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El IV Congreso de Estética y Política: Poéticas del desacuerdo para una democracia plural, está fuertemente vinculado con uno de los retos más importantes de las sociedades europeas. El aumento de los flujos migratorios, la tensión provocada por colectivos marginalizados y la amenaza terrorista ha convertido a Europa en un contexto cada vez más polarizado en el que se encuentran diferentes ideologías radicalmente diferentes. En este contexto de pluralidad radical, las instituciones democráticas parecen haberse quedado obsoletas. La estrategia consensual implícita en el diálogo liberal democrático no parece contentar a ninguna de las partes,creciendo la desafección de la ciudadanía con las instituciones democráticas. El reto que se les plantean a estas instituciones es el presentarse como un espacio capaz de albergar deliberaciones productivas más allá de cualquier tipo de consenso sin que esto suponga su estancamiento. Frente a la tradicional identificación entre democracia y consenso, hoy en crisis, ¿qué papel puede tener una política del desacuerdo para impulsar una democracia más plural y participativa? ¿Cómo se traslada esta idea del disenso a las esferas de la creación artística, de la educación y de la acción colectiva?

[ES] En la emergencia de pensar el espacio público y su relación con respecto a la democracia, surgen las siguientes cuestiones: ¿cómo superar las limitaciones de la identidad y hablar de un “nosotros”?, ¿es necesario invocar a la unidad para resolver el ideal de igualdad? Estas son dificultades inherentes a la fundamentación de la democracia y, por consiguiente, a las posibilidades que habilita. Las consecuencias de uno u otro modo de fundamentar la democracia afecta eso a lo que Fred Evans llama el cuerpo de multiples voces. Esta expresión sirve para aludir a lo público desde la heterogeneidad, además de introducir una dimensión estética a su fórmula política. Ahora, con el propósito de exponer el juego de las voces en el espacio público, propongo apelar a la democracia por venir y la absoluta hospitalidad de Jacques Derrida, por un lado, y el ser singular plural de Jean-Luc Nancy, por el otro. La democracia por venir muestra una tensión perpetua entre lo semejante y lo otro, en ella se celebra un ideal de democracia en persecución perpetua. En cambio, el ser singular plural indica la necesidad de la relación con el otro, de estar-con, que guardando las distancias, recuerda al Mitsein heideggeriano. Estas nociones sugieren una apertura necesaria del espacio público y, en último término, asignan un valor simultáneo a todas las voces., [EN] In the emergency of thinking about public space and its relation to democracy, the following questions arise: how to overcome the limitations of individual identity and talk about a community? Is it necessary to evoke an unity in order to solve the ideal of equality? These are all difficulties inherent to the foundation of democracy and, consequently, to the possibilities that it enables in the public space. The consequences of one or another way of defining democracy affect the multivoiced body proposed by the American philosopher Fred Evans. This expression refers to the public as from heterogeneity, and introduces an aesthetic dimension to its political formula. Moreover, for the purpose of explaining the role of voices in the public space, I intend to mention democracy to come and the absolute hospitality by Jacques Derrida, on the one hand, and being singular plural by Jean-Luc Nancy, on the other. The democracy to come shows a perpetual tension between the similar and the other, which celebrates an ideal of democracy in eternal pursuit. On the other hand, being singular plural points at the necessity of the relationship with the other, of being-with which, saving the distance, reminds of Heidegger’s Mitsein. These notions suggest a necessary openness of the public space and, ultimately, assign a simultaneous value to all voices.

[ES] El objetivo de este trabajo es buscar respuestas a la actual crisis de la democracia. Uno motivos que nos han llevado a esta situación es el olvido de que la democracia no es érgon, un producto acabado, sino que es constitutivamente enérgeia, la permanente acción de producirla. La no resolución de este conflicto permanente ha ocasionado la decepción de la democracia al descubrir su vulnerabilidad. Precisamente, dicha vulnerabilidad nos conmina a recuperar la filosofía trágica para indagar sobre esta situación que tiene como base un conflicto con difícil resolución. Es sintomático que en el mundo moderno la tragedia pugne de nuevo por abrirse camino cuando parecía ya socavada por una estabilidad política como son las democracias occidentales. Pero, vemos que la “tragedia positiva” empieza a toparse con una realidad que precisa reinterpretar los mitos trágicos antiguos. Unos mitos que trasmiten la complejidad de las “apariencias” dentro una pluralidad de valores y de la posibilidad de que surjan conflictos ente ellos. La vieja sabiduría trágica nos puede ayudar a dar respuestas a dicha crisis que no es otra que el descubrimiento de que la democracia no tiene garantía de éxito., [EN] The objective of this work is to find answers to the current crisis of democracy. One of the reasons that have led us to this situation is the forgetting that democracy is not ergon, a finished product, but that it is constitutively energetic, the permanent action of producing it. The non-resolution of this permanent conflict has caused the disappointment of democracy to discover its vulnerability. Precisely, this vulnerability leads us to recover the tragic philosophy to inquire about this situation that is based on a conflict with difficult resolution. It is symptomatic that in the modern world tragedy struggles again to break through when it seemed already undermined by political stability such as Western democracies. But, we see that the "positive tragedy" begins to run into a reality that needs to reinterpret the ancient tragic myths. Myths that convey the complexity of "appearances" within a plurality of values and the possibility of conflicts between them. The old tragic wisdom can help us to respond to this crisis that is none other than the discovery that democracy has no guarantee of success.

[ES] Ante el desgaste de los modelos políticos y democráticos, centrados en la discusión, el debate y los esquemas formales de representación y acción política proponemos el polílogo -acuñado por F. M. Wimmer para encarar asertivamente el contacto filosófico intercultural- y la simbología como corrección, oposición y ampliación de las dinámicas centralistas mono/dialógicas que, con sus respectivas estructuras demo-liberales, condicionan los contenidos y relaciones entre las partes involucradas en las disputas políticas. De este modo pretendemos elucidar algunas de las posibilidades de interacción multicultural que proporciona la simbología, entendida brevemente aquí como la expresión ontológica y epistémica de los horizontes sociales. A diferencia de los escenarios estrictamente políticos, la simbología en su vertiente artística permite -e invita- al mestizaje de los horizontes debido a su capacidad reconciliadora de los opuestos (en este caso el yo/otro, centro/periferia, local/extranjero) abriendo camino a modelos alternativos de integración que ya no solamente operen desde la verticalidad institucional definida por un esquema y origen definidos dentro del pensamiento eurocéntrico, sino mediante la flexibilidad y permeabilidad que han caracterizado a los movimientos artísticos y sus dinámicas de frontera. La política del disenso, en clave simbolista, apunta al cuestionamiento de los modelos de participación cultural y hacia la efectiva apertura a un mestizaje ontológico y metodológico que, en su receptividad multidireccional de poli-logo, cuestiona incluso los valores promovidos por el liberalismo pan-económico, erigiéndose como un laboratorio artístico/político divergente y necesario ante el estancamiento de los paradigmas y, además, muy urgente ante la escalada de los populismos nacionalistas de Europa y el mundo., [EN] Given the refusal to reevaluate democracy from its ontological conditions, we propose the polylog, formulated by R. Wimmer, in a symbolic way in order to guide the intercultural contact that migrations have been producing, especially in the European Union. Far from the limitations that liberal democracy imposes due to its economic bias and citizen discrimination, the symbolism points to an a radical encounter and the implication that is usually presented and expressed in arts. So, given the political inability to act from the institutional hierarchy, this text invites us to recognize the multidirectional meetings that mestizo horizons carry out.

[CA] Ala Plàstica és una organització no governamental liderada per artistes i fundada en La Plata (Argentina) que desenvolupa des de 1991 projectes en col·laboració amb altres artistes, científics i grups medi ambientals en zones crítiques per promoure alternatives de desenvolupament. Té tres línies d’actuació: la col·laboració a llarg termini amb entitats regionals, nacionals i internacionals; la participació en la investigació i execució de projectes de regeneració per a zones costaneres; i el desenvolupament de metodologies artístiques per a la recuperació dels sistemes naturals. Derrame és un projecte que sorgeix en 1999 a partir d’un vessament d’hidrocarbur en el riu de la Plata. Es forma un equip d’investigació interdisciplinari constituït per diversos sectors de la societat civil, es tracta d’una forma organitzada de resistència, aquest projecte és la conseqüència del major vessament de petroli en aigua dolça del planeta. Arran de l’accident, la companyia Shell intentaria ocultar els danys. El projecte realitzà per part d’un equip d’investigació un informe sobre la zona costanera afectada a partir del qual Ala Plàstica realitzà un sèrie d’exercicis artístics no convencionals en col·laboració amb la comunitat local. La finalitat d’aquest treballs era fer servir el diàleg, els relats fotogràfics, les imatges de satèl·lits, dibuixos, texts, i mapes per a superar l’impacte produït. Aquest treballs s’exposaren en diversos centres com a documentació alternativa del conflicte front a Shell. També es realitzaren: una revista local comunitària, accions de neteja col·lectiva, protestes front a la seu de la Shell, es produí una cartografia explicativa de l’impacte real del vessant. Totes aquestes accions formaven un conjunt que desafiava l’autoritat institucional alhora que és una mostra de formes d’acció col·lectiva i de creativitat. Finalment Ala Plàstica elaborà el document Failing The Challenge, The Other Shell Report 2002, que fou presentat en l’Asamblea Anual d’Accionistes de Shell a Londres. Aquell mateix any, la Cort Suprema de Justicia ordenà a The Royal Dutch/Shell invertir 35 milions de dòlars per a reparar els danys ocasionats a l’ecosistema. Destaquem el projecte Derrame per la seua capacitat de respondre a una catàstrofe global, per entendre el territori com una construcció col·lectiva. Respon i s’enfronta al procés de fragmentació de la nostra vida quotidiana, desenvolupa un seguiment permanent de la situació seguint la situació de Derrame, manté el contacte amb els protagonistes que són part del tema, cerquen i elaboren nova informació i també en algunes ocasions es difon als espais i circuits de l’art., [EN] Ala Plástica is a non-governmental organization led by artists and founded in La Plata (Argentina), which has been developing projects since 1991 in collaboration with other artists, scientists and environmental groups in critical areas to promote development alternatives. Their collaborative projects are a sample of the interdisciplinary works that from the field of contemporary art can build a new public sphere of the social, understanding that current artistic practices have abandoned the traditional objectual expression to establish new ones Areas of interest and dilute in collaborative tasks. The group has three lines of action: collaboration: in the long term with regional, national and international entities based on bio-regional proposals on rivers; participation in the research and execution of regeneration projects for coastal areas along with artists, landscape architects and local authorities; and the development of artistic methodologies for the recovery of natural systems. Of all the projects carried out since its foundation, we analyze Especies Emergentes, the first of its works located in the estuary of the river of La Plata as an attempt to improve both the local environment and regenerate the social ties between the population of this place.

[ES] Recientes estudios han tratado de profundizar en dos conceptos fundamentales en el estudio histórico de la cultura humana: la imagen y la iconoclasia. Apartados en un principio de los cánones académicos impartidos desde la Historia del Arte, han sido deconstruidos por nuevas corrientes teóricas como los estudios visuales o la ciencia de la imagen. Debido a esta apertura hacia nuevas perspectivas sobre los objetos y prácticas artísticas, se ha comenzado a revisar más de cerca el fenómeno bautizado como la destrucción del arte o, comúnmente conocido, como los fenómenos iconoclastas. Entendidos como actos relacionados sobre bases del fundamento religioso, se convirtieron en laboratorios de algunas de las crisis sobre la representación a través de la práctica artística y la reacción frente a esta. Así pues, actualmente, esta clase de sucesos están siendo revisitados para ampliar los límites en los que se les solía encasillar: que iban desde disputas religiosas hasta meros ataques emocionales y vandálicos. Por lo tanto, en el presente escrito se busca aproximarse a otra mirada sobre la iconoclasia que tiene presente las teorías sobre la plusvalía de las imágenes compartidos por autores como W.J.T Mitchell o David Freedberg. Con este propósito, se trata de encontrar otras definiciones al acto violento contra las imágenes, convirtiéndose este fenómeno en una posible teoría del disenso. Se defiende, de este modo, un campo de estudio que analiza los eventos destructivos como un escenario del agonismo que articula cambios en las comunidades sociales desde sus propias representaciones y el pensamiento tras estas., [EN] Recent studies have tried to deepen two fundamental concepts in the historical study of human culture: image and iconoclasm. Initially sections of the academic canons taught since the History of Art, have been deconstructed by new theoretical currents such as visual studies or the science of image. Due to this openness towards new perspectives on artistic objects and practices, the phenomenon baptized as the destruction of art or, commonly known as iconoclastic phenomena, has begun to be examined more closely. Understood as related acts on the basis of the religious foundation, they became laboratories of some of the crises on representation through artistic practice and the reaction to it. So, currently, these kinds of events are being reviewed to extend the limits in which they used to be classified: ranging from religious disputes to mere emotional and vandalism attacks. Therefore, this paper seeks to approach another view on the iconoclasm that has in mind the theories about the surplus value of images shared by authors such as W.J.T Mitchell or David Freedberg. For this purpose, it is about finding other definitions of the violent act against images, making this phenomenon a possible theory of dissent. In this way, a field of study that analyzes destructive events as a scenario of agonism that articulates changes in social communities from their own representations and the thinking behind them is defended.

[ES] La presente comunicación propone un acercamiento al filme Touki Bouki (1973) del director senegalés Djibril Diop Mambety, utilizando las siguientes figuras sensibles de la filosofía de Jacques Rancière como prisma epistémico: la fiction documentaire (Rancière, 2001); le régimen esthétique de l’art (Ibíd., 2011); la police, la politique et le politique (Ibíd., 2003). Así, esta investigación se propone explorar las temporalidades de una ficción documental (Rancière, 2001), que resalta una ambivalencia contrariada entre; por un lado, imágenes representacionales de un contexto post-Independencia o postcolonial (Césaire, 1950) en la ciudad de Dakar (Senegal); y por otro, la proclamación de una traslación de los espacios de la diáspora (Lao-Montes, 2007) hacia una «diaspora estética» (Peffer, 2013); a través de una puesta en escena que reensambla los recursos tácitos propios de las Nouvelle Vague con un dispositivo político y social de visibilidad (Rancière, 2001) que se sabe capaz de suspender la lógica historiográfica de la subalternidad colonial (Spivak, 1985). Asimismo, pensar el filme como una propuesta de desplazamiento hacia los márgenes «pasivos» del activismo político (Rancière, 2010). Un desplazamiento hacia prácticas no-discursivas, sino estéticas. Ya no son las imágenes documentales que pretenden dotar de «mayor realidad» (Sontag, 2003) a una situación determinada, propias de la militancia del Tercer Cine (Getino & Solanas, 1969); sino, por el contrario, la correspondencia entre formas de identificación estéticas capaces de desactivar los dispositivos policiales (Rancière, 2003) y coloniales de las retóricas amo-esclavo (Han, 2005) / opresor-oprimido (Freire, 1968). Aquí, una consecución visual que oscila entre la acción política determinante y verosímil; y la vida sin razón, propia del arte estético (Rancière, 2001), que identifica formas emancipatorias basadas en la libertad del “no saber” (Mambety, 1999)., [EN] The paper proposes an approach to the film Touki Bouki (1973) by the senegalese director Djibril Diop Mambéty. As epistemological frame I use concepts from Jacques Rancière’s philosophy to explore the film in its own ambivalence between: (1) representational images from a post-Independance context in Dakar (Senegal); and (2) a metaphor of the diaspora representations toward an «aesthetic diaspora» (Peffer, 2013). I explore the film as a displacement from discursive political practices to aesthetic political practices. The film is not made of documentary images, as the militant cinema or Third Cinema does; but it’s made of aesthetic and fictional identification forms able to avoid colonial logics. Finally, I aim to explore the staging of the film as a reassembly of visual resources and tools from the nouvelle vague with a political and social apparatus of visibility that defies the historiographic logic of colonial subalternity and goes beyond the dicotomic discourses of master-slave / oppressor-oppressed.

[ES] Esta propuesta de investigación parte del problema que genera la hegemonía del mecanismo capitalista sobre las diversidad de matrices políticas, constriñendo su poder y efectividad ante los problemas sociales y ecológicos globales. La pregunta que nos hacemos es ¿Cómo podrían los poderes políticos dar una respuesta eficaz a dichos problemas?Planteamos como hipótesis que es posible invertir la figura y dar forma a una matriz política con unos principios éticos políticos y comunes, pero que permita diferentes modelos y mecanismos de organización social y económica. Y que, para ello, podemos aplicar algunas de las ideas del utopismo clásico. La siguiente metodología empleada consiste en analizar los textos y analizar las ideas políticas que permitirían la creación de una matriz política y las que no. Como resultado nos hemos encontrado con la dificultad inicial de que que los modelos clásicos aparecen como perfectos y homogéneos, lo cual está en contra de la propia diversidad humana y del objetivo que se pretende conseguir. Sin embargo, hemos descubierto en dichos modelos utópicos ideas constructivas que admiten la diversidad, la pluralidad y el desacuerdo. Entre otros se estudian los siguientes conceptos: prevalencia de la racionalidad, esencialidad jurídica, organización modular, origen común de la propiedad y trascendencia abierta. Posteriormente se desarrollan dichos conceptos dentro del contexto político actual. Bibliografía fundamentalLaclau, E. & Mouffe, C. (2001). Hegemony and socialist strategy. New York, NY: Verso.Moro, T., Campanella, T., Bacon, F. (2012). Utopías del Renacimiento. Madrid: Fondo de Cultura Económica, [EN] This research proposal focuses on the problem produced by the hegemony of capitalism mechanics, which constrains the power and effectiveness of the many political matrices that are the nations of the world, resulting incapable to solve global social and ecological problems. I hypothesize the development of a global political matrix that share common political and ethical principles, but that at the same time allows different models and mechanisms of social and economic organization, and to achive it i have applied and developed some ideas of classical utopianism. As a result I have found the initial difficulty that classical models are shown as perfect and homogeneous, which is against human diversity itself and ethical pluralism. However, I have developed some ideas drawn from these utopian models that would create a system that admits diversity, plurality and disagreement.

[ES] Este trabajo parte del testimonio de mi experiencia didáctica de un taller de artes plásticas en el Centro cultural de España en Malabo, Guinea Ecuatorial, realizado entre los meses febrero y abril de 2019. Se trata de un proyecto personal de enseñanza de técnicas gráficas en torno al retrato como hilo conductor y la maestría de conceptos y técnicas básicas para formar capacidades plásticas y expresivas de los alumnos. La especificidad del país donde transcurre el taller consiste en su situación sociopolítica y vinculación reciente a España, en la ausencia de enseñanzas artísticas regladas como tales, y la extrema dificultad al acceso a los materiales y a fuentes pictóricas y bibliográficas. Política- y socialmente nos encontramos pues en un contexto muy diferente al europeo, y el objetivo de este paper será hacer una reflexión sobre el retrato y la didáctica del arte como campos para la subjetividad en términos políticos y estéticos a partir de una experiencia concreta en un territorio donde de facto se interponen factores materiales, culturales y políticos, así como explorar el contexto artístico y educativo del país que apenas cumple 50 años de independencia respecto a España y tiene una de las rentas per cápita más elevadas del continente africano., [EN] This work is a testimony of my teaching experience of a graphic arts workshop at the Spanish Cultural Center in Malabo, Equatorial Guinea, held between February and April 2019. It is a personal project of teaching graphic techniques to form plastic and expressive abilities of students using the portrait as a leitmotiv. The specificity of the country where the workshop takes place consists in its socio-political situation and recent links to Spain, in the absence of regulated artistic programmes, and the extreme difficulty to access to art supplies and pictorial and bibliographic sources. Politically and socially we find ourselves in a very different context from the European one, and the objective of this article is to reflect on the portrait and didactics of art as fields for subjectivity in political and aesthetic terms based on a concrete experience in a territory where material, cultural and political factors interpose, as well as exploring the artistic and educational context of the country that barely turns 50 years of independence from Spain and has one of the highest per capita income in the African continent

[ES] Uno de los aspectos de la actual crisis de las democracias se revela en la dimensión de lo cotidiano e interesa las formas de la convivencia.Esta contribución propone el análisis de una serie de auto-narraciones en las cuales se evidencian procesos de concientización y prácticas que cuestionan la noción y el uso de la propiedad privada.Entendida como fundamento de la construcción identitaria individualista y conservadora propia del capitalismo, de la modernidad y del colonialismo, la propiedad privada (Engels, 1970) es un elemento que se presenta continuamente en las elecciones y en los posicionamientos que asumimos cada día.En una visión interseccional, la crítica feminista hacia las estructuras patriarcales de transmisión de los patrimonios se cruza con las prácticas y los valores de intercambio de personas en diáspora pertenecientes a culturas no occidentales, generando alianzas transversales anticapitalistas y antirracistas (Iveković, 2015).Lo que se define por crisis de la democracia conlleva en el profundo la oportunidad de cuestionar la propiedad privada, un pilar fundamental de las democracias occidentales considerado en peligro por las olas migratorias. Los medios de comunicación articulan imaginarios que se basan, desde la modernidad hasta el cotidiano actual popular, en la idea de que el extranjero quita lo que es tuyo, roba trabajo, mujeres, jubilación, en fin, el futuro.El encuentro con personas diaspóricas propone al feminismo contemporáneo la urgencia de repensar el individualismo y la soledad.. A raíz de lo vivido en keurgumak-casa grande (ideadestroyingmuros, 2015), en esta aportación destacaremos experiencias activas de formas de convivencia comunitaria implicadas en repensar las relaciones que vinculan la propiedad privada con los espacios, los idiomas, los y las niñas, la naturaleza, la comida, las economías y la transmisión de la herencia.Son narraciones de prácticas de vida postcapitalista que ponen en el centro la interdependencia y salen del binarismo entre propiedad privada y comunismo proponiendo la vivencia comunitaria de la propiedad privada en cuanto alternativa posexótica (Alga, 2018)., [EN] One of the topics the current crisis of the democracies has addressed is revealed in the dimension of everyday life and the interest in understanding ways of living together. This contribution posits the analysis of self-narratives in which awareness processes and practices that question the notion and use of private property are evidenced. Understood as the basis of the conservative and individualistic identity construction of capitalism, modernity and colonialism, the private property (Engels, 1970) is an element experienced every day. In an intersectional view, the feminist criticism of the patriarchal structures of heritage transmission intersects with the practices and value exchange of non-Western people in diaspora, generating crosssectional anti-capitalist and anti-racist alliances (Iveković, 2015). As a result of what has been lived in keurgumak-casa grande (ideadestroyingmuros, 2015), in this contribution we will highlight experiences of community living involved in rethinking the relationships that connect private property with spaces, children, nature, economies and the transmission of inheritance. They are narratives of post-capitalist life practices that puts interdependence at the center and evade from binarism between private property and communism proposing the community experience of private property as a post-exotic alternative (Alga, 2018).

[ES] En mi investigación doctoral, titulada Estética de la proyección audiovisual. Asamblea, ficción y derecho a la ciudad en Poble Sec, Barcelona, exploré la práctica estética y pedagógica de dos colectivos surgidos tras el Movimiento 15M: el Cinefòrum de la Assemblea de Veïns i Veïnes de Poble Sec y el Taller de Ficció. Los dos empleaban la proyección de imágenes como principal herramienta de sus actividades, y lo hacían además mediante un dispositivo fluido y móvil que les permitía circular por diversos puntos de un mismo barrio. Miembro activo en ambos casos de estudio, el seguimiento etnográfico que llevé a cabo de sus respectivos devenires trataba de esclarecer un modo de existencia en común a través del “agenciamiento” (Deleuze y Guattari, 1988) de elementos humanos y no-humanos que lo sostenía y de la política sociomaterial que le daba forma. Sin embargo, al término de la escritura de la tesis empecé a valorar que el papel de los afectos había sido crucial en la constitución y desarrollo de tales agenciamientos, a la vez que desatendido en cierta medida por mi investigación. Esta presentación busca restituir esa falta a partir de autoras como Anna Hickey-Moody (2019), Lauren Berlant (2012) o Elizabeth de Freitas (2018). Concretamente, esta última ha calificado como “transindividual sympathy” al “proceso por el que se deviene otro sin borrar al otro” (p. 6). Se trata del ensamblaje afectivo de una serie de personas y cosas cuyas capacidades para obrar o modificar una situación resultan, y se mantienen, heterogéneas. O, en definitiva, de un hacer y sentir conjunto (es decir, alentado por otros y junto a otros). Ahora bien, ¿cómo se puede reconocer ese proceso en términos etnográficos y políticos? ¿Cuáles son sus rastros y sus evidencias, sus intensidades y sus modos de aparecer, sus aperturas y sus límites?, [EN] In my doctoral research, titled Aesthetics of the audiovisual screening. Assembly, fiction and right to the city in Poble Sec, Barcelona, I explored the aesthetic and pedagogical practice of two collectives arosed from the 15M Movement: the Occupy Poble Sec Cinema Forum and the Fiction Workshop. Both of them used the screening of images as the main method in their activies, employing in addition a fluid mobile apparatus to move across several points of a same neighbourhood. Member and co-founder of the two groups, the ethnographic tracking I carried out of their corresponding trajectories, from 2012 to 2014, sought to clarify the assemblage of human and non-human entitities that supported their mode of existence in common and the socio-material politics which shaped it. However, at the end of the dissertation writing I started to realize that the role of affects had been crucial during the development and maintenance of those assemblages, while my research had also disregarded that issue. This paper aims to restore tentatively this lack through authors such as Anna Hickey-Moody (2019) or Elizabeth de Freitas (2018). In particular, De Freitas defines “transindividual sympathy” as “the process of becoming other that does not erase the other” (p. 6). But how could it be recognized in ethnographic and political terms? What are its traces and evidences, its intensities and modes of appearance, its openings and limits?

[ES] El proyecto Nos jardins (Nuestro huertos) se desarrolló en 2019 dentro del marco del festival Bien Urbain, Art dans et avec l’espace public en Bensançon (Francia). El proyecto tenía como objetivo principal el de visibilizar la problemática existente en el territorios de Les Vaîtes y los relatos que le son propios en la esfera pública aprovechando el contexto del festival. Les Vaîtes es una zona limítrofe campo/ciudad en la que se encuentran unos huertos obreros históricos. Desde 2005, el ayuntamiento promueve un proyecto urbanístico para la creación de un "ecobarrio" que conllevó en su día a la expropiación de una gran cantidad de parcelas agrícolas que fueron recalificadas a posteriori como suelo urbanizable. El proyecto implicaba así la destrucción casi total de los huertos y de los espacios naturales mantenidos hasta la fecha por una comunidad de personas fuerte, espontánea y autoorganizada. En octubre de 2018 la municipalidad anunció el comienzo de las obras y una parte de las tierras en cultivo fueron arrasadas. La asociación Les jardins des Vaîtes ha conseguido por ahora frenar las obras hasta nuevo aviso Durante un mes estuve paseando, conversando, recolectando historias, anécdotas y sentires de las personas que cultivan las tierras de la zona. Hijas de campesinas, migrantes, ecologistas, activistas, vecinas, no tan vecinas, jóvenes y jubiladas cuidan de esas tierras y de sus habitantes. Nos jardins se materializó en dos intervenciones diferentes. La primera fue realizada en el centro de la ciudad y en la línea de tram que une el centro de la ciudad y el barrio de Les Vaîtes. Consistió en la realización de 24 carteles colocados en muppies y marquesinas de bus y de tram de JC Decaux, realizados a partir de fotografías tomadas durante los paseos llevados a cabo en Les Vaîtes. La segunda intervención tuvo lugar en Les Vaîtes, delante de la zona de huertos afectador por el proyecto urbanístico. Esta vez, la intervención consistía en el encolado de dos vallas publicitarias con algunos testimonios de personas que ocupaban los huertos con las que conversé durante mi estancia en Besançon. Las fotografías de la primera intervención hablaban de los espacios que podían desaparecer, esta segunda se centraba sobre los lazos existentes en el territorio., [EN] The Nos Jardins project (i.e. Our community garden) was developed between May and June of 2019 within the Bien Urbain, Art dans et avec l’espace public annual public festival in Bensançon (France). Nos Jardins addresses the problem in the Les Vaîtes neighborhood. Where since 2005 exist an urban development project promoted by the municipal government that intends to wipe out a border area between the countryside and the city where historic worker community garden are located. The Nos Jardins project consisted of a total of 26 illegal interventions in the public space in several neighborhoods of Besançon. All interventions were carried out on advertising media (muppies, canopies and fences). The project aimed to generate an artistic intervention device in the public space that allowed to give visibility to the conflict, and to be easily appropriated in its dissemination by different audiences.

[ES] Este análisis parte de un proyecto de investigación realizado durante los últimos años en torno a la división sexual del trabajo y la educación. La globalización ha facultado movimientos activistas y feministas que traspasan fronteras, como #metoo, que permitió dar voz y visibilidad a los abusos cometidos contra las mujeres en el mundo laboral. Trabajando de forma colaborativa y participativa, el proyecto #EqualWorkEqualRights se constituye en forma de campaña de sensibilización. Para ello se acude a una metodología del conocimiento situado, trazando los curriculum vitae de hombres y mujeres de distintos continentes, entrelazados por el común de su escritura desde una perspectiva de género que denuncia las desigualdades en el trabajo y en la educación. Las prácticas de la autorepresentación están presentes en un versionado de currículum vitae proyectivo, que construye el futuro desde el presente inmediato para delatar las aporías de la economía capitalista global fundada en el heteropatriarcado. Se cimenta de esta forma un archivo activista desde una perspectiva feminista de las personas milenials que más afectadas se ven por el precariado y por las desigualdades de género., [EN] This analysis is based on a research project carried out in recent years around the sexual division of work and education. Globalization has empowered activist and feminist movements that cross borders, such as #metoo, which gave voice and visibility to abuses committed against women in the workplace. Working collaboratively and participatively, the #EqualWorkEqualRights project is formed as an awareness campaign. For this, a methodology of knowledge is used, tracing the curriculum vitae of men and women from different continents, intertwined by the common of their writing from a gender perspective that denounces inequalities in work and education. The practices of self-representation are present in a version of the projective curriculum vitae, which builds the future from the immediate present to reveal the aphorisms of the global capitalist economy founded on hetero-patriarchy. An activist archive is thus founded from a feminist perspective of the millennial people most affected by the precarious and gender inequalities.

[ES] Todas las personas son poderosas. Pero a menudo en el curso de una catástrofe, estos potenciales se olvidan o se pierden. Creo en la práctica artística como un elemento poderoso de restauración afectiva, un elemento básico de transformación social, especialmente en comunidades en crisis, vulnerabilidad y / o invisibilidad, como consecuencia de guerras, desigualdad social o catástrofes / delitos ambientales. Como resultado del delito / desastre socioambiental de Río Doce, ocurrido el 5 de noviembre de 2015, con la ruptura de una represa de 62 millones de metros cúbicos de relaves de una empresa minera multinacional en el estado de Minas Gerais. Comparto la experiencia de la práctica de la creación artística con algunas de las comunidades afectadas a lo largo de la cuenca del Río Doce, entre los estados de Espirito Santo y Minas Gerais - Brasil. Una práctica artística que tiene la intención de promover la empatía y el afecto a través de las escuchas afectivas con el Rio Doce, con la idea de una regeneración afectiva, que permite que los afectados se sientan parte del mundo nuevamente. La práctica comenzó con las experiencias y la interacción con las comunidades en el marco del Regenera Rio Doce Festival en 2017 en Linhares-ES Regencia, del II Encuentro de Ancestros de Areal en 2018, y con base en las metodologías de documentación y de la historia oral del Museo de la Persona. São Paulo, Brasil. Este articulo tiene el objetivo de compartir las metodologías y los resultados de las practicas artísticas realizadas en las comunidades afectadas en la Cuenca del Rio Doce. Y proponer diálogos sobre otros tipos de practicas para la promoción de afecto y empatia., [EN] All people are powerful and have many powers. But many times in from of a catastrophe those powers are forgotten or lost. We believe in artistic practice as an element of affective restoration, a basic element of social transformation, mainly together with communities that find themselves in situations of crisis, vulnerability and invisibility, caused by wars, social inequality or environmental catastrophes. Faced with the environmental catastrophe of the Rio Doce, we share the practical experience of artistic creation in some of the communities of the Doce River basin, between the provinces of Espirito Santo and Minas Gerais, in Brazil. An artistic practice that has the intention of provokingempathy through the listening of the affective memories with the Rio with the idea of an affective regeneration, that allows a possibility of the person to feel part of the world again.

[ES] Centraremos nuestro trabajo en la crítica política por medio del arte contemporáneo a través de propuestas fundamentadas en la escenificación del cuerpo utilizando los recursos escultóricos de los environments e instalaciones, que van del pequeño formato hasta propuestas de grandes dimensiones, ubicadas en la esfera pública, imbricadas en el contexto urbano, dentro del marco de la ciudad, contando siempre con el espectador, ya que contamos con él, pieza imprescindible, ya que debe recomponer las propuestas con sus aportaciones discursivas y es a quien van dirigidas todas las propuestas, con esto se convierte en un espectador activo.Desde la década de los 60`el cuerpo es el protagonista absoluto de las nuevas corrientes artísticas, convirtiéndose en lugar, espacio y medio de reivindicación social. Este texto pretende mostrar las distintas líneas de actuación en el campo de la escultura que utilizan el cuerpo como recurso y plataforma desde la que lanzar mensajes de solidaridad, unión frente a la vorágine devastadora e involutiva de la política, tan denostada y avasalladora de nuestros días, en fin, una protesta centrada en la cohesión social que active los resortes de una sociedad adormilada por el “estado del estar” frente a las aberraciones político-económico-antisociales y corruptas.El cuerpo o mejor dicho, el ser humano de nuestros días, lleva a cabo, en conjunción con la tecnología, una serie de connotaciones poéticas y discursivas, que se utilizan desde la práctica escultórica, con el fin de enfatizar, aún más si cabe, la preocupación por masa social, por nosotros mismos, por el ser humano.Trataremos desde de la utilización de la representación contemporánea del cuerpo para: expresar los sentimientos de desprecio e ira contra la corrupción establecida en la política del país,para así, cubrir por parte del artista, la necesidad de expresar todo aquello que vive y con lo que convive pasando a ser un comunicador de la situación global, de sus intenciones, pero sobre todo: de todo aquello que preocupa y ocupa el pensamiento, la convivencia, el consenso entre seres humanos donde debe primar la unidad frente a políticas ultrajantes y sobre todo involucionistas., [EN] In this work is presented the political critic as base for communication through Contemporary Art. Proposals underlay in human body acting as members of sculptural environments and installations. These proposals are located in the public sphere with an urban context inside the framework of the city and the viewer as part of it, they should nurture the work with their own discursive interpretations translating themselves as part of the work. Since 60’s human body is the absolute main character of the artistic movements, performing the place and media of social revindications. This text pretends to show distinct sculptural action lines pretending to use human body as a resource and platform to show a social revindication and solidarity message. Actual human beings perform, jointly technological advancements, new poetical and discursive lines with the aim of emphasize their preoccupation by themselves, the human being preoccupation. Contemporary human body representation will allow us to express contempt and political corruption opposition feelings, with the Art we want to canalize the artist social feelings.

[ES] Todas las formas posible de fracaso aparecen ante nosotros cuando contemplamos con desasosiego el vértigo entre la figura del equilibrista y la del artista contemporáneo. Ambos agentes presentan, a parte de obvias realizaciones estéticas y formales en el desempeño de su destreza, algo que vas más allá de este simple vértigo: una actitud de riesgo perseverante que nos expone de forma rigurosamente explicita al abismo. Nuestro cuerpos asumen al límite su condición de espacio para la experimentación de este vértigo de inclinación ferozAsí, todo gesto creativo implica, en sentido estricto, una confrontación directa con el abismo: sea este el abismo de las múltiples formas en que nuestro trabajo puede transformarse, es decir, en la incertidumbre de las formas y en la aceptación de la performatividad autónoma de la materia, o mediante la exposición al abismo de nuestras ideas.Lo que nos apasiona de este paralelo ultrapasa, de forma desmedida, cualquier análisis formal de la imagen entre ambos para indagar cuestiones relacionadas con una especie de amenaza: la de la estabilidad en contraposición a la inestabilidad de la cuerda floja. El fracaso, la decepción, la ruina: ¿acaso no son estas ideas una constante presencia en un cuerpo de trabajo con vocación de éxito?. La expectativa del fracaso en el deambular de una cuerda floja, es igualmente proporcional al la posibilidad de un fracaso con éxito.Y en este punto es cuando podemos entonces asumir el fracaso como posicionamiento estético-político: como estado vibrante de revuelta contra la producción de un modelo de vida capitalista color de rosa, y hacia la invención del cotidiano como una forma de emancipación y de nuevas subjetividades adyacentes.Este ejercicio como forma de resistencia a la hiperactividad enunciada por el estilo de vida del emprendedor neoliberal, anuncia un nuevo paradigma de acción donde el riesgo a caer al vacío explorando sus límites, suponga asumir el fracaso como posibilidad de transformación., [EN] All possible forms of failure appear before us when we contemplate uneasily the vertigo between the figure of the tightrope walker and that of the contemporary artist. Both agents present, apart from obvious aesthetic and formal achievements in the performance of their skills, something that goes beyond this simple vertigo: an attitude of persevering risk that exposes us rigorously explicitly to the abyss. Our bodies assume to the limit their space condition for the experimentation of this vertigo of fierce inclination Thus, every creative gesture implies, in a strict sense, a direct confrontation with the abyss: this is the abyss of the multiple ways in which our work can be transformed, that is, in the uncertainty of the forms and in the acceptance of autonomous performativity of matter, or through exposure to the abyss of our ideas. This exercise as a form of resistance to hyperactivity enunciated by the lifestyle of the neo-liberal entrepreneur, announces a new paradigm of action where the risk of falling into the void exploring its limits, supposes assuming failure as a possibility of transformation.

[ES] Hay una opinión generalizada de que la Facultad de Bellas Artes de la UPV/EHU no es un edificio amable, de que sus espacios no son acogedores: hace frío o calor, el aire no circula, la luz predominante es fluorescente y te envuelve como un laberinto de altos muros que elevan las escasas ventanas sobre nuestras cabezas en los despachos y las ocultan en recovecos del techo al llegar a las aulas. Se organiza sobre una retícula de estancias estancas rectilíneas que imposibilitan el contacto corporal y visual. Esta disposición tiene sus causas y efectos. La forma viene determinada por la división académica del saber en ramas y niveles -disciplinas y progreso-, y por la idea de que el saber está guardado a buen recaudo en su interior. Y ahora esta forma es alimentada por la fragmentación y compresión del tiempo con la llegada de los nuevos planes docentes que empuja hacia el funcionalismo educativo y la disfunción. Todo ello afecta directamente en las dinámicas vitales del espacio académico, provocando simulacros de acuerdos, y violencias sistémicas que derivan en desconexión y desafección. El clientelismo y la maquinaria de promoción académica quedan compartimentadas en espacios virtuales y físicos acotados que no dejan ver, sentir e imaginar otras formas de ser y relacionarse. Habiendo recogido en el marco de una investigación sobre la política de los afectos en las relaciones pedagógicas en la Facultad de Bellas Artes información sobre las afecciones del habitar sus espacios, el Kit de fuga para quedarsesurge como respuesta práctica a la detección de los peligros de permanecer en ellos y la necesidad del cuidado de los cuerpos y su ambiente. Como solución hemos iniciado un proceso de fuga, una respuesta declarativa y radical que posibilite desplazar los sujetos hacia otro lugar aún por construir y que ofrezca una visión activa y afirmativa a la conquista y defensa de un nuevo territorio pedagógico. Se huye para quedarse, queremos quedarnos, y por ello el plan se desarrolla dentro del sistema, tendiendo la mano a otros, ideando un kit básico de usuario con sus útiles y un manual., [EN] The Escape Kit to Stay arises as a practical response to the constitutive ailments of an increasingly fragmented academy. The fragmentation of space, time and subjects in the Faculty of Fine Arts of the University of the Basque Country, feed the paradoxes fruit of incompatible missions in the search for freedom and homogeneity. The traditional disciplinary distribution, the implementation of the Bologna Plan or the individualizing pedagogical practices, are some of the dimensions that constitute this reality. The Escape Kit consists of a Manifesto that stops in these fragmentations as a functional and experiential problem that makes a positive relationship with degree studies impossible, and a Kit with utensils to manipulate that functions as a generative metaphor and political device. People who study or work in the Faculty are invited-encouraged to make a playful and subversive use os a series of tools gathered in the kit with the aim of generating an aesthetic event that produces unexpected relationships, allowing small devices to be intra-activated with structuring mecanisms, causing phenomena that teach us other ways of thinking about our relationship with the academic environment.

[ES] Wunderblock es una cinematografía videográfica documental creada por Alfonso Legaz, memoria y parte del trabajo en-común que realizan los artistas Andrea Garay y Alfonso Legaz desde 2015 en 20 espejos suceden, proyecto de arte de mecánica procesual-multidisciplinar instalado en el campo de la desocultación, que investiga en torno al acto de comunicación, la experiencia de comunidad y la exposición del individuo ante los otros. Produce y desarrolla de manera performativa sus objetos e instancias a partir del concepto de “exposición” (del individuo ante los otros), desarrollado por Jean-Luc Nancy en La comunidad desobrada (1986), concepto imprescindible para vincular lo particular con la ontología del ser-con, modo propio de ser de la existencia en la estética de Nancy. La actividad multidisciplinar que opera con fotografía, pintura, videografía no-ficción o testimonio oral, adopta esta “exposición” (de representación imposible) como sentido de la fuerza motriz y no como matriz de trabajo; implementa elementos tradicionales del pensamiento occidental —cuerpo, representación o mímesis— que, deconstruidos por Nancy en sus “figuras de lo común”, sirven a la hipótesis central del proyecto: el poder sancionador de técnicas documentales hoy —visuales, orales y escriturales— pretende aportar la “exposición” como documentación de una singularidad corporal “expuesta”, ocultando el ser y la verdad (Aletheia) e inhibiendo la experiencia de comunidad. Este texto colocará el foco en una forma representacional de la tradición cinematográfica documental, singularizada y problematizada en Wunderblock desde la “exposición”: la presentación documental del artista trabajando su obra en su espacio de trabajo. El caso real, una artista, una mujer que realiza un largo proceso pictórico. El objeto de crítica —fraude documental en la presentación visual del artista produciendo la obra— es consumido socialmente sin oposición. Explotada industrial e institucionalmente esta técnica de vaciado, naturalezas fílmica o digital y régimen escópico son afectados por un “régimen de creencia”, “una fe inexplicada”, señala Derrida, que co-participa de la ocultación del ser, omitiendo vida psíquica, silenciando la profunda oscuridad que acompaña nuestro cuerpo y existencia en forma de reducción behaviorista, afectando todos los campos de conocimiento y la posición política. Wunderblock construye dislocando (Rancière) la construcción del poder; piensa la necesidad de transformación del sentido político del cuerpo y del en-común hacia nuevas posiciones que posibiliten pensamiento crítico y acción social. Se describirá el dispositivo cinematográfico, contexto político-conceptual, tradición cinematográfica y el pensamiento puesto en valor., [EN] Wunderblock is a documentary video cinematography created by Alfonso Legaz, belonging to the project 20 mirrors happen that the artists Alfonso Legaz and Andrea Garay develop in common between 2015 and 2019. This cinematography, together with the rest of the project materials, investigates from the concept of "exposition" —developed by the philosopher Jean-Luc Nancy (1986)— the problematic of the "exposition" of the individual -and of all singularity- before others, mediating their experience of community and their evidence of existence regimes of dominant representation that reduce and homogenize them. This text analyses aspects of the regime of documentary cinematographic presentation that articulate the figure of the artist producing his work in his work space. From a critical position, the text analyses the effective suppression of the artist's "exposition", from which the dominant form of representation is appropriated that makes fictions pass for truths and, in front of which, Wunderblock opposes a dislocated form of documentary presentation, where critical art and thought, such as Rancière posed, produce a separate aesthetic that, assuming its own limits, establishes its space of action in the consensual body of the real, where meanings are distributed by suspending the sense.

[ES] El potencial del entorno online para impulsar políticas culturales e innovaciones educativas está en conexión con nuestra habilidad para redefinir las relaciones entre la escuela, el museo y la universidad (Sancho, Hernández y Rivera, 2016). Por su parte, el arte contemporáneo y la educación artística están tomando una deriva social que tiene entre sus frentes más activos la lucha por los derechos humanos (Deleuze y Guattari, 2004). Conscientes de la necesidad de implicarnos en estos avances de orden tecnológico y de equilibrio social, se creó Museari, un museo online en el que se desarrollan proyectos para mejorar la situación de los colectivos LGTB, coordinando actividades a través del arte, la historia y la educación. Museari utiliza el ciberespacio para crear redes entre profesorado y alumnado, defendiendo la diversidad (Huerta, 2016). Como museo de arte contemporáneo presenta imágenes y recursos que servirán para atender cuestiones vinculadas a las culturas disidentes, ofreciendo al colectivo docente herramientas adecuadas. En esta línea de trabajo nació el proyecto Arteari. Museari pone en tela de juicio el propio concepto de museo. Precisamente ahora que se está debatiendo por parte de ICOM la nueva definición de museo, desentrañamos algunas cuestiones que parecían evidentes: ¿Quién puede crear o tener un museo?, ¿Quién accede al arte contemporáneo? Auscultamos la relación entre el museo y sus opciones educativas, favoreciendo una interacción de carácter interseccional (Huerta, 2019). Apostamos por la investigación, tanto artística como educativa. Reivindicamos desde lo académico cuestiones que afectan al panorama social, incidiendo en el respeto hacia la diversidad sexual. Atendemos de modo particular las necesidades del colectivo docente. Mientras las grandes multinacionales de la información y la comunicación compiten por reestructurar las novedades en base a criterios básicamente comerciales y de calado economicista, las voces peculiares nos devuelven el entusiasmo mediante escenarios alternativos y comprometidos con las problemáticas acuciantes. En esta línea de creación de entornos culturales innovadores Museari se convierte en un espacio accesible, peculiar, curioso, de entidad activista, un entorno apto para generar reflexiones estéticas y educativas. Además, Museari atiende a las dudas que surgen entre el colectivo docente cuando se abordan temáticas LGTB en el aula. Museari nació por iniciativa de dos profesores universitarios activistas LGTB. Parte de un compromiso que ya no puede entenderse únicamente desde la implicación. Optamos por formar e informar mediante la sensibilización, activando también espacios de reflexión (Patiño, 2017). El modelo combina colección permanente, exposiciones temporales y noticias, impulsando la interactividad con los públicos. Referencias Deleuze, G. y Guattari, F. (2004). Mil mesetas. Capitalismo y esquizofrenia. Valencia: Pre-Textos. Huerta, R. (2016). Transeducar. Arte, docencia y derechos lgtb. Barcelona: Egales. Huerta, R. (2019). Arte para primaria. Barcelona: UOC. Patiño, A. (2017). Todas las pantallas encendidas. Hacia una resistencia creativa de la mirada. Madrid: Fórcola. Sancho, J., Hernández, F. y Rivera, P. (2016). Visualidades contemporáneas, ciudadanía y sabiduría digital: Afrontar las posibilidades sin eludir las tensiones, Relatec Revista Latinoamericana de Tecnología Educativa, 15, 2., [EN] The potential of the online environment to promote cultural policies and educational innovations is connected with our ability to redefine the relationships between school, museum and university. On the other hand, contemporary art and art education are introducing a social line that has among the struggle for Human Rights. Museari was created involved in these advances in technological order and social balance. Museari is an online museum in which projects are being developed to improve the situation of LGBT groups, coordinating activities through art, history and education. Museari uses cyberspace to create networks between teachers and students, defending diversity. As a museum of contemporary art, Museari presents images and resources that will serve to address issues related to dissenting cultures, offering the teaching group adequate tools. In this same line of work the Arteari project claim from the academic issues that affect the social landscape, influencing respect for sexual diversity. We pay attention to the needs of teachers. We choose to train and inform through sensitization, also activating spaces for reflection. The model combines permanent collection, temporary exhibitions and news, boosting interactivity with the public.

[ES] Atendiendo a las premisas del IV Congreso Estética y Política se propone una comunicación en torno a los trabajos que el filósofo francés Jean-Luc Nancy ha dedicado a la noción de democracia desde una perspectiva estética propia de la filosofía de este autor. Tomando como principal referencia la obra traducida al castellano La verdad de la democracia, la propuesta se centrará en la presencia de la noción heideggeriana ser-con (mit sein) en la elaboración del pensamiento de Nancy. Desde una comprensión del sentido atravesada por el estar juntos Nancy propone una vuelta de tuerca a la noción de democracia, instalándola en un régimen de inmanencia de sentido, más allá de ser entendida como un hecho histórico y administrativo. En este contexto el con que se articula en un régimen democrático adquiere unas características particulares que atañen directamente al ser de los entes. Ya en este nivel ontológico el filósofo pone el acento en la idea originaria de relación, superando la comprensión tradicional que consistiría en partir de los elementos para, después, apreciarlos en aquello que los pone en contacto. Así pues, el contacto deviene en creación de sentido previa a los mismos elementos relacionados. He aquí donde se puede encontrar la particular perspectiva estética de Nancy, que aparece en el corazón mismo de la ontología de este filósofo. A este respecto es fundamental señalar la relevancia de los textos que tienen como tema principal el sentido del cuerpo, ya que es ahí donde se puede indagar sobre esa particular relación que es el contacto y que crea sentido. Alguno de estos textos son Corpus, Archivida, Nuus sommes y La pensé dérobée. Por último, aunque atravesando en todo momento la comunicación, se encuentran los trabajos que el filósofo francés dedica al problema de la comunidad y la globalización. Estos trabajos ofrecen una profunda reflexión sobre la situación actual de la política y la sociedad. Dada la presencia que tiene el cuerpo en el pensamiento de Nancy será interesante mostrar su relación con la cuestión del mundo, la mundialización y la globalización. Lo que dará como resultado un replanteamiento de la noción de sentido en un mundo globalizado y capitalista. Para terminar, atender a la advertencia que impone Nancy al señalar que “no significa que cualquiera pueda hace sentido sin importar cómo. Ésta es, precisamente la versión capitalista de lo sin razón, que establece la equivalencia general de todas las formas de sentido en una informidad infinita” (La creación del mundo o la mundialización, 50)., [EN] In the framework of politics and aesthetics, Jean-Luc Nancy appears as one of the thinkers who has been most interested in these issues. This paper offers a reading of some of the fundamental notions of his thinking, highlighting the role that the ontology of "being-with" has in relation to the notion of democracy. It is thus intended to show a line of thought that leaves room for the instability that the word “democracy” faces today, emphasizing the fragility of an ontology that, on the other hand, responds lucidly to the way of being of the entities that, like the human being, live in relation to each other.

[ES] Como es sabido, los procesos capitalistas y neoliberales, son herencia y resultado de una larga tradición colonialista de la Vieja Europa que ha derivado a un ente colonizador denominado Occidente civilizado y civilizador, en términos territoriales, hasta difuminarse en simplemente núcleos de poder económico. Así, la globalización heredera de la llamada “universalidad” del yo occidental ha dejado de lado e invisibilizado al otro, esto es, a los territorios colonizados, vistos como salvajes o primitivos. Estos, se han dejado de lado por carecer de los avances socio-tecnológicos del “primer mundo”, países “democráticos”, “bajo soberanía popular”, pero, como es sabido, articulados en torno al capital y sus normas. En el siglo XXI estamos asistiendo a la aparición de diferentes movimientos y grupos, que a través de luchas y reivindicaciones concretas intentan modificar y en ocasiones directamente acabar con este estado neoliberal. De esta forma, resistencias como el movimiento feminista actúan por la igualdad, pero a su vez actúan como representación de diferentes maneras de hacer, diversos modelos de gestión que se deben extrapolar a otros niveles más generales de gobierno, participación y lucha. No obstante, aún así, el movimiento feminista que prevalece es un aparato occidentalizado, pero ¿qué sucede en territorios de la periferia respecto a los núcleos de poder económico? Aparentemente, estamos asistiendo a un apertura de escucha, así por ejemplo, los movimientos feministas en países de Latinoamérica o la India ya no solo quedan bloqueadas en su propio territorio si no que se expanden o se deben expandir a otros países, a otros grupos como ejemplos de proyectos alternativos a los más tradicionales u occidentales. En este texto intentaremos aproximarnos a los movimientos feministas periféricos y cómo estos pueden dar luz, nuevos puntos de vista y nuevas maneras de hacer a los movimientos occidentales. No sólo en la lucha por la igualdad sino también en como la lucha por la tierra y su utilización como forma de vida pueden influenciar en procesos respecto a la lucha sobre el cambio climático, maneras de comercio e intercambios. Refiriendo a través de la figura del subalterno tanto luchas feministas como resistencias sociales de clase. La transversalidad imperante de los medios sociales y culturales actuales, llevan en ocasiones a difuminar la frontera entre el arte y lo puramente sociológico, convirtiendo la propia propuesta artística en una de las herramientas de resistencia más combativas., [EN] The feminist movement has been fighting for centuries for equality between the sexes. The history of de victories, the West, has come to absorb this discourse by highlighting the theories and relations of their territory and making the “others” invisible,those of the defeated, the colonized. The objetive of this work is to know and study some of the peripheral feminist movements and take them to the same level as the most officialist theories. To be able to break artificial borders intersectionalty. Artistic actions will be a weapon of social struggle, the boundaries between art and society are blurred and provide a more insight into these feminist issues.

[EN] Architecture since the beginning of time has been developed and shaped according to many aspects such as environmental factors, material availability, construction knowledge, religion, economy, and political decisions. In the current century, with the globalized building materials and increased awareness in architecture construction methods, architecture has hundreds of different ways to be constructed and developed. On the other hand, architecture is being formed and affected mainly due to economic factors, and political decisions. Bekaa Valley, a region in Lebanon can tremendously show this contemporary form of a changed aesthetic due to a political decision. The former is a region famous for its agricultural lands formed by million years of sediment clustering from rich Lebanese mountains bounding the area from the East and the West. The specific eastern area of Beka’a valley studied - Nabisheith to Douris- is full of farming lands, used by locals and nomads to grow a variety of vgetables, fruits, and wheat. A political decision lately developed by the minister of interior, to build houses by underdeveloped permits, changed the typology of a landscape created more than 2500 years ago. The architectural typology also changed to form new kind of architecture, which is indifferent to the local knowledge of construction learned and developed by locals. Local knowledge developed and adapted to endure harshness of weather by local materials replaced by globalized materials and abrupt political decisions. Such formation didn’t only affect the aesthetics of landscapes picturesque sceneries and dwelling spaces but also raises an awareness of changing a cultural bond once famous in this particular region., [ES] Desde el principio de los tiempos, la arquitectura se ha desarrollado y transformado dependiendo de muchos aspectos tales como los factores ambientales, la disponibilidad de materiales, el conocimiento de la construcción, religión, economía y decisiones políticas. En la actualidad, con la globalización de los materiales de construcción y el aumento de la conciencia sobre los métodos de construcción arquitectónica, la arquitectura tiene cientos de formas diferentes de desarrollarse. Por otro lado, la arquitectura se está conformando respondiendo principalmente a factores económicos y decisiones políticas. Bekaa Valley, una región del Líbano, es un caso que evidencia esta evolución contemporánea de una estética transformada por una decisión política. Esta zona es una región famosa por sus tierras agrícolas formadas por millones de años de sedimentos que se agrupan en las ricas montañas libanesas que limitan el área desde el este y el oeste. La zona oriental específica del valle de Beka'a estudiada -de Nabisheith a Douris- está llena de tierras de cultivo, utilizadas por la población local y los nómadas para cultivar una variedad de hortalizas, frutas y trigo. Una decisión política tomada recientemente por el Ministro del Interior, de construir casas con permisos mínimos, cambió la tipología de un paisaje creado hace más de 2500 años. La tipología arquitectónica también cambió para conformar un nuevo tipo de arquitectura, indiferente al conocimiento local de la construcción. Este conocimiento local desarrollado y adaptado para soportar la dureza del clima por materiales locales se ve reemplazado por el uso de materiales globalizados y decisiones políticas abruptas. Estas construcciones no sólo afectan a la estética de los paisajes, tanto los paisajes pintorescos como los espacios habitables, sino también a la de los edificios de viviendas y desencadena la alarma respecto a la transformación de una tradición cultural por la que fue famosa esta región en particular.

[ES] El presente artículo aborda la obra videográfica de la Israelí Iris Zaki, la cual emplea un singular método de trabajo con el que logra establecer espacios dialógicos en comunidades cerradas. Una particular estrategia en la que destaca el abandono temporal del rol de cineasta para entrar a trabajar en diferentes establecimientos y, una vez dentro, el empleo de un dispositivo mínimo - en la que la directora deja la cámara grabando sola (sin nadie que la controle) - mostrando, prácticamente durante toda la película, el mismo plano. Con esto Zaki centra toda la atención en las conversaciones que mantiene con sujetos de diferentes grupos o comunidades de su entorno, ya sean: judíos ortodoxos en Londres, árabes en Haifa, o colonos Israelís en un asentamiento en Cisjordania, interfiriendo lo menos posible en la escena y consiguiendo que intervengan con una mayor sinceridad y espontaneidad frente a la cámara. En los trabajos de Zaki la parte etnográfica y la autobiográfica se diluyen en una, su historia personal está, irremediablemente, sujeta a las comunidades que filma; comparten el mismo territorio, las mismas circunstancias históricas, etc., pero, además, Zaki aparece en todas sus películas. Ella también responde, pregunta, reflexiona… delante de la cámara, por lo que a la vez que conocemos a esos «otros» lo hacemos también con la misma directora. Entre la práctica artista y el activismo, lo amateur y lo experimental, las piezas de Zaki son un buen ejemplo de las nuevas fórmulas que están renovando el panorama del cine de lo real y que por su condición hacedora, pueden ser especialmente interesantes para nuevos creadores que carezcan de los recursos técnicos ligados a la tradición cinematográfica o para aquellos atraídos por el documental de vanguardia., [EN] This article deals with the videographic work of the Israeli Iris Zaki, a documentary filmmaker who uses an original method of work with which he manages to establish dialogic spaces in closed communities. A particular strategy in which highlights the temporary abandonment of the role of filmmaker - Enter to work in different establishments and, once inside, set up a minimum device, in which the filmmaker leaves the camera "abandoned" (recording without control), and showing, practically, the same plane throughout the film. With this, Zaki focuses all his attention on the conversations she has with subjects from different groups or communities around her, whether they are: Orthodox Jews in London, Arabs in Haifa, or Israeli settlers in a settlement in the West Bank, interfering as little as possible in the scene and getting them to intervene with greater sincerity and spontaneity in front of the camera. In Zaki's works, the ethnographic and autobiographical part are diluted in one, her personal history is irremediably fastened to the communities she films; they share the same territory, the same historical circumstances, etc., but, in addition, Zaki appears in all her films. She also answers, asks, reflects ... in front of the camera, so that at the same time that we know those "others" we also do it with the same filmmaker. Between artist practice and activism, the amateur and the experimental, Zaki's pieces are a good example of the new formulas that are renewing the cinema's panorama of the real and that, due to their condition as makers, can be especially interesting for new filmmakers who lack the technical and human resources or for those interested in documentary cinema of a minimalist nature.

[ES] Siguiendo las premisas de Chantal Mouffe, se plantea aquí la posibilidad de un arte crítico –denominado “agonista”–, que pueda ser útil para visibilizar los problemas sociales y concienciar a la población de estar en su derecho de ejercer una razón pública o democracia radical. Dentro de las patologías hiperexpresivas que acarrea el orden simbólico hegemónico que impone el sistema capitalista, el malestar que ante ello pueda haber en la cultura y sus espacios de representación, nos conduce a reflexionar sobre cómo este tipo de arte puede distinguirse de lo que Franco Berardi denomina como “ruido blanco”, para que su mensaje pueda ser recibido por el espectador. Si se analiza cómo funciona este “esquizofrénico” sistema de excesivos flujos semióticos, para muchos de los cuales no tenemos capacidad de interpretación, podemos comprobar que guarda una contradicción intrínseca que, según Deleuze, se halla íntimamente unida al psicoanálisis, lo cual establece una conjunción entre producción “deseante” y producción de enunciados como mecánica que acaba activando los flujos económicos que lo sostienen. Esta circunstancia de sobrecarga infocrática en la que el sistema basa su poder, afecta también a la producción cultural, sus códigos o los mensajes que lanza, extendiendo una red soportada en la mercantilización que también repercute en lo institucional o viceversa. Saber en qué medida somos cómplices de esta situación es un primer paso para luego distinguir cómo cierto tipo de arte escapa de esa red y, a través de lo emocional ya como única fisura por la que “colarse”, llega al espectador con otro tipo de consignas que puedan llegar a hacer que se conciencie de situaciones de desigualdad provocadas por el mismo sistema. Hacer hincapié en esta posibilidad es volver a la idea de “intelectualidad orgánica”, desarrollada por Gramsci, para aplicarla al territorio del arte y hacer ver cómo este espacio de representación es uno de los pocos que aún posee capacidad para vincularse orgánicamente con la comunidad y transformar el hegemónico orden simbólico impuesto por el sistema neoliberal, en función de devolver al pueblo su autonomía y poder de decisión sobre las cuestiones sociales que lo conciernen. Según esta razón, existe toda una línea artística, de Joseph Beuys a Alfredo Jaar por ejemplo, comprometida con este tipo de concienciación; practicas artísticas que, en su conjunto, se adecúan a la idea de este “arte agonista” que aquí se explica., [EN] In the present research, we analyze how Chantal Mouffe considers the political dimension of art through its critical possibility in the face of the hegemonic symbolic order imposed by the capitalist system. To do this, we check the structure of her idea from the keys established by the revision of concepts such as "hegemony" and "antagonism" to the aim of reaching an intermediate vision that is called as agonist, which, given the impossibility of a radical antagonism but accommodating the fight against the order imposed by capitalism, it submit as a formula that, from the affections, can offer a wide range of possibilities to raise awareness of people and encourage their participation in a more plural and democratic society. From the attitude of criticism and resistance, which entails this perspective that we have been described here as "agonist art", certain activist practices work that, created different ways of subjectivation, advocate to claiming common sense in society.

[ES] El presente trabajo trata de mostrar la repercusión y difusión de las ilustraciones políticas del caricaturista norteamericano Ben Garrison en Internet como ejemplo de un activismo de derechas realizado desde una técnica tradicional, la caricatura editorial, en un medio actual, Internet. Con todo esto, el objetivo es demostrar, desde este caso concreto, los beneficios y perjuicios de la libertad de expresión en la red, así como el poder de la metaforización de las emociones para construir comunidades virtuales. A la hora de abordar este trabajo, en primer lugar, se explican las motivaciones de su inicio como caricaturista político independiente durante la crisis económica de 2008. Es a partir de su frustración ante el rescate financiero del Congreso a los grandes bancos cuando decide publicar, en su blog personal, dibujos que denuncian la corrupción de la Reserva Federal por parte de una élite mundial. En segundo lugar, se establecen las razones de la viralización de su obra: la controversia de sus imágenes contra lo «políticamente correcto», el poder de difusión en Internet y su libertad de expresión frente a la limitaciones materiales e ideológicas de la prensa escrita. Finalmente, se compara la recepción de su obra desde dos flancos. Por una parte, la reproducción y admiración de su obra desde el movimiento «alt-right» en redes sociales y periódicos digitales. Sus dibujos, que incitan al odio contra lo «políticamente correcto» y el miedo hacia el poder de una supuesta élite mundial, han ayudado a consolidar el imaginario político de la «alt-right» mediante la metaforización de dichas emociones. Por otra parte, lo «políticamente incorrecto» de su obra es criticado y rechazado por los sectores progresistas norteamericanos; además, sus dibujos son manipulados anónimamente desde, principalmente, los foros «4chan» y «8chan» en pro del racismo para perjudicar la imagen del caricaturista y reforzar los discursos ultraderechistas norteamericanos. Como consecuencia de esta situación, Ben Garrison ha declarado pública y reiteradamente ser un liberal conservador, alejado de cualquier ideología extremista, y seguidor de Donald Trump; comparándose con él por ir en contra del «establishment» y de la «corrección política», luego, apoyándole y estilizando su figura de líder carismático en sus dibujos., [EN] This work tries to show the repercussion and diffusion of the political illustrations of the American cartoonist Ben Garrison on the Internet as an example of a right-wing activism carried out from a traditional technique, the editorial cartoon, in a current medium, the Internet. With all this, the objective is to demonstrate, from this specific case, the benefits and harms of freedom of expression in the net, as well as the power of metaphorizing emotions to build virtual communities. When addressing this writing, first of all, the motivations of its beginning as an independent political cartoonist are explained; secondly, the reasons for the viralization of his work are established; and finally, the reception of his cartoons from two sides is compared. On the one hand, the reproduction and defense of his work from the US nationalpopulist movement in social networks and alternative pro-Trump digital newspapers. On the other hand, outside this, where his work, considered "politically incorrect" is criticized and manipulated anonymously from, mainly, the forums "4chan" and "8chan" in favor of racism to damage the image of the cartoonist and reinforce the North American right-wing speeches.

[ES] La estética es un importante vector para la ideología, la reafirma y la visibiliza. En su sentido amplio, como concreción física de un proyecto cultural, puede convertirse en un medio facilitador de drásticos cambios de cosmovisión, según hemos podido comprobar en las revoluciones sociopolíticas del siglo pasado. Analizando las dominantes estéticas contemporáneas, correspondientes al capitalismo tecnológico neoliberal, podemos comprobar hacia dónde se dirige la tendencia principal que mueve nuestra sociedad globalizada: la reafirmación de la realidad digital y la tecnificación posthumana como vías de progreso deseable. Todo ello refuerza el desfase entre los problemas reales del mundo físico -especialmente la crisis ecosocial globalizada- y los imaginarios esencialmente virtuales y simplificados que sustentan nuestra cotidianidad digital. La ponencia cuestiona este consenso mediático e institucionalmente impuesto, y defiende una nueva cosmovisión de reequilibrio entre cultura y ecosistemas naturales, revisando y ampliando los principios del diseño permacultural y de la biomímesis, así como la conciencia ecosistémica y colaborativa. Todo ello para impulsar la necesaria transición ecosocial en tiempos de decrecimiento en la disponibilidad de recursos naturales y cambio climático. Partiremos de las propuestas de una nueva Ilustración (Marina Garcés, Jorge Riechmann), que recupere un humanismo radical frente a los malos sueños hipertecnológicos y antropocéntricos, para iluminar las bases caracterizadoras de una estética ecológica que, a modo de nueva enciclopedia de principios, sentidos y quehaceres, nos acompañe en los tiempos del declive del capitaloceno. Todo ello implica un gran proyecto colectivo que necesariamente orilla los modelos políticos institucionales, para retomar la herencia del 15M y los nuevos movimientos como Fridays for futureyExtintion rebelion, buscando cómo pueden concretarse de forma sistémica y acrecentada en el tiempo., [EN] Aesthetics is an important vector for the visibility of ideologies. In a broad sense, as a physical realization of a cultural project, it can become a facilitating means of drastic changes in worldview. Analyzing the dominant contemporary aesthetics corresponding to neoliberal technological capitalism, we can see where the trend that moves our globalized society is heading: the consolidation of virtual reality and posthuman technification as ways of desirable progress. All this reinforces the gap between the globalized ecosocial crisis and the simplified imaginary that sustain our digital daily life. The paper questions this institutionally imposed consensus, and defends a new worldview of rebalancing between culture and natural ecosystems. We will start from the proposals of a new Enlightenment (Garcés, 2017; Riechmann, 2018), which recovers a radical humanism in the face of hypertechnological and anthropocentric bad dreams in the times of the decline of capitalocene. All this implies a great collective project that necessarily borders institutional political models, to retake the heritage of 15M and new movements such as Fridays for future and Extinction rebellion, looking for how their claims can be systematically realized and increased in time.

[ES] A partir de una experiencia personal (la muerte de un ser querido relacionada con el sida) y de un corpus de producciones artísticas que abordan la experiencia de vivir con VIH (de "vivir con virus", como marca un texto de Marta Dillon), en mi exposición plantearé una pregunta básica: ¿cómo pensamos hoy la vida? ¿Cuál es nuestra relación con lo vivo, con la bios? Esta exposición tendrá la forma de una galería de imágenes, una especie de álbum familiar extendido. El comentario de dichas imágenes (que incluyen los fotogramas de un documental, el registro de distintas piezas artísiticas, algunas fotografías de mi propio álbum familiar o los retratos de Michel Foucault, Luc Montagnier o Donna Haraway) articula y produce el discurso con el que me aproximaré a las respuestas que puede suscitar la pregunta de inicio: ¿cómo entendemos la vida hoy? ¿Qué efectos producen nuestras concepciones de lo vivo? ¿Qué formas de vida resultan o se ajustan a ellas? Más allá de la inercia que nos lleva a considerar al otro como a un extraño, un peligro, un objeto de consumo o un competidor, en mi presentación apuesto por nuestra capacidad para elegir una relación de riesgo, de confianza y de amor hacia las otras. Para ello, en cualquier caso, tendremos que pensar en los dispositivos (biopolíticos, biomédicos, securitarios) que dificultan o inhiben esta elección., [EN] Based on a testimony of an AIDS experience, and a corpus of artistic productions that narrate the experience of living with HIV, this text asks a basic question: How do we think about life today? What is our relationship with what is alive, with the bios? The text is articulated from a literary resource that consists in describing a series of photographs to a reader who does not see them, but who is directed as if he did indeed see them. This imaginary series of photographs would compose, in some way, an extended family album. The commentary of these images (which includes frames of a documentary, the registration of different artistic pieces, some photographs of the family album of the author of the text or the portraits of Michel Foucault, Luc Montagnier or Donna Haraway) articulates and produces the discourse with which It brings me closer to the answers that the initial question may provoke: how do we understand life today? What effects produce our conceptions of the living? What life forms promote? Beyond the inertia that makes us consider the other as a stranger, a danger, an object of consumption or a competitor, with this paper I bet on our ability to choose a relationship of risk, trust and love towards others. To do this, in any case, we will have to think about the apparatus (biopolitical, biomedical, security) that hinder or inhibit this choice.

[ES] La desaparición de 43 estudiantes el 26 de septiembre de 2014 en el estado de Guerrero, México generó una crisis política que condujo a la crisis del régimen el 1 de julio del 2018. La ponencia propone una reflexión sobre las formas en las que, de acuerdo con Remedios Zafra (Ojos y Capital, 2015), la producción de imágenes que ha acompañado la movilización que demanda verdad y justicia en el caso de la desaparición de los estudiantes modificó la dialéctica entre el yo y el nosotros que orienta las relaciones sociales y contribuyó a ahondar la crisis política antes referida. A través del análisis de la de la agencia (Gell, Arte y Agencia. Una teoría antropológica, 2004) de una selección de imágenes se mostrará el potencial de los artistas para activar políticas visuales basada en la ética y la responsabilidad con el otro., [EN] The disappearance of 43 students in the state of Guerrero, Mexico on 26 September 2014 generated a political crisis that led to of the fall of the regime on July 1, 2018. Based on the work of Remedios Zafra (Ojos y Capital, 2015), the paper reflects on the ways in which the production of images that have accompanied this social movement modified the dialectic between the "I" and the "us" that guides social relations and contributed to deepening the aforementioned political crisis. Through the analysis of the agency ( Through the analysis of the agency (Gell, Art an Agency, an Anthopological Theory, 2004) of a selection of images the paper shows the potential of artists to activate visual policies based on notions of ethics and responsibility with the Other.

[ES] Son numerosos los artistas que en la actualidad se sirven de lenguajes, medios y herramientas surgidas en las diferentes redes y aplicaciones mainstream, tomándolas como objeto de estudio para producir nuevos discursos autoreferenciales. A partir de una selección de proyectos de artistas pertenecientes a esa generación mediáticamente homogeneizada como “millennial”, trataré de valorar el interés y la importancia de realizar un ejercicio de rastreo de dichas prácticas que, desde la sátira, generan conocimiento y contenido crítico. Una generación obsesionada con su medio -nativo o casi- de socialización y conexión, que tomo como claro síntoma de reorganización y resistencia política a la raíz del sistema socioeconómico en el que se inscriben, la idiosincrasia académica y la permanencia de los valores de “lo artístico”. La misma a la que se acusa de atesorar y monetizar lo estético, lo puramente visual y externo. Abordaré igualmente el tema desde mi propia práctica artística, con proyectos de reciente producción como Filthy Playground, en el que realizaba una reflexión en clave de humor y sátira sobre la constante transmutación de códigos que ocurre en la app en la que la imagen es la absoluta protagonista, Instagram. Me apropio de esta sintomatología de lo superficial asociada a toda una generación, esta conciencia “neodandyqueer”, para vehicular de alguna forma sus contradicciones estructurales y esenciales hacia mi propia investigación plástica. Puestos a realizar tal ejercicio de rastreo, la comunicación tratará también de estudiar esta autoreferencialidad en los artistasmilennial-precarios y la utilización que hacen de apps como la citada, a modo de escritorio o estudio itinerante y virtual. Se trata entonces no solamente de poner el foco de atención en la apropiación y sampleo de los lenguajes de internet, sino también en rebuscar en los “archivos guardados”, en su diógenes digital como diría la artista María Cañas, [EN] There is a plenty of artists who nowadays are using a series of languages, media and tools which radicate in different mainstream netwoks and applications, taking these as subject to study to produce new self-referential discourses. Based on a selection of projects by artists who belong to that generation mediatically standardized as “millennial”, I intend to value the interest and importance of tracking and classifying those practices, which generate knowledge and critical content. A generation obsessed with its -almost native- medium of socialization, which was used as a way to re-organizate and as political resistance to the root of the socio-economic system in which they are inscripted, but also the academic idiosyncrasy and the endurance of the values of “the artistc subject”. This same generation is accused of amassing and monetizing the aesthetic, purely visual and external. I will also adress the topic from my own artistic practice experience, with recently produced projects as Filthy Playground, in which I considered the humour and satire about the constant transmutation of codes that we can observe in the app where the image is the main protagonist: Instagram. I appropriate of this “neodandyqueer” conscience to vehiculate in some way its structural and essential contradictions toward my own plastic investigation. When we begin this seeking and analysis process, the comunication will also try to study the auto-referentiality found in the precarious millenial artists, and the ways they use some of the apps as a way of portfolio, nomadic and virtual. It is not only about focusing in the appropriation and sampling of internet languages, but also about rambling through the “saved files” in their digital dyogenes, as Maria Cañas would say.

[ES] Este proyecto plantea el apropiacionismo en el arte como una estrategia usada a lo largo de toda la Historia del Arte, y en la actualidad podría ser un recurso que actúa casi como respuesta a la saturación de imágenes que inundan las sociedades globales. En primer lugar, reflexionamos ¿Qué sentido tiene recurrir a algo ya hecho para crear?, ¿Es menos original basarse en otras obras? Con ello nos planteamos si hay alguna creación totalmente original en la que el autor no haya partido de otros referentes. Por otra parte, el apropiacionismo lleva implícita una crítica al concepto tradicional de autoría, si bien es cierto que superadas estas incertidumbres iniciales, tomamos esta práctica como un recurso completamente validado. De manera que analizamos como el hecho de adueñarse de imágenes visibles y reconocibles es un acicate óptimo para desarrollar un nuevo concepto. El apropiacionismo abordado por tanto como una vía de comunicación y de enriquecimiento en los discursos artísticos, que permite reflexionar sobre el concepto de imagen. Los artistas en un proceso que se basa en; percibir, identificar, interpretar y significar, se adueñan de imágenes pertenecientes al imaginario colectivo y consiguen generar nuevas lecturas. En ese sentido logran extrapolar el significado original a la actualidad, dotándolo de otra narrativa, que trata de dar respuestas a problemáticas actuales. Hacemos una revisión del apropiacionismo a lo largo de la Historia del Arte. Y además se analiza la obra de artistas como Benjamín Domínguez, Eisen Bernard Bernardo y el Equipo Crónica que ven en él una oportunidad para ampliar su propia técnica: una herramienta de trabajo y de estudio que explore las posibilidades de una misma idea/imagen, de manera que la obra conocida sirva de medio para el desarrollo creativo., [EN] This project proposes the art appropriationism as a strategy used throughout the entire history of art, and now it could be a resource that acts almost as a response to the saturation of images that overwhelms the global societies. Firstly, we wonder whether the artworks based on other creations are less original. We resort to something already made to create: what is the point of it? Is there a completely original creation in which the author has not drawn his work from other references? Appropriationism implies a critique to the traditional concept of authorship, even though once we overcome these initial uncertainties, we take this practice as a fully validated resource. With this in mind we analyze how the fact of appropriating visible and recognizable images is an excellent incentive to develop a new concept. Appropriationism, as a way of communication and enrichment in the artistic discourses, allows us to reflect on the concept of image. Artists, in a process that is based on: perceive, identify, interpret and mean, take over images belonging to our collective worldview and they generate new readings. In that sense they extrapolate the original meaning to the present day, providing it with another narrative that responds to current issues. Finally, we undertake a review of the appropriationism throughout the history of art to put in value its ability to multiply ideas and enrich the artistic work. Besides that, we discuss the work of artists like Benjamín Domínguez, Eisen Bernard Bernardo and the Equipo Crónica who see an opportunity to expand their own technique: a study tool that explores the possibilities of the same idea/image, allowing the known work to be used as a medium for creative development.

[ES] La tecnología ha sido y será una herramienta de desplazamiento en las prácticas artísticas, y en este contexto asumimos una necesidad contemporánea de enmarcarlas como artes mediales. La vinculación con los medios audiovisuales, y en particular la imagen en movimiento en el desarrollo artístico desde el comienzo de la modernidad hasta nuestros días, eslo que me lleva a plantear una pregunta sobre los puntos de convergencia y disidencia de los dos extremos temporales de la imagen en sus materialidades analógicas y digitales. Entre tangibilidad e intangibilidad, consideramos en estos modos de representación de la imagen dos polaridades que no se anulan, sino que se complementan en una fuga que genera una nueva síntesis a través de los elementos que se ponen en juego. Existe un “medio”, una frontera entre las materialidades que desplaza las temporalidades entre pasado y futuro, una especie de “uroboro” que se come la cola a si mismo, que es tangible/intangible, y necesita del aparato que lo contiene para duplicar un mundo que la humanidad construye y destruye., [EN] Technology has been and will be a tool of displacement in artistic practices, and in this context we are considering a contemporary need to frame them as media arts. The link with audiovisual media, and in particular the moving image in the artistic development from the beginning of modernity to present day, leads to the question about points of convergence and dissidence of the two temporal extremes of the image in their analogue and digital materialities. Between tangibility and intangibility, we consider two polarities in the modes of representation that don´t cancel themselves, but are complementary in a vanishing point that generates a new synthesis through the elements brought to play. There is a “medium”, a border between the materialities that displaces the temporalities between past and future, a kind of “uroboro” which eats his own tail, tangible / intangible, and needs the apparatus that contains it to duplicate a world that humanity builds and destroys.

[ES] Después de cuatro años implementando el proyecto escénico como herramienta de aprendizaje en la asignatura de Didáctica de la Expresión Musical, en la Universidad Jaume I, hemos recogido las reflexiones del alumnado participante, para evaluar el proyecto en diferentes puntos. El trabajo en equipo es fundamental tanto en el proceso como en la presentación, que además requiere de expertos profesionales para la gestión de los recursos tecnológicos que se necesitarán para la puesta en escena. La coordinación, la escenografía, la interacción con los elementos sonoros y la comunicación a través del cuerpo, forman la base de este aprendizaje, que se relacionada además con diferentes temas transversales, escogidos por el propio alumnado y relacionados con las realidades y demandas sociales. Nuestras conclusiones son, por una parte, la valoración positiva del alumnado y la necesaria puesta por el cambio de paradigma respecto a la educación y formación musical y por otra parte, la importante conexión que se establecen entre las diferentes artes y sus competencias., [EN] After four years implementing the scenic project as a learning tool in the subject of Didactics of Musical Expression, at the Jaume I University, we have collected the reflections of the participating students, to evaluate the project in different points. Team work is fundamental both in the process and in the presentation, which also requires professional experts to manage the technological resources that will be needed for the staging. The coordination, the scenography, the interaction with the sound elements and communication through the body, form the basis of this learning, which is also related to different cross-cutting themes, chosen by the students themselves and related to the realities and social demands. Our conclusions are, on the one hand, the positive assessment of the students and the necessary implementation of the paradigm shift regarding music education and training and, on the other hand, the important connection established between the different arts and their competences.

[ES] A lo largo de los últimos años he desarrollado un proyecto de investigación artística en torno a las gárgolas españolas desde sus posibilidades expresivas como objeto de estudio en escritos, dibujos, cuaderno de bocetos y proyectos utópicos, y especialmente como vehículo de difusión y presentación de una visión cercana de un tesoro escultórico escondido. Este proyecto se materializa en el conjunto de ilustraciones Una Historia de Gárgolas que ha formado parte de varias exposiciones. El objetivo del proyecto era dar vida a la piedra, aportando a las gárgolas un carácter más cercano. Estos dibujos contaban una historia que ayuda a comprender y valorar la gárgola, o al menos despertar un principio de interés animando a mirar hacia arriba, nombre, a su vez, de un proyecto educativo online para el conocimiento de la gárgola. En la actualidad he comenzado a fraguar un segundo proyecto en una nueva dirección. Se trata de La gárgola en la oscuridad, un conjunto de ilustraciones desde la oscuridad del papel negro “dibujando con la luz”, inspiradas en gárgolas españolas. Este segundo proyecto trata el carácter dual de la gárgola, umbral entre dos mundos, que nos permite un viaje a la imaginación. Una historia que alimenta el interés creativo hacia ellas, como espacio de libertad para los escultores de una época en la que imaginación y fantasía se relegaban a los márgenes, a lo escondido. La oscuridad aporta el punto de vista romántico de unir pasión y terror en un equilibrio constante., [EN] Over the last few years I have developed an artistic research project around Spanish gargoyles from its expressive possibilities as an object of study in writings, drawings, sketchbooks and utopian projects, and especially as a vehicle of dissemination and presentation of a close vision of a hidden sculptural treasure. This project materializes in the set of illustrations A Story of Gargoyles which has been part of several exhibitions. The objective of the project was to give life to the stone, giving the gargoyles a kinder point of view. These drawings told a story that helped to understand and value the gargoyle, or at least awaken a principle of interest encouraging for looking up (also the name of the educational project online for knowledge of the gargoyle). Recently I have started to forge a second project in a new direction. This is The Gargoyle in the Dark, a collection of illustrations from the darkness of black paper "drawing with light", inspired by Spanish gargoyles. This second project deals with the duality of the gargoyle, threshold between two worlds, which allows us a trip to the imagination. A history that boosts the creative interest in them, as a space of freedom for the sculptors of a time when the imagination and the fantasy were hidden and relegated to the margins. Darkness brings the romantic point of view of uniting passion and terror in a constant balance.

[ES] Frente a la transparencia del “todo es lo mismo”, que hace desaparecer la otredad bajo la luz de lo idéntico, la imagen tal vez no sea la manera más eficaz para tratar los valores patrimoniales de un territorio. En el imaginario de las personas y en la literatura oficial acerca de la ciudad contemporánea, el hábitat popular se ofrece siempre igual a sí mismo: “anomalía” generada por la informalidad urbana y económica. En realidad, el hábitat popular resguarda valores patrimoniales propios e importantes para la cohesión social, que la violencia de la hipervisibilidad, así como de la transparencia, violentan y degradan, estereotipando o estigmatizando la vida de los barrios populares, como pobres, marginales, etc. La presente comunicación trata sobre la investigación-creación como una potente aproximación al estudio participativo del valor lo patrimoniable. Presenta el caso de la localidad Pardo Rubio, en la Franja de Adecuación de los Cerros Orientales de Bogotá, sobre unas prácticas artísticas realizadas por la Universidad Antonio Nariño y la Universidad El Bosque involucrando grupos focales para el estudio de los valores territoriales. En dichas prácticas, que giraron alrededor de los lavaderos comunitarios del barrio El Paraíso, se desvelaron memorias, imaginarios, legados culturales. Los resultados arrojaron el reconocimiento de valores afectivos, identitarios y simbólicos del lavadero comunitario, que se materializaron en una creación sonora y el audiovisual “Albercazo: patrimoniable sonoro en borde urbano”. El “sonido patrimoniable”, punto de llegada de esta experiencia, representa en realidad un punto de partida hacia la exploración sobre los sonidos patrimoniables (SO-PA) en el estudio del paisaje sonoro. Se concluye en la comunicación que no es tanto el ojo sino el oido quien captura el espíritu del lugar., [EN] Facing the transparency given by the expression "everything is the same", which makes otherness disappear under the light of the identical, the image may not be the most effective way to deal with the heritage values of a territory. In the people’s imaginary and in the official literature about the contemporary city, the ‘popular habitat’ imaginary always offers itself always in the same way: as an “anomaly" generated by urban and economic informality. Certainly, the popular habitat protects heritage values that are important for social cohesion, those that the violence of hyper visibility as well as transparency usually violate and degrade, stereotyping or stigmatizing the life of popular neighbourhoods, as poor, marginal, etc. The present communication deals with research-creation as a powerful approach to the participatory study of the values of the popular habitat heritage. It presents the Colombian study case of the Pardo Rubio locality, in the Strip of Eastern Hills of popular neighbourhoods of Bogota, where some artistic practices were carried out by the Antonio Nariño University and the El Bosque University, involving focal groups for the study of the territorial values. In these artistic practices, developed at the Community Laundries of the El Paraíso neighbourhood, memories, imaginary, cultural legacies were revealed. The results showed the recognition of affective, identity and symbolic values of Community Laundries, which materialized in a sound creation and the audiovisual "Albercazo: sonorous games - patrimony in urban edge". The "heritageable” sound-scapes", seen as the point of arrival of this experience, in reality represent a starting point towards the exploration of heritageable sounds (SO-PA) in the study of the sound-scape. The conclusions in this communication, show that it is not the eye, but the ear that captures the spirit of the place.

[ES] El empirismo inglés revitaliza el concepto de lo sublime formulado por Longino. Los vínculos con las retóricas cuya finalidad es fascinar al oyente, sitúan esta categoría estética entre las más elevadas (hypsos) estrategias de seducción. Lo sublime eleva nuestra alma hasta el éxtasis, inhibe nuestro razonamiento y quedamos atónitos, horrorizados, nuestras facultades paralizadas, sumidos en un estado de abandono. Determinadas imágenes de la escatología cristiana, como las grandes machines de las cubiertas de los templos, perseguían un desprendimiento tal, una elevación hacia el límite, hacia lo inconmensurable. El primer pintor de Luis XIV, Charles Le Brun, encargado de todo el aparato propagandístico que rodeaba el absolutismo, ofrece en Les expressions des passions de l’âme una extensa taxonomía de las emociones humanas. No podemos evitar leer en el dibujo que dedica al ravissement (encantamiento o rapto), evidentes analogías con l´enlèvement ou ravissement de l’Église, anteriormente relatado. Vinculado con la asimilación de los significantes exiliados, con aquello que produce vértigo, lo sublime funciona como discurso de legitimación del orden vigente y se sustenta en la entrega del sujeto. La corte dieciochesca no malgastaba sus recursos, profundamente conocedora de la importancia de las estrategias de la vigilancia y control. Lo sublime requiere individuos conmovidos, casi exaltados en éxtasis religioso, capaces de adhesiones fascinadas incluso ante los actos más horrendos. En La doctrina del shock, Naomi Klein describe la estrategia: para imponer reformas impopulares, se suele aprovechar algún estado de shock. Mientras los ciudadanos se recuperan del trauma se produce un proceso de aceptación. ¿Y si no sucede espontáneamente ninguna crisis? La respuesta es terrorífica. Muchos autores hablan del papel clave de lo sublime en la legitimación de la modernidad. ¿Su recuperación en el seno del relato postmoderno, responde a una nueva crisis de legitimación?, [EN] English empiricism revitalizes the concept of the sublime formulated by Longinus. The links with rhetoric whose purpose is to fascinate the listener, place this aesthetic category among the highest (hypsos) strategies of seduction. The sublime elevates our soul to ecstasy, inhibits our reasoning and we are amazed, horrified, our faculties paralyzed, submerged in a state of abandonment. Certain images of the christian eschatology, like the great machines of the covers of the temples, persecuted such a detachment, an elevation towards the limit, towards the immeasurable. The first painter of Louis XIV, Charles Le Brun, in charge of all the propaganda apparatus surrounding absolutism, offers in Les expressions des passions de l'âme an extensive taxonomy of human emotions. We can not avoid reading in the drawing that dedicates to the ravissement (enchantment or rapture), obvious analogies with l'enlèvement ou ravissement de l'Église, previously related. Linked to the assimilation of the exiled significants, with that which produces vertigo, the sublime functions as a discourse of legitimation of the current order and is based on the surrender of the subject. The eighteenth-century court was not wasting its resources, deeply aware of the importance of surveillance and control strategies. The sublime requires individuals moved, almost exalted in religious ecstasy, capable of fascination even in the face of the most horrendous acts. In The Doctrine of Shock, Naomi Klein describes the strategy: to impose unpopular reforms, one usually takes advantage of some state of shock. As citizens recover from the trauma, there is a process of acceptance. What if no crisis occurs spontaneously? The answer is terrifying. Many authors speak of the key role of the sublime in the legitimation of modernity. Does your recovery within the postmodern story respond to a new crisis of legitimation?

[ES] Esta investigación, aún en marcha, tiene como objetivo la realización de una serie de diez pinturas, cuya poética destaca la reconstrucción de memorias personales. El trabajo fue formulado colaborativamente, partiendo de relatos sobre objetos particulares de personas, familiares o amigos afectivamente significativos, que estuvieron ligadas al artista en distintos períodos y lugares. Las descripciones de estos individuos sobre sus memorias de estos objetos amplían y resignifican el sentido de la palabra familiar cuando se aplica a los propios objetos. Las experimentaciones pictóricas fueron producidas partiendo sólo de relatos subjetivos enviados al artista vía e-mail o redes sociales. Este procedimiento hizo posible la materialización de la imagen desde su recreación. Para la exposición de los trabajos se utilizó un monóculo de madera, que propicia la mediación de estas experimentaciones pictóricas, estableciendo un distanciamiento entre la pintura realizada y el espectador, desencadenando una fundamental distancia entre el tiempo vivido y el tiempo presente, ahora resignificado, así como discusiones sobre el tiempo, cuando la distancia y la proximidad se han confundido. La participación colaborativa en esta acción poética ha potenciado la investigación y la reflexión sobre la creación de nuevas imágenes en la contemporaneidad., [EN] This research that still in progress, aims to carry out a series of tem paintings, whose poetics highlights the reconstruction of personal memories. The work was formulated collaboratively, starting from stories about peoples, relatives or emotionally significant friends personal objects, who were linked to the artist in different periods and places. The descriptions of these individuals about their memories of these objects broaden and resignify the meaning of the familiar word when applied to the objects. The pictorial experiments were produced based only on subjective stories sent to the artist via e-mail or social networks. This procedure made possible the materialization of the image from its recreation. For the exhibition of the works, a wooden monocle was used, which facilitates the mediation of these pictorial experiments, establishing a distance between the realized painting and the spectator, unchaining a fundamental distance between the lived time and the present time, now resignified, as well as discussions about time, when distance and proximity have been confused. Collaborative participation in this poetic action has fostered research and reflection on the creation of new images in the contemporaneity.

[ES] Antes de que los hermanos Lumière inventaran el cinematógrafo, se sucedieron toda una suerte de artefactos cuyo objetivo era producir en el espectador la ilusión de movimiento a partir de la observación de una sucesión de imágenes fijas. Hoy, tras la aparición de las nuevas tecnologías e inspirados por aquellos inventos, ha surgido una nueva tipología de aparatos, los zootropos 3D, los cuales para generar esta ilusión en vez de servirse de imágenes planas utilizan objetos tridimensionales. Si bien los primeros en los que se usó este procedimiento nacieron a mediados del siglo XIX, prácticamente en paralelo a aquellos que empleaban ilustraciones o fotografías, con la incorporación de técnicas como el escaneo y la impresión 3D han adquirido una nueva dimensión, planteando nuevos retos al tiempo que generan nuevos interrogantes. En el siguiente trabajo se analiza brevemente esta trayectoria para acabar tratando una obra de producción propia, cuya intención es ofrecer una mirada crítica sobre nuestra relación tanto con la tecnología como con la imagen en la actualidad, partiendo de la reflexión sobre los propios dispositivos y procesos implicados en la construcción del artefacto. Los «fotogramas» necesarios para generar la animación se han obtenido, en este caso, reproduciendo en serie un fragmento de madera perteneciente a un tipo de árbol, el chopo cabecero, cuya particular morfología es el resultado de la combinación de las características de una especie vegetal – populus nigra, y de la manipulación humana para su aprovechamiento con fines diversos. El resultado es una obra que pone en cuestión la largamente sostenida dicotomía naturaleza-cultura, así como la relación de antagonismo existente entre producción industrial y trabajo artesanal, a la vez que se ocupa de nociones como la de representación, para averiguar qué ha ocurrido tras la crisis que de ella se ha planteado desde perspectivas muy diferentes., [EN] Before the Lumière brothers invented the cinematograph, a whole series of artefacts followed one another, the objective of which was to produce in the spectator the illusion of movement from the observation of a succession of still images. Today, after the emergence of new technologies and inspired by those inventions, a new typology of devices has emerged, the 3D zoetropes, which use three-dimensional objects to generate this illusion instead of using pictures. Although the first ones in which this procedure was used were born in the middle of the XIX century, practically in parallel to those that used illustrations or photographs, with the incorporation of techniques such as 3D scanning and 3D printing, they have acquired a new dimension, posing new challenges while generating new questions. In the following work we briefly analyse this trajectory to end up dealing with a work of own production, whose intention is to offer a critical perspective on our relationship both with technology and with the image nowadays, starting from the reflection on the own devices and processes involved in the construction of the artifact. The «frames» necessary to generate the animation have been obtained, in this case, reproducing in series a fragment of wood belonging to a type of tree, the black poplar pollard, whose peculiar morphology is the result of the combination of the characteristics of a plant species –populus nigra, and human manipulation for its use for various purposes. The result is a work that calls into question the long-held nature-culture dichotomy, as well as the existing antagonistic relationship between industrial production and craftwork, while dealing with notions such as representation, to find out what happened after its crisis as has arisen from very different perspectives.

[ES] Los conceptos de realidad y ficción en torno al tratamiento de la identidad, en la dicotomía de lo público y lo privado, ofrecen una línea de estudio para entender y reinterpretar cualquier imagen del archivo desde las artes, asumiendo y entendiendo la necesidad de un concepto reciente: la “postfotografía”. Pero este concepto, lejos de las disociaciones de las investigaciones en las artes visuales y las de la cultura visual ofrece algunas cuestiones ambiguas cuando tratamos la imagen generada en las redes. Los medios de comunicación social, la proliferación y dominio de las redes sociales y la universalización de los dispositivos móviles de alta capacidad en la gestión de comunicación y utilización y transformación de las imágenes nos obligan a tomar en consideración el nuevo escenario y a plantear un debate sobre la realidad en la que vivimos, y la posible tergiversación de los modelos de vida, el autoconocimiento y el tratamiento de la identidad. Este estudio plantea y desarrolla una práctica educativa, basada en una experiencia de autoconocimiento a partir de las imágenes de archivo del entorno familiar. La fotonovela permite adoptar una posición crítica, creativa y constructiva para entender los nuevos modelos de representatividad social a través de las redes y de los media. Hoy nos remitimos constantemente a la necesidad de 'ser un otro mejorado', transmutado por las modas, y dominado por lo que se ha venido en denominar 'la cultura influencer’ para construir formas de representatividad que reformulan nuevas formas de ser en lo social. Si lo real puede ser considerado una ilusión y su recreación una constatación del individuo en el mundo, debemos de empezar a considerar este hecho y sus procesos, y plantear un tratamiento en los contextos educativos y estrategias críticas basadas en la imagen mediática que permitan su comprensión y desactivación., [EN] The concepts of reality and fiction around the treatment of identity, in the dichotomy of the public and the private, offer a line of study to understand and reinterpret any image of the archive from the arts, assuming and understanding the need for a Recent concept: "Postphotography". But this concept, far from the dissociations of research in visual arts and those of visual culture, offers some ambiguous questions when we treat the image generated in the networks. The social media, the proliferation and dominance of social networks and the universalization of high-capacity mobile devices in the management of communication and use and transformation of images oblige us to take into consideration the New scenario and to raise a debate on the reality in which we live, and the possible misrepresentation of the models of life, the self-knowledge and the treatment of the identity. This study raises and develops an educational practice, based on an experience of self-knowledge from the archival images of the family environment. The Photonovel allows to adopt a critical, creative and constructive position to understand the new models of social representativeness through the networks and the media. Today we constantly refer to the need to ' be an improved one ', transmuted by fashion, and dominated by what has been called ' the influencer culture ' to build forms of representativeness that reformulate new ways of being social. If the real thing can be considered an illusion and its recreation a finding of the individual in the world, we must begin to consider this fact and its processes, and to propose a treatment in the educational contexts and critical strategies based on the media image That allow their understanding and deactivation.

[ES] El Arte Marginal, también conocido principalmente como Art Brut, Outsider Art o también Raw Art, forma parte de un grupo de manifestaciones artísticas poco o nada consideradas por el mundo del arte contemporáneo, invisibilizadas al fin y al cabo tanto por la crítica como por el público y, por supuesto, los propios artistas. Se da la paradoja por otro lado de que en algunos de los lugares en los que tradicionalmente se exhibe el arte público contemporáneo oficial, es decir supuestamente aplaudido o por aplaudir, como por ejemplo puedan las rotondas de nuestras ciudades y carreteras, se llevan realizando intervenciones cuya firma y autoridad son más que discutibles, por no decir claramente desafortunadas. Si bien estas ejecuciones tienen lugar en el centro de las rotondas, nosotros venimos desde hace tiempo ocupándonos y actuando sobre y como fenómenos que tienen lugar en sus alrededores, sus márgenes al fin y al cabo. Como parte de estas acciones e investigaciones sacamos aquí a la luz el caso de, llamémosle ‘Vicente’ (“la víctima Vicente”, en sus propias palabras’), un grafista que lleva años exhibiendo sus mensajes de auxilio pintados sobre cartones y tableros colocados en diversos puntos de la comarca de L’Horta de València, principalmente en carreteras y poblaciones de L’Horta Nord. Fruto de nuestra investigación, mostraremos algunos de sus trabajos y ubicaciones, así como entrevistas en las que este artista heterógrafo nos narra cuáles son sus pulsiones y motivaciones, así como reflexiones e hipótesis al respecto., [EN] The Marginal Art, also known mainly as Art Brut, Outsider Art or also Raw Art, is part of a group of artistic manifestations little or nothing considered by the world of contemporary art, invisible after all, both by critics and by the public and, of course, the artists themselves. There is a paradox on the other hand that in some of the places where official contemporary public art is traditionally exhibited, that is supposedly applauded or applauded, such as the roundabouts of our cities and roads, interventions have been carried out whose signature and authority are more than debatable, not to say clearly unfortunate. Although these executions take place in the center of the roundabouts, we have been occupying for a long time, occupying ourselves and acting on and as phenomena that take place in their surroundings, their margins after all. As a result of these actions and investigations we bring to light the case of, let's call it 'Vicente' ("the victim Vicente, in his own words"), a graphic designer who has been displaying his messages of help painted on cardboard and boards placed for years. in different points of the region of L'Horta de València, mainly on roads and towns of L'Horta Nord. As a result of our research, we will show some of his works and locations, as well as interviews in which this heterograph artist tells us what his drives and motivations are, as well as reflections and hypotheses about them.

[ES] Los siglos XX y XXI han sido una de las épocas más revolucionarias de toda la historia del arte. A partir de la era postindustrial, calificada como “tercera revolución industrial”, con la creación de nuevos instrumentos electrónicos y la aparición de nuevas tecnologías, las vanguardias musicales de esta época, como el “futurismo”, el “experimentalismo”, “música electroacústica”, etc., comenzarán a considerar en igualdad de condiciones la música, el sonido y el ruido. A finales de los años setenta, y a partir de dichas propuestas sonoras, algunos artistas utilizarán en sus obras el sonido juntamente con lo visual. Por su parte muchos músicos se adentrarán en lo visual, sobre todo usando artilugios como el video, o similares. Dichas propuestas de unos y otros, recibirán el nombre de “Arte Sonoro”. En esta comunicación intentaremos analizar como los diferentes circuitos tradicionales de música clásica de la Comunidad Valenciana no contemplan en sus programaciones este género musical que supone la confluencia de varias disciplinas artísticas como las instalaciones, performance, paisajes, ambientes, improvisaciones, intervenciones en el espacio sea ciudadano, sea asilvestrado etc. De esta forma los artistas sonoros se han visto obligados a generar un mercado paralelo a los circuitos tradicionales., [EN] The 20th and 21st have been one of the most revolutionary epochs in the history of art. From the post-industrial era, qualified as "third industrial revolution", with the creation of new electronic tools, instruments and the appearance of new technologies, the musical avant-gardes of this era, such as "futurism", "experimentalism", "Electroacoustic music", etc., will begin to consider music, sound and noise in equal conditions. At the end of the seventies, and based on these sound proposals, some artists will use sound along with visuals in their works. And a lot of experimental musicians will do the same, specially using the video machines as part as their sound instruments. These proposals will receive the name of "Sound Art". In this communication we will try to analyze how the different traditional circuits of classical music of the Valencian Community do not contemplate in their programming this musical genre that supposes the confluence of several artistic disciplines such as installations, performance, ambient landscapes, etc. In this way sound artists have been forced to generate a parallel market to these traditional circuits.

[ES] El colectivo PDP11 es un grupo de artistas que provienen del punk, del rock, de la bossa nova, del cine experimental, del arte interactivo y del videoarte. En los inicios el colectivo centró su trabajo en las relaciones entre el sonido y la imagen. PDP11 construye su discurso visual al margen de lo tangible elevando el sonido al irracional firmamento de las matemáticas y desde allí, retoma impoluto a una nueva identidad, la dimensión de los colores. El sonido dejado al vaivén del momento toma su forma en ruidos, distorsiones, guitarras, sintetizadores, bajos, voces y silencios. Los proyectos se desarrollan de forma colectiva a partir de una idea modulada por las aportaciones personales durante su desarrollo. El proyecto Antimatter que se presenta está inspirado en el concepto físico de antimateria. El universo de las partículas y antipartículas, y sobre todo la transformación que se produce cuando colisionan fundamenta la estructura de este proyecto., [EN] The PDP11 collective is a group of artists that come from punk, rock, bossa nova, experimental cinema, interactive art and video art. In the beginning, the collective focused its work on the relationships between sound and image. PDP11 builds its visual discourse on the margin of the tangible by raising the sound to the irrational firmament of mathematics and from there, it untaintedly takes on a new identity, the dimension of colors. The sound left to the swing of the moment takes its form in noises, distortions, guitars, synthesizers, basses, voices and silences. The projects are developed collectively from an idea modulated by personal contributions during its development. The Antimatter project that we present is inspired by the physical concept of antimatter. The universe of the particles and antiparticles, and especially the transformation that occurs when they collide, bases the structure of this project.

[ES] Esta comunicación expone el trabajo artístico y de investigación en torno a la visibilidad de las palabras y la voz de las mujeres desarrollado a lo largo del año 2018 y 2019 en cuatro exposiciones/talleres/acciones interactivas en Madrid y Guadalajara: en ArtBanchel, la Librería La Lumbre y el espacio EMMA de la Fundación José María de los Llanos en Madrid, y en el Rincón Lento de Guadalajara (solo se ha hecho la exposición y los talleres se llevarán a cabo en mayo de 2019). La exposición muestra el trabajo de dos artistas: Ana Megías Piera despliega su trabajo con hojas de árboles bordadas; y yo expongo una serie de fotografías impresas en tela por las que pasan hilos de colores que redibujan, dentro y más allá del marco, las imágenes. Esta exposición se completa con talleres de aproximación al trabajo, creación comunitaria y escritura que culminan en una instalación interactiva en la que textos escritos por mujeres son leídos en directo haciendo vibrar lámparas que se iluminan al son de las voces, en un juego de sincronías entre palabra y luz. Con este trabajo se espera llegar a conclusiones en torno a esta experiencia de interacción, participación comunitaria y nuevas prácticas culturales del arte contemporáneo con un público con el que se desea mantener una relación de crecimiento e intercambio mutuo de saberes y experiencias, nuevas formas de pensar y estar desde lo femenino en el mundo actual., [EN] This paper exposes the artistic and research work around the visibility of the words and the voice of the women developed throughout 2018 and 2019 in four interactive exhibitions / workshops / actions which have taken place in Madrid and Guadalajara: ArtBanchel, La Lumbre Bookstore and the EMMA space of José María de los Llanos Foundation in Madrid, and in El Rincón Lento of Guadalajara. The exhibition shows the work of two artists: Ana Megías Piera displays her work with embroidered leaves of trees; and I expose a series of photographs printed on canvas through which pass threads of colors that redraw, inside and beyond the frame, the images. This exhibition is completed with workshops to approach the proposal, community creation and writing, that culminate in an interactive installation in which texts written by women are read live while make lamps vibrate and illuminate themselves through the sound of the voices, in a synchronic game between word and light. The aim of this work is to reach conclusions about this experience of interaction, community participation and new cultural practices of contemporary art with a public with whom we want to maintain a relationship of growth and mutual exchange of knowledge and experiences, new ways of thinking and being in feminine at current world.

[ES] La investigación que aquí se presenta permite visibilizar la conexión creativa que existía entre los artistas, músicos, bailarines y escritores de la vanguardia española con ciertos elementos de la naturaleza vegetal, develando el origen de los vínculos de estas relaciones, a través de las acciones inspiradoras que llevaban a cabo de forma muy innovadora. El texto tiene entre sus objetivos el de poner de manifiesto la interacción de estos creadores, con ciertos elementos procedentes del mundo vegetal, como recurso inspirador dentro de los procesos artísticos. Su utilización, en el contexto de las vanguardias artísticas, va más allá de la realidad misma de la naturaleza vegetal, así como de las propias disciplinas artísticas empleadas, explorando y trasgrediendo en España - durante las primeras décadas del siglo XX- los límites habituales del arte. Este tipo de propuestas de acción, en algunas ocasiones únicamente poéticas y en otras ocasiones políticas, pueden considerarse antecedentes del performance, por lo que las hacemos visibles partiendo del concepto de protoperformance. Tradicionalmente la Naturaleza ha sido la gran maestra de las formas, no sólo en lo que se refiere a la vertiente matérico-orgánica de las creaciones artísticas, sino también en el mundo de la simbología y de la ficción. Su empleo en el ámbito artístico remite a conceptos vitales como crecimiento, multiplicación, dispersión, semejanza, muchos de los cuales, fueron rescatados por los artistas de la época en la que se centra este texto, para despertar una nueva conciencia del ser humano frente al mundo., [EN] The present investigation allows to visualize the creative connection that existed between the artists, musicians, dancers and writers of the Spanish vanguard with certain elements of the vegetal nature. The origin of the links of these relationships is revealed, through the inspiring actions carried out in a very innovative way. The text has among its objectives to highlight the interaction of these creators, with certain elements from the plant world, as an inspiring resource within the artistic processes. Its use, in the context of the artistic avant-garde, goes beyond the very reality of plant nature, as well as of the artistic disciplines employed, exploring and transgressing in Spain -during the first decades of the 20th century- the usual limits of the art. This type of action proposals, sometimes only poetic and on other political occasions, can be considered as a performance background, and they become visible starting from the concept of protoperformance. Traditionally, Nature has been the great teacher of forms, not only in regard to the material-organic aspect of artistic creations, but also in the world of symbolism and fiction. Its use in the artistic field refers to vital concepts such as growth, multiplication, dispersion, similarity, many of which were rescued by the artists of those years, to awaken a new awareness of the human being in front of the world.

[ES] El paradigma del archivo se ha instaurado en los circuitos artísticos desde mediados del siglo XX como una práctica institucional. Sin embargo, la práctica artística del archivo se ha convertido en un “arte registral”, como lo denominaría Isidoro Valcárcel Medina en 2008, ya que en muchos casos ha perdido el contacto con su posible intencionalidad e implicación. Por lo tanto, es necesario entender que su contenido, las imágenes, son las que conforman realmente los archivos y, por ende, deben tener prioridad en este género. Se presentan dos preguntas fundamentales al respecto para entender la diferencia: ¿qué podría ser el archivo?, y ¿qué podría ser una imagen?. Esta práctica artística del archivo sigue vigente hoy en día y corre el riesgo de continuar cometiendo errores que han estado presentes desde sus inicios. En consecuencia, es necesario acercarse al archivo desde las problemáticas que viene con el mismo, desde la obligación de seleccionar y olvidar, hasta las interpretaciones que se generan bajo este tipo de modelos de visibilidad. Así pues, la presente investigación trata de aproximarse a una mirada sobre el uso del archivo que prioriza otras formas de entender una imagen. De este modo, se buscará analizar la mirada sobre el concepto de la imagen y la visibilidad que adquiere cuando estructura un archivo., [EN] The paradigm of the archive has been established in artistic circuits since the mid-twentieth century as an institutional practice. However, the artistic practice has become a "registry art", as what is called by Isidoro Valcárcel Medina in 2008, it has lost contact with their possible intentionality and involvement. Therefore, it is necessary to understand that their content, images, are what really make up the archives and, therefore, should have priority in this genre. Two fundamental questions are presented in this regard to understand the difference: What could archive be?, and what could an image be?. This artistic practice of the archive is still valid today and correlates the risk of continuing to make mistakes that were present at the beginning. Consequently, it is necessary to bring the archive closer to the problems that come with it, the obligation to select and forget, and the interpretations that occur in this type of visibility models. Therefore, this present investigation tries to approach a view on the use of the archive that prioritizes other ways of understanding an image. In this way, it will analyze the look on the concept of the image and the visibility that is acquired when an archive is structured.

[ES] Esta comunicación expone el proyecto en construcción del archivo lésbico-feminista de la Comunidad Valenciana. Es el origen de un archivo generado a partir de la recopilación y catalogación de materiales documentales (publicaciones periódicas, libros, fotografías, vídeos, materiales gráficos, etc.) que forman parte de los diferentes colectivos LGTB y feministas junto a archivos personales. Hasta el momento no se encuentran recopilados, pero son necesarios para la construcción de una memoria colectiva de un contexto concreto. Desde hace unas décadas se ha constatado un giro en el ámbito artístico hacia la idea del archivo como práctica artística. Entender el archivo como práctica artística permite vencer al olvido mediante una narración no lineal, con múltiples lecturas. A partir de la revisión teórica y práctica de la cuestión arte-archivo se plantea un archivo vivo, flexible y en continua construcción. Visibilizar y generar un archivo cuyo sujeto político central sean las lesbianas implica crear su genealogía. Esta acción es interesante porque hace que aparezca en un marco coherente la lucha de las mujeres y las luchas de los colectivos LGTBI, dado que todo movimiento político necesita una génesis que permita un discurso y una posición en el campo de los conocimientos situados. Visibilizar el cuerpo de prácticas, de saberes y de luchas es fundamental para revelar algo que ha quedado oculto, no solo en los saberes académicos sino también en lo social y en lo simbólico. Además, el proyecto de archivo propone generar una red con otros proyectos de características y alcances similares tanto españoles como internacionales. Estar en red implica existir., [EN] This communication exposes the project under construction of the lesbian-feminist archive of the Comunitat Valenciana. It is the origin of an archive generated from the collection and cataloging of documentary materials (regularly printed documents, books, photographs, videos, graphic materials, etc.) that are part of the different LGTB and feminist groups plus their own personal archives. So far this material has not been collected yet. However, it is necessary for the construction of a collective memory of a specific context. For a few decades there has been a twist in the artistic field towards the idea of the archive as an artistic practice. Understanding the archive as an artistic practice allows us to overcome oblivion by means of a non-linear narrative, with multiple readings. From the theoretical and practical review of the art-archive question, a living, flexible and continuous work in progress archive is proposed. Giving visibility and generating a file whose central political subject are lesbians means creating their genealogy. This action is interesting because it makes the women’s and LGBT’s movement appear in a coherent framework, since every political movement needs a genesis that allows a discourse and a position in the field of situated knowledge. Visibilizing the body of practices, knowledge and struggles is fundamental to reveal something that has been hidden, not only in academic knowledge but also in the social and symbolic ones. In addition, the archiving project proposes generating a network with other projects with similar characteristics. Being in a network implies existing.

[ES] Yerberito es un proyecto transmedia que vincula arte, ciencia y tecnología, es el resultado de una investigación en la Universidad Autónoma de Bucaramanga. El proyecto pretende promover el uso sostenible de las plantas medicinales nativas colombianas en pro de su conservación y de la biodiversidad. La investigación interdisciplinar se divide en dos partes que se relacionan con las fases metodológicas y de diseño del proyecto: los estudios ambientales y botánicos en los que se clasificaron las plantas y como proyecto aplicado la creación de una obra audiovisual. Yerberito se propone como una vía en el proceso de divulgación de resultados de las ciencias naturales al unir sinergias con la investigación creación propia de las artes audiovisuales. La plataforma tiene tres nodos principales: el primero un documental interactivo (no lineal) en el que, a través de una polifonía de voces de adultos mayores, comercializadores de hierbas y habitantes rurales, cuentan los diferentes usos de las plantas medicinales, conocimiento que les ha sido transmitido a través de la tradición oral por generaciones. Mostrando los usos que la comunidad les da a las plantas medicinales en su cotidianidad y la relación que ellos establecen con la naturaleza. En el segundo nodo; el usuario entra en un museo virtual o herbario ilustrado que contiene información biológica de 13 plantas medicinales nativas. Finalmente, en el tercer nodo se puede descargar y ampliar la experiencia de manera inmersiva con una aplicación móvil de realidad virtual que complementa el documental interactivo con ambientes naturales en los cuales se encuentran las plantas, sonidos y fotografías 360°, teniendo la posibilidad de reconocer el ecosistema, los espacios y los sonidos naturales. El proyecto emplea videos, ilustraciones, fotografías y relatos dispuestos en un sitio web y en una aplicación móvil de realidad virtual., [EN] Yerberito is a transmedia project that links art, science and technology, and is the result of research at the Universidad Autónoma de Bucaramanga. The project aims to promote the sustainable use of Colombian native medicinal plants for their conservation and biodiversity. The interdisciplinary research is divided into two parts that are related to the methodological phases and the project design: the environmental and botanical studies in which the plants were classified, as an applied project the creation an audiovisual. Yerberito is proposed as a way in the process of dissemination of results of the natural sciences by joining synergies with research own creation of the audiovisual arts. The platform has three main nodes: the first an interactive documentary (non-linear) in which, through a polyphony of voices of older adults, marketers of herbs and rural inhabitants. They tell about the different uses of medicinal plants, to knowledge that It has been transmitted through oral tradition for generations. Showing the uses that the community gives to medicinal plants in their daily lives and the relationship they establish with nature. In the second node; the user enters a virtual museum or illustrated herbarium that contains biological information of 13 native medicinal plants. Finally, in the third node you can download and expand the experience in an immersive way with a mobile virtual reality application that complements the interactive documentary with natural environments in which the plants, sounds and photographs are 360 °, to having the possibility of recognizing the ecosystem, the spaces and the natural sounds. The project uses videos, illustrations, photographs and stories arranged on a website and a virtual reality mobile application.

[ES] Tradicionalmente la talla de la piedra se ha considerado como un proceso sustractivo sujeto a preceptos metodológicos estrictos. En su evolución, a día de hoy, ha tenido una gran importancia la aplicación de la tecnología tanto en materiales como en técnicas automatizadas de trabajo. A nivel de obtención del material base no existen límites. Pero se redunda en la aplicación rígida de las técnicas de tallado. Esto significa dejar aplicar algunas posibilidades a nivel constructivo que la harían evolucionar a nivel conceptual y expresivo. Queremos conseguir un cambio en la percepción de los volúmenes de la escultura en piedra a través de la combinación de diferentes materiales pétreos con resina de poliéster. Para ello nos valdremos de subproductos de la industria de la piedra como vía sostenible que minimiza el impacto ecológico derivado del modelo de explotación y destrucción del entorno. Esto va a suponer una modificación del concepto de la talla de la piedra y por tanto de su imagen. La percepción que tendremos de la imagen cambiará nuestra comprensión del proceso de la talla. Una vez construido nuestro nuevo soporte lo trabajaremos con herramientas y accesorios que integran tanto el diamante (natural y/o sintético) así como el carburo de tungsteno. Estas herramientas y accesorios los utilizaremos combinados con maquinaria eléctrica y/o neumática para dar la forma al conjunto. Mantendremos un registro de imágenes de trabajo donde se analizará tanto el procedimiento utilizado como el resultado final a nivel visual y conceptual. Con lo expuesto anteriormente, demostraremos que resulta posible integrar materiales pétreos que nos sirvan de base para realizar esculturas y comprobaremos que las propiedades de estos materiales son idóneas para la talla a todos los niveles. Demostraremos también el cambio en la percepción de la imagen que se genera a partir de la utilización esta técnica y la comprensión global de la técnica de la Talla., [EN] Traditionally, the size of the stone has been considered as a subtractive process subject to strict methodological precepts. In its evolution, to date, the application of technology in both materials and automated work techniques has been of great importance. At the level of obtaining the base material there are no limits. But it results in the rigid application of the carving techniques. This means letting apply some possibilities at a constructive level that would make it evolve at a conceptual and expressive level. We want to achieve a change in the perception of the volumes of the sculpture in stone through the combination of different stone materials with polyester resin. For this we will use as byproducts of the stone industry as a sustainable way that minimizes the ecological impact derived from the model of exploitation and destruction of the environment. This is going to suppose a modification of the concept of the size of the stone and therefore of its image. The perception that we will have of the image will change our understanding of the process of carving. Once built our new support we will work with tools and accessories that integrate both the diamond (natural and / or synthetic) as well as tungsten carbide. These tools and accessories will be used combined with electrical and / or pneumatic machinery to give shape to the whole. We will keep a record of working images where both the procedure used and the final result at the visual and conceptual level will be analyzed. With the above, we will demonstrate that it is possible to integrate stone materials that serve as the basis for sculptures and we will verify that the properties of these materials are ideal for carving at all levels. We will also demonstrate the change in the perception of the image that is generated from the use of this technique and the global understanding of the technique of the Size.

[ES] En un contexto audiovisual caracterizado por el exceso y el abuso figurativo, parece que funcionan mejor aquellas películas terroríficas en las que el elemento monstruoso no se muestra físicamente ante los ojos del espectador. La finalidad de este texto es la de constatar que, frente a las representaciones cinematográficas normativas, la no-presentación de la figura de la bruja favorece en la contemporaneidad audiovisual a los objetivos de las películas de terror. Buscando los posibles motivos que propician la creciente constancia del motivo brujesco femenino –invisible o no– en las producciones de este género, se comprobará si la bruja, asimilada como agente de la otredad, actúa como prototipo fílmico ideal de la mujer potencialmente temible; es decir, si para un sistema esencialmente patriarcal, la bruja deviene en el estereotipo aterrador más ajustado a sus fines. Para ello, se tomará como punto de partida el paradigma de la invisibilidad asociada a lo brujeril, Rebeca de Winter, para reflexionar sobre determinados filmes recientes, como La bruja de Blair (Adam Wingard, 2016). Se realizará un análisis basado en la confrontación, estableciendo analogías entre estas películas sin brujas palpables y aquellas otras en las que las hechiceras se vuelven exagerados y cargadas de clichés: Hansel y Gretel: Cazadores de brujas (Tommy Wirkola, 2013), Expediente Warren: The Conjuring (James Wan, 2013), La noche de la bruja (Alex Merkin, 2017), etc. Se concluirá observando si en los casos de estudio analizados surgen diferencias notables deducidas del modo en que se presenta el monstruo; esto es, si se generan significados distintos en función del grado de visibilidad del elemento brujesco, y si los efectos producidos en el espectador varían., [EN] In an audiovisual context characterized by excessive and figurative abuse, it seems that those terrifying films work best in which the monstrous element is not physically shown before the eyes of the spectator. The purpose of this text is to verify that, in contrast to normative cinematographic representations, the non-presentation of the figure of the witch favors the objectives of horror films in audiovisual contemporaneity. Seeking the possible reasons for the increasing constancy of the witch -invisible or not- in the productions of this genre, it will be verified if the witch, assimilated as an agent of otherness, acts as an ideal film prototype of the potentially fearsome woman; that is, if for an essentially patriarchal system, the witch becomes the frightening stereotype best suited to his objectives. To do this, the paradigm of invisibility associated with witchcraft, Rebeca de Winter, will be taken as a starting point to reflect on certain recent films, such as Blair Witch (Adam Wingard, 2016). An analysis based on confrontation will be made, establishing analogies between these films without palpable witches and those in which the sorceresses become exaggerated and loaded with clichés: Hansel and Gretel: Witch Hunters (Tommy Wirkola, 2013), The Conjuring (James Wan, 2013), House of the Witch (Alex Merkin, 2017), etc. It will conclude by observing if in the analyzed study cases there are notable differences deduced from the way in which the monster appears; that is, if different meanings are generated depending on the degree of visibility of the witch, and if the effects produced in the viewer vary.

[ES] Debido al rampante desarrollo tecnológico, y los cambios en la forma de entender nuestro día a día, han surgido nuevos abordajes explicando el ahora, la “liquidez” y la “ligereza”, términos acuñados por Gilles Lipovetzky y Zygmunt Bauman, son una constante en diversas áreas del conocimiento, filosófico, artístico, sociológico, tecnológico incluso económico. El lenguaje se transforma por una necesidad, que refleja un profundo cambio en la sociedad. En este trabajo se analiza como estas descripciones de nuestra realidad, como “fake news”, “binge wathching”, “retropia”, “bullying”, “polite sex”, “pendulum liberty”, y, específicamente como características de las Diosas primigenias y el imaginario femenino de nuestros días, se retoman con fuerza en ámbitos de las artes plásticas, la mass media y la economía rampante. Hemos clasificado a las generaciones como baby boomers (1946 – 1964), millennials generación Y, generación X (1980–2000) y ahora la generación líquida (2000-2019) y diferenciamos los rápidos cambios en los líquidos. Como se ve el mundo líquido, por un no líquido y un líquido. Enormes diferencias en la forma de entender el mundo que nos rodea y sus características, en todos los ámbitos, y específicamente, motivo de esta investigación, específicamente se refiere al cuerpo femenino, el amor líquido y sus vínculos con el arte. Como entender al que ha nacido líquido, su relación con el amor, las relaciones efímeras y como esto se ve reflejado en el arte. Las transformaciones en el entendimiento del cuerpo femenino, como ejemplos señalo el extendido uso del los tatuajes, la cirugía plástica y las costumbres hípsters, como se ve la moda en las nuevas diosas primigenias, las actitudes de la generación líquida ante los vínculos humanos, el análisis de las relaciones on-line, la transformación de la agresividad “el bullying “la inestabilidad emocional y su reflejo en el arte líquido., [EN] Due to the ravaging technological development our world and the way we understand it is changing every day, new approaches to understand this liquidity, liquid times or social lightness have been proposed by philosophers like Gilles Lipovetzky or Zygmunt Bauman, constant changes involve, several areas of knowledge and behavior, in art, philosophy , economy and technology and specially how we see ourselves, How the born liquid generation relates to their environment or surroundings and to their bodies and show social skills are constantly changing. Language shows the way, its transformation reflects a profound change in our society. Analyzing descriptions like fake news, binge watching, retropia, bullying, polite sex, pendulum liberty and specifically the image of the female body in our times, and how these changes influence even control the esthetical needs of the liquid generation through the invasive mass media and the raging economy. With the classification of the generations as baby boomers, (1946-1984), millennial generation, Y and X generation (1980-2000) and now the liquid generation (2000-2019) we distinguish the rapid changes now a days. How the liquid world works, how it´s seen by a nonliquid. Huge differences in the way of reacting, confiding, understanding the world that surrounds us specially the image changes in the female body, it´s understanding of private life and the web relationships, liquid love and it´s bond to art. How to understand the liquid born, their relationships, with love, polite sex, short-lived relation and its reflection on art and their bodies. The transformations in the female and male bodies through tattoo, plastic surgery, hipster ways, how fashion is inspired by the primitive goddess bodies and mass media has made them come back, revive in the liquid generation. The on-line relations, the transformation of aggression through bullying and the emotional instability that liquidity cause.