Search

Esta investigación tiene como objetivo profundizar en el conocimiento de los factores implicados y de los procesos que tienen lugar en la interpretación musical, a partir de las concepciones y el conocimiento experto de cinco intérpretes de música clásica de reconocido prestigio. El enfoque metodológico aplicado es cualitativo y utiliza la entrevista en profundidad semiestructurada como técnica de recogida de información. Los resultados obtenidos sugieren que expresividad, sonido, creatividad y carisma son cualidades necesarias en un intérprete de excelencia. Se concluye que el intérprete es un constructor de discursos significantes que siempre busca establecer vínculos emocionales con su audiencia. This research aims to deepen the knowledge of the factors involved and the processes that take place in musical performance, based on the conceptions and expert knowledge of five renowned classical music performers.The methodological approach applied is qualitative and uses the semi-structured in-depth interview as a data collection technique.The results obtained suggest that expressiveness, sound, creativity, and charisma are necessary qualities in a performer of excellence. It is concluded that the performer is a constructor of meaningful discourses who always seeks to establish emotional bonds with the audience.

71 p. – Bibliogr.: p. 55-57 En este documento se muestra cómo se ha ido desarrollando el Trabajo de Fin de Grado de la autora. El proyecto consiste en añadir funcionalidades y especificaciones a un área de RAMSÉS, aplicación web de simulación de máquinas abstractas. Es una más completa herramienta de uso académico para la asignatura de segundo curso Lenguajes, Computación y Sistemas Inteligentes, cubriendo la funcionalidad de una herramienta ya existente, JFLAP. En el caso de este proyecto en cuestión se ha desarrollado la opción de importar cualquier fichero JFLAP o JSON a la base de datos. De igual manera se ha desarrollado la opción de exportar cualquier autómata a JFLAP o JSON. Asimismo, se han añadido funcionalidades para etiquetar máquinas abstractas en la base de datos permitiendo asociarles información académica, como pueden ser colecciones de ejercicios o preguntas de exámenes. También se ha desarrollado un mecanismo adecuado para que RAMSÉS sea una herramienta multi-idioma. Por último, se ha desarrollado un procedimiento para la realización de copias de seguridad de RAMSÉS para proteger las actividades académicas a pérdidas de información asociadas a incidentes de seguridad. Cabe destacar que este proyecto está realizado en gran parte en el lenguaje de programación JavaScript tanto en la parte cliente como en la de servidor, apoyado en tecnologías como Node.js, Git, JSON, SVG, CSS3 y HTML5, junto con MySQL para el almacenamiento y recuperación de datos. Por otro lado, se ha realizado la puesta en producción de la aplicación mediante máquinas virtuales en un servidor, mediante Docker y Proxmox. En estos momentos RAMSÉS está en producción en el servidor del departamento de LSI siendo accesible desde la Web.

A voz cantada, na contemporaneidade ,pode assumir contornos distintos a partir de transformações tecnológicas para sua captação. Neste sentido, podemos pensá-la como construto de papéis sociais em diferentes universos de incorporações e reinvenções a partir de um lugar de onde este canto ecoa. No caso deste estudo, o carnaval de Salvador e as intérpretes de axé music Daniela Mercury e Ivete Sangalo servem de representação para o que denomino neste estudo de canto barroco.

A figura da intérprete na música pode ser considerada uma mediadora cultural que, através de sua voz, emite o seu canto em diferentes interações e extrapola o tempo/espaço. Seu canto ecoa! Neste sentido, pode imprimir identidades estético-musicais de caráter especifico, com fortes no acontecimento do carnaval da Bahia e que extrapola as fronteiras deste acontecimento no calendário. Esta identidade de caráter fluido e movediço serve de parâmetro para constituir esta intérprete, que pode ser remetida ao gênero do Teatro Ligeiro nos idos do final do século XIX, qual seja, o Teatro de Revista, e ao caráter híbrido que o próprio gênero musical em questão – a Axé Music – serve para imprimir características próprias num jeito de cantar que extrapola fronteiras e pode nos servir de identificações estéticas com Ibero América.

A “judicialização da vida” tem se tornado um fenômeno gradativamente mais comum no cotidiano. A ingerência do Supremo Tribunal Federal nos mais variados temas ultrapassa limites funcionais de competência e princípios constitucionais expressos, sob o argumento de realização de fins constitucionais. Nesse contexto, em que se observam decisões claramente “legisladoras” e de desconsideração total de alguns princípios em prol de outros, faz-se mister reavaliar as razões que promovem tal atuação expansiva do órgão de cúpula do Judiciário, e para tanto, não é possível ater-se apenas a explicações exógenas à Corte: deve-se analisar o próprio papel do qual os ministros se consideram titulares no Estado Constitucional Democrático. Além disso, é imperioso analisar detidamente o que significa ser intérprete e guardião do texto constitucional, a fim de inferir se a atuação da Corte vem respeitando os limites que essas atribuições lhe conferem ou se o STF tem promovido uma remodelação, por conta própria, de ambos esses conceitos. Para os fins propostos, a presente pesquisa será elaborada com base no método dedutivo e terá cunho eminentemente bibliográfico, somado ao aporte documental da jurisprudência., Federal Supreme Court; judicialization; interpreter; guardian.

Au début du siècle, le 78 tours, en quête de légitimité, a recours aux grands chanteurs lyriques et Caruso, star sur scène, devient la première star phonographique. Dès 1898 (il a vingt ans), il enregistre pour Pathé. En 1902, pour les firmes Gramophone et Typewriter, il grave dix titres en deux heures et deux ans plus tard un florilège d’airs célèbres de Aïda, Rigoletto et la Tosca chez l’éditeur Victor. En 1921, il aura touché plus de deux millions de royalties pour ses enregistrements. En ...

En 1953, le chef d’orchestre S. Celibidache décide de ne plus jamais enregistrer un disque : le concert sera, jusqu’à sa mort en 1996, son unique mode de communication musicale. En 1964, le pianiste G. Gould décide de ne plus jamais se produire en concert : l’enregistrement sera, jusqu’à sa mort en 1982, son unique mode de communication musicale. En dehors de ces deux cas extrêmes posant l’incompatibilité des dispositifs de transmission de l’œuvre musicale, la relation artistique entre le sec...

Dans la postface de la seconde édition de Capitalisme et industries culturelles, B. Miège revenait sur la spécificité de l’industrie du disque en précisant les trois règles de fonctionnement qui animent encore aujourd’hui ce secteur d’activité : la dialectique de l’innovation et de la rationalisation entretient les stratégies éditoriales, les enjeux liés à l’introduction de nouvelles techniques se trouvent, au cœur des stratégies des éditeurs, rattachés aux groupes de l’électronique grand pub...

Face A Présentation et représentation de la technique Entre 1985 et 1990, les dépenses des ménages pour l’achat de supports audiographiques ont augmenté de 125 %. Dans le même temps, le C.D. a rapidement supplanté le microsillon, concentrant en fin de période 62 % des ventes de supports musicaux. Par ailleurs, pendant ces premières années de l’exploitation du support, la production des programmes diffusés en C.D. fut essentiellement axée sur les œuvres du répertoire classique. Cette période e...

La fin des années 90 est marquée par l’amplification du discours sur la « crise » du disque classique. Le développement de nouveaux supports et les répercussions hypothétiques d’Internet sur la fonction d’éditeur entretiennent ce débat passionnel. Alors que le microsillon a fait tourner l’industrie du disque pendant trente ans, l’heure du bilan post-mortem aurait donc déjà sonné pour le C.D. En reprenant et en prolongeant les analyses traditionnelles sur les industries culturelles, l’auteur étudie le secteur musical classique à partir de sa principale originalité : l’activité de l’ensemble des acteurs se concentre sur la valorisation d’un répertoire largement fermé à la création contemporaine et centré sur un nombre réduit d’œuvres du grand répertoire. Au sein d’un catalogue proposant 50 versions des Symphonies de Beethoven et 200 des Quatre Saisons de Vivaldi, comment artistes et éditeurs peuvent-ils sortir d’une situation concurrentielle exacerbée que l’exploitation extensive des stocks opérée depuis 15 ans rend aujourd’hui particulièrement critique ? Cette question permet de mettre en évidence les mécanismes d’interpénétration de plus en plus poussée entre l’économie du concert et la musique enregistrée et le rôle central de l’interprète dans le renouvellement stylistique. La mise en relation des logiques éditoriales, des contraintes techniques et des choix artistiques montre que le discours et les stratégies de marketing n’interviennent pas uniquement en aval de la production mais relient l’ensemble des acteurs pendant toute la phase de production.

Los continuos avances en los sistemas de computación se traducen en una creciente demanda de metodologías y herramientas para poderlos introducir en la docencia universitaria. Entre estos avances, la virtualización es una tecnología esencial en prácticamente cualquier sistema, desde automóviles conectados hasta servidores cloud en la nube. Sin embargo, enseñar virtualización supone un reto debido a la alta complejidad de los componentes software y al avanzado conocimiento del hardware requerido, todo lo cual dificulta el proceso de aprendizaje de los estudiantes. Este trabajo introduce peRISCVcope, un intérprete sencillo a la vez que potente que permite entender, probar y emular la implementación de un hipervisor. Con menos de 2.000 líneas de código y tomando como base la versión RV32I del repertorio de instrucciones de RISC-V, peRISCVcope permite que los estudiantes afiancen fácilmente el concepto de virtualización. Este artículo presenta la experiencia de desarrollo y puesta en marcha de un laboratorio de virtualización donde los estudiantes implementan un intérprete. La experiencia del alumnado y su valoración positiva confirman la utilidad de peRISCVcope como recurso pedagógico.

"La arquitectura de la música" és un treball de fi de grau que analitza la manera d'accedir a tres equipaments considerats obres arquitectòniques mestres per a la interpretació i audició musical a Alemanya durant el segle XX. La investigació es porta a terme des d'una escala urbana que examina la situació de l'edifici fins a la distribució interior d'aquest. Amb això es busca interpretar la influència que té la trama urbana a l'edifici i la diferenciació dels accessos en funció del paper que juga la persona que hi entra. Per desenvolupar el treball es proposa una metodologia d'anàlisi que comença per la història de la reconstrucció urbana de cada ciutat i continua amb una anàlisi gràfica des de la ciutat fins a arribar a l'espai escènic. "La arquitectura de la música" es un trabajo de final de grado que analiza la manera de acceder a tres equipamientos considerados como obras arquitectónicas maestras para la interpretación y audición musical en Alemania durante el siglo XX. La investigación se lleva a cabo desde una escala urbana que examina la situación del edificio hasta la propia distribución interior de este. Con ello se busca interpretar la influencia que tiene la trama urbana en el el edificio y la diferenciación de los accesos en función del papel que juega la persona que entra. Para desarrollar el trabajo se propone una metodología de análisis que empieza por la historia de la reconstrucción urbana de cada ciudad y continúa con un análisis gráfico desde la ciudad hasta llegar al espacio escénico. "La arquitectura de la música" is a final degree project that analyzes the way to access three facilities considered masterpieces of architecture for musical interpretation and listening in Germany during the 20th century. The research is carried out from an urban scale that examines the situation of the building to its own interior distribution. This aims to see the influence that the urban fabric has on the building and the differentiation of the entrances depending on the role played by the person who enters. To develop the work, an analysis methodology is proposed that begins with the history of the urban reconstruction of each city and continues with a graphic analysis from the city to the scenic space.

L’objet de cet article est d’exposer et d’analyser la carrière et la thématique (religieuse et morale) du chanteur mystique pakistanais de langue ourdou Aziz Mian, à travers ses propres déclarations, à partir de documents de presse et d’entretiens personnels en ourdou avec l’auteur. On se propose aussi de commenter ces déclarations en tenant compte de la réalité sociologique et de la tradition. Après avoir défini la fonction du qavvāl et le genre poétique et musical de la qavvālī (sans verser dans les détails techniques), et avoir donné un résumé biographique du qavvāl, on relatera deux entretiens en ourdou de 1987 avec Aziz Mian : le premier est un entretien pour le quotidien ourdou de Rawalpindi, Nawa-e-Waqt, et l’autre est un entretien avec l’auteur de cet article. Les circonstances précises de l’entretien avec l’auteur sont détaillées ; et les deux entretiens sont annotés et commentés. Après une brève comparaison avec la carrière d’un autre qavvāl pakistanais, on tente de conclure sur le statut de la qavvālī par rapport à la littérature orale et à la culture des media. Une courte bibliographie, pourvue de quelques ouvrages pakistanais sur la qavvālī, est complétée par une brève notice sur quelques enregistrements d’Aziz Mian représentatifs de son style et de sa carrière. The purpose of this article is to présent and analyse the career and set of thèmes (religious and moral) of the Pakistan! Urdu speaking mystical singer Aziz Mian, through his own statements, taken from press documents and personal talks in Urdu with the author. It is also sought to comment on these statements keeping in view sociological reality and tradition. After defming the function of the qawwāl and the poetical and musical genre of qawwālī (without giving technicalities) and after giving a biographical sketch of the qawwāl, two talks in Urdu from 1987 with Aziz Mian shall be related: the first is an interview for the Urdu daily from Rawalpindi Nawa-e-Waqt, and the other is a talk with the author of this article. The precise circumstances of the discussion with the author are told in detail; and both talks are annotated and commented. After a brief comparison with the career of another Pakistan! qawwāl, a conclusion is attempted on the status of qawwālī in relation with oral literature and with mass media culture. A short bibliography, with some Pakistani studies on qawwālī, is supplemented with a brief note on some recordings by Aziz Mian, that are particularly revealing of his style and career.

Trouvant sa plus frappante expression parmi les saints-poètes du Maharashtra, l’idée de la « maternité » de Dieu chérissant ses dévots avec l’amour d’une mère, est exactement l’inverse des pratiques du puṣṭi-mārga du Braj ou du Gujarat, selon lesquelles c’est le dévot qui honore le dieu avec une tendresse toute maternelle. L’accès à un corpus de chants de la meule, extrait du répertoire de femmes pastourelles, les bai gaulan, appartenant à la caste des Dhangar (bergers sédentarisés dans les collines de Maval), constitué en partie d’œuvres de Janī, Nāmdev et Toukārām, permet, tout autant que la Dñyāneśvarī, le Haripāth, ou la biographie légendaire de Cokhāmelā, de mettre en évidence cette composante essentielle de la bhakti marathe et de percevoir sur quels textes de tradition orale se fonde un particularisme régional. L’allégorie du moulin et de la mouture au service de messages théologiques, moraux et philosophiques, y apparaît comme un trait caractéristique. This introduction to a corpus of songs of the mill and the millstone taken from the repertoire of the bai gaulan, shepherdesses belonging to the pastoral Dhangar caste (sedentarized in the Maval hills), enables us – as much as the Haripāth, the Dñyāneśvarī, or the hagiography of Cokhāmelā – to bring into notice an essential constituent of the Marathi bhakti: the relation to God lived as a relation of motherly care. Revealing itself as the opposite of the bhakta-vātsalya of the puṣṭī-mārga of Braj and Gujarat, this oral tradition underlines the wide regional differences which occur under the name of « bhakti ». These songs are characterized by an allegorical use of the mill and the milling to carry out theological, philosophical and moral messages.

Le sous-continent indien Dans l’Inde médiévale, non seulement les savants, lettrés et artistes attachés aux cours princières bénéficiaient d’un mécénat noble ou royal, mais les plus humbles interprètes ambulants eux-mêmes – chanteurs ou conteurs –, pour peu que leur répertoire plaise et que leur voix émeuve, étaient patronnés, de façon courante, par le pouvoir. On en prendra pour exemple les Dhāḍhī, ces messagers mendiants du Marwar que décrit le Ḍhola-Mārū, chanteur...

En pays santal, on raconte les histoires de bonga, comme s’il s’agissait d’expériences vécues. La narration de ces histoires doit donc restituer la présence des divinités tribales, êtres multiples et versatiles, conçus comme les doubles inquiétants des humains. L’analyse de quelques récits nous montre comment des relations asymétriques se nouent entre les humains et les bonga. Si les divinités commettent bien des abus de pouvoir envers les hommes, c’est qu’elles entendent souvent signifier à ces derniers les désirs qu’ils ne peuvent assumer. Ainsi, l’inceste, l’abondance surnaturelle, la quête des pouvoirs suscitent autant de paradigmes où l’humour des bonga permet d’imaginer un monde qui ne serait limité ni par les lois de parenté, ni par la nécessité du travail, ni par la finitude de la mort. Ce monde, sans limites et fugitif, devient dans ces récits la métaphore de la vie, puisqu’à l’inverse, la mort ne s’achève qu’en devenant bonga. Among the Santals, stories abound conceming the bongas, as if they were part of real-life expérience. By telling the stories, they imply the presence of these versatile and varied beings, who become the disquieting doubles of men. By analyzing these accounts, we understand how asymmetric relations are formed between humans and deities. If the bongas sometimes abuse their powers over men, they equally represent, for the latter, their unattainable and sometimes unconscious desires. Thus incest, riches, the supernatural powers longed for, become structural paradigms, through which the bongas display, sometimes humourously, a world without limits. Here, neither the rules of kinship, the necessity of work, nor even the finality of death apply. This limitless and elusive world becomes a metaphor of life itself, since, after death, humans themselves become bongas.

Il n’existait jusqu’à présent, qu’une seule version en burushaski de l’épopée de Gésar de Ling recueillie au Hunza de la bouche de Ali Madad, transcrite et traduite par D.L.R. Lorimer et publiée en 1935. Un antropologue allemand de Bonn, J. Frembgen a enregistré au magnétophone le 14 juillet 1986 à Melukushal (Nager), une nouvelle version récitée par un vieillard nommé Zawar Mohammed. Transcrite, traduite en français, et analysée par A. Frémont, cette version, où se conjuguent influences sino-tibétaines et islamiques, constitue une source inédite pour caractériser les formes spécifiques que revêt l’islamisation de ces vallées isolées. Up till now only one version of Gesar de Ling in burushaski was known: the one of Ali Madad (Hunza), transcribed, translated and published by D. L. R. Lorimer in 1935. A German anthropologist from Bonn, J. Frembgen has tape-recorded a second one in Melukushal (Nager), recited by an old man named Zawar Mohammad in july 1986. Transcribed, translated and analysed by A. Frémont, this version, in which Sino-Tibetan and islamic trends appear, offers a new source for characterising the specifie shapes due to the islamisation of those remote valleys.

Dans le Nord du Tamilnad, Territoire de Pondichéry inclus, chanter la mort est pour l’essentiel le devoir traditionnel de la caste harijan des Paṟaiyar, et particulièrement de la sous-caste des Veṭṭiyar, au sein de laquelle chaque année, par rotation, sont nommés les tōṭṭi qui constituent l’« orchestre paria » (paṟaimēḷam), et qui ont en charge la conduite pratique des funérailles. Mais ces tōṭṭi précèdent aussi, avec leurs tambours spécifiques, les processions des statues des grandes divinités qui lors des fêtes religieuses parcourent le village. Cet article analyse le contexte socio-culturel dans lequel s’insère cette tradition orale, et le contenu social du répertoire funèbre. Il souligne aussi comment cette charge héréditaire des Veṭṭiyar est aujourd’hui mal reçue par nombre de jeunes tōṭṭi qui rejettent une tradition orale portant le stigmate de l’intouchabilité. In the North of Tamilnadu, including Pondicherry Union Territory, singing death is essentially the traditional duty of the harijan caste of the Paṛaiyar, and particularly of the sub-caste of the Veṭṭiyar. Amongst this sub-caste eight tōṭṭi are nominated by rote, each year, for constituting the « pariah orchestra » (paṟaimēḷam), and for dealing with the practical requirements of funerals. But the paṟaimēḷam is also called for preceding – with their typical drums – the auspicious processions of the main deities when they tour the village. This paper analyses in which social and cultural context this oral tradition is inserted, and what is the social content of the repertory sung when death occurs. It also underlines how this hereditary duty of the Veṭṭiyar is now not well accepted by many young tōṭṭi who reject an oral tradition bearing the stigma of untouchability.

L’espace qui nous est imparti nous imposait à la fois de ne retenir que les quelques ouvrages généraux indispensables et de choisir un genre particulièrement significatif pour une présentation plus détaillée. Les katai, ou « histoires », sont des récits relatifs aux dieux de village, à des épisodes puraniques, ou à des héros régionaux. Normalement chantés pendant les fêtes de temples qui durent plusieurs jours, ces récits – versifiés intégralement ou non – occupent ordinairement une nuit enti...

L’hymnologie forme une part importante de la littérature, orale et écrite, du Gujarat. Les chants religieux composés dès le xve-xvie siècle sont toujours vivants et retransmis ; ils forment le patrimoine culturel des classes non lettrées : femmes et basses castes. La souplesse du mode oral de transmission fait que le champ d’influence de ces textes dépasse l’aire socioculturelle pour laquelle ils ont été originellement créés. Ainsi le modèle vishnuite dans sa forme nirguṇī avec notamment l’expression du sentiment religieux du vīraha se retrouve dans les pada jaina ou les gināna ismaïliens qui à leur tour inspirent les chants mahāpanthī tantriques. Mais, fait plus surprenant encore, la forme saguṇa de la dévotion à Kṛṣṇa, dite premalakṣaṇabhakti au Gujarat, envahit, surtout à partir du xviiie siècle, l’expression de toutes les composantes religieuses régionales, islam compris. Il semble même que la prééminence accordée dans l’expression du mysticisme populaire aux formes esthético-littéraires de la bhakti krishnaite soit un processus encore tout à fait vivant de nos jours dans cette partie de l’Inde. En tout cas, les emprunts constants d’une religion à l’autre font, de la pratique du bhajana gujarati, l’expression privilégiée d’une culture nationale dans sa diversité. Hymnology is an important element of the written and oral literature of Gujarat. The padas composed in the 151h/16th centuries are still alive and performed; they are the cultural heritage of those classes of society which are not versed in literature, i.e. women and low castes. The availability of the oral mode of transmission of the padas was instrumental in increasing their primitive area of influence: thus the Vaiṣṇava pattern in its nirguṇī form stressing especially the expression of viraha may be equally met in Jaina padas or Ismaili ginānas which in their turn were to provide inspiration to the songs of the tantric Mahāpanthīs. Even more surprising is the fact that the saguṇa form of Krishnaite devotion, called premalakṣaṇabhakti in Gujarat, was to invade, especially from the 18th century onwards, the expression of ail its regional constituents, including Islam. It seems even likely that the preeminence granted to the esthetic and literary forms of Krishnaite bhakti for the expression of popular mysticism is a phenomenon still active at present in this part of India. The constant borrowings from one religion to the other prove that the practice of the bhajana is an important element of the rich and diverse Gujarati national culture.

Depuis le xvie siècle, chanteurs et poètes-compositeurs de l’Inde du Nord, appartenant à la tradition de la musique savante « hindustānī », ont bénéficié d’un important patronage artistique. Le Dhrupad, genre privilégié de la musique vocale de l’époque, fut d’abord encouragé à la cour hindoue de Gwalior, puis patronné par les empereurs moghols, ce dont témoigne une riche documentation en persan.Tānsen, probablement le musicien le plus célèbre de l’Inde médiévale, excellait dans le genre Dhrupad. La recherche des chants dhrupad en langue braj qui lui sont attribués, m’a amenée à identifier de nombreux répertoires de musiciens de cour. Comme d’autres poèmes lyriques en langues vernaculaires, ils ont été transmis par la tradition orale de maître à disciple, pendant des générations. Grâce au patronage des cours princières et des temples, les répertoires ont également été compilés sous forme d’anthologies manuscrites, lithographiées et plus récemment imprimées.L’étude comparative de chants attribués à Tānsen a permis de noter des modifications textuelles – telles que des variations lexicales significatives – qui révèlent plusieurs facteurs de changement, liés au mode oral de transmission et aux « stratégies » conçues par les musiciens pour faire face aux nouvelles politiques culturelles inspirées par divers contextes socio-historiques.La souplesse du mode de transmission qui explique en partie les variantes observées dans les chants dhrupad des répertoires médiévaux, dont certains sont encore chantés aujourd’hui, contredit radicalement le nouveau discours sur le Dhrupad, proclamant son caractère sacré et son immuable pureté antique. Ce fait, outre la diminution de l’intérêt du public pour l’aspect poétique inhérent à ce genre musical, force les musiciens à choisir des chants au contenu thématique limité, parmi les centaines de compositions de leur répertoire traditionnel. La nouvelle tendance idéologique observée dans le milieu du Dhrupad, son effet sur les musiciens se fera également ressentir sur la transmission des répertoires, phénomène dont les dimensions sociologiques méritent une étude plus approfondie. Since the 16th century, singers and poet-composers of the Hindustānī or Northern Indian tradition of Art-Music have been favoured with aristocratie patronage. Dhrupad, the privileged vocal genre of the period, first encouraged at the Hindu court of Gwalior, was later patronised by the Mughal Emperors, as we see from rich documentation in Persian.Tānsen, perhaps the most celebrated musician of medieval India, excelled in Dhrupad. The search for dhrupad songs in Braj attributed to him has led me to identify numerous répertoires of court-musicians. Like other lyrics composed in vernacular languages, they have been transmitted for générations, from master to disciple, mostly through the oral tradition. Repertoires have also been compiled under aristocratie and temple patronage in anthologies available in manuscript, lithographic and more recently, in printed form.While comparing dhrupad lyrics attributed to Tānsen, textual modifications such as significant lexical variations, reveal factors of change related to the oral mode of transmission and to « strategies » conceived by musicians to face new cultural policies evolved in various socio-historical contexts.The flexibility of the mode of transmission which partly explains the variations in the dhrupad songs found in medieval repertoires, a part of which is sung even now, stands today in obvious contradiction to the new discourse on Dhrupad, claiming its sacredness and its unchanging antique purity. This, and the poor response of the audience to the original poetic aspect of the genre, leads singers to choose songs within a restricted thematic range, among hundreds of compositions in their traditional repertoire. The new ideological bent observed in Dhrupad circles and its effects on performing artists wiil also affect the transmission of répertoires; the sociological dimensions of this phenomenon are worthy of further study.

Les sermons de Dādūpanthī – secte de l’Inde du Nord apparentée aux Sants – sont des célébrations orales fondées en majeure partie sur les Écritures auxquelles elles font largement référence. La secte considère en effet que ses propres écrits ont valeur de révélation. Les prédicateurs du Dādūpanthī s’en inspirent et puisent également dans leurs traités théologiques, en y ajoutant des textes pan-Vaiśṇava. Dans cette étude, les sermons sont inclus dans le même contexte que les autres célébrations orales de la secte. La fonction religieuse du sermon – instrument de transmission du kalyāṇa, bien-être de vérité, et par conséquent de ce bien-être. L’auteur précise les techniques oratoires grâce auxquelles le sermon sera satisfaisant tant sur le plan esthétique que religieux, et les caractérise en termes de localisation, affectualisation et interaction. Enfin, la disposition la plus courante des références scripturaires et des récits additionnels à l’intérieur des unités rhétoriques du sermon est définie et illustrée par des exemples. Sermons as they are held in the Dādūpanth, a North Indian sect of the Sant type, are oral performances. However, they are considerably sustained by Scripture and they refer to it very often. The reason for this lies in the fact that the sect considers its own sectarian scripture as equivalent to revelation. Beyond their own sectarian scripture and theological treatises, preachers of the Dādūpanth also draw on pan-Vaiśṇava texts. In the paper the sermons are placed in the context of other types of oral performances in the sect. It is pointed out what the religious function of a sermon is, namely to be a transmitter of kalyāṇa, spiritual well-being. The preacher is defined as a conduit of truth and, hence, of well-being. The paper tries to identify rhetorical techniques that render a sermon both aesthetically and religiously satisfying. These techniques are termed here as localization, affectualization and interaction. Finally, the most common places where references and additional narratives occur in the rhetorical units of a sermon are pointed out and illustrated.

L’Inde est le pays le plus richement doté d’une tradition orale toujours vivace et trop longtemps masquée par l’aura des épopées prestigieuses du Rāmāyana et du Mahābhārata. Les textes et la fonction de cette tradition font désormais l’objet d’un champ de recherche situé au carrefour de l’ethnologie, de l’histoire et de la littérature. Au moment où la recrudescence des nationalismes et des régionalismes, dans le sous-continent indien comme dans le reste du monde, se décèle, le recours aux répertoires traditionnels vient à jouer un rôle déterminant — tout à la fois cause et effet — dans l’histoire de ces mouvements. L’importance réactualisée des traditions orales dans le sous-continent indien apparaît dans ce volume, où les auteurs, tout en privilégiant la notion de « circulation des textes », notamment à travers le réseau des interprètes itinérants, cherchent à faire émerger les formes urbaines de sociabilité dans lesquelles l’oralité est impliquée. Deux séries de questions se croisent ici. L’une a trait au devenir et à la transformation des répertoires ; l’autre aux modalités d’exploitation des matériaux collectés : — De quelle façon les répertoires traditionnels hérités des périodes classiques et médiévales se transmettent-ils dans la configuration de modernisation et d’urbanisation croissante de l’Asie contemporaine ? — De quel statut l’oralité et ses agents de transmission bénéficient-ils, dans le contexte du développement d’une imprimerie à bon marché, du règne de la chanson de film et du succès commercial des cassettes ? — Dans quelle mesure le pouvoir de la tradition orale sert-il l’affirmation d’une culture panindienne ou bien la quête d’une identité régionale ? — L’oralité, ses rituels, ses jeux langagiers ne sont-ils que miroir de l’imaginaire collectif d’une société hiérarchisée, ou permettent-ils d’exprimer un registre d’émotions plus secret et plus individualisé ?

Fréquents dans la littérature orale sont les contes où le chasseur qui tue un cerf avec l’aide d’un corbeau devient roi. Les contes, toutefois, n’expliquent pas tout. Et c’est parfois en recueillant sur le terrain le récit de la bouche du héros ou de ses proches que l’on comprend pourquoi le chasseur est porté au pouvoir et en quoi l’aide du corbeau est vraiment efficace. Oral tradition often tells of the hunter who, with the aid of a raven, kills a stag and becomes king. But tales do not explain everything. And it is often upon hearing the story from the hero himself or from those close to him that one cornes to understand why the hunter accèdes to power and in what way the raven really helps.

Contrairement à ce que l’on aurait pu croire, compte tenu de facteurs tels que la modernisation, l’urbanisation, et la perte d’un mécénat, la tradition orale bhojpurī est aussi vivace que par le passé. Mais, si les bardes et autres castes de conteurs-chanteurs dépositaires du patrimoine médiéval ont gardé leur clientèle populaire, ils ont vu, à l’époque moderne, des changements radicaux s’opérer. De nouveaux acteurs agissent, de nouvelles institutions se créent. Aussi cherche-t-on ici à faire apparaître, plutôt que le contenu des répertoires, les structures et les forces mises en place pour assurer la transmission et la diffusion de cette tradition. In consideration of such factors as modernization, urbanization, and the end of Rajput patronage, the oral Bhojpurī tradition remains, contrary to expectations, as deeply-rooted as in the past. But, if the bards and other castes of singers-storytellers, depositaries of the medieval inheritance, preserve their audience among the people, they have witnessed drastic changes in modem times: new actors exercising their influence, new institutions being created. Therefore, it is sought here to bring into notice the structures and dynamics developed to ensure the transmission and diffusion of that tradition, rather than the contents of its repertoire.