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Reseña del libro: Orobon, Marie-Angèle, Campos Pérez, Lara, Sánchez Collantes, Sergio y Mira Abab, Alicia (coords.), Diccionario simbólico del republicanismo histórico español (siglos XIX-XX). Granada, Editorial Comares, 2024, 393 pp. ISBN: 978-84-1369-723-9.

Los rasgos políticos, culturales y económicos que caracterizan a la sociedad del siglo XXI, han permitido el surgimiento de la llamada sociedad digital la cual se caracteriza por el uso dominante de las tecnologías de la información y comunicación para el desarrollo de actividades tales como investigación, comunicación, compartir conocimiento e información, producir, entre otros. En este marco, el presente trabajo tiene por objetivo diseñar y programar una aplicación de tecnología inmersiva de realidad aumentada que permita la visualización de iconografía en 3D para informar sobre el riesgo de vida a los que están expuestos los ocupantes del edificio caso de estudio. Para ello se trabajará con una metodología cuasi-experimental que combina procedimientos de diseño, programación y verificación a través de prueba y error. Concluyendo que es posible integrar la iconografía sobre riesgo sísmico edilicio para su visualización en la aplicación de realidad aumentada.

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RESUMO Este artigo apresenta informações de um estudo iconográfico – pautado no campo da abordagem qualitativa, orientado pela questão “quais as representações do cuidar/cuidado humano presentes em uma pintura da Renascença?” – cujo objetivo foi identificar a(s) representação(ões) do cuidar/cuidado humano expressa(s) por uma pintura renascentista. A arte desenvolvida no Renascimento teve um caráter científico devido aos conhecimentos da Matemática, Física, e outras áreas, inseridos nela. Os resultados do estudo da imagem produzida por material artístico – iconografia – permitiram, através da análise iconográfica, desvelar o cuidar/cuidado humano sob a forma de compaixão como sendo o verdadeiro significado da pintura O Bom Samaritano (1550-1570) de Jacopo Bassano. Outras variantes de cuidar/cuidado foram identificadas, confluindo para a representação do cuidar/cuidado manifestação da vida. Palavras-chave: Arte, saúde, cuidar/cuidado humano, Renascimento, iconografia

Se presenta y analiza una pieza romana excepcional de bronce y plata hallada en los niveles superficiales de la villa tardorromana de Tarancueña (Soria) durante la excavación arqueológica de 1979. Esta excavación constituye hasta ahora la única referencia científica sobre dicha villa, dado que las excavaciones posteriores, mucho más amplias, no se han publicado y su documentación está perdida. Tanto los datos de 1979 como lo poco que se conoce de los posteriores apuntan a una ocupación relativamente corta de la villa, a caballo entre los siglos IV y V. Los edificios parecen haber sido abandonados de forma súbita y haberse luego derrumbado paulatinamente, sin ninguna huella de destrucción intencionada. El asa de bronce consta de una escultura superior de un grifo, unas abrazaderas laterales del vaso (que no fue hallado) con volutas y cabezas de ánade, y un asa de agarre inferior que termina en una cabeza de hombre barbudo, posiblemente Sileno. El bronce fue decorado con incrustaciones lineales de plata en varias de sus partes. Todo ello hace referencia a los rituales sociales de consumo del vino, cuyos protectores eran los grifos y el dios Baco. El asa se encontró en superficie, por encima de uno de los muros de la posible pars urbana de la villa, luego no tenía ninguna relación estratigráfica con ésta. Además, del análisis estilístico se deduce su segura cronología alto-imperial, por lo que la pieza fue probablemente conservada durante varios siglos como una posesión valiosa. Al no haber sido hallada en niveles de ocupación, su presencia en el yacimiento queda sin explicar del todo (¿tal vez parte de un escondrijo de piezas valiosas esparcidas por el arado?) y originalmente podría haber procedido de la importante y cercana ciudad de Tiermes o quizás de un posible asentamiento romano situado en el mismo pueblo de Tarancueña, todavía sin investigar.

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Este texto estudia un aspecto de la tradición republicana cubana. Investiga cómo las ideas republicanas fueron apropiadas y recreadas en el contexto de la guerra de Independencia, y con qué símbolos los actores cubanos elaboraron sus propias ideas sobre esta corriente política. El artículo se concentra en el análisis de iconografía, un cuerpo de fuentes poco atendido en la historiografía cubana. Identifica ambigüedades y tensiones que influyeron en el proceso independentista para sugerir cómo se produjeron nociones republicanas “desde abajo” en Cuba torno a la independencia y la República. Con ello, el trabajo contribuye a restituir el republicanismo como una tradición central en la historia política cubana, no como un eco de proyectos de otras geografías, sino como resultado de la producción política popular.

El artículo revisa un corpus de archivo de 120 afiches que fueron fotografiados a lo largo del mes de octubre de 2019 durante los hechos conocidos como el estallido social en Chile, evento que se extendería por más de dos meses poniendo en jaque, por sus implicancias políticas, al gobierno de ese entonces. El movimiento popular fue serenado sólo con la firma de un gran acuerdo por parte de (casi) todas las fuerzas políticas, que acordaron convocar una nueva redacción de la Constitución chilena. El trabajo pone en evidencia cuatro tipos de afiches centrados en la imagen del presidente de Chile, el repudio a su figura y la de otros políticos; la solidaridad; la rebelión popular, y el carácter no partidista del movimiento. En este análisis se utilizó un cuadro resumen de las funciones, los temas políticos y las tipologías de afiches. De allí surgen en ese archivo características en el mensaje, como lo contestatario, lo identitario, la solidaridad. En su iconografía aparecen nuevos símbolos que surgieron en ese momento. Finalmente se destaca el uso de diferentes sistemas de impresión de bajo coste, como fue el uso reiterado de la serigrafía, la fotocopia y, por último, el offset.

A 19 de janeiro de 1919, tropas revoltosas proclamaram, no Porto, a reinstituição da Monarquia, logo seguidas por outras guarnições do norte de Portugal. O domínio monárquico em quase todo o norte do país, em particular do Porto, não teve equivalente a sul. A confrontação que se seguiu entre os revoltosos monárquicos e os republicanos levou ao fim da Monarquia do Norte a 13 de fevereiro. A investigação que aqui se apresenta visou desvelar, por meio de um estudo quantiqualitativo, a estrutura do discurso iconográfico que a Ilustração Portuguesa, única revista ilustrada coeva de grande circulação, construiu sobre esse episódio. Partiu-se da hipótese de que o discurso da Ilustração Portuguesa se alinhou com o poder governamental republicano, que controlava a capital, sede da revista e a maioria do território do país. Os dados permitiram validar a hipótese. A narrativa iconográfica da revista glorifica a República e os seus “heróis”, transformando a publicação num instrumento de “infopropaganda” ao serviço do poder estabelecido em Lisboa.

La serie de San Francisco de Asís en Santiago de Chile fue solicitada al Cusco en el siglo xvii, a los talleres de Basilio de Santa Cruz y Diego Quispe Tito. Tiene un símil en la ciudad del Cusco (cuarenta lienzos) y se desarrolla en el estilo de la escuela barroca. El obispo franciscano fray Diego Humanzoro hace el encargo. Se analizará el primer cuadro de la serie (1/53), titulado La profecía. Francisco aparece con alas, mostrando ya los estigmas, como si se tratara de un ángel, la herencia espiritual que surge del movimiento milenarista, cuyo defensor es el abad Joaquín de Fiore, quien profetizará una nueva era apostólica, la era del Espíritu Santo. Esta era trasformaría completamente la Iglesia con el advenimiento de dos órdenes mendicantes, los franciscanos y los dominicos. De la primera surgiría Il poverello di Assisi.

Mediante el presente artículo se actualiza el conocimiento sobre los monolitos Pukara, hallados en la provincia de Chumbivilcas fuera del ámbito nuclear de esta cultura. Como valor agregado se discuten nuevas piezas líticas características del estilo Pukara. A través del registro minucioso de las historias de cada artefacto se realiza un análisis y las descripciones respectivas las que permiten confirmar la presencia antigua de dicha cultura en esa parte alejada del departamento de Cusco. Entre otros vestigios se describe una estela hallada años atrás en el distrito de Velille y custodiada desde entonces por la familia Lantarón como elemento constructivo de su casa. Se presenta, además, una reconstrucción del nuevo monolito fragmentado de Totora.

Bones and ivories objects from the late imperial age are today considered items of great and artistic value. A production linked to the wealthiest backgrounds, which began around the 1st century b.C. and over at the beginning of the Vth, in a rich repertoire of images and symbols con-nected mostly to the pagan world and which find their production in orien-tal craftshops of the Empire, heirs of the great Hellenistic culture, dear above all to the high imperial and to its propaganda.

The frescos that adorn the residences of the eighteenth century Palermitan aristrocacy are among the most interesting artistic testimonies of that age, not only because they celarly express the evolution of the taste from baroque to rococo and neoclassic style, but also and above all because they allow us to reconstruct peculiar traits and aspirations of the nobility. Princes and barons, always committed in claiming their political role e their status, hired the artists in vogue in the city to convey self celebrating messa-ges in glories, triumphs, mythological and literary scenes.

In the Middle Ages, the dimension of the imaginary often confu-sed the perception of reality with a process of abstraction. In this way, the representation of a cathedral could at the same time be the very idea of the cathedral. The imaginary was part of the field of representation not as sim-ple reproduction but as the transposition of an internal dimension. In art, as in literature, real representations are often used to evoke imaginary con-cepts. The dimension of the imaginary was accompanied by that of the symbolic, which consisted in the reference of the object considered to an implied, historical and ideal system of values.

Las virreinas novohispanas estuvieron presentes en alegorías y jeroglíficos en los programas iconográficos de los arcos triunfales levantados para los virreyes en las ciudades de México y Puebla. Este texto analiza los personajes asignados por los ideólogos de los arcos, especialmente de la segunda mitad del siglo xvii, que utilizaron a menudo a figuras femeninas amantes o esposas de los héroes y dioses con los que se paragonaba al virrey. A estas mujeres y diosas de la mitología grecorromana se les atribuían una serie de virtudes acordes a lo que se esperaba de la virreina: piedad, sacrificio, armonía conyugal, fertilidad, belleza y, además, se encomiaba sus ilustres y elevados linajes.

Based on ethnographic, environmental and iconographic information, linked to the “land snail” Scutalus spp., the ritual context of a funerary nature is addressed, to which the representations of this molusk in Mochica ceramics are associated: both the colecction scenes, combat and mountain sacrifice, as the designs of snails, hybrid animals, among others. Representations of snails can be located on the summer and winter solstices, as well as -exceptionally- when El Niño/Southern Oscillation occurs. The mollusk can be considered a metaphor for water and regeneration, and its morphology develops the symbol of the spiral in three dimensions, replicated in architectural models with a spiral ramp, as well as in the exceptional case of a Mochica ceremonial well. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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The article addresses various strategies of recreation of the political enemy in graphic representations of the PCE and PCI, mainly of the sixties and seventies. The introduction highlights the iconographic tradition about otherness present in the communist visual culture of both countries, then analyzing the dominant features of the Italian and Spanish imaginary in relation to different semantic and formal tactics (simplification, degradation, brutalization...). The text underlines the link between representations of the enemy and qualification of the communist identity, as well as its continuities, modulations or ambiguities in the contexts of "historical compromise", late franquismo and the democratic transition. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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La moneda romana presenta una gran variedad de mensajes iconográficos que muestran la gran relación que hubo entre la religión tradicional, la transmisión de mensajes por parte del Estado y la moneda. En este artículo se analizan algunos de estos mensajes y la vinculación existente entre la moneda y el sacrilegio. Para ello se han seleccionado piezas clave dentro de la amonedación romana tardorrepublicana y altoimperial, abarcando un marco cronológico que data, de manera aproximada entre el 133 a.C. y el 192 d.C. y se ha estudiado la vinculación existente entre los tipos expuestos y su contexto sociopolítico.

La presente investigación tiene como objetivo de estudio la iconografía del llanto de Isis y Neftis en conjunción con la literatura funeraria de época ptolemaica y romana donde se nos habla del duelo de las Dos Hermanas. Aunque el dolor de ambas diosas por la muerte de Osiris no quedó restringido a la literatura funeraria del periodo ptolemaico, parece que fue entonces cuando este tema se desarrolló con mayor detalle. Para realizar este estudio se han tenido en cuenta los textos de Las glorificaciones, entre los cuales se hallan los conocidos como Las lamentaciones de Isis y Neftis, al mismo tiempo que las representaciones de Isis y Neftis en diferentes soportes hallados en contexto funerario. La iconografía de las dos diosas nos muestra alusiones a los textos funerarios, la utilización del llanto como un elemento ritual para garantizar la pervivencia de la persona difunta en el Más Allá. Acentúa, además, la identificación del muerto con Osiris a través del arte pictórico y los rituales funerarios.

Analisar, descrever e classificar as realizações do homem consideradas cultural e socialmente arte é refletir sobre as experiências e os efeitos estéticos em diversos contextos ao longo da história e, principalmente, sobre os juízos de valores e imagem culturais. Nesse sentido, este artigo aborda a consciência histórica como um fenômeno coletivo desenvolvido pela cultura ocidental moderna ao encontro de um novo contexto, atual e decolonial. Por meio de uma revisão da literatura sobre a formação das disciplinas Estética e História da Arte, objetiva-se interpretar o significado da arte como imagem formadora dos ideais contemporâneos para um mundo sustentável, valorizando as diferenças como proposta de revisão do conhecimento estabelecido pelo ocidente, considerando novas narrativas com foco nos estudos da cultura visual para a formação de uma história inclusiva da arte. Para isso, os efeitos desse novo contexto são discutidos mediante a experiência estética sobre os desafios da construção de conhecimento ao se reverem os principais valores da cultura ocidental. Assim, conclui-se por meio desta análise que é necessário interpretar as transformações culturais pelas artes em relação às mudanças materiais, éticas e estéticas que envolvem a consciência histórica e novos desenvolvimentos para conhecimento em humanidades nos ambientes ocidentais e não ocidentais.

Dentro de los objetivos del presente artículo tenemos la tarea de exponer una comparación de algunas estampas de Francisco de Goya con imágenes disponibles del arte sacro en la época del artista que ofrecen poses muy similares de los personajes centrales respectivamente. Se va a realizar la descripción iconográfica de las estampas a comparar para encontrar los detalles que nos hablan en algunos casos de posibles relaciones directas, o en otros, de estilos comunes presentes en las representaciones del arte religioso en general y su presencia en la obra de Goya. La metodología se centra en los planteamientos para los estudios en tres etapas de Erwin Panofsky y con ello nos referimos a las etapas pre-iconográfica, iconográfica y la iconológica. Se consideran en este análisis elementos que mantienen posibilidades de asociación en el terreno interpretativo de acuerdo al contexto histórico y social de producción de las obras. La recuperación de elementos propios de una tradición iconográfica religiosa no siempre se realiza desde una sola perspectiva, sino de varias.

Review about Iván Rega Castro and Borja Franco Llopis´new book; Imágenes del islam y fiesta pública en la corte portuguesa. De la Unión Ibérica al terremoto de Lisboa, (Gijón: Ediciones Trea, 2021), 198 págs., (ISBN 978–84-18105–46 3).

This article proposes the thesis that Ignatius of Loyola was a radiant saint, an idea based on the visual strategies employed by the Society of Jesus in its Roman projects of the Seicento. This corporate cult image was originated in the literary and graphic sources of the order from the late 16th century, and was divided into two normative images: scenes in which Ignatius was enlightened by various divine apparitions; and scenes in which Ignatius himself shone. For the Jesuits, their founder was the prototype of the mystical saint enlightened by divinity, and this radiance became one of the most important visual markers of Jesuit iconography.

A partir del análisis de la obra fotográfica y en particular de la serie Mujeres de México de la artista polaca-norteamericana Bernice Kolko, el propósito de este texto es deconstruir una de las narrativas de violencia que han sufrido las mujeres y, en particular las mujeres mexicanas, la violencia de la representación negada en la iconografía nacional posrevolucionaria. Mediante el acercamiento histórico al contexto posrevolucionario, a la vida y obra de la fotógrafa, y a dicha serie, se ausculta un imaginario cargado por las disímiles prácticas y costumbres de un México profundo, conformado por aquellos que han sido expulsados de las imágenes históricas. Este texto pretende poner de relieve el aporte que hizo esta artista al testimoniar y visibilizar parte de la historia social de las mujeres mexicanas de los años cincuenta.

Este artigo tem por objetivo analisar como a iconografia com temática musical, encontrada nos vasos cerâmicos de origem grega, especialmente do Período Clássico, pode ser vista como fonte para a interpretação e compreensão sobre o rol social ocupado pela música na cultura ateniense, sobretudo do século V a.C. Valendo-se da representação de figuras executando instrumentos musicais em contextos cotidianos, esse tipo de documentação nos permite entender os espaços da cidade em que a música era elemento cultural presente, bem como o papel do músico nesses contextos. Dessa forma, valorizamos também o papel dessas imagens dentro daqueles mesmos contextos, como registro da vida cotidiana e de uma mensagem a ser transmitida publicamente. Para tanto, tomamos para análise o testemunho dos vasos de formas tipicamente relacionadas ao contexto nupcial, os lebes gamikos, de uso exclusivo das cerimônias matrimoniais, e os loutrophoros, cujo uso é relacionado a ritos nupciais e funerários.

En este artículo abordamos las imágenes de la esclavitud en Brasil en el período colonial y en los inicios del Imperio, analizando las representaciones realizadas por los artistas que acompañaron al gobierno de Mauricio de Nassau durante la ocupación del nordeste de Brasil por los holandeses, de 1637 a 1644, y el Brasil retratado por el artista de la Misión Francesa Jean-Baptiste Debret, entre 1816 y 1831. Estas imágenes se inscribieron en el imaginario común y han sido constantemente reeditadas, contribuyendo a establecer el etnocentrismo que se ha arraigado en la literatura científica y popular, produciendo huellas indelebles en el diseño de la identidad cultural del país. [pt] Neste artigo discutimos as imagens da escravidão no Brasil no período colonial e no início do Império por meio da análise das representações feitas por artistas que acompanharam o governo de Maurício de Nassau durante a ocupação do Nordeste do Brasil pelos holandeses, de 1637 a 1644, e o Brasil retratado pelo artista da Missão Francesa Jean-Baptiste Debret, entre 1816 e 1831. Tais imagens foram inscritas no imaginário comum e têm sido constantemente reprisadas, contribuindo para firmar o etnocentrismo que se enraizou na literatura científica e popular, produzindo traços indeléveis no desenho da identidade cultural do país.

Este artigo analisa uma iconografia milenarista protestante conhecida popularmente como O plano divino através dos séculos. Afinal, que história é “relatada” nos limites de seu enquadramento? A fim de tratar dessa questão, empreendo uma leitura antropológica de inspiração estruturalista, cujo objetivo é demonstrar que a oikonomia de O plano divino opera como uma “máquina de suprimir o tempo” com predileção para uma urgência do “fim dos tempos”. O argumento central consiste, pois, em demonstrar que o esquema mítico dessa iconografia milenarista pode ser lido como uma específica filosofia da história, isto é, um sistema teleológico especulativo e variável em diferentes contextos.

El impacto de la Segunda Guerra Mundial en Uruguay ha sido tradicionalmente estudiado por la historiografía desde su costado socioeconómico, existiendo un gran vacío al respecto de su huella en el espacio cultural y artístico. El presente artículo se propone analizar, precisamente, aquellos cambios del corpus artístico uruguayo en relación con las representaciones de la muerte –en términos iconográficos, formales y expresivos– a partir de la Segunda Guerra Mundial. Por un lado, se estudian vertientes iconográficas relacionadas a la presencia explícita de la muerte, mientras que por otro se sugiere una serie de obras en las que se desarrollan tópicos y atmósferas que se vinculan de manera indirecta, aunque sin aludir llanamente a ella. Es en este caso donde destaca la presencia melancólica de una manera omnipresente.

Los símbolos que la tradición ha aplicado a la Virgen María tienden a identificarse, en los estudios de cultura visual, como los “símbolos de las letanías marianas” o “símbolos de la letanía lauretana”. El presente artículo rastrea su origen en la patrística y su presencia en la Edad Media y Moderna, demostrando que su uso trasciende ampliamente las composiciones litánicas y ofreciendo una posible explicación para esta (mal)interpretación generalizada. Igualmente, propone sistematizar en cuatro grandes fórmulas la tipología general de Virgen acompañada de símbolos, al tiempo que evidencia cómo el significado de estos viene condicionado por la representación mariana que completan. Finalmente, aborda la presencia aislada de los mismos, planteando tanto qué pudo favorecer su autonomía, como la necesidad de cuestionarse dicha independencia.

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Della statua in terracotta di Eracle conservata nel Museo d’Arte rimane la testa coperta dalla leonté e parte del busto. La provenienza dell'opera è sconosciuta, ma il suo inquadramento stilistico e formale suggerisce una datazione entro la metà del IV secolo a.C. e un’attribuzione a ambiente etrusco-laziale. L’insieme della fronte ampia, del mento pronunciato nel quale si inscrivono tratti del volto di dimensioni contenute e la leonté simile più a un elmo sembrano distaccare questa particolare apoteosi dalle altre finora note. The head covered by the lionskin, and part of the bust are what remains of the terracotta statue of Heracles preserved in the Art Museum. The provenience of the work is unknown, but its stylistic and formal details suggest an attribution to an Etrusco-Latial environment of the fourth century BCE. The combination of the broad forehead with the pronounced chin, in which are inscribed facial features of smaller dimensions, and the helmet-like lionskin seem to distinguish this particular apotheosis from the others known so far.

The labels or tags that, attached to the bottles, serve to identify their content, have their heyday in the Marco del Jerez in the period between the last third of the 19th century and the Spanish Civil War. Among the iconographic motifs that serve to illustrate this new form of emblems, there are those alluding to the classical world, although they do not constitute a majority. This paper seeks to find the reason why these iconographic motifs are used, either because of the quality of the wine or liquor, the target public or the place where it is to be consumed. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

In popular culture, the term mainstream is related to those icons of cinema, art, and politics that have spread in a globalized world thanks to the media and advertising, transcending decades and re-emerging at different historical periods. This research will observe how social media users create content using the chosen cultural icons (Frida Kahlo, Che Guevara, Marilyn Monroe, and Pablo Picasso). The methodology has a mixed approach with quantitative variables—total number of publications, reach, impact, engagement—and qualitative content analysis to find the values mainly attributed to each of these icons in social media. The content analysis reveals that the publications are used almost exclusively as a tribute and branding, that Frida Kahlo is the character most used to sell art and fashion, and with whom young people (20–30 years old) identify the most, and that the images of Che and Marilyn Monroe are the ones that get the most likes and comments, with the highest level of interaction and engagement (especially among the 35–45-year-old audience). Concerning the analysis of the values most represented in the publications (which strengthen a massive discourse), art is the intangible most used to personify Frida and Picasso. At the same time, patriotism and freedom are more linked to Che and love, beauty, and sensuality to Marilyn. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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