or a template to analyse the contemporary communicational space and, further still, as a hypothetical “society of installation”.; Cette thèse explore l’espace communicationnel contemporain à partir de la forme installative. L’enjeu est d’envisager comment dans une société médiatisée où l’exposition est devenue la norme du visible, l’installation parvient à créer ou renégocier dans l’espace social des formes de visibilités. Ces reformulations sensibles proviennent du geste scénographique, tout à la fois processus de création et de représentation, à travers lequel peuvent être circonscrites des « scénographies communicationnelles ». L’installation artistique est l’espace archétypal servant à entreprendre cette réflexion. À partir d’un corpus d’installations artistiques contemporaines, nous analysons les processus par lesquels l’installation conduit à une expérience hétérogène de l’espace tendant favoriser l’immersion du visiteur et le renversement des cadres qui servent à intelligibiliser le réel. Ces processus font de l’installation un espace permettant d’expérimenter le sensible à l’aune d’agencements spatiaux qui en redéfinissent le partage. L’installation peut être conçue comme une forme scénographique constitutive de pratiques et de processus communicationnels tendant s’intercaler entre l’expérience esthétique et l’expérimentation sociale de l’espace. La « communication anthropologique du sensible » favorisée par des dispositifs artistiques de toutes sortes, permet justement d’illustrer comment l’installation, devenue une scène sociale, transforme tout à la fois notre perception et nos modes d’êtres communicationnels. Pour saisir et mettre en perspective ces enjeux à cheval entre les disciplines de la communication et de l’esthétique, cette réflexion prend comme point d’appui l’espace muséal. Le musée, espace scénographié et régime d’exposition matérialisé, permet d’observer comment le paradigme communicationnel intervient dans les pratiques culturelles à travers le rôle que joue l’espace, alors conçu comme une « scène ». L’installation d’abord envisagée dans le milieu typique de l’hétérotopie muséale, sera observée au fil de ses déterritorialisations dans l’espace social, mais aussi à travers des processus circulaires et réflexifs qu’elle provoque sur notre regard. Il s’agit finalement de se demander comment l’installation non plus seulement artistique peut faire lieu de support ou de modèle pour analyser l’espace communicationnel contemporain et plus loin, une hypothétique « société de l’installation ».

International audience

The expressivity of the intimate on the Web takes three forms: normalized, hidden/shown and escaped. Each has a specific function, to answer to injunctions of power devices, to manage emotional bonds and a function that is still unknown. Contextualizing our ways of existence whether in our relations with the public and private spheres or in our professional life, reveals that we have moved from a reflexive society to an expressive society where the sensual is distinguished from the sexual and the intimate from intimacy. Theses divides shape the expressivity of the intimate. It becomes a gap concept. It brings together within itself the deepest interiority and its dramatized form in order to allow the establishment of relationships with others through hidden/shown and escaped games. Intimate statements on Facebook or dating sites operate like an exchange norm in games of gifts and counter-gifts. "If I am able to play the intimate game and you are too, we can become closer." The exchange of trivialities or the sharing of love-related myths serve this game. Uses of fakes, humor and supposed secrets are strategies that indicate that a knowledge of intimate issues is at work in the building of links. Furthermore, the virtualized body becomes spectral, an ancillary body at the service of the production of subjectivity which responds to the endless quest of a body-without-organs. The diffusion of a picture of a body online proves its existence and unity. So, it doesn’t disappear in the Web because, as flesh itself is absent from it. This loss could be the origin of the expressiveness of intimacy on the Web as a compensation. The Flesh of words against bodily flesh. This communicational process becomes relational and continues the flow of subjectivity production. Usually limited in its capacities of enunciation by the danger of normalizing the intimate, the production of subjectivity seems ineffective because desire arrangement appear as prefabricated on these Websites. The diffusion of this prototype doesn’t prevent subjectivity from producing new arrangements that will in turn be re-used by devices in the future. Subjectivity is increasingly oppressed even in the intimate but finds new voices for its resingularisation. There then exist relationships between the progress of democratic societies and perverse defenses using the intimate more as a bargaining chip than as a token of interiority., L’expressivité de l’intime dans le Web prend trois formes : normée, cachée/montrée et échappée. Chacune a une fonction spécifique, celle de répondre aux injonctions des dispositifs de pouvoir, celle de gérer les liens affectifs et celle qui nous est toujours inconnue. La contextualisation de nos modes d’existence tant dans les rapports au public et au privé que dans la vie professionnelle, fait émerger le passage d’une société réflexive à une société expressive où le sensuel se distingue clairement du sexuel et l’intime de l’intimité. Ces clivages façonnent l’expressivité de l’intime. Il devient un concept interstitiel. Il lie en son sein intériorité la plus profonde et sa forme théâtralisée afin de permettre que s’établisse le lien à l’autre dans des jeux de caché-montré et d’échappé. L’intime à lire sur Facebook ou sur les sites de rencontres fonctionne comme une norme d’échange dans des jeux de dons et de contre-dons : « Si je suis capable de jouer à l’intime et si toi, aussi, tu en es capable, nous pouvons être plus proches. » L’échange de banalités ou le partage des mythes de l’amour sont au service de ce jeu. L’usage du fake, de l’humour et du supposé secret sont des stratégies qui indiquent qu’une maîtrise des enjeux de l’intime est à l’œuvre. Par ailleurs, le corps virtualisé devient un corps spectral, ancillaire de la production de subjectivité répondant à la quête sans fin d’un Corps sans Organes. La diffusion d’une photo de corps sur le Web fait la preuve de son existence et de son unité. Si bien qu’il ne disparaît pas dans le Web car c’est la chair qui s’absente. Cette perte serait l’origine de l’expressivité de l’intime dans sur les réseaux pour la compenser. Chair de mots contre chair de corps. Ce processus communicationnel devient relationnel et poursuit le flux de la production de subjectivité. Souvent limitée dans ses capacités d’énonciation par le danger de la normalisation de l’intime, cette production paraît inopérante car les agencements de désirs semblent, dans ces sites, préfabriqués. Ce moule diffusé, n’empêche aucunement la subjectivité de produire de nouveaux agencements qui seront à leur tour repris par les dispositifs. La subjectivité de plus en plus oppressée jusque dans l’intime trouve de nouvelles voix à sa resingularisation. Il existe alors des liens entre progrès des sociétés démocratiques et développement de défenses perverses utilisant l’intime comme monnaie d’échange et moins comme un gage d’intériorité.

The work of this thesis revolves around the artistic and urban practices in four cities, in Australia and New Zealand. Those cities, Sydney, Melbourne, Auckland and Wellington are major artistic hubs in Oceania, and form the basis of a theoretical and empirical study. The first challenge is to locate and understand chronologically, through a Western artistic lens and its evolution, what are the inherent nuances of the in situ art. We will see how art produced extramurally, as represented in the United States and Europe (1960-1970), and noted on multiple accounts by artists, relied on various data: spatial, geomorphological, historical, human and contextual course. This understanding will lead us to the first example of space turning or geospatial art or propensity, which can be viewed as out of its traditional frameworks – which is to the museum, to conquer new territories of registration. To address these postcolonial Pacific cities and the culture they devote to artistic creation, we will see how these two young nations have built and continue to build their identity. In light of the New Zealand biculturalism, the value of Maori culture and the place of the people, we are committed to see how extramural art is represented in Wellington and in more rural areas around Auckland. In Australia, in some examples, the historical facts have reinforced a sense of identity through specific examples of urban creation while in other areas the historical contexts lead to politically charged issues; such is the case of the event Sculpture by the Sea. To what extent can a region, through its first four cities, lead us to rethink the in situ expression and geo-aesthetic that emerges? This study based on observation and cross disciplinary theoretical approaches and argues that the tendency of cities to reinvent worlds, regenerate through art until, is in some respects, a true territorial tool. I propose different readings to further understand how singular forms of aesthetics emerge as part of a proactive planning on redesigning the face of the city. Then it will show through best practices, how art, in the Pacific cities, changes space and emphasizes history and can become detached of context. This body of work is pertinent given the historical identity priority of Pacific cultures, and the contemporary multiculturalism and use of space will shed light on the expression of a specific urban geo-aesthetics. Intercultural connections between vernacular indices (patterns, gestures, shapes) and contemporary mediums attest to a geographicity art between narrative interpretation of places, symbol and emancipation., Le travail de cette thèse s’articule autour des pratiques artistiques et urbaines à travers quatre métropoles situées en Australie et en Nouvelle-Zélande. Sydney, Melbourne, Auckland et Wellington, territoires artistiques majeurs dans ce continent, sont ici le socle d’une étude empirique et théorique. L’enjeu premier sera de situer chronologiquement et de comprendre, à partir de l’art occidental et de son évolution, quelles sont les problématiques artistiques inhérentes à l’in situ. Nous verrons comment un art produit extra-muros, tel que formulé aux Etats-Unis et en Europe (1960-1970), a mis en avant une prise en compte multiple du lieu par les artistes, mettant à contribution différentes données : spatiales, géomorphologiques, historiques, humaines et bien sûr contextuelles. Les appréhender nous amènera à mettre en valeur le premier tournant spatial, voire géospatial de l’art, soit sa propension, à un moment donné, de sortir de ses cadres traditionnels – dont le musée – pour conquérir de nouveaux territoires d’inscription. Pour mieux aborder ces villes postcoloniales océaniennes et les espaces qu’elles consacrent à la création artistique, nous verrons comment ces deux jeunes nations ont bâti et continuent à construire leur identité. Au regard du biculturalisme néo-zélandais, de la culture maorie et de la place de ce peuple, nous nous sommes attaché à saisir comment l’art extra muros existe à Wellington et dans des zones plus rurales autour d’Auckland. En Australie, les faits historiques sont venus renforcer un sentiment identitaire au travers de certaines formes de création urbaines tandis que d’autres restent à l’écart de ces problématiques locales – c’est le cas de l’évènement Sculpture by the Sea. Dans quelle mesure un territoire, au travers de ses quatre premières villes, peut-il par le biais de l’in situ dégager une géo-esthétique? Cette étude fondée sur l’observation et le croisement pluridisciplinaire des approches théoriques a montré et argumenté la tendance des villes-mondes à se réinventer, se régénérer par l’art jusqu’à devenir, à certains égards, un véritable outil territorial. J’ai proposé différentes clés de lecture pour faire comprendre comment se dégage des formes d’esthétique singulières dans le cadre d’un urbanisme volontariste quant à redessiner le visage de la ville (Sydney, Opera House). Puis, il s’agira de montrer à travers les démarches exemplaires, comment l’art, dans les villes océaniennes, évolue spatialement, souligne l’histoire et s’en détache. Le corpus d’œuvres, pertinent au vu de la priorité identitaire, multiculturelle et spatiale fera jour sur l’expression d’une géo-esthétique urbaine spécifique. Les connexions interculturelles entre indices vernaculaires (motifs, gestes, formes) et médiums contemporains attestent d’une géographicité de l’art, entre interprétation narrative des lieux, symbole et émancipation.

The manga term was used for the first time in 1814 by the painter Katsushika Hokusai to indicate his works. This term literally means “fast rough sketch” or “derisive image”. In France the original meaning of the manga word has been lost and it is now employed to indicate the Japanese comic strip in the same way as we name comics the American comic strip. The Japanese comic strip is, in quantitative terms, the first market of the world in this sector. The topics covered in the written manga are much more diverse than the “cartoon-manga” broadcasted on tv in France. Not so long ago, the manga was a little-known genre by the European comic readers, the “bédéphiles”. Nowadays, the manga is a growing genre in France and it tends to develop and become a cultural product and phenomenon, for all a generation who grew up with the first manga on tv. This thesis explores the manga culture and analyzes it as a primary device in a whole communication system. Its graphic and narrative aspects reveal a particular visual-narrative process, specific to the manga. It modifies the image and language combination, it builds a new reading mode and plays with perceptions. It generates a stretching game between what the reader-spectator looks at and what he sees. The manga spreads in our society a graphic universe but most of all, a specific visual storytelling technique that replaces narration words. At the same time, the image is seen and read. In the manga, to read the image it is to read the text. In other words, the picture is narrative and the narration is pictured. There is a text-image, an image-text. The image is in itself a dialogue which acts on the sensations and the perceptions. In its depiction, the manga reflects its culture. It spreads characters, norms, values and an imagination which can “influences” his readership and generates new social practices. By its specificities the manga image is unstable and moving. It involves the reader-spectator: this one has the possibility of navigating, of roving in the image. This research work analyzes the manga “visual-narrative” interactive processes which generates a new relationship to the image and creates a playful interaction between the image and its “reader-spectator”, and it becomes a narrative process to transmit messages in it., Le terme manga a été utilisé pour la première fois en 1814 par le peintre Katsushika Hokusai pour désigner ses travaux. Littéralement ce terme signifie « esquisse rapide » ou encore « image dérisoire ». En France le mot manga a perdu cette signification et désigne la bande dessinée japonaise au même titre que l’on nomme comics la bande dessinée américaine. La bande dessinée japonaise est, en termes quantitatifs, le premier marché du monde dans ce secteur. Beaucoup plus diversifié dans les sujets abordés que ne le donnent à penser les dessins animés diffusés sur le petit écran en France, le manga a longtemps été un genre peu connu des « bédéphiles » européens. Aujourd’hui, le manga connaît un fort essor en France et tend à s’imposer comme produit et phénomène culturel, pour toute une génération qui a grandi avec son arrivée sur les postes de télévision. Dans ce travail de thèse, il s’agit de comprendre le manga en tant que dispositif communicationnel. En raison de ses spécificités graphiques et narratives nous pouvons appréhender un procédé visuel-narratif qui lui est propre. Celui-ci modifie le rapport iconique/linguistique, construit un nouveau mode de lecture et joue sur les perceptions. Il génère un jeu tensif entre ce que le lecteur-spectateur regarde et ce qu’il voit. Le manga diffuse dans notre société un univers graphique, mais aussi et surtout, une technique de la narration visuelle qui peut se passer de texte. L’image est à la fois vue et lue. Dans le manga, lire l’image c’est lire le texte ou pour le dire autrement, il y a du texte-image, de l’image-texte. Elle est en elle-même un dialogue qui agit sur les sensations et les perceptions. Au travers de ses représentations, le manga montre une image de sa culture. Il diffuse par ses personnages des normes et des valeurs ainsi qu’un imaginaire pouvant « influencer » son lectorat et générer de nouvelles pratiques sociales. Par ses spécificités l’image manga devient mouvante. Elle inclut le lecteur-spectateur : celui-ci a la possibilité de naviguer, d’errer dans l’image. Notre travail de recherche porte sur l’analyse des procédés « visuels-narratifs » du manga qui génèrent un nouveau rapport à l’image et un jeu d’interactions entre l’image et son « lecteur-spectateur », ainsi que sur le processus de transmission des messages dans le manga.

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