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Sylvia Plath’s «roman à clef» «The Bell Jar» has largely been read as an autobiographical novel and as the key to understanding her suicide. The novel, however, presents an important political complexity —the contradictions Esther faces in post-WWII, 1950s American society, the unattainable and conflicting ideals of womanhood, and the political treason that betraying them implies, dealt with as madness. Esther Greenwood’s descent into madness is no more than the reflection of the sick, hypocritical society she lives in, and an attempt to escape from her obligations as an American woman. However, the institution of psychiatry was closely related to the politics of the time, and acted as a means of control over the population, especially women, through the use of treatments such as ECT and lobotomy. I would like to look at how Cold War politics, gender, and psychiatry interact in «The Bell Jar» in order to submit American society to the conformism and consumerism that dominated the 1950s., RESUMEN: «The Bell Jar», el «roman à clef» de Sylvia Plath ha sido sobre todo leída como novela autobiográfica clave para entender su suicidio. Esta novela, sin embargo, presenta una importante complejidad política: las contradicciones a las que Esther se enfrenta en los Estados Unidos de la década de los cincuenta, tras la Segunda Guerra Mundial, los ideales de femineidad inalcanzables y conflictivos, y la traición política que supone no cumplirlos, que son tratados como locura. El descenso a la locura de Esther Greenwood no es más que un reflejo de la sociedad enferma e hipócrita en la que vive, y un intento de escapar de sus obligaciones como americana. No obstante, la institución de la psiquiatría estaba estrechamente relacionada con la política de la época, y actuaba como medio de control de la población, especialmente de las mujeres, a través del uso de tratamientos como el electroshock y la lobotomía. En este ensayo me gustaría prestar atención a cómo las políticas de la Guerra Fría, el género, y la psiquiatría interaccionan en «The Bell Jar» para someter a la sociedad americana al conformismo y el consumismo que dominaron los años 50., Depto. de Estudios Ingleses: Lingüística y Literatura, Fac. de Filología, Ediciones Complutense, TRUE, pub

Review of the exhibition “La Nave de los locos, una odisea de la sinrazón” (Universidad de València, Centro Cultural La Nau), curated by Cándido Polo and Ana Hernández.

This article studies Foucault´s connection with Charles Baudelaire work, really, the hidden inspiration upon Foucault´s writings. His name rarely appears but he exerts a wide influence upon Foucault´s works. In other words, Baudelaire is rarely mentioned when Foucault reflects the relationship between literature and madness. However, Baudelaire appears with all his magnificence into Foucault´s american interpretation of “What is Enlightenment?” written by Kant. Just in this work, Baudelaire burst into the boundaries of the Enlightenment´s knowledge. The same Baudelaire identifies much more with the tradition of the visionary Swedenborg than Kant´s reflection “What is Enlightenment?”, whose writer was a harsh critic of the Swedish author., Este artículo estudia la conexión de Foucault con Charles Baudelaire, auténtica inspiración en los escritos de Foucault. Rara vez aparece, pero es muy influyente en su obra. Apenas es mencionado cuando se reflexiona sobre la relación entre literatura y locura. Sin embargo, Baudelaire aparece de forma magnífica en la interpretación norteamericana, realizada por Foucault, de “What is Enlightenment? de Kant. Allí, Baudelaire irrumpe para los límites del conocimiento de la Ilustración. Baudelaire se identifica más con la tradición del visionario Swedenborg que con la reflexión de Kant, duro crítico del autor sueco.

At the boundary of animals and men, this article examines the particular case of the idiot. He has been often depicted by psychiatrics but also literature as an human animal. Therefore, he questions the separation that Descartes instituted between nature and humanity. With Silence, the village idiot Didier Comès’s comic book, it seems possible to bring them back together. His double deficiency ‒ he is stupid but also dumb ‒ reveals the humanity of the beasts on the one hand and the bestiality of the human beings and the other hand. Beyond that, Comès seems to invite us to gaze at the world like a poet. For this, he chooses pictures rather than words, using an aesthetic that can be described as pantheistic., Este artículo se interesa por un caso que el discurso médico a menudo consideró en el límite entre la humanidad y la animalidad: el idiota. Descrito por los alienistas, y también por la literatura como un animal humano, viene a cuestionar la frontera que desde Descartes separa al hombre de la naturaleza. En muchos aspectos, Silencio, el idiota de pueblo que sirve de héroe mudo al cómic de Comés, nos incitaría más bien a reconciliar a hombre y naturaleza. Su doble hándicap parece actuar como un revelador para el lector, sacando a luz la humanidad de las bestias y también la bestialidad de los hombres. Más allá, sus silencios, reemplazados por una escritura en la que prima la imagen sobre la palabra y una estética que se podrá calificar de panteísta, parecen también invitarnos a contemplar el mundo como poeta., Cet article s’intéresse à un cas que le discours médical a souvent placé à la lisière de l’humanité et de l’animalité : l’idiot. Décrit par les aliénistes, mais aussi par la littérature, comme un animal humain, il vient ainsi remettre en cause la frontière qui depuis Descartes sépare l’homme de la nature. À bien des égards, Silence, l’idiot de village qui sert de héros muet à la bande dessinée de Comès, nous inciterait plutôt à les réconcilier. Son double handicap semble agir comme un révélateur pour le lecteur, mettant en lueur l’humanité des bêtes mais aussi la bestialité des hommes. Au-delà, ses silences, relayés par une écriture qui donne le primat à l’image sur la parole et une esthétique que l’on pourra qualifier de panthéiste, semblent aussi nous inviter à contempler le monde en poète.

This article tries to highlight, taking the Foucault-Derrida polemic as a common thread, the tensions that run through the process of doubt in Descartes. In these tensions (between a deductive and a demonstrative order, as well as between a rational understanding and a reasonable will) there is an element that transits from madness to divinity; This element operates as a rest that, time and time again, reappears to threaten any attempt of foundation., El presente artículo trata de poner de manifiesto, tomando como hilo conductor la polémica Foucault-Derrida, las tensiones que recorren el proceso de la duda en Descartes. En dichas tensiones (entre un orden deductivo y otro demostrativo, así como entre un entendimiento racional y una voluntad razonable) hay un elemento que transita desde la locura hasta la divinidad; dicho elemento opera como un resto que, una y otra vez, reaparece para amenazar todo intento de fundamentación.

In the present work, I intend to analyze the representation of madness in the two fragmentary tragedies that Euripides dedicated to the Alcmeon saga. Although the fragments preserved do not treat the maniac attacks of the main character, it is possible to contribute to the study of the illness from the data offered about the origin and consequences, especially about the associated crime, which is the matricide. It will be interpreted the fragments preserved in the light of other sources about the same myth and the tragedy that Euripides dedicated to Orestes’ madness, due to the points in common between the two sagas., En el presente trabajo me propongo analizar la representación de la locura en las dos tragedias fragmentarias que Eurípides dedicó a la saga de Alcmeón. Aun cuando los fragmentos conservados no tratan los ataques de manía del protagonista, es posible aportar al estudio de la enfermedad a partir de los datos ofrecidos sobre el origen y las consecuencias, en especial sobre el crimen asociado, que es el matricidio. Se interpretarán los fragmentos conservados a la luz de otras fuentes sobre el mismo mito y la tragedia que Eurípides dedicó a la locura de Orestes, debido a los puntos en común que tienen las dos sagas.

In this article, we take as a starting point the novel Le sommeil d'Eve (Eve's Sleep) in order to examine Mohammed Dib's thoughts on femininity and love. His input on those issues is remarkable and pervades all his work. The novel Le sommeil d'Eve reveals how some romantic encounters entail such trauma that the perceived love pushes the protagonists over into another universe, one where irrational phenomena reign: oddness, strangeness, hallucinations, loss of the sense of reality. This transition from one universe to another intertwines mystical with traumatic insanity, couples loss with devastation, and links birth to death., En este artículo, partimos de la novela Le sommeil d'Eve (El sueño de Eva) para desenrollar el pensamiento de Mohammed Dib a propósito de los registros del femenino y del amor. De hecho, su aporte a esos temas es magistral y atraviesa toda su obra. La novela Le sommeil d'Eve da a conocer como ciertos encuentros amorosos llevan a un golpe traumático tan fuerte que el amor percibido hace voltear a sus protagonistas en otro universo, donde reinan fenómenos de apariencia psicóticas: impresión de rareza, extrañeza, delirio, alucinación, pérdida de la sensación de realidad. En ese lugar de báscula de un universo al otro se encajan el místico y la locura traumática, la pérdida y la devastación, el nacimiento y la muerte. &nbsp, Nous partirons dans cet article du roman « Le sommeil D’Eve » pour déplier la pensée de Mohammed Dib concernant les registres du féminin et de l’amour. En effet, son apport sur ces questions est magistral et traverse toute son oeuvre. Le roman « Le sommeil d’Eve » donne à lire comment certaines rencontres amoureuses induisent une frappe traumatique telle que l’amour  éprouvé fait basculer ses protagonistes dans un autre univers, où règnent des phénomènes d’allures psychotiques  : impressions d'étrangeté, bizarreries, délire, hallucination, perte du sentiment de réalité. En ce lieu de bascule d’un univers à l’autre, s’imbriquent mystique et folie traumatique, perte et anéantissement, naissance et mort. .

This article intends to analyze changes surrounding the comprehension of madness after the irruption of the antipsychiatry movement and examine the adaption processes of its approaches within the framework of neoliberalism’s rise and upswing. In accordance with the critical observation of the postulates of the «ex-patient» or «survivor of psychiatry» movement and the recovery model in mental health, the ideological transformations of the comprehension and approach of madness in contemporary mental health are described. Finally, this paper examines the relevance of antipsychiatry in a neoliberal context in terms of acknowledging the importance of defending citizen rights, strengthening of autonomy and construction of political alliances, as well as the transformative potential of community spaces and social movements that vindicate madness as the basis of their collective identity., Este artículo pretende analizar los cambios en la comprensión de la locura luego de la irrupción del movimiento de la antipsiquiatría y examinar los procesos de adaptación de sus planteamientos en el marco del ascenso y auge del neoliberalismo. De acuerdo a la observación crítica de los postulados del movimiento de «ex pacientes o sobrevivientes de la psiquiatría» y el modelo de “recuperación” [recovery] en salud mental, se describen las transformaciones ideológicas en la comprensión y abordaje de la locura en la salud mental contemporánea. Finalmente, se examina la vigencia de la antipsiquiatría en un contexto neoliberal en base al reconocimiento de la importancia de la defensa de derechos de ciudadanía, el fortalecimiento de la autonomía y la construcción de una política de alianzas en el campo de la salud mental, así como el potencial transformador de los espacios comunitarios y movimientos sociales que reivindican la locura como base de su identidad colectiva.

The Bell Jar, el roman à clef de Sylvia Plath ha sido sobre todo leída como novela autobiográfica clave para entender su suicidio. Esta novela, sin embargo, presenta una importante complejidad política: las contradicciones a las que Esther se enfrenta en los Estados Unidos de la década de los cincuenta, tras la Segunda Guerra Mundial, los ideales de femineidad inalcanzables y conflictivos, y la traición política que supone no cumplirlos, que son tratados como locura. El descenso a la locura de Esther Greenwood no es más que un reflejo de la sociedad enferma e hipócrita en la que vive, y un intento de escapar de sus obligaciones como americana. No obstante, la institución de la psiquiatría estaba estrechamente relacionada con la política de la época, y actuaba como medio de control de la población, especialmente de las mujeres, a través del uso de tratamientos como el electroshock y la lobotomía. En este ensayo me gustaría prestar atención a cómo las políticas de la Guerra Fría, el género, y la psiquiatría interaccionan en The Bell Jar para someter a la sociedad americana al conformismo y el consumismo que dominaron los años 50., Sylvia Plath’s roman à clef The Bell Jar has largely been read as an autobiographical novel and as the key to understanding her suicide. The novel, however, presents an important political complexity—the contradictions Esther faces in post-WWII, 1950s American society, the unattainable and conflicting ideals of womanhood, and the political treason that betraying them implies, dealt with as madness. Esther Greenwood’s descent into madness is no more than the reflection of the sick, hypocritical society she lives in, and an attempt to escape from her obligations as an American woman. However, the institution of psychiatry was closely related to the politics of the time, and acted as a means of control over the population, especially women, through the use of treatments such as ECT and lobotomy. I would like to look at how Cold War politics, gender, and psychiatry interact in The Bell Jar in order to submit American society to the conformism and consumerism that dominated the 1950s.

This article describe the metaphorological interpretations of one of the allegorical forms of the representation of madness most used in the arts in the West since the s. XV to date: The ship of fool people. Through the analysis of pieces inspired by this metaphor in its origins with the work of Brant and El Bosco, it is sought to understand how art currently uses such a allegoric resource, in its eagerness to understand the limits of sanity in contemporary times. For this, we will analyze works like “Losing the Head” (2000) by Francesc Torres and “The Raft of George W. Bush” (2006) by Joel Peter Witkin. Art Contemporary that reflect the management of neobaroque discourses immanent to the practices of intertextuality, the dissolution of the author, the aestheticization of existence, the daily life and the dematerialization of the work of art; all of them in order to reflect on the complexity of the mind and the liminality between sanity and madness., Este artículo tiene como objetivo describir la naturaleza metaforológica de una de las formas alegóricas de la representación de la locura más utilizadas en las artes en Occidente desde el s. XV hasta la fecha: La nave de los locos. A través del análisis de piezas inspiradas en dicha metáfora en sus orígenes con la obra de Brant y El Bosco, se pretende comprender cómo en la actualidad el Arte utiliza tal recurso, en su afán por comprender los límites de la cordura en la contemporaneidad. Para ello, analizaremos obras como “Perder la cabeza” (2000) de Francesc Torres y “La balsa de George W. Bush” (2006) de Joel Peter Witkin. Obras contemporáneas que reflejan el manejo de discursos neobarrocos inmanentes a las prácticas de la intertextualidad, la disolución del autor, la estetización de la existencia, lo cotidiano y la desmaterialización de la obra del arte, en aras a reflexionar acerca de la complejidad de la mente humana y la liminalidad fronteriza entre la cordura y la locura.

The Bell Jar, el roman à clef de Sylvia Plath ha sido sobre todo leída como novela autobiográfica clave para entender su suicidio. Esta novela, sin embargo, presenta una importante complejidad política: las contradicciones a las que Esther se enfrenta en los Estados Unidos de la década de los cincuenta, tras la Segunda Guerra Mundial, los ideales de femineidad inalcanzables y conflictivos, y la traición política que supone no cumplirlos, que son tratados como locura. El descenso a la locura de Esther Greenwood no es más que un reflejo de la sociedad enferma e hipócrita en la que vive, y un intento de escapar de sus obligaciones como americana. No obstante, la institución de la psiquiatría estaba estrechamente relacionada con la política de la época, y actuaba como medio de control de la población, especialmente de las mujeres, a través del uso de tratamientos como el electroshock y la lobotomía. En este ensayo me gustaría prestar atención a cómo las políticas de la Guerra Fría, el género, y la psiquiatría interaccionan en The Bell Jar para someter a la sociedad americana al conformismo y el consumismo que dominaron los años 50., Sylvia Plath’s roman à clef The Bell Jar has largely been read as an autobiographical novel and as the key to understanding her suicide. The novel, however, presents an important political complexity—the contradictions Esther faces in post-WWII, 1950s American society, the unattainable and conflicting ideals of womanhood, and the political treason that betraying them implies, dealt with as madness. Esther Greenwood’s descent into madness is no more than the reflection of the sick, hypocritical society she lives in, and an attempt to escape from her obligations as an American woman. However, the institution of psychiatry was closely related to the politics of the time, and acted as a means of control over the population, especially women, through the use of treatments such as ECT and lobotomy. I would like to look at how Cold War politics, gender, and psychiatry interact in The Bell Jar in order to submit American society to the conformism and consumerism that dominated the 1950s.

The article presents an analysis of the course by Foucautl Le Pouvoir psychiatrique, which explains the scopes and consquences of the operation of rewriting the Historie de la folie which he carries out. Firstly, it records the inscription of the problem of insanity in the context of the study of disciplinary’s devices. Subsequently, an articulation betwen psychiatric power and biopolitics management is established, which shows a psychologizing proccess of life which would be disseminated and multiplied over the past two centuries and wouldculminate in advanced liberal societies., El artículo presenta un análisis del curso de Foucault Le pouvoir psychiatrique, exponiendo los alcances y las consecuencias de la operación de reescritura de la Histoire de la folie que éste lleva a cabo. Se registra, en primer término, la inscripción del problema de la locura en el marco del estudio de los dispositivos disciplinarios. Posteriormente, se establece una articulación entre el poder psiquiátrico y la gestión biopolítica que pone en evidencia un proceso de psicologización de la vida que se estaría difundiendo y multiplicado en los dos últimos siglos, y que alcanzaría su punto de culminación en las sociedades neoliberales avanzadas.

Émile Zola’s Le Docteur Pascal closes the naturalistic cycle Rougon-Macquart in 1893. In this novel, the question of belonging to an insane family is raised once again. Pascal is a reflection of the writer, for he has been studying his family for twenty years, a family whose dossiers he continues to keep in a closed cupboard. To guarantee the scientific quality of his investigations, the doctor has to be exempt from the hereditary mark. But he suffers a crisis of madness, and seeks to discover whom he resembles. The experiment ends with the acceptance of the inherent duality of our being. In this paper I study the medical theories that inspired Zola, and the paradox of the medical authority, which will eventually turn mad., Con Le Docteur Pascal de Émile Zola finaliza en 1893 el ciclo naturalista de los Rougon-Macquart. En esta novela surge por última vez la cuestión de la pertenencia hereditaria a una familia tarada. Pascal se perfila como un doble del escritor, ya que ha estudiado durante veinte años a sus parientes, cuyos expedientes conserva en un armario cerrado. Para garantizar el carácter científico de su investigación, el médico debe estar exento de la mancha hereditaria. Pero Pascal también va a padecer, en esta novela, una crisis de locura: intentará descubrir entonces a quién se parece. La experimentación del médico se termina con la aceptación de la dualidad inherente a nuestro ser. El siguiente estudio propone, a partir de las teorías médicas que inspiraron a Zola, descubrir qué conclusiones se pueden extraer del hecho de que, en la última novela del ciclo, la autoridad médica sufra también de locura., Le Docteur Pascal d’Émile Zola clôt les Rougon-Macquart en 1893 ; il réanime la question de l’appartenance héréditaire à la famille tarée, au coeur de tout le cycle de l’écrivain naturaliste. Pascal est un double de l’auteur, puisqu’il a étudié pendant vingt ans ses parents, dont les dossiers sont conservés dans une armoire fermée. Pour être garant de la scientificité de l’entreprise, il se doit d’être exempté de la fêlure héréditaire. Mais lui aussi va, dans ce texte, être pris de délire, et se demander à qui il ressemble. L’expérimentation du docteur s’évanouit alors dans l’acceptation de la folie vitale, du passé enfoui en soi et de la continuation d’une dualité inhérente à notre être, pour le meilleur et pour le pire. C’est sur cette ambivalence d’un médecin fou que l’on souhaite s’interroger, en revenant sur les théories héréditaires qui ont inspiré Zola.

We approach the deconstruction of sovereignty from the slant point of view of the sovereign madman. We base this approach on the reading of King Lear by Shakespeare, a tragedy in which sovereignty is divided twice, at the beginning and the end of the play, and which opens the possibility of a contemporary reading of it around two fundamental axes: madness and death. Two sovereign madnesses and three sovereign deaths., Se aborda la deconstrucción de la soberanía desde el inclinado ángulo del loco soberano; desde una lectura de El Rey Lear de Shakespeare, obra en la que se divide dos veces la soberanía, al principio y al final de la pieza, y que abre la posibilidad de una lectura contemporánea de la misma en torno a dos ejes fundamentales: la locura y la muerte. Dos locuras y tres muertes soberanas.

La proliferación de obras literarias y artísticas en torno al tema de la locura en la Baja Edad Media y el Renacimiento demuestra la importante presencia que esta cuestión tenía en el imaginario de la época. La actitud que las gentes mantienen hacia la figura del loco es ambigua. La fascinación, el temor, el odio, la curiosidad o la repugnancia se manifiestan en la exclusión, la crítica, el escarnio, la clemencia o la protección hacia estos necios y dementes. Todos estos gestos quedan ampliamente plasmados en textos literarios y obras pictóricas de los siglos XV y XVI. Son abundantes las muestras que han llegado hasta nosotros, desde los discursos humanistas de Sebastián Brant y Erasmo de Rotterdam, hasta las enigmáticas representaciones de Jeroen Bosch., La prolifération d’ouvrages littéraires et artistiques autour du sujet de la folie au Bas Moyen Âge et la Renaissance demontre l’importante presénce que cette question avait dans l’imaginaire de l’époque. L’attitude que les gens maintiennent vers la figure du fou est assez ambiguë. La fascination, la peur, la haine, la curiosité ou la répugnance se manifestent par l’exclusion, la critique, la raillerie, la clémence ou la protection vers ces idiots et ces déments. Tous ces gestes restent largement exprimés dans les textes littéraires et les oeuvres picturales du XVe et du XVIe siècles. Ils sont abondants les témoignages qui sont arrivés jusqu’à nous, des discours humanistes de Sebastian Brant et d’Erasmo de Rotterdam, jusqu’aux énigmatiques représentations de Jeroen Bosch.

In this paper I show that madness, in the context of Wittgenstein’s later work, should not be mistaken for the grammatical gap which is opened when a reaction takes place, which has no place in the language-game played in that very moment. Besides, and bearing in mind that we often do not place worth on something until we miss it, it is emphasized that it is in the madman, taken as a grammatically isolated individual, with whom, we are best able to appreciate agreement in form of life on which Wittgenstein’s later work is based., En este artículo se muestra que la locura, dentro del contexto de la obra tardía de Wittgenstein, no ha de ser confundida con el hueco gramatical que se abre cuando tiene lugar una reacción que no tiene cabida dentro del juego de lenguaje que se esté jugando en cierto momento. Además, y teniendo en cuenta que en muchas ocasiones no se puede apreciar y valorar algo en su justa medida hasta que se carece de ello, se señala que es precisamente en el loco, entendiendo por tal el sujeto que se halla gramaticalmente aislado, en quien más claramente podemos apreciar el acuerdo en la forma de vida sobre el que se cimenta la obra tardía de Wittgenstein.

The article aims to apprehend, from a perspective close to a phenomenological criticism of the structure of the symbolic contents, those properties of emotion and thought which govern the imago poetica of Chilean Pablo de Rokha, and which serve as intermediaries between the poet’s emotional sensibility and his relation with the world magically represented —in addition to stylistic characteristics and a relevant aesthetic referentiality in the context of the historical avant-garde, which benefit the critical reception of his poetry. Parting from one of the poems of Cosmogonía, an example of a fine exploitation of techniques assimilated from the different «isms»—, the article will offer a general view of De Rokha’s poetics in his first period, examining its relation to the philosophy of Heidegger, Schopenhauer and Nietzsche..., through an odocriticism which separates into the active interpretation of imagery and ideology and into the dynamic apprehension of the intentional elements of poetic meaning., El artículo trata de aprehender, desde un enfoque cercano a una crítica fenomenológica de la estructura de los contenidos simbólicos, aquellas propiedades de emoción y pensamiento que rigen la imago poética del chileno Pablo de Rokha, y que intermedia entre la sensibilidad emotiva del poeta y su relación con el mundo mágicamente representado —amén de rasgos de estilo y una pertinente referencialidad estética co(n)textuada en la vanguardia histórica, que benefician la apropiación crítico-lectora de su poesía—. A partir de uno de los poemas de Cosmogonía, ejemplo del óptimo aprovechamiento de las técnicas asimiladas de los diferentes ismos —lo que define en buena medida la esencia de la vanguardia hispanoamericana—, nos extenderemos hacia la visión de conjunto de la poética derrokhiana en su primera época, apoyándonos en sus relaciones con la filosofía de Heidegger, Schopenhauer, Nietzsche..., a través de una odocrítica que se bifurca en la interpretación activa de los nudos imagológicos e ideológicos, y en la dinámica aprehensión de los elementos intencionales de significación poética.

This article intends to show how psychiatry, along its history, has kept a fallacious relationship with art. The authors use, from the early twenties, the study about the art of the insane by doctor Hans Prinzhorn. The tradition interested in the relationship between creativity, art and insane goes back to antiquity, and arrives until the appearance of psychology and psychiatry. Distinguished authors studied the psychology of art in depth and influenced Prinzhorn and, similarly, he influenced on 20th century vanguards artists. The main difficult on his study is the impossibility of art and psychology to belong to the same scientific methodology. Different variables individual believes; currents of thought; social, political and artistic movements…- conditioned the most part of the Prinzhorn's scientific conclusions. Finally, the Prinzhorn's study influence on 20th century art is analysed, and also it is how has changed the conception about the art of the mentally ill until being understood as a tool for communication and expression., El presente artículo pretende mostrar cómo la psiquiatría, a lo largo de la historia, ha mantenido una relación falaz con el mundo del arte. Los autores se sirven de la colección de arte realizado por enfermos mentales que estudió el doctor Hans Prinzhorn a principios del siglo XX. La tradición histórica interesada en la relación entre la creatividad, el arte y la locura se remonta a la antigüedad llegando hasta la aparición de la psicología y la psiquiatría como ciencias autónomas. Destacados autores ahondaron en el campo de la psicología del arte e influyeron al doctor Prinzhorn quien, a su vez, se convertiría años después en un referente para los artistas de vanguardia. La principal dificultad que surge en su estudio radica en la imposibilidad de enmarcar la psicología y el arte dentro de una misma metodología científica. Diversas variables –creencias individuales, corrientes de pensamiento, movimientos sociopolíticos y artísticos...- condicionaron gran parte de las conclusiones científicas de Prinzhorn. Finalmente, se analiza la influencia del estudio de Prinzhorn en el arte del siglo XX y cómo ha ido variando en el tiempo la concepción del arte del enfermo mental hasta entenderse como una herramienta de expresión y comunicación.

The picaresque literature has whole series of literary forms generated by te eourt buffoon or similar characters and the madness of the picaro is related with the buffoon and with the carnavalesque environment. The lacking in honour which the picaros make a show of or serve to a master who is unmaked through the humor. These are common characteristies, but also in their literary manifestations, both use common ways. Justina is a smiling character, she is the only who gives nicknames. She recognizes her ignominy from the beginning and she tries with her discourses to amuse and «please» using eamavalesque and burlesque ways which are only the buffoonery art. Also author, like te buffoon, disguises as a picaro and as a woman to create this picaresque story whieh is born like answer to the serious picaro who is Guzman., La literatura picaresca tiene entre sus principales referentes toda una serie de formas literarias generadas por bufones de corte o personajes afines, y el propio pícaro está Iiterariamente muy relacionado con el bufón y con el ámbito carnavalesco de su locura. La falta de honra de la que hacen gala o servir a un amo al que se desenmascara a través del humor son características comunes, pero también en sus manifestaciones literarias ambos usan recursos comunes. Justina es un personaje risueño único en dar apodos que reconoce desde el principio su ignominia y pretende con su discurso divertir y «dar gusto», usando recursos carnavalescos y burlescos propios del arte bufonesco. También el autor, como el bufón, se disfraza de pícaro y mujer para dar a luz esta historia picaresca que nace como respuesta al pícaro serio que es Guzmán.